Earticle

본 연구는 피에르 부르디외의 문화자본론과 장(場) 이론을 이론적 분석틀로 활용하여 저스틴 비버 사례를 통해 온라인 공유 플랫폼에서 시작된 문화적 헤게모니의 형성과 확장 과정을 분석하였다. 내용분석 방법을 기반한 분석 결과는 다음과 같다. 비버의 초기 문화자본은 비제도적 정통성, 디지털 가시성, 정서적 진정성, 세대적 연결성이라는 특성을 가졌으며, 이것이 음악산업 장에서 인정받기 위해서는 전략적 중개자의 역할, 온·오프라인을 결합한 하이브리드 프로모션, 제도적 인정을 통한 정당화라는 메커니즘이 필요했다. 결과적으로 비버는 발굴 경로의 다원화, 정당성 부여 방식의 변화, 수익 모델의 다변화, 미디어 환경과의 관계 재편 등 음악산업의 기존 규칙과 권력 구조를 근본적으로 변화시키고 있음을 상징적으로 보여준다. 특히 비버의 위기와 재기 과정은 디지털 시대 문화자본의 취약성과 복원력을 동시에 보여주었으며, 그의 헤게모니 구축은 여러 플랫폼을 가로지르는 통합적 전략을 통해 이루어졌다. 본 연구는 디지털 시대 문화자본이 여전히 기존 산업 구조와의 접속과 전환이 중요하다는 점, 문화산업의 가치 창출 모델이 다변화되고 있다는 점, 그리고 디지털 환경에서 문화적 영향력 구축을 위해서는 다양한 플랫폼과 채널을 가로지르는 통합적 접근이 필요하다는 점을 시사한다.

This study examines Justin Bieber's case to analyze how cultural hegemony forms through online platforms, using Bourdieu's theories. The analysis revealed that Bieber's initial cultural capital was characterized by non-institutional legitimacy, digital visibility, emotional authenticity, and generational connectivity. His recognition in the music industry required strategic intermediaries, hybrid online-offline promotion, and institutional legitimization. Bieber symbolically represents fundamental changes in the music industry including diversified discovery pathways, altered legitimization processes, multiple revenue streams, and restructured media relationships. His career trajectory demonstrates both vulnerability and resilience of digital cultural capital. The research concludes that digital cultural capital still requires connection to traditional industry structures, cultural industry value models are diversifying, and building cultural influence in digital environments necessitates an integrated multi-platform approach.

인공지능(AI) 기술의 발전은 음악 산업에 혁신적인 변화를 가져오고 있다. 이러한 변화 중 하나로, 버추얼 가수(virtual singer)의 등장은 음악 창작과 소비의 새로운 패러다임을 제시하고 있다. 버추얼 가수는 AI 기술을 기반으로 생성된 가상의 인물로, 실제 가수처럼 노래를 부르고, 음반을 발매하며, 공연을 진행한다. 이러한 버추얼 가수의 등장은 실연료 지급과 분배에 관한 다양한 실무적, 법적 의문을 야기하고 있다. 본 논문에서는 버추얼 가수의 법적 지위와 실연료 귀속 문제를 분석하고, 음반제작자의 권리와 실연료 귀속에 관한 사항, 음악서비스 플랫폼 사업자의 음악사용료 지급 의무를 고찰한다. 특히 AI가 실연한 음악에 대해 실연자의 권리가 인정되지 않는다는 저작권법적 해석과는 별개로, 음악 플랫폼을 통해 상용 음악이 서비스되는 경우에는 그 음악의 실연으로 인한 수익이 적절히 분배되어야 한다는 점을 강조한다. 이는 AI 기술을 활용한 음악 제작의 투자를 보호하고, 버추얼 가수의 음악 시장 확장을 촉진하는 데 필수적이다. 음악의 창작과 소비 과정에서 발생하는 수익의 공정한 분배는 음악 산업의 지속 가능한 발전을 위해 핵심적인 요소이다. 이를 위해 법률과 산업계 간의 협력과 지속적인 연구가 필요하다. 버추얼 가수의 등장으로 인한 저작권과 사용료 문제를 해결하기 위해서는 법률의 정비뿐만 아니라, 산업계의 실무적 대응도 중요하다. 본 논문은 이러한 관점에서 버추얼 가수의 음악이 상용화되는 과정에서 발생하는 수익이 적절히 분배될 수 있도록 음반제작자가 실연료를 지급받을 수 있는 권리를 가져야 한다는 결론을 도출한다. 이는 음악 산업계가 원활하게 순환되고, AI와 음악이 결합된 새로운 창작 생태계가 안정적으로 발전할 수 있도록 돕기 위함이다. 이러한 논의는 버추얼 가수와 AI 기술이 가져오는 음악 산업의 혁신을 포용하고 법률과 실무의 괴리를 최소화하면서 음악 산업의 미래를 준비하는 데 중요하다.

The advancement of artificial intelligence (AI) technology has brought transformative changes to the music industry, notably through the emergence of virtual singers. These AI-generated personas perform songs, release albums, and hold concerts, raising practical and legal questions regarding the payment and distribution of performance royalties. This paper examines the legal status and entitlement to performance royalties of virtual singers through various case studies. It explores the rights and protections of record producers, the obligations of music service platform operators in paying music usage fees, and the implications of performance royalties for AI-generated music. The paper argues for a fair distribution of revenue from the performance of AI-generated music on commercial platforms, despite traditional copyright interpretations that do not recognize performance rights for such works. Continuous research and collaboration between legal and industrial sectors are essential to address these issues. The paper advocates that record producers should be entitled to receive performance royalties for AI-generated music, ensuring fair allocation of revenue and promoting the sustainable growth of the music industry. This approach supports the integration of AI in music while protecting the interests of creators and rights holders, preparing the industry for future challenges and opportunities.

Purpose Korean pop music and movies have attracted a vast audience across the world, resulting in a rapid increase in the export of cultural products in the 21st century. This phenomenon is often called as the Korean Wave. The Korean music industry has played a pivotal role in the export of cultural goods and services, as well as the general Korean Wave phenomenon. This research was performed to examine the growth pattern and competitiveness of the Korean music industry by region. Design/Methodology/Approach This study collected data on the seven sub-industries of the music industry of Seoul, seven Cities and nine Provinces for the period from 2013 to 2018. The data are regrouped for four regions: Seoul Metropolitan Region (Seoul, Incheon, and Kyunggi-do), Central Region (Daejeon, Sejong, Kangwon-do, Chungcheongnam-do, and Chungcheongbuk-do), Honam Region (Kwangju, Cheonranam-do, Cheonrabuk-do, and Jeju-do), and Yeongnam Region (Busan, Daegu, Wulsan, Kyungsangnam-do, and Kyungsangbuk-do). The paper then examined the data by applying shift-share analysis and regional growth differential analysis. Findings The Korean music industry has experienced rapid growth, while the metropolitan region leads the Korean music industry in sales. However, the metropolitan region lacks competitiveness in some sub-industries. Such sub-industries in other regions will be able to compete with leading regions and increase their competitiveness over capital regions. Research Implications The Korean music industry plays a central role in the export of culture related services, products and goods. Moreover, the Korean music industry can improve images of Korean goods and services of international consumers. For a sustained growth of the Korean music industry, it is pivotal to find effective methods to correct the regional imbalances within the Korean music industry.

Added value of music industry in Korea is not distributed and calculated properly, and this obstacle brings various problems in a creative environment. Meanwhile, a new business model such as Open Collaboration, Crowdsourcing and platform that makes decisions and innovation from external resources has been appeared in commercial area. This new model like a composer delivers to consumers directly through Youtube.com, and multi collaboration is applied to the music industry, and it enables a new type of mechanism for creation, distribution, division, and calculation of music. However there are not enough empirical study of the music market because existing relative researches has been centered around fundamental concepts and application methodologies. This research defines Open Collaboration Platform in the music industry, and studies affecting factors of Participation Intention for example Justice, Information System Quality and Perceived Value. For a survey we apply PLS(Partial Least Square) to analyse Equity, Information System Quality and structural equation between Perceived Value and Participation Intention. Analysis results show Distributive Justice and Procedural Justice affects Platform Trust, and Service Quality, Economical Value and Emotional Value affects Platform Usefulness. Also Platform Trust and Platform Usefulness affects Platform Participation Intention. We discussed academic and practical implication based on research results.

본 연구는 개인 혹은 예술적 협업을 위해 구성된 팀 창의성이 창의적 성과에 미치는 영향과, 이러한 창의적 성과가 실제 경제적 성과로 나타나기 위해 유통기능의 수직적 통합이 적합한가에 대한 탐구를 목적으로 하고 있다. 이를 위해 2007~2011년의 한국 음반 산업 데이터를 활용하여 개인과 팀 창의성, 영역 초월(boundary spanning) 여부, 그리고 유통기능의 수직적 통합 여부가 음반의 창의적 성과와 경제적 성과에 어떠한 영향을 미치는지에 대해 분석하였다. 연구 결과, 팀 창의성이 높은 경우 그리고 가수가 영역 초월 아티스트인 경우, 발매한 음반의 창의적 성과가 높게 나타났다. 또한 일반적으로 음반의 창의적 성과가 높은 경우 경제적 성과가 높게 나타났으나, 음반 제작기획사와 유통기능의 수직적 통합이 이루어진 경우, 이 관계를 부정적으로 조절(moderate)하는 것으로 나타났다. 본 연구는 문화산업 내 창의적 성과 창출과 관련하여, 인적자원이 갖고 있는 창의성에 대한 활용방법과 수직적 통합전략에 주목했다는 측면에서 중요한 이론적, 실무적 시사점을 제시하고 있다.

This study examines the relationships between creativity of individuals or artistic teams, vertical integration, and performance. We study the Korean music industry during the period of 2007 to 2011, and analyze how individual or team creativity, boundary spanning, and vertical integration of distribution function affect creative and economic performance. We find positive relationships between team creativity, boundary spanning and creative performance. We also find that vertical integration between a record production and distribution function negatively moderates the positive relationship between creative and economic performance. Our study calls for attention to the effective use of creative resources and the role of vertical integration in achieving both the creative and economic performances.

본 연구는 조직이론의 두 핵심이론인 환경결정론과 전략적 선택론에 대한 역사적논쟁을 재 점화하기 위한 의도로 사례연구를 수행하였다. 사례대상은 한국의 아이돌음악산업이었다. 이곳의 대표적 제작사인 SM, YG, JYP가 관찰되었다. 본 연구는 다음의결론에 도달하게 되었다. 한국의 아이돌 음악산업에서는 환경결정론과 전략적 선택론에의해 설명 가능한 현상이 동시에 존재한다는 것이다. 이는 기존의 두 이론의 긴장또는 충돌 관점에서는 해석하기 어려운 것이다. 이에 대한 해석을 위해 환경결정론과전략적 선택론은 양립 가능하다는 주장이 활용되었다. 하지만 논리적 설명을 위한이론은 경영학의 조직이론이 아닌 생물학에서 빌려왔다. 이들 분야에서는 공통적 진화,중심진화 또는 수렴진화에 대한 논의와 진화 다양성, 주변진화 또는 확산진화에 대한논의가 진행되고 있었다. 이들의 주장을 빌리자면 한국의 아이돌 음악산업에서 나타나는동질성은 공통적 진화, 중심진화 또는 수렴진화의 산물이고, 이질성은 진화 다양성,주변진화 또는 확산진화의 산물이다. 본 연구는 연구행위와 관련된 시사점에 대하여도논의하였다. 첫 번째는 경영학에서 다루는 기저에 깔린 가정을 잊어서는 안 된다는것이다. 두 번째는 경영학과 관련된 연구는 다양한 해석이 가능하다는 것이다.

This study was performed with the object of re-stimulating historical discussions of environmental determinism vs. strategic choice in the case of Korean idol music industry. Historically these two theories were understood in a conflict or tensional relationship in that environmental determinism created organizational similarities and strategic choice produced organizational dissimilarities. SM,YG, JYP Entertainment, the big three entertainment companies in this industry and under quite similar environments, were observed. It was found that these three companies had homogeneous and heterogeneous traits at the same time. The three companies shared the exactly same systems of ‘casting-training-production- management’which was not observed in the US and Japan. However,their strategies and managerial orientation of how they trained singers, produced songs and launched them to market were quite different. SM employed a strict bureaucratic type system, YG used community-based system and JYP preferred one man show type system. SM and JYP were adventurous to explore foreign music market compared to YG. To reconcile what were found in the Korean music idol industry, this study borrowed logic from a compatibility perspective on environmental determinism and strategic choice (Hrebiniak and Joyce, 1985) as well as logic from bioecology. To explain, in bioecology homogeneity/heterogeneity topics include common traits vs. diversity, central vs. peripheral evolution, and convergent and divergent evolution. Common traits evolution, central and convergent evolution explain similar traits or behaviors of organisms, which are the result of environmental selection. Environmental selection falls in line with environmental determinism in organization theory. Diversities in evolution,and peripheral and divergent evolution explains differences in the same species, implying a possibility of an organism’s active adaption, which falls in line with strategic choice in organization theory. Taken together, homogeneity observed in the three entertainment companies can be explained as a result of common traits, central or convergent evolution, and heterogeneity can be explained as a result of the influence of diversity, peripheral or divergent evolution. Implications of the study are suggested. First, it was emphasized that researchers should not forget where their arguments were based on. The main streams of organization theories stand on the environmental determinism or strategic choice theory. Without clear recognition of root theories where researchers stand on it is likely that they make a mistake to interpret what they observe. Second, it was urged that an attention should be paid on the possibilities of interpretable diversity when researchers explain organizational phenomena. Researchers’ mistakes ignoring competitive theories often happen when hypotheses or research questions were supported by an empirical or case study in the context of one theory. It was also pointed out that explanations of this study should be interpreted in cautions. First,the evolutionary theories of bioecology used to explain homogeneity and heterogeneity of organisms in this study are not yet accepted in organization theory. However, the possibility exists that they do bear relevance. Organization literature already uses many conceptual models from bioecology. The biology concept of fit which is a core part of contingency theory is a well known example. Terms of variation, selection and retention, repeatedly used in the study of organizational ecology,are another examples. These imply that theories employed from bioecology for the current study could be relevant to organization theory. Secondly, the Korean idol music industry is relatively young and could still be considered in its introduction or growth stage. According to evolution theory of ‘variation → selection → retention’, this time frame could be interpreted at most as the time of variation...

본 연구는 음악산업의 경쟁력과 글로벌 시장에서의 경쟁력 유지를 위한 마케팅전략을 제시하는데있다. 이를 위해서는 크게 두 가지 점을 고려하였다. 첫째, 해외시장에서 K-POP은 시장초기단계인 수요자들에게는 호기심(attention) 단계이다. 문제는 이 과정에서 반드시 겪게 되는 위기(chasm)를 어떻게 극복하여, 라이프사이클 상의 성장 및 성숙단계로 진입하는가 하는 점이다. 둘째 음악과 같은 문화콘텐츠의 최대 장점인 OSMU 효과를 어떻게 극대화 할 것인가 이다. 이를 위해서는 우선 콘텐츠의 질적우수성이 뒷받침되어야 한다. 셋째, K-POP이 세계시장을 진출을 목표로 한다면 시장세분화(segmentation)와 표적시장(targeting) 및 포지셔닝(positioning)을 명확히 해야 할 것이다. 이를 위해 본 연구는 음악산업의 대내외적인 환경분석(SWOT)과 이를 토대로 한 마케팅전략을 수립, 제시하였다. 특히 세계음악시장에서의 음악콘텐츠의 라이프사이클을 지속가능한 성장의 단계로 이끌어 나가기 위한 전략인 공격적 전략, 조정적 전략, 혁신적 전략, 생존적 전략을 각각 제시함으로써 한국음악산업 및 신한류의 확대발전에 시사점을 제시하고자 하였다.

This paper aims to provide global marketing strategies for Korean music industry, looking into its current status of international competition. To do so, it takes into account the following. In the foreign market, K-pop is at the beginning stage of drawing the demander's attention. The problem is how the inevitable risks can be taken care of appropriately during the period to enter the growth and the maturity stage of the life cycle. It is how to maximize the OSMU effect, the greatest strength of cultural content like music. For this, excellence in quality of the contents must exist more than anything else. If K-Pop aims to find its way to the world market, it should clearly identify segmentation and targeting, as well as positioning. This paper has established SWOT analysis in music industry and marketing strategy. Especially, this suggests aggressive strategy, control strategy, innovative strategy and survival strategy. These are, in world-music-market, strategies that lead a life-cycle of music contents into sustainable growth-phase. So the purpose of this paper wanted tries to preview Korean music industry and New Korean Waves.

본 연구는 K팝의 해외 시장 진출 확대를 위해 K팝의 경쟁력, 특히 인기 요인과 장애 요인을 분석하고, K팝의 글로벌화를 위한 정책적 방안을 도출하고자 한다. 이를 위해 음악산업계 전문가를 대상으로 심층인터뷰와 설문조사를 실시했다. 연구결과, K팝의 인기 요인은 K팝 가수들의 외적 매력과 뛰어난 퍼포먼스 등 개인적 역량과 기획사의 노력으로 나타났다. 다음으로 K팝의 장애 요인의 경우, 혐한류 및 한한령 등 국가 간 부정적인 정서와 해외 공연 시 운영비용 대비 수익이 높지 않은 문제가 확인되었다. 셋째, K팝의 인기 시장은 동남아시아, 일본 순이었으며, K팝의 경제적 전략시장은 일본으로 확인되었다. 그리고 비경제적 전략시장은 북미로 나타났다. 마지막으로 전문가가 인식하는 K팝 글로벌화를 위한 정부의 지원 방안의 경우, 해외 진출국에 대한 현지 사전 조사 시 지원 서비스에 대해서 정부의 지원이 필요하다는 응답이 가장 많았다.

The study conducted in-depth interviews and surveys of music industry experts to expand K-pop in overseas markets. Studies have shown that K-pop's popular factors include the external appeal of K-pop singers and their outstanding performances, as well as the agency's efforts. Next, in the case of K-pop's barrier factors, negative sentiments such as anti-Korean Wave, and problems with low profits compared to operating costs when performing overseas have been identified. Third, K-pop's popular markets were in Southeast Asia and Japan, while K-pop's economic strategic market was identified as Japan. And non-economic strategic markets have emerged in North America. Finally, when it comes to the government's support for K-pop globalization recognized by experts, the majority of respondents said that the government's support for support services is needed in advance of the local survey of foreign countries.

본 연구는 한국음반산업의 특수성들을 고려하여, 작사-작곡가-아티스트(가수) 협업구조와 아티스트 특성이 예술적 성과와 상업적 성과에 각각 어떤 영향을 미치는지에 대해 연구하였다. 342개의 음반을 대상으로 실증분석을 실시한 결과, 예술적 성과와 상업적 성과에 영향을 미치는 요인들은 다른 것으로 나타났다. 해외국적 참여자의 비율이 높고 분업화 정도가 낮은 협업구조일수록 앨범의 예술적 성과에 긍정적인 영향을 미치는 것으로 나타났으나, 아티스트가 OST/피처링 경험이 많거나 수상경력이 많을수록 앨범의 예술적 성과에는 부정적 영향을 미치는 것으로 나타났다. 동일 작곡가-아티스트의 반복 협업경험, 아티스트의 미디어 노출, 그리고 수상경력이 많을수록 음반의 상업적 성과에는 긍정적인 영향을 미치는 것으로 나타났다. 본 연구결과는 두 가지 성과요소를 지닌 문화산업의 상이한 성공요인을 설명한다는 측면에서 중요한 이론적, 실무적 시사점을 제시하고 있다.

Focusing on the specificities of the Korean music industry, this study investigates the effects of lyric-composer-artist (singer) collaboration structure and artist attributes on the artistic and commercial performance, respectively. Our empirical results from 342 music albums suggest that factors affecting artistic performance and commercial performance are different. Collaboration structure with higher percentage of foreign collaborators and low degree of specialization have a positive effect on the album’s artistic performance, whereas an artist’s OST/featuring participation and award-winning experiences have a negative effect on the album’s artistic performance. We also found that composer-artist repeat collaboration experience, an artist's exposure to media, and award-winning experiences have a positive effect on the album’s commercial performance. By combining the analysis of two performance dimensions, our study offers a more accurate understanding of the success factors in cultural industries.

본 연구는 일렉트릭 기타 벤딩 기법의 실제 피치 변화를 정량적으로 분석하여, 현행 타브악보 표기의 정확성과 표현 한계를 검증하는 것을 목적으로 수행되었다. Sonic Visualiser의 pYin 알고리즘을 활용해 기타 솔로 트랙의 피치 변화를 추출하고, 국내외 출판 악보의 벤딩 표기와 실제 연주 간 오차를 비교·분석하였다. 또한 제안된 표기 체계의 실효성을 검증하기 위해 전문가 11인을 대상으로 심층 인터뷰를 수행하였다. 분석 결과, 현행 벤딩 표기법에서 미세 음정, 벤딩의 속도 변화 등 연주자의 표현적 특성을 충분히 반영하지 못하는 것으로 나타났다. 이러한 한계를 보완하기 위해 벤딩의 피치 변화와 시간적 흐름을 통합적으로 시각화할 수 있는 새로운 표기 체계를 제안하였다. 제안된 체계는 화살표의 곡률을 통해 벤딩의 도달 시간과 속도 변화를, 점선 표기를 통해 미세한 음정 변화를 시각적으로 표현함으로써, 연주의 표현적 특성을 악보 상에서 재현할 수 있도록 하였다. 전문가 검증 결과, 제안된 표기법은 기존 타브 악보 문법과의 호환성을 유지하면서 표현 정확성과 시각적 명료성을 동시에 향상시키는 것으로 평가되었다. 이 연구는 기존 악보 체계의 한계를 정량적으로 규명하고 벤딩의 시각화 가능성을 실증함으로써, 타브 악보 표기 체계 연구에 새로운 분석적 시각을 제시한다. 또한 제안된 표기법은 기타 교육, 디지털 악보 제작, 인공지능(AI) 기반 연주 분석 등 다양한 음악적·기술적 응용 영역에서 활용 가능하며, 향후 디지털 음악 산업 내 연주 데이터의 표준화에 기여할 기초 자료로서의 의의를 지닌다.

This study quantitatively analyzed the actual pitch variations of electric guitar bending techniques to evaluate the accuracy and expressive limitations of current tablature notation. Using the pYin algorithm in Sonic Visualiser, pitch data were extracted from guitar solo tracks and compared with bending notations in published scores. In-depth interviews with 11 experts were also conducted to assess the applicability of the proposed notation system. Results showed that conventional notation does not fully capture expressive factors such as microtonal variation and bending speed. To address this, a new notation system was proposed that visually integrates pitch trajectory and temporal flow, utilizing arrow curvature to represent bending speed and dotted lines for subtle pitch variations. Expert feedback confirmed that the system enhances accuracy and clarity while maintaining compatibility with existing tablature conventions. This study presents a new analytical perspective on guitar tablature notation and provides a foundation for its application in guitar education, digital score production, and AI-based performance analysis.

본 연구는 MTV의 유럽 미디어 시장 진출을 둘러싼 사례연구를 통해 방송 문화의 글로컬라이제이션 현상의 한 단면을 알아보고자 한 것이다. 1990년대 이후 시도된 MTV의 유럽 방송시장 진출은 글로벌 미디어의 일방적인 시장 장악을 가져오는 대신 다양하고 복잡한 지역 음악 방송의 등장을 불러왔으며, 이는 보다 구체적으로 1. 글로벌 미디어인 MTV에 있어서 로컬 음악 비디오의 편성 비중을 높이게 되거나, 2. 유사 경쟁 음악 방송 채널의 증가를 가져오고, 3. 결국 MTV는 지역 음악방송 채널들과 경합을 벌이는 존재가 된다는 것이다.글로벌 미디어의 전지구화 과정은 일방적이거나 편향적인 것이 아닌 글로벌한 단위와 로컬한 단위의 끊임없는 상관관계에 근거해 진행되어지며, 따라서 글로벌한 미디어와 미디어 시장에 대한 연구에 있어서 이 두 가지 요소는 항상 복합적으로 고려되어져야할 요소이다.

This thesis is the study on Glocalisation of media culture through the case of MTV and European Music Television industry. The Advance of MTV into the European media industry is a good example of understanding the Glocalisation process between global media and local market. Instead of MTV’s and its global content’s dominance on the European media market, 1. MTV Europe adopted the regional expansion strategy which made a change of its slogan from “One Planet, One Music” into “Think Globally, Act Locally”, 2. MTV Europe also brought the increasement of the numbers of similar music channels in European television industry, 3. and finally resulted the growth of local media industry and local music television channels. Through the case study of European music television industry’s Glocalisation experience, it is possible to understand that Globalisation process are based on the mutual and continuous exchange of global and local level, thus it provides the knowledge of understanding the nature of Globalisation as a post-modern phenomenon of the contemporary world.

본 연구의 목적은 북미에서 질적 연구의 논리적 사고 개념으로 확립된 브리콜라주의 다중방법론에 입각하여 미국 흑인음악이 케이팝 음악과 산업에서 재맥락하는 양상을 고찰하는 것이다. 본 연구의 다중방법론은 브리콜라주의 주요 개념인 다중관점, 상호텍스트성, 변증법을 삼각검증법과 결부시켜 동일 구조화한 것에 기초한다. 이를 미국 흑인음악의 복잡성과 엄밀성에 따른 실재와 내장질서가 케이팝 음악과 산업에서 상호하는 교집합의 관계와 입각하였다. 연구 결과의 내용은 다음과 같다. 첫째, 재즈와 랩 음악에서 해석, 이론, 방법론적 브리콜라주의 원리에 따라 서로 연관된 상호텍스트들은 케이팝 음악의 중추가 되었다. 둘째, 케이팝 산업은 백인의 산업성을 차용한 미국 흑인음악 산업의 분업적인 제작체계화, 하위문화와 상위문화의 재구조화, 로컬과 글로벌의 동일화를 재맥락하였다. 이를 통해 케이팝은 그 특유의 세계관을 구축하고 글로컬 팬덤을 형성하고 있다. 셋째, 케이팝은 디지털 브리콜라주 방식과 바이럴 마케팅을 통해 관객의 재생산을 유도하며, Gen Z 세대는 이를 바탕으로 케이팝을 다각적인 하이퍼미디어 형태로 재수용하고 있다. 넷째, 초대형 케이팝 기획사들은 내외수의 취향을 충족하기 위해 글로컬 멀티레이블 제작시스템을 도입하고, 청자의 재맥락과 능동적 참여를 유도하는 감정공명 기법을 사용하고 있다. 다섯째, 근래의 미국 흑인음악과 케이팝은 하이퍼 팝의 디지털 브리콜라주 방식을 통해 하위음악과 상위음악의 재역치와 인간의 감정을 상호매체성에 의해 미디어와 혼용한 하이퍼맥락성의 음악을 선보이고 있다. 결론적으로 현재 케이팝은 가상과 현실의 동시각적 요소들을 통합해 최신 트렌드를 반영하는 재매개체이며, 엄밀하고 복합적인 초-정의 형태로 동일화되어 다원개별적인 하이퍼맥락성의 브리콜라주적 특성을 지닌다.

This study explores the recontextualization of African-American music within K-pop, employing a bricolage multi-methodology that emphasizes logic, multi-perspectivity, intertextuality, and dialectics. It finds that the growth of K-pop has been significantly influenced by the interconnectedness of jazz and rap, redefining production roles and cultural norms to create a unique K-pop worldview and a global-local fandom. Additionally, K-pop's adaptation of digital bricolage and viral marketing has made it appealing to Gen Z, leading to the development of innovative hypermedia. Major K-pop agencies have responded by establishing transnational production systems and using emotional resonance to foster recontextualization and active audience engagement. The study also highlights the emergence of hyper pop music, blending different musical styles and emotions through digital techniques. Conclusively, K-pop serves as a dynamic intermediary between virtuality and reality, reflecting modern trends in a detailed, hyper-contextual manner that showcases the diversity and complexity of bricolage.

본 논문에서는 현재 국내의 디지털 음악 콘텐츠 산업에서 이슈가 되고 있는 정액제와 수익배분 비율 문제를 중심으로 수리적 모형을 사용하여 분석하였다. 특히 국내의 현황을 반영하여 음원권리자와 이동통신사의 문제에 더욱 초점을 맞추었다. 본 논문의 연구결과는 다음과 같다. 첫째, 이동통신사와 음원권리자 사이에서는 정액제를 선택하든 종량제를 선택하든 중요하지 않을 수 있다는 것이다. 중요한 것은 음원권리자가 수익배분비율을 그리고 이동통신사가 음원판매소매가격을 자율적으로 결정할 수 있어야 한다는 것이고 두 게임참여자가 서로 이익을 얻을 수 있는 수익배분방법과 비율이 존재한다는 점이다. 둘째, 정액제는 오히려 소비자와 이동통신사간의 관계에 영향을 미치게 되는데 이동통신사에게는 유리하고 소비자에게는 불리하게 된다는 것이다. 특히, 이동통신사와 음원권리자가 수직적으로 통합되어 경쟁하는 시장구조하에서는 소비자에게 불리한 경향이 더욱 심화되므로 정액제 보다는 종량제 가격의 하락을 통해서 온라인 음악 시장의 성장을 유도하는 것이 소비자에게 유리하게 된다. 이와 같은 온라인 음악시장의 성장은 중장기적으로 사업자들에게도 도움이 될 것이다.

본 논문은 지역 축제의 문제점을 살펴본 후 지역 축제가 나아갈 방향을 살펴보고자 하였다. 특히 세계적으로 문화예술이 강조되는 관광산업의 추세 속에서 음악을 연계하여 지역 축제를 활성화할 방안을 모색하고자 하였다. 이를 위하여 국내에서 개최되고 있는 지역 축제의 발전과정과 문제점을 짚어보고, 현재 정부가 주도하는 관광 전략을 확인하였으며, 문화콘텐츠와 연계한 문화예술관광과 공연예술 축제의 성공 가능성을 알아본 후 문화콘텐츠를 효과적으로 보여줄 수 있는 전략으로 스토리텔링을 제시하였다. 그리고 치밀한 스토리텔링 전략을 통해 차별화된 음악 축제로써 잘츠부르크 페스티벌, 브레겐츠 페스티벌, 몬트리올 국제 재즈 페스티벌의 사례를 검토한 후 국내 음악 축제에 스토리텔링을 적용하는 구체적인 방안을 연구하였다. 끝으로, 저자가 개최했던 한국⋅러시아의 여러 축제 및 연주회를 스토리텔링이 적용된 축제의 성공적인 개최 사례로 제시하였으며, 향후 음악 축제의 전망을 밝혔다.

This thesis tried to examine the problems of local festivals and to examine the future direction of local festivals. In particular, it tried to find a way to revitalize local festivals by linking music in the trend of the tourism industry, where culture and arts are emphasized worldwide. To this end, it examines the development process and problems of local festivals held in Korea, and confirms the tourism strategy currently led by the government. In addition, it investigated the possibility of success of cultural art tourism and performing arts festivals linked with cultural contents. After that, it presented storytelling as a strategy to effectively show cultural contents. And after examining the cases of Salzburg Festival, Bregenz Festival, and Montreal International Jazz Festival as differentiated music festivals through a detailed storytelling strategy, I studied specific ways to apply storytelling to domestic music festival. Finally, I presented the various festivals and concerts in Korea and Russia that I had hosted as successful cases of festivals that applied storytelling, and revealed the prospects for future music festivals.

영화 등 영상저작물에서 음악을 사용하고자 할 경우 저작권에 대한 권리처리가 필요하다. 방송에서의 음악저작물에 대한 권리처리는 지상파방송사 등 플랫폼 사업자들이 한국음악저작권협회와의 포괄사용계약과 저작권법상 저작인접권에 대한 보상금 지급을 통해 비교적 간편하게 이루어지고 있다. 반면 영화에서의 권리처리는 영화제작자 등이 권리자(단체)와 개별적으로 협상하는 형태로 상대적으로 불편하게 이루어져 왔다. 나아가 2010년경부터 한국음악저작권협회 등 신탁단체들이 영화관에서의 영화상영에 대한 공연사용료를 징수하고자 했다. 영화계와의 협상과정에서 형사고소, 민사소송 등이 제기되기도 했지만, 문화체육관광부의 중재와 주요 쟁점에 대한 법원의 판단을 바탕으로 영화 음악의 사용에 대한 기준을 마련하였다. 핵심적인 내용은 영화에 음악저작물을 이용함에 있어서 복제‧배포‧공연 등을 일괄적으로 허락하는 경우의 곡당 사용료는 “300만원 + (스크린당 곡단가 × 개봉 첫날 스크린 수) × 지분율”로 계산한다는 것이다. 하지만 몇 가지 쟁점은 여전히 풀어야 할 숙제로 남아 있다. 예를 들면 해외 기성곡의 사용에 대한 저작권 처리 기준의 부재, 음반제작자의 권리에 관한 사용료 징수규정의 개정, 음저협과 음실련에 가입되어 있지 않은 저작권자와 실연자들에 대한 권리처리문제, 신탁단체를 탈퇴한 권리자의 권리 처리문제, 저작인격권 관련 쟁점, 2차 시장에서의 전송권 관련 문제 등이 대표적이다. 그럼에도 불구하고 영화산업에서 영화 음악의 이용에 관하여 이해관계자들의 논의를 통해 객관적인 기준을 마련한 것은 창작물의 보호와 이용에 관한 적절한 균형점을 찾아가고 있다는 점에서 매우 높이 평가할 수 있으며, 향후 시나리오 작가 등 다른 권리자들과의 관계에서도 적절한 균형점을 찾는 노력이 필요하다.

When a film producer wants to use music in their movie, they must process copyright. The handling of music copyright in films has been relatively difficult compared to the broadcasting industry in that film makers should negotiate directly with the rights holders. By 2010, furthermore, the Korean Music Copyright Association (KOMCA) sought to collect royalties on movie theaters. During the negotiations with the film industry, KOMCA filed criminal charges and civil lawsuits. However, through the intervention of the Ministry of Culture, Sports and Tourism, and based on the judicial judgement on major issues, the criteria for the payment of music copyright fees in film industry were established. However, some issues still remain to be solved ; the absence of a copyright process standard for the use of overseas music, the revision of terms of use for the rights of the music producers, the copyright issues of right holders who don't belong to collective organizations, the issues of handling rights of right holders who left collective organizations, authors' moral rights issues, and transmission rights issues in secondary markets. Nonetheless, it is highly appreciated that the objective criteria for the use of music in the film industry through discussion by stakeholders since it aims to find a suitable balance point for the protection and use of creative works. Efforts should be made to find appropriate balances in relation to other rights holders such as screenwriters.

본 연구는 한중 대학의 대중음악 전공 교육과 산업 현장 요구 간 적합성에 대한 학생 및 교수의 인식을 비교·분석하였다. 이를 위해 한국(126명)과 중국(130명) 대학의 대중음악 전공 학생 및 교수 256명을 대상으로 설문조사를 실시하고, 기술통계, t-검정, 회귀분석을 수행하였다. 분석 결과, 한국 응답자들이 교육 효과성(전문 기술·창의성·음악적 소양)과 산업 적합성(실무 적용성·트렌드 반영) 측면에서 중국보다 높게 평가하였다. 또한 교수와 학생 간에도 인식 차이가 존재하여, 학생은 실습·인턴십 등 산업 경험을, 교수는 교육 내용의 산업 반영성을 더 높게 평가하였다. 회귀분석에서는 교육–산업 적합성이 교육 만족도에 유의한 정(+)의 영향을 미쳤으며, 이는 산업 요구를 반영한 교육이 학습자의 긍정적 인식을 강화함을 의미한다. 본 연구는 한중 대중음악 교육의 체계적 비교를 통해 교육과 산업 간 연계성 강화, 커리큘럼 개선, 산학 협력 확대의 방향을 제시하였다.

This study examined and compared the perceptions of Korean and Chinese university students and professors regarding the alignment between popular music education and industry demands. A total of 256 participants (126 from Korea, 130 from China) completed a structured questionnaire, and the data were analyzed using descriptive statistics, t-tests, and regression analysis. The results showed that Korean respondents rated both the educational effectiveness (musical skills, creativity, professionalism) and industry alignment (practical applicability, trend reflection) significantly higher than their Chinese counterparts. Differences were also found between students and professors: students perceived greater industrial experience and internship opportunities, while professors emphasized curricular reflection of industry trends. Regression results indicated that education?industry alignment had a significant positive effect on overall satisfaction, confirming that curricula reflecting real-world demands enhance learners’ positive attitudes. This study provides empirical evidence for strengthening the linkage between education and the music industry in both countries, suggesting directions for curriculum reform, field training expansion, and institutional collaboration.

본 연구에서는 네트워크 이론의 관점에서 국내 음반산업에서 나타나는 두 가지 제작시스템인 전속 제작시스템과 PD 제작시스템을 이해해보고 두 제작시스템의 성과를 음반판매량을 통해 비교해봄으로써 국내 음반산업에서 나타나는 네트워킹 현상의 효과를 파악하였다. 국내 음반산업은 제도와 기술의 변화에 따라 기업간의 경쟁이 가속화되었으며, 이에 따라 중소기업 수준의 규모를 가지고 있는 국내 음반사들은 점차 음반제작을 위해 필요한 모든 자원, 특히 콘텐츠를 제작하는데 필요한 자원(가수, 작사자, 작곡자, 프로듀서 등)들을 내부적으로 보유하는 것이 어려워짐에 따라, 음반제작의 가치사슬을 구성하고 있는 기획, 제작, 유통의 부문에 전문화된 기업들간의 네트워크를 구성함으로써 효율성을 높이고자 하였다. 그 결과, 전통적인 수직적 통합에 의한 음반제작방식인 전속 제작시스템에 더해 기획, 제작, 유통의 기능이 분리되어 수행됨으로써 외부환경의 변화에 보다 효과적으로 적응하고 내부자원의 한계를 극복하며 위험을 분산시킬 수 있는 제작방식인 PD 제작시스템이 자생적으로 등장하고 확산되었다. 이러한 PD 제작시스템은 음반기획사, 음반사와 유통사간의 네트워크로 이루어져 있다고 볼 수 있으며 이는 관련된 비용과 위험을 어느 한 기업이 전적으로 부담하지 않고 비용과 위험을 분산할 수 있는 메커니즘으로 해석할 수 있으며, 음반기획사와 음반사간의 네트워크를 통한 협력으로 더 높은 효율성을 얻을 수 있는 방식으로 이해될 수 있다. 본 연구에서는 이러한 네트워크 이론과 음반산업의 구조적 특성을 토대로 1999년 2월부터 2002년 12월까지 한국음반산업협회에서 발표하는 가요음반판매량 순위차트에 오른 음반을 대상으로 국내 음반제작 시스템의 실태와 효과를 파악하기 위한 탐색적 실증분석을 시도하였다. 실증분석 결과, PD 제작시스템은 현재 국내 음반산업에서 히트음반 판매량의 80% 이상을 담당하고 있으며 히트음반 수의 3/4 정도가 PD 제작시스템에 의해 제작된 것을 발견하였다. 이는 음반의 제작에 있어서 광범위한 네트워크 현상이 발생하고 있음을 의미한다. 또한 평균 음반판매량의 비교에 있어서도 PD 제작시스템이 전속 제작시스템을 능가하고 있는 것으로 나타나 국내 음반산업에서 네트워크가 효과적으로 활용되고 있다는 것을 보여주었다. 또한 신인가수 음반의 제작시스템 비교를 통해 PD 제작시스템이 신인가수에 대한 진입장벽을 완화시킴으로써 음반 발매에 대한 기회를 증가시키고 있음도 알 수 있었다. 또한 메이저 음반사를 대상으로 한 분석에서도 PD 제작시스템이 전속 제작시스템보다 더 널리 사용되고 있음을 발견하였고 PD 제작시스템에 의한 음반의 평균 판매량이 전속 제작시스템을 능가하고 있는 것을 확인할 수 있었다.

Based on network theory perspective, this research examines musical record production systems of Korean recording industry. It is found that in Korean recording industry musical records are typically produced by two different systems. First production system is the integrated system in which a single record company is responsible for the creation of musical content as well as the distribution of recorded music. Second production system, so called 'the PD contract system', is relying on the network in which an independent production is responsible for the creation of musical content whereas a record company is responsible for the distribution of recorded music. In a typical PD contract system, a record company not only distributes recorded music but also invests content creation cost in the form of advance royalty payment to an independent production. Network theory suggests that as the competition in Korean recording industry has become severe the PD contract system has been developed as a way for record companies to effectively maintain flexibility and manage risk by accessing to a variety of musicians and creative productions without costly long-term committment. Analysis of recent data indicates that over 75% of hit records in Korean recordings industry were produced by the PD contract system, suggests that networking has been a widespread phenomenon in the industry. Moreover, it is also found that on average the records produced by PD contract system outsells the records produced by the integrated system. It may suggest that networking has been a very effective strategy in Korean recordings industry.