Earticle

오늘날 소위 ‘7080 음악’으로 불리는 포크 송 계열의 한국 대중음악이 있다. 이 글은 그 음악이 미국 대중음악의 영향을 받아 형성된 것이라는 전제 아래 그 전달과 수용, 향유 및 그 과정에 대해 고찰하려는 시도다. 여기서 다루는 미국 대중음악은 1950년대 전후 미군의 진주와 더불어 ‘미8군 무대’로부터 전달되어 1960년대 말 이후 본격적으로 한국 대중음악에 영향을 미쳤다. 근대화 일변도의 사회적 변화를 주도하면서 대중음악을 사회분위기 진작의 도구로 삼으려는 정부는 금지곡 지정과 건전가요 보급 등으로 대중음악을 통제했다. 그런 상황에서 대중음악의 향유 주체인 대중은 미국 대중음악을 재해석하고 그에 자신의 의식을 투사하여 한국화하였다. 특히 1970년대 중반, 사회를 억압적으로 이끌어가는 정부에 맞선 대중은 대중음악의 향유를 통한 우회적 저항을 통해 문화적 주체성을 갖추었다. 이처럼 사회적, 국가적 틀을 뛰어넘은 ‘문화적 위치감각’을 갖게 된 대중은 서구 대중음악의 자발적이고 주체적인 향유를 통해 억압에 저항하고 문화제국주의를 극복하는 법, 즉 ‘문화적 식민 / 반식민’의 대립적 이분법을 초월하는 능동성을 갖추게 되었다. 결국 ‘미8군 무대’ 음악은 미국식 문화제국주의를 확산시키는 수단으로 도입되었으나 대중은 이를 주체적으로 재해석하여 문화적 정체성을 찾았다. 이는 “강대국 중심의 이식성을 추구한 결과” 아니라 나름대로 당대사회를 비판해가며 문화제국주의를 극복한 결과로 볼 수 있다. 이 글은 그런 미국 대중음악의 전달과 수용, 대중의 향유를 과정과 담당층을 추적하여 이를 민속예술로 볼 수 있음을 밝히려 한 시도이다.

This treatise aims at the explaining of the origin of ‘7080 music’ which is boomed in Korean society nowadays. The Korean modern popular music had been originated and affected by the American popular music which are standard pop song, jazz, folk songs, and rock music etc from the ages of the ages of Korean Empire. From then to today, the envious feeling about American culture had been related and evoked especially at the moment to meet ‘stage of U.S. army’ in the early 1950years. Korean people accepted American popular music as the part of colonialism culture in the beginning. However, as times go by, they became to enjoy it subjectively and use it as tools to resist to the pressure of government during society has been industrialized and modernized. The Korean people’s method of resistance was not to collide against government directly, but they tried to reanalyze Americanized popular music and project their hopeful consciousness for democracy and freedom to it. So ‘the folk song movement’ in the period from late 1960s to early 1970s was resulted as ‘7080 music’ nowadays. Now, Korean people became to be the real subject of their own culture and enjoying the Americanized Korean songs subjectively.

성악과 실용음악 간에 추구하는 노래와 발성의 차이로 인해 이들의 음성위생에 대한 지식과 수행하는 수준은 다를 수 있다. 본 연구는 대학교에서 성악 또는 실용음악을 전공하는 대학생 121(성악전공생 58, 실용음악전공생 63)명을 대상으로 음성위생 지식과 수행을 비교하였다. 또한 음성위생 지식과 수행 정도와 주관적 음성평가 간의 상관성을 살펴보았다. 연구결과, 음성위생 지식과 수행 모두 성악전공생이 실용음악전공생에 비해 유의하게 높았으며, 전체 집단에서 음성위생 수행이 지식에 비해 유의하게 높은 점수를 보였다. 또한 음성위생 지식과 수행 정도는 낮은 양의 상관관계를 보였고, 음성위생 수행과 주관적 평가는 낮은 음의 상관관계를 보였다. 본 연구를 통해 성악전공생에 비해 실용음악전공생이 음성위생 지식과 수행 정도가 상대적으로 낮다는 것을 알 수 있다. 또한 성악전공생과 실용음악전공생 모두 특정 음성위생 항목에 대한 지식과 수행수준이 낮아 이들에게 맞는 맞춤형 음성위생 교육프로그램을 제공할 필요가 있음을 밝혔다.

Due to differences in singing styles and voice production between classical and popular music singers, their knowledge and practice regarding vocal hygiene may differ. This study compared the knowledge and practice of vocal hygiene among 121 university undergraduate students (58 classical and 63 popular music vocal majors). Additionally, the correlation between the level of knowledge and practice of vocal hygiene and the subjective voice evaluation was examined. The results revealed that both knowledge and practice of vocal hygiene were significantly higher in classical than popular music vocal majors, and that vocal hygiene practice was significantly higher than knowledge in the entire group. In addition, there was a weak positive correlation between knowledge and practice of vocal hygiene; and a weak negative correlation between vocal hygiene practice and subjective voice evaluation. This study suggests that popular music vocal majors have relatively lower levels of knowledge and practice in vocal hygiene than classical music vocal majors. It also highlights the need to provide tailored vocal hygiene education programs for both classical and popular music vocal majors, as they show low levels of knowledge and practice in certain aspects of vocal hygiene.

본 연구는 한국과 미국의 대중음악 시장을 대상으로 앨범커버 디자인과 곡 제목 표현의 차이를 비교 분석함으로써, 국가별 문화적 특성이 음악 파라텍스트(Paratext)에 어떠한 방식으로 반영되는지를 규명하고자 하였다. 이를 기반으로 대중문화 분야 크리에이티브 전략 수립에 실천적인 시사점을 제시하는 데에 목적이 있다. 이를 위해 리처드 니스벳의 종합적 사고경향(Holistic Thinking)-분석적 사고경향(Analytic Thinking)을 이론적 틀로 적용하였다. 연구 대상은 2024년 기준 멜론 차트 상위 100곡과 빌보드 차트 상위 100곡으로 선정하였으며, 앨범커버의 시각적 요소와 곡 제목의 언어 표현을 중심으로 내용분석 방법을 2인의 코더가 수행하였다. 수집된 자료는 SPSS 26.0 프로그램을 활용해 빈도분석, 교차분석, 다변량 판별분석을 수행하여 국가 간 차이를 검증하였다. 분석 결과, 한국 앨범커버는 미국에 비해 보다 추상적인 시각적 표현을 활용하는 경향이 나타났으며, 앨범커버 내 등장인물 수에서는 통계적으로 유의미한 차이는 확인되지 않았으나 한국에서 상대적으로 높은 빈도가 관찰되었다. 색채 사용에 있어서는 한국 앨범커버에서 파란색 계열의 활용이 두드러졌고 미국에서는 검정색 계열의 사용 빈도가 높게 나타났으며, 양국 모두에서 파란색의 비중이 공통적으로 높게 나타났다. 또한 사용된 색상의 수를 비교한 결과, 한국은 미국보다 더 다양한 색채를 활용하여 시각적 조화를 추구하는 경향을 보였다. 곡 제목 표현 분석에서는 미국이 자기표현형 제목을, 한국이 관계지향적 표현을 상대적으로 더 많이 사용하는 것으로 나타났다. 이러한 연구 결과는 한국과 미국 간 사고 경향의 차이가 대중음악의 시각적 및 언어적 파라텍스트에 반영되고 있음을 시사하며, 문화 차이 연구에 대한 학문적 시사점과 함께 글로벌 대중음악 시장에서의 마케팅 커뮤니케이션 전략 수립에 실무적 시사점을 제공한다.

This study examines how national cultural characteristics are reflected in popular music paratexts by comparing differences in album cover design and song title expressions across the South Korean and U.S. popular music markets. Based on these analyses, the study seeks to offer practical implications for developing creative strategies in popular culture. To achieve this objective, Richard Nisbett’s framework of holistic versus analytic thinking was adopted as the theoretical foundation. The research sample consisted of the Top 100 songs from the Melon chart in South Korea and the Billboard chart in the U.S. as of 2024. A content analysis of the visual elements of album covers and the linguistic expressions of song titles was conducted by two independent coders. The collected data were analyzed using SPSS 26.0 through frequency analysis, cross-tabulation, and multiple discriminant analysis to examine cross-national differences. The results indicate that Korean album covers tend to employ more abstract visual expressions than those in the U.S. sample. Although no statistically significant difference was found in the number of people appearing on album covers, the Korean sample showed a relatively higher frequency of human figures. In terms of color usage, blue tones were particularly prominent in Korean album covers, whereas black tones appeared more frequently in U.S. album covers; nevertheless, blue was commonly used in both countries. Furthermore, Korean album covers utilized a greater variety of colors than U.S. album covers, suggesting a tendency toward visual harmony through more diverse color combinations. In the analysis of song title expressions, the U.S. sample showed a higher prevalence of self-expressive titles, whereas the Korean sample used relational expressions more frequently. These findings suggest that differences in cognitive tendencies between Korea and the U.S. are reflected in the visual and linguistic paratexts of popular music. This study contributes to the literature on cross-cultural communication and cultural cognition and provides practical implications for marketing communication strategies in the global popular music industry.

본 연구는 1978년부터 1997년까지 홍콩 대중음악에서 이루어진 나카지마 미유키 작품의 번안 양상을 문화번역의 관점에서 고찰하였다. 연구 대상은 나카지마 미유키가 작사·작곡한 곡을 바탕으로 한 광둥어 번안곡이며, 문화 간 전파 과정에서 의미와 정서 구조가 어떻게 재조직되었는지를 분석하였다. 선율과 편곡의 직접 비교에는 한계가 있으므로, 본 연구는 가사, 리듬, 가수 이미지의 세 차원을 중심으로 논의를 전개하였다. 또한 1978년부터 1993년까지와 1994년부터 1997년까지의 두 시기에서 대표 사례를 선정하여 시기별 번역 양상을 비교하였다. 연구 결과, 두 시기에는 뚜렷한 차이가 나타났다. 1978년부터 1993년까지의 번안곡은 주로 공공화, 긍정화, 주류화의 특성을 보였다. 일본 원곡에 나타난 사적이고 내향적인 정서는 보다 분명한 격려, 동행, 전진의 서사로 전환되었다. 리듬 변화는 비교적 크지 않았으며, 주류 가수들은 번안곡의 공적 설득력을 강화하였다. 반면 1994년부터 1997년까지의 번안 전략은 더욱 분화되었다. 추상적이고 절제된 정서는 우정, 실연, 욕망, 환상, 사랑받음과 같은 보다 직접적인 경험으로 전환되었다. 리듬은 기능적으로 분화되었고, 가수 이미지는 수용 방식을 조직하는 데 더욱 전문화된 역할을 수행하였다. 본 연구는 이러한 번안이 단순한 선율 반복이 아니라 단계적 문화번역의 실천이었음을 보여준다.

This study examines the adaptation of Nakajima Miyuki’s songs in Hong Kong popular music from 1978 to 1997 from the perspective of cultural translation. Focusing on Cantonese adaptations of songs written and composed by Nakajima Miyuki, it analyzes how meanings and emotional structures were reorganized in the process of cross-cultural transmission. Because direct comparison of melody and arrangement is often limited, the study centers on three dimensions: lyrics, rhythm, and singer image. Representative cases from two periods, 1978 to 1993 and 1994 to 1997, were selected to identify stage-specific translation patterns. The findings reveal clear differences between the two periods. From 1978 to 1993, adaptations mainly showed tendencies toward publicization, positivization, and mainstreamization. Private and introspective emotions in the Japanese originals were transformed into more explicit narratives of encouragement, companionship, and forward movement. Rhythmic changes remained relatively small, while mainstream singers reinforced the public persuasiveness of the adapted songs. From 1994 to 1997, adaptation strategies became more differentiated. Abstract and restrained emotions were transformed into more direct experiences of friendship, heartbreak, desire, fantasy, and being loved. Rhythm became functionally differentiated, and singer image played a more specialized role in shaping reception. The study concludes that these adaptations constituted a staged practice of cultural translation rather than a simple repetition of melody.

본 연구는 사회인지이론을 기반으로, 대중음악 전공자의 개인적 요인, 행동적 요인, 환경적 요인이 무대 위 표현능력과 연기 몰입에 미치는 영향을 실증적으로분석하고자 하였다. 연구대상은 국내 대학교 및 대학원에서 대중음악을 전공하며 정기적인 무대 경험과 보컬 퍼포먼스를 수행하는 398명의 학생으로 선정되었으며, 온라인과 오프라인 설문을 통해 자료를 수집하였다. 연구 결과, 세 가지 요인 모두 무대 표현력과 연기 몰입에 유의미한 긍정적 영향을 미치는 것으로 나타났으며, 특히 환경적 요인이 가장 높은 영향력을 보여, 신체적 표현과 감정의 일치가 공연 몰입과 표현력 향상에 핵심적임을 확인하였다. 행동적 요인은 과거 경험과 감정 회상 능력을 통해 공연자의 진정성 있는 표현과 몰입을 촉진하는 중요한 자원임이 드러났으며, 개인적 요인은 창의성과 상상력을 통해 무대에서 음악적 서사와관객과의 상호작용을 풍부하게 하는 것으로 나타났다. 또한 환경적 요인은 무대에서의 신체적 수행과 정서적 표현의 통합이 표현력과 몰입을 극대화하는 핵심 요소임을 시사하였다. 본 연구는 대중음악 전공자의 무대 표현력과 연기 몰입이 단순한 기술적 숙련도와 경험에만 의존하지 않고, 개인적·행동적·환경적 요인이 상호작용할 때 극대화된다는 점을 실증적으로 규명하였다. 이러한 결과는 공연예술 교육에서 정서 회상 훈련, 창의적 표현 활동, 신체-정서 일치 훈련을 통합한 교수 전략 설계의 필요성을 강조하며, 향후 교육 현장에서 이러한 요소들이 공연 성과와 전문성 향상으로 연결될 수 있도록 하는 프로그램 개발과 적용에 실질적인 시사점을 제공한다. 본 연구는 횡단적 조사에 기반하여 일반화에 한계가 있으므로, 후속 연구에서는 종단적 분석을 통해 대중음악 공연 교육의 효과성과 전문성을 심층적으로 검증할 필요가 있다.

This study empirically examined the effects of personal, behavioral, and environmental factors on stage expressiveness and acting flow among popular music majors, based on social cognitive theory. The participants were 398 students majoring in popular music at universities and graduate schools in South Korea, all of whom had regular stage experience and vocal performance practice. Data were collected through both online and offline surveys. The results indicated that all three factors positively influenced stage expressiveness and acting flow, with environmental factors having the strongest effect, highlighting that the alignment of bodily expression and emotion is a key determinant of performance expressiveness and immersion. Behavioral factors, reflecting past experiences and emotional recall, were shown to enhance authentic expression and psychological engagement. Personal factors, encompassing creativity and imagination, contributed to the enrichment of musical narratives and interaction with the audience. Moreover, environmental factors demonstrated that the integration of physical performance and emotional expression is crucial for maximizing expressiveness and immersion on stage. This study empirically confirms that the stage expressiveness and acting flow of popular music majors are not solely dependent on technical proficiency or performance experience, but are maximized when personal, behavioral, and environmental factors interact. These findings underscore the need for integrated instructional strategies in performing arts education, including emotional recall training, creative expression activities, and physical-emotional alignment exercises. They also provide practical implications for developing and implementing programs that enhance performance outcomes and professional competence in educational settings.

본 연구는 한국의 재즈 뮤지션 집단과 대중음악 지원사업을 제공하는 정부의 상호관계를 근거이론 방식으로 파악한 연구이다. 2024년 기준 국내 대중음악인의 연 평균소득은 901만원으로 집계되며 대중음악인들의 만성적 저소득을 해결하지 못하고 있다. 2024 국내 음악 이용자 조사에서 인디음악, 재즈 음악의 선호도는 각각 2.6%, 1.3%로 1위와 2위인 발라드, 댄스음악과 큰 차이를 내보였다. 이중 재즈 음악은 산업의 영세함과 낮은 인식으로 인해 음악시장에서 오랜 기간 낮은 점유율을 보였다. 정부는 다양한 대중음악 지원사업을 통해 대중음악인들에게 기회와 사회적 안전망을 제공하고 있으며 청춘마이크 사업은 정부의 공연 지원 사업 중 가장 큰 규모와 역사를 지니고 있어 많은 재즈 뮤지션들이 지원하는 지원 사업이다. 본 연구는 청춘마이크 사업의 지원 배경과 효율성 두 가지 질문으로 인터뷰를 진행했다. 8명의 재즈 뮤지션들을 대상으로 38개의 하위 범주, 7개의 중위 범주, 8개의 상위 범주로 분류했으며, 교차 검증과 반복 및 추가 질문을 통하여 이론적 포화에 도달함을 목표했다. 연구 결과로는 첫째, 청춘마이크 사업에 지원하는 배경에는 산업 거점의 부재, 안정적 생활의 갈망, 재즈 음악의 홍보 기회 제공으로 나타났으며 세 가지 배경의 핵심엔 경제적 요인이 작용했다. 둘째, 청춘마이크의 효율성에 관한 연구에서는 재즈 뮤지션들은 청춘마이크 사업을 지원하고 진행하는 과정에서 기존 대중에게 인식되던 재즈의 진입장벽을 재확인했다. 그 외 나이 제한, 시간제한 요소와 한 달에 한 번, 20분이라는 짧고 소모적인 사업 방식, 지역별 문화생활 편차 개선 도모를 이유로 문화 소외 지역에서 주로 공연하는 방식은 재즈 뮤지션들의 근본적 지원 계기였던 재즈 음악의 홍보 기회 제공에 상반되는 모순을 가지고 있었다. 사업 과정에서 겪은 재즈 음악의 진입장벽 해결의 대안으로 기존 재즈 음악을 변형한 새로운 공연모델을 연구하거나 SNS 홍보에 집중하는 결과로 나타났다. 청춘마이크 지원사업을 사례로 재즈 뮤지션 집단과 정부 및 지자체의 상호관계 연구가 본 연구의 목적이며 공공기관 대중음악 지원의 근본적 의의, 재즈음악으로 대변한 비주류 장르 음악의 성장 방안을 제시하였다.

This study investigates the relationship between South Korean jazz musicians and government-supported popular music programs through a Grounded Theory approach, using the Youth Mic program as a case study. Participants were grouped based on their experience with the program: prior participants, currently active performers, and those without prior experience. Through interviews, 102 open codes were derived and categorized to theorize the interaction between musicians and support systems. Findings indicate that economic motivations?such as the lack of industrial infrastructure, the pursuit of financial stability, and promotional opportunities?drive musicians to apply. However, limitations in the program’s structure, including age and time restrictions, hinder the program’s overall effectiveness. As a result of these structural limitations, the potential for broad-based promotion of jazz music was significantly reduced, which was a key reason musicians initially engaged with the program. In response, musicians began experimenting with alternative performance models aimed at reducing the perceived exclusivity of jazz. This study highlights the fundamental role of public-sector support in nurturing non-mainstream genres and suggests alternative strategies for sustainable growth within the jazz community in Korea.

1987년 이전 한국이 국제저작권협약에 가입하지 않아 외국곡을 무단 사용하더라도 특별한 제제가 따르지 않았고, 외국 팝송에 대한 대중의 선호도가 국내 가요보다 높았다. 이러한 이유로 라디오 FM에서는 방송시간의 80-90%를 외국 팝송프로그램이 차지하게 되었다. 하지만 1990년대가 되면서 국내 가요는 외국의 팝송보다 선호도가 더 높게 나타났고 외국 팝송 중심의 방송 편성도 이전과 차이를보였다. 이러한 변화는 음악저작권과 깊은 관련이 있었다. 2013년 한국음악저작권협회의 음악저작권료 수입은 1,200억 원으로 발표되었다. 이러한 음악저작권료 수입은 1987년을 전후하여 커다란 차이를 보이고 있는데, 1987년은 음악저작권법이 30년 만에 개정되었고, 국제저작권협회에 가입한 해이다. 저작권법개정 이후 방송국으로부터의 징수권이 확대되어 작사․작곡가의 저작권료 수입은 폭발적으로 상승하였고 국제저작권협회 가입을 통해 외국 저작물의 무단사용이 금지되면서 국내 작곡가들에게 창작의 기회가 확대되었다. 이처럼 음악저작권은 매년 고속 성장을 하고 있는데, 인터넷의 사용으로 향후1조원대 이상의 성장이 예상된다. 하지만 이러한 변화과정을 정리한 연구는 찾기힘들며, 이러한 변화가 국내 대중음악에 어떠한 영향을 미쳤는지 진행과정을 정리하는 것은 매우 필요한 작업이다. 1987년 이후 ‘저작권법 개정’이 방송사용료 징수와 같은 수익확대의 역할을 하였다면, ‘국제저작권협회 가입’은 외국음원과 번안곡의 무단사용금지라는 일종의 규제의 역할을 하였다. 앞에서 다룬 두 사안은 대중음악 창작물의 증가와 함께 국내가요의 선호도를 높이는데 영향을 주었다.

Korean popular music since the 1990s has become a popular genre higher than foreign pop songs. It may be as a result of the domestic flexible gained more sympathy from the public than foreign songs, this change has been deeply involved in music copyright. Music Royalty income in 2013 Korea Music Copyright Association was announced as 120 billion won. This music copyright royalty income is a big difference between before and after 1987. 1987, Music copyright law has been amended in 30 years since its establishment in 1957, is the year of joining the international copyright associations. Copyright income of composers, while incomes increased from broadcasters after amendments were rising explosively and due to join the International Association, unauthorized use of foreign music was banned. So opportunities of composition were extended to domestic composers. Thus the music copyright, but every year, and rapid growth is hard to find studies that summarizes the change process. The role of the Copyright Act amendments expanded the income from broadcasters, the joining of International Association was the role of a kind of regulation that prohibits unauthorized use of a foreign sound and music. Both of which have resulted in an increase of creation. The one had influences on composition through the economic needs, the latter regulation for the unauthorized use influenced the creative activation.

본 연구는 MZ세대 대학생을 대상으로 가치지향이 대중음악 교육 참여 태도에 미치는 영향을 분석하고, 이 과정에서 교육 목표 일치성이 수행하는 매개적 역할을 실증적으로 규명하는 것을 목적으로 하였다. 이를 위해 Schwartz의 가치지향 이론과 개인–환경 적합성(Person–Environment Fit) 이론을 이론적 기반으로 설정하고, MZ세대 대학생의 가치지향을 기능적, 사회적, 예술적 차원으로 구분하여 대중음악 교육 참여 태도와의 관계를 분석하였다. 연구를 위해 대학에 재학 중인 MZ세대 대학생을 대상으로 설문조사를 실시하였으며, 총 408부의 유효 설문 자료를 분석에 활용하였다. 연구 결과, 첫째, MZ세대 대학생의 가치지향은 대중음악 교육 참여 태도에 유의한 영향을 미치는 것으로 나타났다. 특히 기능적 가치지향과 사회적 가치지향은 인지적, 정서적, 행동적 참여 태도에 모두 긍정적인 영향을 미쳤으며, 예술적 가치지향은 정서적 및 행동적 참여 태도에는 유의한 영향을 미쳤으나 인지적 참여 태도에는 유의한 영향을 미치지 않는 것으로 나타났다. 둘째, 기능적, 사회적, 예술적 가치지향은 모두 교육 목표 일치성에 유의한 영향을 미치는 것으로 확인되었다. 셋째, 교육 목표 일치성은 인지적, 정서적, 행동적 참여 태도에 모두 유의한 영향을 미치는 것으로 나타났다. 넷째, 매개효과 분석 결과 기능적 가치지향과 사회적 가치지향은 교육 목표 일치성을 통해 대중음악 교육 참여 태도에 부분 매개효과를 가지는 것으로 나타났으며, 예술적 가치지향의 경우 정서적 및 행동적 참여 태도에서는 부분 매개효과가 확인되었으나 인지적 참여 태도에서는 매개효과가 유의하지 않은 것으로 나타났다.

This study aimed to examine the effects of value orientation on attitudes toward participation in popular music education among MZ-generation university students and to empirically investigate the mediating role of educational goal congruence in this relationship. To achieve this purpose, Schwartz’s value orientation theory and the Person?Environment Fit theory were adopted as the theoretical framework. The value orientation of MZ-generation university students was classified into functional, social, and artistic dimensions, and the relationships between these value orientations and attitudes toward participation in popular music education were analyzed. The results of the study are as follows. First, the value orientation of MZ-generation university students was found to have a significant effect on attitudes toward participation in popular music education. In particular, functional and social value orientations had positive effects on cognitive, affective, and behavioral participation attitudes. In contrast, artistic value orientation had significant effects on affective and behavioral attitudes but did not show a significant effect on cognitive participation attitude. Second, functional, social, and artistic value orientations were all found to have significant effects on educational goal congruence. Third, educational goal congruence had significant effects on cognitive, affective, and behavioral participation attitudes. Fourth, the results of the mediating effect analysis indicated that educational goal congruence partially mediated the relationships between functional and social value orientations and attitudes toward participation in popular music education. In the case of artistic value orientation, partial mediation effects were found for affective and behavioral attitudes, whereas the mediating effect was not significant for cognitive participation attitude.

우리나라 대중음악축제는 상대적으로 짧은 시간 동안 급성장하여 현재는 하나의 문화로 자리 잡았으나, 그 과정에서 난립⋅과잉경쟁⋅비싼 가격⋅획일화 등의 지속적 성장을 저해할 수 있는 여러 현상들이 발생하였다. 또한 산업으로서 대중음악축제에 대한 인식과 연구도 부족한 실정이다. 따라서 대중음악축제가 축제 나름대로의 전문성과 자생력을 갖기 위해서는 참가자의 욕구에 부합하는 축제를 개발하고 발전시킬 수 있는 방안이 필요하다는 문제의식을 기반으로 본 연구를 시작하였다. 이에 본 연구에서는 대중음악축제의 서비스 품질을 프로그램, 무대장치, 운영능력, 축제시설, 청결성의 다섯 가지 속성을 선행연구를 통해 도출하였고, 이러한 서비스 품질이 축제 참가자가 인지하는 정서적 이미지와 인지적 이미지에 어떤 영향을 미치며, 더 나아가 재방문의도에 미치는 영향에 대하여 실증분석을 통해 분석하였다. 분석결과 본 연구에서 축제 서비스 품질로 선택한 다섯 가지 요인은 정서적 이미지와 인지적 이미지에 긍정적인 영향을 미치는 것으로 나타났다. 또한 이미지의 두 가지 요인은 재방문의도에 유의미한 영향을 미치는 것으로 분석되었다. 이중 특히 대중음악축제의 서비스 품질 중에서 운영능력 요인이 가장 큰 영향력을 미치는 변수로 검증되었고 프로그램과 무대장치가 뒤를 이었는데, 대중음악축제 전반을 기획하고 운영하는 능력을배양함은 물론 운영전문가를 확보하는 일이 무엇보다 중요하고, 관객 취향에 맞는 우수한 음악 콘텐츠와 무대장치를 확보하는 것 또한 중요하다는 시사점을 보여주었다. 이 밖에도 분석결과를 바탕으로 향후 국내 대중 음악 축제가발전할 수 있는 방안에 대하여 몇 가지 시사점을 더 제시하였다.

The domestic popular music festival has achieved a rapid growth in a relatively short period of time and solidifiedits position as a culture, but in the meantime many adverse phenomena that could arrest continuous growth, such asoversupply, excessive competition, expensive price and uniformity, have occurred. In addition, perception andresearch on popular music festivals as an industry are unsatisfactory for the present. In this vein, this study aimed toanalyze the effect of festival service quality(program, stage setting, operation ability, facilities, cleanliness) onfestival image(affective and cognitive) and re-visit intention. The result showed that all of the festival service qualityfactor had influence on affective and cognitive image, which had direct effect on re-visit intention. Someimplications were presented as followed. In the music festival planning stage, the manager has to pay attention toincrease operation ability which were most influential factor among festival service quality factor. Festival visitorswere already aware of being crowed, poor accessibility but they did not allow operation mistake(stage, performanceetc.). In order to increase of intention to re-visit, the managers made a greater effort to raise the level of cognitivefestival image which were influenced by service quality factors.

本稿는 1960년대의 人氣歌謠와 2000년대 前半期의 人氣歌謠를 對象으로 남성어와 여성어를 收集하여 이를 指稱語와 表現語로 구분한 후 관찰된 변화의 양상을 男女의 地位 및 關係 變化와 관련하여 解釋한 연구이다. 1960년대 大衆歌謠의 성별 언어는 그 差異가 두드러지며 指稱語의 사용, 表現語의 사용을 통해 남녀의 지위가 同等하지 않고, 남녀 관계에서 여성이 남성에 從屬的이고 受動的임을 확인할 수 있다. 반면 2000년대 전반기 대중가요는 1960년대에 비해 성별 언어의 차이가 두드러지지 않고 指稱語 사용을 통해 남녀의 지위가 同等하게 變化되었으며, 表現語의 사용을 통해 남녀 性役割의 變化와 男女 關係를 主導하는 여성의 모습을 확인할 수 있다. 그러나 여전히 여성의 外貌 表現語와 否定的인 女性 性品 表現語가 남성어보다 많이 나타나며 여성을 所有物로 생각하는 노래 가사가 사용되고 있어 남녀에 대한 차별적 태도가 殘存함을 볼 수 있다.

This paper aims at study the difference between genderlects in the 1960s' and the early 2000s' popular music, and the changes they went through, according to reference terms and descriptive expression. In the 1960s' popular music, genderlects are quite distinct according to gender, showing sexual inequality in social status, and the passivity and dependence of women in the relationship between men and women. On the other hand, popular music in the early 2000s' refer to men as 'neo(you)' in the same manner as to women, revealing change to gender equality. Also, the boundaries between male and female gender roles are becoming blurred as men do cooking and shopping like women do. Furthermore, descriptive expression about women's work and behavior, display changes in women, leading man-and-woman relationships and having more active attitudes in their own lives. The significance of this thesis lies in that it approached to the practical aspect of genderlects by analyzing words in popular music.

본 연구는 펜데믹 종료 이후 빠르게 성장하고 있는 대중음악 페스티벌의 지속 가능하고 안정적인 성장을 도모하기 위해 대중음악 페스티벌 선택에 영향을 미치는 요인간의 구조적 영향 관계를 살펴보는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 확장된 계획행동이론(Extended Theory of Planned Behavior, ETPB)을 적용하여, 대중음악 페스티벌의 선택속성이 참여자의 태도 및 재방문의도에 미치는 영향과 ‘독특성 추구 성향’의 조절효과를 분석하였으며, 국내에서 매년 개최되는 대중음악 페스티벌 중 세 곳을 선정하여 현장을 직접 방문한 참여자를 대상으로 설문조사를 실시하여 데이터를 수집하였다. 분석 결과, 대중음악 페스티벌 선택속성 중 프로그램, 편의시설, 티켓가격은 참여자의 태도에 유의한 영향을 미친 반면, 공연품질과 장소는 영향을 미치지 않는 것으로 나타났다. 특히, ‘독특성 추구 성향’이라는 개인 특성이 대중음악 페스티벌의 선택과 태도에 미치는 조절효과를 검증하였는데, 독특성 추구성향의 세가지 하위 요인인 (창의적 선택, 비대중적 선택, 유사성 회피)을 기준으로 대중음악 페스티벌의 선택속성과 참여자의 태도 간의 일부 경로에서 유의한 조절효과가 확인되었다. 본 연구는 대중음악 페스티벌의 기획 및 마케팅 전략 수립에 있어, 대중음악 페스티벌 선택에 영향을 미치는 요인들과 개인 성향의 상호작용을 고려한 실증적 근거를 제시함으로써 경쟁력 강화를 위한 기초자료로서 의의를 가진다.

This study aims to investigate the structural relationships among the factors influencing the selection of popular music festivals, with the goal of promoting their sustainable and stable growth in the post-pandemic era. To achieve this, the Extended Theory of Planned Behavior (ETPB) was applied to analyze the effects of festival selection attributes on participants’ attitudes and revisit intentions, as well as the moderating effect of the individual trait “need for uniqueness.” Surveys were conducted with attendees of three major popular music festivals held annually in South Korea, with data collected through on-site participation. The analysis revealed that among the selection attributes, program, convenience facilities, and ticket price significantly influenced participants’ attitudes, whereas performance quality and location did not. Notably, the moderating effect of the need for uniqueness was confirmed, with its three sub-factors?creative choice, unpopular choice, and avoidance of similarity ?showing significant moderating effects on certain paths between selection attributes and participant attitudes. This study provides empirical evidence on the interaction between selection factors and individual traits, offering foundational insights for the development of planning and marketing strategies aimed at enhancing the competitiveness of popular music festivals.

최근 우리나라의 대중문화산업은 빠른 속도로 성장하고 있다. 영화, 음악, 드라마 등 여러 분야에서 성장을 이어가고 있지만 그 중 단연 돋보이는 것은 한국의 대중음악이다. 케이팝(K-POP)으로 대표되는 한국의 대중음악은 인터넷의 발달로 전 세계에서 인기를 얻고 있다. 이렇게 양적으로 크게 성장한 음악시장에서는 음악저작물의 생산과 유통 과정에서 발생하는 법적분쟁의 증가 가능성이 높아진다. 저작권법은 저작권의 보호와 창작활동의 자유 보장이라는 관점에서 두 권리의 균형점을 모색하여야 한다. 음악저작자의 권리보호와 창작의 자유가 맞닿은 접점에서 가장 문제가 될 수 있는 것이 샘플링(sampling) 또는 리믹스(remix, 또는 매시업: mash up) 기법이다. 원저작물의 일부를 그대로 또는 조작·변형하여 새로운 창작물의 구성요소로 사용하는 샘플링 기법은 최근 디지털 기술의 발달로 음악 전문가뿐만 아니라 일반인도 프로그램을 이용해 손쉽게 자신의 창작물을 생산 및 유통할 수 있게 되면서 기법의 사용 정도에 따라 저작권 침해의 문제를 안고 있다. 본고에서는 샘플링 또는 리믹스 기법에 대해 살펴보고(II), 저작권 침해의 요건을 음악적 관점에서 살펴본 뒤, 샘플링의 특징과 함께 저작권 침해에 관하여 검토해본다(III). 결론(IV)에서는 샘플링을 사용한 음악저작물의 저작권 침해여부 판단에 있어서, 최근 미국의 판례에서 보여준 공정이용(fair use) 법리를 살펴보고 음악저작물의 특성인 창작성요소와 비창작성요소의 구분을 통해 접근할 수 있는 방안을 제시하고자 한다.

Recently, Korea's popular culture industry is growing rapidly. It is growing in various fields such as movies, music and drama, and the most outstanding among them is Korean popular music. Korean popular music, represented by K-POP, is gaining popularity around the world due to the development of the Internet. In this quantitatively large music market, the possibility of increasing legal disputes arising from the production and distribution of musical works increases. The copyright law should seek a balance between rights in terms of protection of copyright and freedom of creation. The most problematic point of contact between the music creator's rights protection and creative freedom is sampling or remix (or mash up) techniques. Sampling techniques that use a part of original work as it is or manipulate and modify it as a component of a new creation have copyright infringement problems depending on the usage of the technique. Because the recent development of digital technology, not only music professionals but also ordinary people can easily produce and distribute their own productions using programs. In this paper, I examine the sampling or remix technique (II), examine the requirements of copyright infringement from a musical point of view, and then examine the characteristics of sampling and copyright infringement (III). In conclusion (IV), I consider the fair use doctrine recently presented in the US case to judge the copyright infringement of musical works using sampling, and I would like to suggest a method of approaching through the distinction between the creativity element and the non-composing element, which are the characteristics of musical works.

Joyce Carol Oates’s “Where are you going, where have you been?” is one of the most anthologized short stories used in American college education. Written and first published in 1966, Oates’s story of a fatal encounter between a teenage girl Connie and an enigmatic visitor who seduces and threatens her to leave home interestingly interweaves a real-life murder scandal with the details of youth culture, allegories and mystery. The role of popular music is crucial to better understand Connie as a teenage female protagonist in the landscape of Cold War America. While she wanders around the limited territory between her home and shopping malls, “the music is always in the background.” Though Oates never uses any specific song lyrics or names, imagining Connie’s radio play list and reading the lyrics of the hits in the mid-60s effectively inspire readers to understand her yearning for freedom and independence as well as her vague dreams of romance the songs promise and betray. Songs by Bob Dylan, Crispian St. Peters, Petula Clark, The Byrds, and the Shangri-Las are examined as a soundtrack of Connie’s life and the society she lived in.

대중음악은 생산과 소비 과정에서 청년들의 내재된 욕망과 가치관이 잘 드러나는 공간이다. 그동안 한국의 청년세대 및 청년문화에 대한 논의는 주로 기성세대에 대한 저항이라는 정치적 논리 안에서 진행되어왔다. 그러나 이는 청년문화가 갖고 있는 고유한 미시적 특성들을 간과한다는 점에서 한계를 갖는다. 이에 본 연구는 미메시스 이론을 통해 대중음악 안에서 청년세대가 주체적으로 만들고 공유하는 기호 및 담론은 무엇이며, 그것이 사회적 맥락과 어떻게 연관되는 가를 살펴보았다. 그 결과, 1990년대 음악 <교실 이데아>와 <We are the future>에서는 기성세대에 대한 저항을 나타내는 이야기 구조 및 이항 대립이 두드러졌으며, 억압성 및 집합성을 나타내는 단어 표현들이 자주 등장한 반면, 2010년대 음악 <Palette>와 <Tomboy>에서는 파편화된 기호들이 다수 등장하며 그것들을 개별적인 문맥 안에서 재구성하는 담론 구조가 발견되었다. 이는 당시의 사회적 맥락 안에서 청년들이 경험하는 감성과 욕구를 가시화함으로써 그들로부터 많은 공감과 인기를 얻은 것으로 판단된다. 이를 통해 청년음악에 대한 고정된 시각적 접근에서 벗어나 시대적 맥락 안에서 음악에 담긴 청년들의 감성 및 욕망 등을 주목할 필요성을 제기한다.

Popular music is a spce where intrinsic desires and values of young people are well exposed in its process of production and consumption. Previous discussions of Korean youth and youth culture have been proceeding mainly in the sense of their resistances to older generation. However, this is limited in that it neglects the inherent microscopic characteristics of youth culture. The purpose of this study is to investigate what the signs and discourses of youth generation make and share in popular music, and how it relates to social context through the 'Mimesis' theory. As a result, the songs of the 1990s remarkably showed the resistance to the old generation in its narrative structure and have signs which expresses repression and uniformity. On the other hand, the songs of the 2010s have many fragmented signs which has been reconstructed into individualized discourse structure. It is assumed that the songs have been able to gain a lot of empathy and popularity from the young generation by visualizing emotions and desires experienced by themselves in the social context. Through this study, it suggests to pay attention to the sensitivity, desire and creativity of young people in music in the social and cultural context of the time.

오늘날 개인의 정치성향은 정치, 경제, 사회 영역의 주요 논쟁에서뿐만 아니라 일상의 다양한 분야에서 영향력을 행사하고 있다. ‘문화전쟁’ 또는 ‘삶의 방식에 관한 정치’란 개인이 가진 이념성향이나 정치적 신념에 따라 사람들이 소유한 취향 또는 선호의 대상에서 명확한 차이가 발생하는 현상을 말한다. 본 논문은 우리 사회의 일상 영역에서도 이와 같은 ‘문화전쟁’ 또는 ‘삶의 방식에 관한 정치’라고 불릴 수 있는 현상이 나타나고 있는지 확인해보려 한다. 이를 위해지난 60여 년간 우리나라에서 크게 유행했던 대표적인 대중가요 14곡을 선정했으며, 응답자들의 정치성향에 따라 이들 노래에 대한 선호도가 어떻게 변화하는지 조사하였다. 그 결과 다음 두 가지 사실을 확인하였다. 첫째, 개별 대중가요의 차원에서는 보수적 성향의 사람들과 진보적 성향의 사람들이 선호하는 각각의 노래 구분이 가능하다. 둘째, 그럼에도 불구하고 개인이 지닌 인구사회학적 속성과 무관하게 진보성향(또는 보수성향)의 사람들이라면 공통적으로 좋아하는 노래들의 집단이 존재하는지는 확인할 수는 없었다. 본문에서는 이러한 발견이 갖는 함의가 무엇인지 좀 더 자세한 설명을 덧붙이고 있다.

Individual political orientations make influence not only on debates of socio-economic issues, but also on diverse areas of everyday life. The terms like “Culture War” or “Lifestyle Politics” indicate that people have distinct tastes over the everyday issues according to their political beliefs or ideologies. This paper investigates whether such phenomena as culture war or lifestyle politics occur in the everyday life of Korean society. We have chosen 14 representative Korean popular songs over last 60 years in order to analyze how much respondents like (or dislike) each selected song depending on their political orientation. The two significant results were found. First, as for individual popular songs, there is a clear difference between conservative people and liberal ones. Second, however, there hardly exists a distinct group of popular songs more preferred by liberal or conservative persons regardless of their socio-economic attributes.

이 논문은 경서도의 통속민요 가운데 남북한이 각각 경기민요와 서도민요로 달리 분류하고 있는 몇몇 노래들을 대상으로 통속민요가 반영하고 있는 문화 변동과 연주 실제를 살펴보고, 민요의 지역권과 음악 인식에 대한 문제를 제기한 글이다. 같은 민요를 두고 북한에서는 서도민요로, 남한에서는 경기민요로 그 지역권을 주장하고 있는 노래로서 <양산도>, <군밤타령>, <풍년가>, <방아타령>, <도라지타령> 등을 살펴보았다. 이 노래들은 본디 경서도의 소리로서 그 근원은 서도에 더 가까웠으나 남한에서 경기민요로 인식되는 과정을 통해 학술적 시각과 분단적 상황 사이의 모호한 입장이 결국 인식의 경계를 갈라놓았음을 알 수 있었다. 사당패소리에서 비롯된 <양산도>와 <방아타령>은 사실상 경기와 서도로 구분하는 일이 무의미하다. <풍년가>, <군밤타령>, <도라지타령> 등은 20세기 초반에 이미 경서도 통속민요로 존재하다가 1930년대에 양악적 요소가 가미된 신민요로서 거듭 태어난 노래들이다. 이들 노래들은 신민요화 되면서 남한에서는 자연히 문화의 중심지인 서울 경기의 소리로 인식되기 시작한 것 같다. 이어지는 학문적 논의에서<양산도>, <방아타령> 등은 경기민요의 음악적 범주에 포함되어 진행되어 왔다. 북한의 입장에서 이 노래들은 오래 전부터 서도지역에서 불렸을 뿐만 아니라 특히 서도명창들에 의해 유행한 측면이 있기 때문에 서도민요로 간주한 것으로 보인다. 최근의 민요 연구 성과에서 오늘날 경토리로 설명되는 선율적 특징이 황해도 및 평안도의 향토민요에서 널리 발견되고 있는 점이 드러났다. 결과적으로 이들 음악어법이 북한의 향토음악에 내재하고 있는 점에서 서도민요로 인식한 것으로 판단된다. 통속민요는 다양한 계통성을 지니며 시대적 변천을 겪은 결과이기 때문에 이를 이해하기 위해서는 개별 민요의 연원과 변모 양상을 살펴볼 필요가 있다. 통속민요의 원초적 형태에 대한 분석에서 나아가 통속민요가 담보하고 있는 시대적인 변화와 음악적 변모에 대한 지속적인 관심이 이어지길 기대한다.

This paper raised the questions about regional classification, music awareness, musical practice and cultural changes that popular folksongs reflected on. There are some repertories that the two Koreas each categorize as Seodo(northwestern)/ Gyeonggi(central region) popular folksongs. On the same popular folk songs, i.e. Gunbam-taryeong, Doraji-taryeong, Bang’a-tar yeong, Yangsando, Pungnyeon-ga, the two Koreas claim that they belong to their regions. They were originally closer to the West as Gyeongseodo(northwern and central region) folk songs, but by looking at the process of being recognized as Gyeonggi(central region) popular folksongs in South Korea after division, I could understand how the boundaries of perception were divided by the ambiguous situation between academic viewpoint and the divided circumstances. Yangsando and Bang’a-taryeong, which had been sung by Sadangpae(traveling entertainment troupes), were sung together in two regions, as it is meaningless to distinguish them between the center and the northwest. Pungnyeon-ga, Gunbam-taryeong, and Doraji-taryeong were already popular sounds in the early 20th century, but they were arranged again as new folk songs of the 1930s, with the addition of Western musical elements. These songs seem to have become the sound of the central part, which is the cultural center in South Korea as they have become new folk songs. In the following academic discussions, the musical category of popular folk songs in Gyeonggi Province included Yangsando and Bang’a-taryeong etc. In North Korea, these songs seem to have long been sung in the northwestern region and considered to be their own follk songs especially in that they were sung by many singers from the northwestern region. However, the melodic characteristics of central region is also used in northwest, and it has been found to be more widely distributed in Pyeong’an area. As a result, the reason why these five popular folk songs are considered as their own music seems to be related to that such music is broadly used as folk songs in North Korea. Since today's popular folk songs came from various sources and are a product of historical changes, it is necessary to look at the origins and changes of individual folk songs understanding their nature. I hope that further research will be done on the changing aspects of the times that the folk song has undergone.

본 논문은 2020년 한 해 동안 국내 주요 음원 사이트 중 하나인 멜론차트에 진입한 음악들 안에서랩(Rap)의 활용과 기법을 분석한 연구이다. 대중들의선호가 반영되어 차트에 진입한 곡들 중 힙합음악의중요 요소인 랩 음악이 사용된 곡들의 트렌드를 분석하고 대표적인 아티스트, 혹은 자주 사용되는 리듬패턴 등 음악적 특징을 분석한다. 본 논문을 통해 요즘의 대중음악에서 대중들과 아티스트들이 선호하는 랩 음악의 음악적 특징을 정리하고 정형화했으며 이를 기반으로 기술 연마를 위한에튀드 개발의 요소를 정리하였다. 이를 통해 오랜시간 분석되고 체계화된 보컬과 악기 등의 연주기법들처럼, 다양한 스타일의 랩 음악 역시 이를 배우고연습하고자 하는 학생들이 체계적이고 단계적으로기술을 익혀나갈 수 있는 기법의 체계로 발전할 수있기를 기대한다

This paper is a study that analyzes the use and techniques of rap in music that entered Melon Chart, one of the major music sites in Korea, during 2020. Among the songs that entered the chart, reflecting the public's preference, the trend of rap music, an important element of hip-hop music, is analyzed and musical features such as representative artists or frequently used rhythm paterns are analyzed. Through this paper, characteristics of rap music favored by the public and artists in recent popular music have ben organized and formalized, and based on this, the elements of etude development for technical polishing are summarized. Through this, it is hoped that just like the long-time analyzed and structured performance techniques such as vocals and instruments, various styles of rap music can develop into a systematic and step-by-step technique system for students who want to learn and practice it.

목적 본 연구는 노인복지시설 종사자를 위한 음악치료 프로그램을 개발하고 효과를 검증하는 데 목적이 있다. 방법 김창대 등(2011)의 상담 및 심리교육 개발모형에 근거하여 구상하였다. 노인복지시설 종사자들의 특성 및 어려움을 문헌연구를 통해 탐색하고, 노인복지시설 종사자를 위한 음악치료 프로그램의 이론을 바탕으로 대중가요 활용과 관련된 선행연구를 고찰하였다. 또한 노인복지시설 전문가와 운영자들에게 프로그램 구성에 대한 자문을 얻었으며 프로그램 실시에 대한 예비 참여자들에게요구조사를 실시하였다. 이와 같은 선행연구와 자문을 바탕으로 프로그램의 목적과 목표. 구체적인 회기별 내용과 진행 방법을 개발하였다. 개발한 프로그램의 효과성 검증을 위하여 부산시 해운대구 소재 S사회복지법인 재가노인복지시설 종사자와 P노인여가시설 종사자 중에서 프로그램에 참여를 희망하는 24명을 선정하였고, 실험집단에 12명, 통제집단에 12명을 무선할당하여 실험집단에만 12회기 프로그램을 실시하였다. 이후 스트레스, 자기효능감, 심리적안녕감 설문지 검사를 사전과 사후에 실시해 효과성을 검증하였다. 실험집단과 통제집단 간의 차이를 검증하기 위해 각 집단의 사전검사를 공변인으로, 사후검사를 종속변인으로 하여 공분산분석(ANCOVA)을 실시하였다. 결과 연구결과 스트레스, 자기효능감, 심리적 안녕감 모두 실험집단과 통제집단 간의 유의미한 차이가 나타났다. 이를 통해 본 연구에서 개발한 음악치료가 노인복지시설 종사자의 스트레스, 자기효능감, 심리적 안녕감에 효과적임을 알 수 있다. 결론 본 연구에서 개발된 음악치료 프로그램이 노인복지시설 종사자들의 스트레스, 자기효능감, 심리적 안녕감에 도움을 줄 수 있다는 점에서 의의가 있다.

Objectives The purpose of this study is to develop a music therapy program for employees at welfare facilities for senior citizens and to verify its effectiveness. Methods This study, based on Kim Chang-dae et al. (2011)'s model, explored the challenges of employees at welfare facilities for senior citizens and reviewed previous studies on using popular songs in music therapy. Expert consultations and a needs assessment helped develop the program's objectives and methods. To test its effec tiveness, 24 employees from S Social Welfare Corporation and P Senior Leisure Facility in Busan were divided into experimental and control groups. The experimental group received 12 sessions, and pre- and post-tests measur ing stress, self-efficacy, and psychological well-being were analyzed using ANCOVA. Results The research results showed significant differences between the experimental and control groups in terms of stress, self-efficacy, and psychological well-being. This indicates that the music therapy developed in this study is effective in reducing stress and enhancing self-efficacy and psychological well-being for employees at welfare facilities for senior citizens. Conclusions The music therapy program developed in this study is significant in that it can help improve the stress, self-efficacy, and psychological well-being of employees working at welfare facilities for senior citizens.

본 논문은 독자적인 예술세계를 구축한 범패승의 구술생애사 연구를 시도하였다. 구술자의 생애사 분석을 통해 구술자 생애에서 삶의 전환점을 기준으로 ‘출가 -> 범패학습 -> 탁발수행’ 등 3단계로 구분하였다. 구술자는 고성염불을 “높은 소리로 하는 염불”로 해석하며 타의 추종을 불허하는 고음의 범패를 자신의 강점으로 피력하고 있다. 그러나 ‘고성염불 십종공덕’의 맥락에서 볼 때 ‘큰 소리로 하는 염불’로 해석하는 것이 타당한 것으로 보인다. 구술자가 대중포교를 위해 각설이타령에 법문내용을 사사로 붙여 만들었다는 무애법문가는 『삼국유사』에 전하는 원효의 무애가의 유래를 참고하여 창작한 노래다. 또한 구술자는 개인의 예술적 욕망과 대중포교를 위한 수단으로 시조와 판소리를 익혔는데, 전통음악 전승자들과 왕래하며 취미로 시조와 판소리를 익혀 대중 강연이나 공연에서 주요 레퍼토리로 활용하고 있다.