Earticle

2004년 11월 16일 출시된 세계 최초의 유비쿼터스 음악 서비스인 SK Telecom의 멜론은 국내 음악 산업에서 새로운 비즈니스 모델로 성공을 거두었다. 멜론의 성공 배경에는 차별적인 서비스 특징 뿐만 아니라 기술적 측면과 고객 지향적 측면에서 핵심 역량을 갖추고자 한 노력이 있다. 또한, 경쟁사 대비 비교 우위의 마케팅 믹스 활동도 간과할 수 없다. 본 사례에서는 멜론이 출시되기까지의 과정과 많은 사람들이 아직까지 생소해 하는 온라인 음악 서비스에 대해 소개하고, 성공을 향한 멜론의 노력과 이를 통해 달성된 가시적 성과를 설명하였다. 그리고 지금보다 발전된 성과를 도출시키기 위해서 해결해야 할 전략적 과제를 제시하였다.

On November 16th 2004, SK Telecom Co., Ltd. launched ‘MelOn' , an ubiquitous music service, into the first time in the world. It, new business model in Korea, was a great success in domestic music industry. Its key success factors are not only differential features of service but also the superiority of technical know-how, customer-oriented spirit, and marketing mix activities compared to many competitors. The case shows how MelOn developed and then introduces what on-line music service is identifying the key success factors and presenting visible outcomes. Furthermore discussing its business implications and future challenges.

캄보디아의 대중음악은 크메르 루즈 정권 기간 동안 예술가의 90 %가 사망 한 이래로 완전히 잊혀졌다. 1979 년부터 전쟁에서 회복 한 후 1990 년 음악은 다시 성장하기 시작했다. 그러나 캄보디아 대중 음악의 역 동성과 흐름은 다면적 사회 경제적, 정치적, 창조적 세력에 의해 관찰 되고 있지만, 표절과 불법 복제로 수년간 대중음악산업에서 널리 퍼져 많은 문제가 되어왔다. 최근에는 크메르(캄보디아언어) 전통 음악을 팬과 아티스트 모두에게 보존해야 할 필요성에 대한 의식이 높아져 캄보디아 젊은 인구의 새로운 트렌드가 되었으나, 음악 품질은 여전히 한계상태에 봉착해 있고, 전통 대중 음악의 전문성을 높이기 위해서는 대중의 드백과 영감이 필요하다. 이 연구는 캄보디아에서 가장 많은 대중음악 관련 사이트인 페이스 북 페이지의 게시물과 코멘트에서 수집 된 문장들을 감정분석을 사용하여 음악 순위 차트(웹 사이트)를 구현하였다. 크메르어에서 영어로 번역하고 감정 분석을 수행하고 순위를 생성하는 알고리즘 개발하였다. 그 결과로 제안 된 시스템에서 번역 및 감정분석의 정확도가 80 %임을 보여주었다. 순위에서 높이 평가된 노래는 크메르(캄보디아언어)로 된 전통대중음악으로 이 논문의 취지와 부합이 되었다. 캄보디아 전통대중음악을 다시 부활하기 위해서 제안 된 시스템과 순위 알고리즘을 사용하여 음악제작의 경쟁 우위를 높이고 제작자가 특정 활동 및 이벤트에 맞는 새 노래를 작곡하는 데 도움이 될것으로 사료된다.

During Khmer Rouge Regime, Cambodian pop music was completely forgotten since 90% of artists were killed. After recovering from war since 1979, the music started to grow again in 1990. However, Cambodian popular music dynamic and flows are observably directed by the multifaceted socioeconomic, political and creative forces. The major problems are the plagiarism and piracy which have been prevailing for years in the industry. Recently, the consciousness of the need to preserve Khmer original songs from both fans and artist have been increased and become a new trend for Cambodia young population. Still, the music quality is in the limit state. To increase the mind-set, the feedbacks and inspiration are needed. The study suggested a music ranking website using sentiment analysis which data were collected from Production Companies Facebook Pages' posts and comments. The study proposed an algorithm which translates from Khmer to English, doing sentiment analysis and generate the ranking. The result showed 80% accuracy of translation and sentiment analysis on the proposed system. The songs that rank high in the system are the songs which are original and fit the occasion in Cambodia. With the proposed ranking algorithm, it would help to increase the competitive advantage of the musical productions as well as to encourage the producers to compose the new songs which fit the particular activities and event.

음악산업은 창의산업의 한 영역으로 간주되며 문화적 측면 뿐 아니라 사회경제적으로 그 영향력이 크다. 또한 다른 산업과의 융복합을 통하여 부가가치 창출에 중요한 역할을 한다. 이러한 음악산업은 창의적인 인력과 문화 소비인구가 집중되어 있는 도시에서 주로 나타나고 있기에, 음악산업 전반에 대한 연구와 도시 공간 내의 입지에 대한 연구는 매우 중요하다. 서울시를 대상으로 음악산업 가치사슬 내 각 가치체계별 도시공간내 입지를 GIS와 공간통계기법을 이용하여 분석하였다. 음악산업은 기획, 제작, 유통, 판매, 그리고 음악공연업으로 가치 체계를 정의할 수 있다. 이러한 음악산업 가치사슬은 도시 공간 내에서 클러스터링을 이루며 공간적 자기상관을 보이는데, 가치사슬별로 주요 집적지역은 다르나 강남, 구로, 마포, 종로 일대 지역에 집중적으로 위치한다.

Music industry is considered as a creative industry, which tends to locate within a city. However, there is very few paper analysing spatial patterns of music industry in Korea. This study aims to understand music industry's value chain and its location pattern; whether it is clustered or dispersed. In detail, music industry contains five sub-industry: planning, manufacturing, distribution, sales and performance. Locational pattern of each sub-industry is tested by GIS and hot spot analysis. There are several findings from this research. First, value chain of music industry make clusters and have a spatial autocorrelation. Second, the result shows that music industry makes a hotspot area at Gangnam, Guro, Mapo and Jongro-Junggu.

본 연구의 목적은 인공지능을 중심으로 한 미래의 음악산업은 어떤 변화 과정을 거치면서 성장해 나갈지를 예측하는 것이다. 이를 위해 역사 연구 방법으로 음악산업의 역사가 플랫폼을 중심으로 음악산업의 환경변화, 이로 인한 위기, 그리고 극복과 성장의 과정을 겪는 단계를 밟아 왔음을 밝힌다. 20세기 이후 음악산업의 역사를 변화된 플랫폼 형태인 바이닐, 테이프, 콤팩트 디스크, 다운로드, 스트리밍 서비스를 기준으로 구분하여 기술 측면, 소비자 측면(주체), 콘텐츠 측면(결과물), 비즈니스 모델 측면(가치), 그리고 저작권 측면으로 분석하였다. 연구 결과, 기술 측면은 플랫폼 자체의 성능 향상 및 휴대용 전자기기 개발로 진행되었음을 확인하였다. 소비자 측면에서 점차 다양하게, 개인화된 취향에 맞추어, 공간의 제약을 벗어난 음악 감상이 가능해졌으며, 근래에 이를수록 소비자를 넘어 창작자로서도 기능하게 되었다. 콘텐츠 측면에서 소유의 개념에서 점차 공유 및 경험의 개념이 강조되었다. 이러한 변화에 따라 곡의 형식 및 앨범의 유형 등도 적응하였다. 비즈니스 모델 측면에서 음악시장은 제작업에서 유통업으로 큰 흐름이 변화하였다. 주도 기업 역시 음반 제작업에서 IT 기업으로, 또 여기서 인공지능 관련 기업으로 변화하고 있다. 마지막으로 저작권 측면에서 저작권 이슈는 저작권의 보장에서 저작권 소유 주체가 대두되었다. 본 연구는 음악산업이 인공지능의 시대에 적응하고 대응할 수 있는 기반을 마련하고자 한다는 시사점을 갖는다.

The purpose of this study is to predict what kind of change the future music industry, centered on artificial intelligence, will undergo. To this end, it is revealed that the history of the music industry has taken steps through environmental changes in the music industry, crises, and overcoming and growing, centering on the platform as a historical research. The history of the music industry since the 20th century has been analyzed in terms of technology, consumer (subject), content (results), business model (value), and copyright by classifying the music industry's history based on the platform form of vinyl, tape, compact disk, download, and streaming service. As a result of the study, it was confirmed that the technological aspect proceeded to improve the performance of the platform itself and develop portable electronic devices. From the consumer's point of view, it has become possible to listen to music outside the constraints of space in a variety of ways according to personalized tastes, and in recent years, the more it has become possible to function as a creator beyond the consumer. In terms of content, the concept of sharing and experience was gradually emphasized in the concept of ownership. According to these changes, the form of the song and the type of the album were also adapted. In terms of business model, the music market has changed a large trend from the production industry to the distribution industry. Leading companies are also changing from record production to IT companies and here to artificial intelligence-related companies. Finally, in terms of copyright, copyright issues emerged as the subject of copyright ownership in the guarantee of copyright. This study has implications for laying the foundation for the music industry to adapt and respond to the era of artificial intelligence.

기술의 발달로 인해 비트, 밀크뮤직 등 스트리밍 서비스 중심으로 음악 산업이 변화하고 있다. 더불어 저작물의 이용형태도 다양해짐에 따라 저작물의 이용에 대해 허락을 받을 사람들을 안정적으로 보호함으로써 관련 산업을 진흥시킬 필요성도 증가하게 되어 2011년 배타적발행권이 도입되었다. 이는 미국의 ‘배타적이용허락제도(exclusive license)’와 유사한 제도라는 점을 고려하면 배타적발행권제도에 대해 ‘발행권’이라는 용어를 사용하는 것은 발행의 대상인 저작물에 대한 배타적 이용권을 배타적 이용권자에게만 부여하기 위한 것으로 생각된다. 따라서 배타적발행권자가 저작재산권자를 의미하는지 아니면 배타적발행권을 이용허락받은 자를 의미하는지와 관련하여 혼동이 발생할 여지가 있으므로 ‘제한된 의미에서의 배타적이용권’이란 표현을 사용하는 것이 타당하다. 현재 배타적발행권은 음악 산업에 있어 실질적으로 계약을 통해 활용하고 있는 사례가 없다. 우리나라 음악 산업 구조는 저작권자가 스스로 음악저작물을 유통·판매할 수 없도록 되어 있어 온라인 음악 서비스를 하기 위해서는 음저협(또는 함저협), 음실연, 음산협과 각각 이용허락계약을 체결해야 한다. 특히 각 단체의 신탁계약 규정에 의하면 배타적발행권자도 신탁을 할 수 있으나 효율성 면에서 잘 활용되지 않고 있다. 또한, 기체결된 신탁계약 해지 관련 규정은 존재하지만 해지가 용이하지 않아 음악 산업에서 배타적발행권이 활용되기 어렵다. 일본은 개정 저작권법에서 전자서적에 있어서 출판권이 적용될 수 있도록 하였으나 음악저작물은 전자서적에 해당하지 않아 보호대상이 아니다. 즉, 일본 저작권법은 음악 산업에 있어 우리 저작권법상 배타적발행권자에 대해 준물권적인 권리를 부여하는 것과는 상이하다. 한편 미국의 배타적이용허락제도는 모든 저작물을 대상으로 한다는 점에서 배타적발행권 제도와 그 대상이 동일하며, 배타적이용허락의 법적 성격을 ‘저작권의 이전’으로 보고 있다. 배타적발행권은 준물권적 성격을 가진 권리로서 저작권자의 동의 없이 권리를 행사하는 등의 부작용도 발생할 수 있다. 그러나 배타적발행권의 법적 성격은 저작권 양도로 보아야 하며, 그 기간 동안 이용허락이 가능한 것으로 보아야 한다.

With the development of science and technology, music industry has been changed while focusing more on streaming service. In 2011, exclusive license was introduced in Korea to protect exclusive licensees from copyright use as usages of copyrighted works also became various. In this regard, exclusive license is expected to promote the exploitation of copyrighted works. In Korea, there were no actual cases where exclusive license agreements were used in music industry. The holders of copyright and neighboring right usually entrust their right to collective management organizations such as KOMCA(or KSCAP), FKMP, and RIAK. Especially, each organization’s rules can be interpreted to allow trust of exclusively licensed rights. However, it is doubtful that the exclusive license can be actively exploited in music industry as rescission of the license is not easy. From the perspective of comparativists, publication right is also applicable to e-book under the revised Japanese copyright law. However, the publication right is not extended to musical works, so that quasi real property right can not be applied to them. Meanwhile, exclusive license system in the U.S.A. is similar to that of Korea as the scope of exclusive license covers all forms of copyrighted works. Under the US Copyright Act, the exclusive license is considered as assignment of copyright. Hence, the exclusive license should be characterized as ‘transfer of copyright' in Korea. This Article examines the meaning and characteristics of exclusive license, and then it suggests how to improve exclusive license system in music industry.

본 연구는 한국의 특수한 사회적, 문화적 환경을 반영한 한국 클래식 음악대학의 운영 전략에 대하여 분석하는데 연구 목적을 두었다. 서양 음악에 뿌리를 둔 클래식 음악은 지속적인 한국 음악가들 연주 실력의 발전으로 현재 세계적으로 인정받고 있다. 또한 디지털 미디어 패러다임의 전환으로 인하여 전통적인 방법 이외에도 다양한 방법으로 자신의 길을 개척하는 클래식 전공자 성공사례들이 많아지고 있다. 정부에서는 국가경쟁력의 근본이 되는 교육 기관인 대학의 미래를 위하여전체적인 평가와 융복합 교육의 필요성을 요구하고 실행하고 있지만, 국내 클래식 전공 음악대학은 아직까지 전통적인 교육프로그램만 고수하고 있어서 순수예술대학의 전통성을 유지하는 동시에 사회 변화에 선제적 역할을 할 실용성을 도입한 새로운 교육 발전 방향에 대한 고찰이 활발하게 이루어져 최종적으로 학생들의사회적 활동에 실질적인 도움을 줄 수 있는 교육을 도입하여 고등교육 생태계의 전반적인 전환을 모색해야한다. 이 연구는 대학의 궁극적인 목적이 인재 배출에 있다는 점을 기준으로 국내 음악 산업과 국내 클래식 음악 산업을 비교 및 대조하여 분석하고, 그에 따른 한국 사회의 특수성을 반영한 클래식 음악대학의 혁신과 경쟁력 있는 운영 방안 및 전략에 대하여 고찰하였다. 객관화와 시각화된 분석을 위하여 경영학적 비즈니스 모델을 도입하여 분석함으로써 클래식 음악대학이 운영 및 교육 방식의 전통성을 유지하면서도 시대의 흐름을 선도하는 교육 기관으로써의 혁신을 통하여 한 명이 아닌다수 학생들의 미래를 열어줄 수 있는 시스템을 갖고, 음악대학의 목적과 가치를 재확인하고 방향성을 제시하는 것에 연구의 의의를 두었다.

This study attempts to analyze the operation strategy of the Korean classical music university that reflects the special social and cultural environment of Korea. Classical music is based in theWest, and although Korea is barren, it is recognizedworldwide for its propaganda by Koreanmusicians. In addition, due to the new paradigm shift, there are more successful cases in which artists themselves can pioneer their own paths in various ways other than traditional methods. On the other hand, the government requires evaluation and convergence education in all fields for the future of universities, but Korean classical music colleges still remain in traditional educational programs, so they should actively consider new educational development directions that introduce tradition and practicality of pure art universities. This study analyzed the domesticmusic industry based on the fact that the ultimate purpose of the university is to produce talent, and examined the innovation and competitive operation plans and strategies of classical music universities that reflect the specificity of Korean society. For objectification and visualization of this analysis, a business model was introduced to identify the purpose and value of the music university that can open the future of many students through innovation as an educational institutionwhilemaintaining the tradition of classicalmusic university operation and education.

연구 목적: 본 연구는 메타버스와 NFT를 활용한 대중음악 산업의 사례를 분석하고 대중음악 산업의 발전 방안에 대해 제시하는 것을 목적으로 하였다. 연구 방법: 연구 방법은 문헌고찰 방식을 사용했다. 연구 내용: 연구 내용으로는 선행연구를 분석하고, 메타버스, NFT에 대해 알아보았으며, 메타버스와 NFT를 활용한 대중음악 산업 사례에 대해 고찰하였다. 결론 및 제언: 연구 결과 첫째, 메타버스 플랫폼을 활용한 대중음악 공연산업이 코로나19 이후 공연을 즐길 수 있는 대안책으로 떠오르고 있는 것으로 나타났다. 둘째, 뮤직 메타버스를 활용한 음악 정보 교류를 통해 가상공간에서도 커뮤니티를 자유롭게 형성할 수 있어 소통의 폭이 확장될 것으로 나타났다. 셋째, NFT로 인해 창작자 및 대중음악 산업이 더욱 발전할 수 있으며 창작자의 지적재산권 보호 및 수익 창출에 긍정적인 영향을 미칠 수 있음을 확인하였다. 이러한 연구 결과를 통해 한국의 대중음악 산업이 더욱 발전하고 창작자의 권리가 지켜질 수 있는 긍정적인 영향을 미칠 수 있을 것을 기대한다.

The purpose of this study is to analyze the case of the popular music industry using metaverse and NFT and to suggest the development plan of the popular music industry. The research method was a literature review method. As for the contents of the study, previous studies were analyzed, metaverse and NFT were investigated, and cases of the popular music industry using metaverse and NFT were considered. As a result of the study, it was found that the popular music performance industry using the metaverse platform is emerging as an alternative solution to enjoy performances after COVID-19. Second, through the exchange of music information using the music metaverse, a community can be formed freely even in a virtual space, which is expected to expand the scope of communication. Third, it was confirmed that the NFT can further develop creators and the popular music industry, and can have a positive effect on the protection of intellectual property rights and the creation of profits. It is expected that the results of this study will have a positive impact on the further development of the Korean pop music industry and the protection of creators' rights.

본 연구는 지금까지 순수 음악을 지탱해온 대학에서의 순수예술학과 정원감축과 폐과 수순의 여파로 한국 클래식 음악계에 불어 닥친 위기와 극복에 대한 시도를 한국 클래식 음악계 아트마켓의 부재에서 오는 비 상업적인 원인과 연관시켜 접근하려고 하였다. 클래식음악은 원류가 유럽이기 때문에 그것을 수입해온 우리나라에선 처음부터 대중적이지 않았다. 우리와 다른 문화에서 생긴 파생물로 알리고 홍보하며 소개해야 하는 대상이었다. 그러다보니 몇몇의 적은 전문가 집단으로 구성된 이들만이 향유하고 점유하게 되었으며 그것이 바로 대학이라는 기관으로 집결되었다. 오랜 세월동안 순수예술 보호자였던 대학이 그 순수성을 포기하자 대학 밖의 음악의 유통, 보급, 시장성, 대중취향에 맞춘 수익창출 등의 상업적인 환경에 전혀 준비와 대비가 되지 않은 클래식음악가들은 예술 이전에 생계를 걱정해야 하는 큰 어려움에 처해있다. 클래식음악가들은 음악비즈니스와 경영에 대해 교육을 받아 본 적도 없고 이런 위기가 도래 할 것이라는 것을 짐작한 적도 없기 때문에 내구성이 현저히 떨어지고 혼란스러워한다. 하지만 이런 현상은 사회 모든 영역에서 일어나는 사회 문제이자 융합과 다차원적인 사고와 대처를 원하는 시대의 요구이다. 이러한 요구와 변화에 발맞추지 못하면 앞으로 클래식음악은 더욱 더 고립화가 심해질 것이고 사장될 것이다. 그러나 본 연구를 통해 몇몇의 음악인들이 다양한 방식과 도전으로 새로운 음악시장을 개척하고 있는 것으로 나타났다. 본 연구결과는 한국 클래식음악에 대한 위기원인을 전반적으로 분석함으로서, 지금까지 지탱해온 구조를 대체할 새로운 음악생태계 조성이 필요하다는 결론을 도출 해 내었다. 또한 예술은 지금의 위기 이전에도 항상 변화를 수반하고 요구에 왔고 기존에 없는 것을 창의하고 선도해 나가야지 살아남고 예술작품으로서 존재한다는 사실을 확인하였다.

The following are suggestions for expanding Korean classical music market and challenges for overcoming the crisis. First, the music market starts with producing and securing music contents. It is necessary to identify Korean spirit and originality. the measure of the growth of the music market is the creativity and originality of the music content itself. Second, it is a combination with other cultural industries. Music concerts in combination with visual content such as movies, advertisements, animations, and dramas have great potential for growth. Finally, music education appropriate to the new media age is needed. There is an urgent need to educate students about music production, communication, and production that have changed drastically in existing performance-oriented or music-oriented music systems. It's not just music, it's essential for listeners to listen to music. You can grow together and expect a new revival in the music industry.

This study especially tries to look into the flow and interrelationship of Korean popular music industry through socio-cultural method. In fact, music appeals to the general people through being commercialized whether it is a record or sound. To outline the main research trend, the expansion of the popular music and record industry which originally had started as a way of modernity under Japanese rule-era occurred in a full swing after Korean liberation and 1960s when industrialization started. Especially after 1970s until 1990s, Korean record culture and market made powerful impact, but after 2000 the music market turned into the new phase with the emergence of music download industry.

본 연구는 기업역량이 성과에 미치는 영향력이 환경에서의 불확실성의 수준에 따라 어떻게 변화되는가에 대해 초점을 맞춘다. 이를 위해 2000-2007년의 한국의 음악산업에서 발생한 불확실성을 중심으로 그 전후에 음반판매량에 영향을 미치는 요인을 분석하였다. 분석 결과 산업환경에서의 불확실성이 증가함에 따라 기업의 성과를 결정짓는 요인이 조직의 지원에 기반을 둔 역량에서 개인의 능력에 기반을 둔 역량으로 옮겨간다는 것을 발견하였다. 본 연구는 기업의 성과에 좋은 영향을 미치는 가치 있는 자원은 특정한 환경하에서 상이하게 발견된다는 것을 실증적으로 보여줌으로써 자원기반이론의 발전에 공헌한다.

This study focused on how the relationship between firm competencies and performance would change in different levels of environmental uncertainty. We analysed 2000?2007 Korean music industry and found that when uncertainty based on causal ambiguity occurred, critical competence for performance moved from organization?based resources to individual?based resources. This empirical result shows that the value of resources is defined in a specific condition, supporting the resource?based view is not just a tautological assertion.

본 연구는 온⋅오프라인이 융합된 대중음악 공연 생태계를 분석하고 발전 방안을 탐색하는 것에 목적이 있다. 이를 위해 대중음악 공연산업 현황과 특성을 도출하고, 대중음악 공연산업계 및 학계의 전문가 15명의 심층 인터뷰를 진행하였다. 인터뷰 결과를 서비스 가치 네트워크 모형에 적용하여 오프라인 기반 공연산업 생태계(As-Is)와 온⋅오프라인 융합 공연 생태계(To-Be)를 도식화하였으며, 이를 토대로 구체적인 발전방안을 제언하였다. 연구결과, 대중음악산업에는 온라인 공연계의 새로운 가치행위자가 창작원천 단계를 제외한 모든 가치사슬에 새롭게 유입될 것으로 나타났으며, 오프라인 관람객 위주로 구성되었던 소비자의 범위가 온오프라인으로 세분화될 것으로 예측되었다.

The purpose of this study is to analyze the online and offline popular music performance ecosystem and explore development plans. To this end, the current status and characteristics of the pop music performance industry were derived, and in-depth interviews were conducted with 15 experts from the pop music performance industry and academia. By applying the interview results to the service value network model, the offline-based performance industry ecosystem(As-Is) and the online and offline convergence performance ecosystem(To-Be) were schematized, and specific development plans were proposed based on this. As a result of the study, it was found that in the popular music industry, new value actors in the online performance industry will flow into all value chains except for the creative source stage, and the range of consumers, which consisted mainly of offline visitors, will be subdivided online and offline.

The Korean music industry, which has the world's 12th largest music market and the world's 10th largest music market, is following the development trend of the recent world music industry, The growth of digital music sources in the music industry in both countries is attributed to the increase of streaming sound source service, the increase of the number of connection of digital sound source using smartphone caused by the development of internet, and the launch of various complex programs using streaming. The spread of smartphones and the resulting changes in the lifestyle of the Russian people, the convenience of connection, which allows anyone to easily access music and listen to music without a separate audio device or digital player. And a complete analysis of the propensity of the sound consumer through analysis of “Big Data” are considered as important factors leading to the historical rise of the digital sound source. The music industry in Russia and Korea is currently in a stable condition to grow. The following five complementary points analyzed in the specificity of the music industry of the two countries (First, utilizing big data in the digital music industry, Second, diversification of streaming service, Third, develop new types of streaming services, Fourth, to form a global market through online streaming, Fifth, diversification of profit model through platform) will work well in Russia and Korea, and the share of both countries in the world music market is very likely to expand.

이 논문은 최근 디지털 음원 분야에서 주목할 만한 성장을 이루고 있는 러시아 음악시장의 현재적 상황과 그 배경에 대해 살펴보는 것을 목적으로 한다. 현재 세계 10위권의 시장 규모를 가진 러시아 음악 산업은, 스트리밍 접속을 통한 디지털 음원 시장을 중심으로 빠르게 성장하는 세계 음악 산업의 최근 흐름을 따르고 있다. 러시아의 음악 산업에서 디지털 음원의 성장 배경으로는 다운로드 및 스트리밍 음원 서비스 증가, 인터넷 발전으로 인하여 모바일을 이용한 디지털 음원 접속 회수의 증가, 정부의 저작권법 개정 등이 주요 원인으로 거론된다. 특히 스트리밍 음원 매출은 2020년에 디지털 음원 전체 매출의 85%이상 점유율을 예상할 만큼 폭발적인 성장이 기대된다. 스마트폰의 보급, 이로 인한 러시아 국민들의 라이프 스타일 변화, 즉 별도의 오디오 기기나 디지털 플레이어가 없어도 누구나 쉽게 디지털 음원에 접근하고 음악을 들을 수 있는 ‘연결/접속’의 편리함과 4차 산업혁명의 ‘빅데이터’ 해석을 통한 음원소비자의 성향 분석 등이 이러한 변화를 전위에서 이끌고 있다. 또한 러시아 정부의 ‘저작권법’ 개정과 더불어 불법 복제 음원물의 유통 근절에 대한 강력한 정책이 효과를 발휘하고 있다는 것도 디지털 음원의 가파른 상승을 이끄는 중요한 요소로 꼽힌다. 음악은 문화적 자산 가운데 가장 중요한 요소이면서, 디지털 경제의 전반적인 성장을 견인하는 효자 콘텐츠이다. 현재 러시아 음악 산업은 과거와 비교했을 때 안정적으로 지속 가능한 성장을 도모할 수 있는 환경이 구축되고 있으며, 여기에 다음과 같은 다섯 가지 개선안(저작권 보호에 대한 러시아인들의 의식 강화, 디지털 음원 산업에 빅데이터 활용, 디지털 음원 유통자들의 독과점 개선, 적정한 음원 수익 분배율 제시, 러시아 음악 산업에 대한 투자 활성화)이 효과적이고 생산적으로 잘 작동되면 세계 음악시장에서 러시아의 역할과 입지가 확장될 가능성은 매우 크다. 이럴 경우 러시아 음악 산업은 디지털 음원 시대에 단순히 적응하는 단계를 지나 4차 산업혁명의 수혜업종인 ‘스트리밍’에 접속하여 음악을 소비하는 패턴이 시장의 중심이 되는 세계 음악 산업을 선도적으로 이끌어 갈 것이다.

The purpose of this paper is to examine the current situation and background of the Russian consumer music market, where digital music sources are making great strides in the noted recent years. In addition, music storage technology, media and change are considered together in this report. Moreover, Russia is the 12th largest music market in the world. The Russian music industry is following the recent trend of the global music industry, where the digital music market is growing rapidly on many different levels. The explosive growth of the digital sound sources in Russia's music industry is attributed to the explosive increase in available consumer downloads, streaming sound source service, and the increase in the number of digital sound sources using mobile technologies due to the development of the Internet. In particular, the sales of the available and accessible streaming sound sources are expected to grow explosively by the year 2020, which is expected to account for more than 85% of total digital music sales. In other words, the spread of smartphones and the resulting changes in the lifestyle of the Russians have created these changes for the global consumer of music. In other words, the time has come for anyone to easily access music and listen to music without a separate audio or digital player. And the fact that the Russian government's strong policy on the eradication of illegal copying of music is becoming an effective deterrent, as is also the factor that led to the increase of the share of the digital sound source to increase sales in Russia. Today, the Russian music industry is leading this change through the age and process of simply adapting to the digital age. Music is the most important element of cultural assets, and it is the beneficial content, which drives the overall growth of the digital economy. In addition, if the following five improvements(First, strengthen the consciousness of the Russian people about copyright protection; Second, utilizing the Big Data Internet resources in the digital music industry; Third, to improve the monopoly situation of digital music distributors; Fourth, distribution of fair music revenues; and Fifth, revitalization of a re-investment in the current Russian music industry) are effective and productive, Russia's role and position in the world music market is likely to expand.

(본 연구는 생성형 AI가 음악산업의 제작 및 유통 가치사슬에 어떠한 방식으로 개입하며, 각 단계에서 인간 노동의 대체성과 보완성이 어떻게 나타나는지를 가치사슬(Value Chain) 관점에서 분석하였다. 이를 위해 본 연구는 생성·작곡(Suno, Udio, AIVA), 보컬 합성 및 제작(ACE Studio, Synthesizer V), 오디오 엔지니어링(iZotope Ozone, Moises, LALAL.AI), 유통·큐레이션(Spotify Discovery Mode)의 네 단계를 대상으로 탐색적 사례연구와 문헌·문서 기반 비교분석을 수행하였다. 분석 결과는 다음과 같다. 첫째, 생성·작곡 단계에서 생성형 AI는 초안 생성, 버전 확장, 구조 설계 등의 공정을 자동화함으로써 창작 진입장벽을 낮추고, 인간 창작자의 역할을 직접 생성자에서 선별자·디렉터로 이동시키는 경향을 보였다. 둘째, 보컬 제작 및 오디오 엔지니어링 단계에서 생성형 AI는 가이드 보컬 생성, 발음·표현 조정, 마스터링, 스템 분리 등 반복적이고 표준화 가능한 공정에 개입하며 제작 효율을 높이는 것으로 나타났다. 그러나 최종 표현의 해석, 품질 판단, 예외 처리와 같은 영역에서는 인간의 역할이 여전히 중요하게 유지되었다. 셋째, 유통·큐레이션 단계에서는 생성형 AI로 인한 콘텐츠 공급 증가가 플랫폼 알고리즘의 노출 게이트키핑 기능을 강화하였으며, Discovery Mode와 같은 정산 구조는 플랫폼이 수익 배분과 가시성을 통제하는 병목으로 작동함을 보여주었다. 넷째, 생성형 AI의 도입은 가치사슬 전반에서 인간 노동을 일괄적으로 대체하기보다, 공정 특성에 따라 대체와 보완을 차등적으로 유발하며 인간의 역할을 선별, 최종 판단, 품질 관리, 전략적 대응의 방향으로 재편하는 것으로 나타났다. 이상의 결과는 생성형 AI가 음악산업 가치사슬의 외형을 즉각적으로 전복하기보다, 제작과 유통의 각 공정에서 기능 수행 방식과 권력 구조를 차등적으로 재편하고 있음을 시사한다.

This study analyzes how generative AI intervenes in the production and distribution value chain of the music industry and examines how human labor is replaced or complemented at different stages from a value chain perspective. To this end, the study adopts an exploratory case study approach combined with document-based comparative analysis, focusing on four stages: (1) generative composition and full-track generation (Suno, Udio, AIVA), (2) vocal synthesis and production (ACE Studio, Synthesizer V), (3) audio engineering (iZotope Ozone, Moises, LALAL.AI), and (4) distribution and curation (Spotify Discovery Mode). The findings are as follows. First, in the composition and generation stage, generative AI automates processes such as draft generation, version expansion, and structural design, thereby lowering barriers to creative entry and shifting the role of human creators from direct producers to selectors and directors. Second, in the stages of vocal production and audio engineering, generative AI increases production efficiency by intervening in repetitive and standardized tasks such as guide vocal generation, pronunciation and expression adjustment, mastering, and stem separation. However, human roles remain significant in areas requiring final interpretation, quality judgment, and exception handling. Third, in the distribution and curation stage, the increase in AI-generated content reinforces the gatekeeping function of platform algorithms, while monetization mechanisms such as Discovery Mode operate as bottlenecks through which platforms control visibility and revenue allocation. Fourth, rather than replacing human labor uniformly across the entire value chain, generative AI differentiates replaceability and complementarity according to the characteristics of each process, thereby reconfiguring human roles toward selection, final judgment, quality control, and strategic response. These findings suggest that generative AI does not immediately overturn the external structure of the music industry value chain; rather, it differentially restructures the functional logic and power relations of production and distribution processes.

본 연구는 한국 문화산업 내 대중음악 연주자들의 불안정한 노동환경과 제도적 보호 부재 문제를 조명하고, 이를 개선하기 위한 실질적 방안으로서 한국형 뮤지션 유니온의 필요성과 제도적 구축 방향을 제시하고자 한다. 현재 국내 음악산업 속에서 다수의 대중음악 연주자들이 프리랜서 형태로 활동하며, 불투명한 계약 관행과 낮은 보수, 복지 사각지대에 놓여 있는 실정이다. 이를 위해 본 연구는 문헌 연구와 사례 분석을 중심으로 한국 대중음악 연주자의 노동 실태를 검토하고, 영국 Musicians’ Union의 제도적 구조와 운영 방식을 분석하였다. 분석 결과, 영국은 고용권리법을 통해 전형적 고용관계 밖의 노동자에게도 법적 보호를 제공하고 있으며, 연주자 수당 가이드라인 제시, 계약 자문, 복지 서비스, 정부 및 방송사와의 단체 협약 등을 통해 음악인의 권익 보호와 함께 노동권을 제도적으로 보장하고 있었다. 반면 한국은 전형적 근로자 중심의 법체계로 인해 프리랜서 연주자들이 제도적 보호에서 배제되어 있는 것으로 나타났다. 본 연구는 이러한 분석을 토대로, 한국형 뮤지션 유니온이 음악인과 민간 주체의 자발적 참여를 기반으로 설립·운영되어야 하며, 정부는 해당 조직이 안정적으로 기능할 수 있도록 법적·제도적 기반과 재정적 지원을 제공하는 조력자 역할을 수행해야 함을 제안한다. 또한 출연료 기준 마련, 보험·경력 지원, 법률 자문 등 실질적 서비스를 포함하는 운영 체계와 더불어 정부·민간·산업을 연결하는 플랫폼형 네트워크의 구심적 구조가 필요함을 강조하였다. 본 연구는 대중음악 연주자의 노동권 보호와 예술노동의 공공성 강화를 위한 정책적 제도화 논의를 위한 기초 자료로서 의의를 지닌다.

This study examines the precarious working conditions of freelance popular music performers in Korea and the lack of institutional protections within the cultural industries. Through literature review and case analysis, it compares the Korean context with the UK Musicians’ Union, which provides non-standard workers with support such as minimum fee guidelines, contract advice, welfare services, and collective agreements under the Employment Rights Act. In contrast, Korea’s employee-centered labor law framework leaves most freelance performers outside formal protection. Based on these findings, the study proposes establishing a Korean-style Musicians’ Union grounded in the voluntary participation of performers and private actors, with the government serving as a facilitator by offering legal and financial support. It further highlights the need for practical services including standardized fee systems, insurance and career support, and legal consultation and a platform-based network linking government, industry, and artists. This research offers foundational insights for strengthening performers’ labor rights and enhancing the public value of artistic labor.

K Pop이 빌보드차트 정상을 점령하는 등 활약이 두드러지지만, 우리나라 음악실연권은 아직 후진적이다. 실연자단체와 음원제작자 사이의 갈등 때문에 우리나라 대중음악이 2024년 현재와 같은 호황을 계속 유지할 수 있을지 의문점과 근심이 가득하다. 해외의 음악실연권, 음원제작자의 권리(저작인접권)와의 충돌이 발생하므로 해외 사례와의 비교 검토가 절실하게 필요하다. 실연자가 지급받는 녹음비의 성격을 둘러싼 갈등, MIDI 아티스트에 대한 실연자 성격 인정 여부, 주실연자-부실연자 사이의 분배 문제 등 음악산업계 현안들이 쌓여있다. 그러나, 실연권의 처리에 관한 제작자와 실연자 사이의 갈등의 해결은 우선적으로 당사자 간 합의, 즉 계약에 의하여 가능하다. 정책적으로 고려할 점이 있다면, 실연자가 기획사 등의 압력으로부터 자유로울 수 있도록 관심을 가지고, 전속계약 관련 공정거래법적 쟁점을 살펴보는 것일 것이다. 음실연의 주장 중 하나는 제작자와 실연자의 관계에서 실연자가 대등한 관계에서 협상이 어려울 것이라는 것인데, 음실연이 마치 노조(Union)의 기능을 하여 제작자를 견제할 수 있을 것이다. 양 당사자 합의가 어렵다면, 문체부 또는 공정거래위원회 등이 나서서 실질적인 위험부담 등 음원 제작의 현실을 고려하고, 이해당사자 측의 입장까지 충분히 수렴하여 객관적으로 공정하고 효율적인 기준을 제시해야 할 것이다.

Although K-Pop's performance is outstanding, occupying the top of the Billboard charts, Korea's music performance rights are still backwards. Due to the conflict between performer groups and music producers, there are questions and concerns about whether Korean popular music will be able to maintain its current boom in 2024. As conflicts arise with overseas music performance rights and sound source producers' rights (neighboring rights), a comparative review with overseas cases is urgently needed. Pending issues in the music industry are piling up, including conflicts surrounding the nature of recording fees paid to performers, whether or not MIDI artists are recognized as performers, and distribution issues between main and minor performers. However, the resolution of conflicts between producers and performers regarding performance rights is primarily possible through agreement between the parties, that is, a contract. If there is anything to consider from a policy perspective, it would be to pay attention to ensuring that performers are free from pressure from agencies, etc., and to look into fair trade law issues related to exclusive contracts. One of the arguments of the Music Demonstration Association is that in the relationship between producers and performers, negotiation will be difficult if the performers are equals, but the Music Demonstration Association will be able to keep the producers in check by functioning as a union.

본 연구는 빠른 속도로 발전하는 생성형 인공지능 기술이 대중음악 산업에 활용된 사례를 통해 변화하고 있는 대중음악 산업구조를 알아보았다.  먼저 생성형 예술의 특징을 통해 생성형 인공지능 예술은 표현의 무한성과 다양성, 확장성을 기반으로 하며 물리적 제약의 극복과 시간과 비용 절감, 개인화의 특성이 드러나는 것을 파악하였다. 대중음악 분야에서 생성형 인공지능은 음악을 창작하고, 음악을 매개로 방송 프로그램의 소재로 활용하거나 개인 콘텐츠를 제작하기도 한다. 또한 버추얼 아이돌을 생성하여 음악과 이미지, 대화 등 다양한 생성 인공지능의 결과물과 함께 활용한다. 생성형 인공지능을 통해 변화된 대중음악 산업구조는 다음과 같다. 첫째, 누구나 손쉽게 음악 및 이미지, 콘텐츠를 생성하여 소유하고 공유한다. 이는 인간 고유의 창작 영역 방식을 깨뜨렸다. 둘째, 레이블, 유통사를 통하지 않고 다양한 플랫폼을 통해 직접 유통하며, 디지털 콘텐츠 간의 연결이 자유로운 만큼 플랫폼을 통해 새로운 생태계를 형성하기도 한다. 빠르게 발전하는 기술은 창작과 유통, 수용방식의 변화를 가져오고 이는 산업구조 전체의 변화를 가져올 것이다. 이에 창작자와 관계자, 대중의 공유와 협력 체계가 단단하게 이뤄질 수 있도록 노력해야 한다.

This study examines the changing structure of the popular music industry through the lens of applications of rapidly advancing generative artificial intelligence (AI) technology. By analyzing the characteristics of generative art, the study identifies that generative AI art is distinguished by its infinite expressive possibilities, diversity, scalability, ability to overcome physical limitations, reduction in time and cost, and capacity for personalization. In the field of popular music, generative AI is used to create music, serve as material for broadcast programs, and produce personalized content. Additionally, it is employed in the creation of virtual idols, integrating various outputs of generative AI, such as music, visuals, and conversations. The structural changes in the popular music industry brought about by generative AI are as follows; first, Anyone can easily create, own, and share music, images, and content. This has disrupted traditional modes of human-exclusive creativity. Second, Distribution can occur directly through various platforms, bypassing traditional labels and distributors. The seamless interconnection of digital content fosters the formation of new ecosystems within these platforms. Rapidly advancing technology is reshaping the methods of creation, distribution, and reception, which will ultimately transform the structure of the industry as a whole. Consequently, efforts must be made to establish robust systems of sharing and collaboration among creators, stakeholders, and the public to ensure a sustainable and cooperative ecosystem.

본 논문은 문헌 조사 연구방법을 통하여 정책 측면, 시장 측면, 음반 회사 측면, 디지털 음악 플랫폼 측면과 소비 측면을 나누어 중국 디지털 음악 산업의 발전 현황을 고찰하였다. 이 토대로 중국 디지털 음악 산업의 문제점을 발견하였다. 첫째, 플랫폼 측면에 높은 저작권 비용, 혁신 동력 부족, 인디뮤지션의 수입 부족 세 기가지 문제점이 있다. 둘째, 소비자 측면에 낮은 요금 지급률을 하고 소비자 선호의 변화 두 개 문제점이 존재하고 있다. 셋째, 정부 측면에 보호 정책 부족한 문제점도 있다. 이상 문제점을 해결하기 위하여 본 연구는 기업 측면, 정부 측면, 민간 측면을 나누어 발전전략을 제시하였다. 먼저 기업 측면에 자작권의 가치를 발굴해야 하고, 효율적인 이익 모델을 형성시켜야 한다. 또한, 소비자의 요금 지급 습관도 육성시켜야 한다. 둘째, 정부 측면에 감독 체계 개선하는 동시에 인디뮤지션의 육성에 대한 지원을 체공해야 하고 음악 인재도 활용해야 한다. 마지막으로 민간 측면에 산학협력을 활용하고 음악 예능 프로그램 개선하는 동시에 프로그램의 혁신도 요구된다.

The paper divided into policy, marketing, record company, digital music and consumption aspects for studying present situation of China's digital music industry by literature research. Based on this, the study found some problems of China's digital music industry. Firstly, in platform aspect, there are three problems including high cost for paying for copyright, lack of innovation and low income in independent musicians. Secondly, there are two problems in consumer aspect including low rate of paying for music and consumer's preference is changing. Thirdly, in government aspect, protecting policy for digital music is inadequate. To solve these problems, the essay put forward development strategies in three aspects. First, in corporation aspect, it is suggested that extract copyright's value and form efficient profit model. Second, it is advised that improve system's supervision, support cultivating independent musician and use music talents in government aspect. Finally, in public respect, it is suggested that ally industry with academic and improve music program, at the same time, it is need to innovate program's form.

‘음원사재기’는 음악시장을 교란시키는 행위로서 최근에는 음악산업계 행위자 간 불신을 초래하는 사회문제로 확대되었다. 본 연구는 음원사재기로 인해 왜곡되고 있는 음악시장의 유통질서를 바로잡기 위해 기존의 자율규제 방식보다 강화된 형태의 정부개입이 필요하다는 문제의식에서 출발한다. 따라서 음원사재기 현상을 중심으로 음악시장이 처한 환경과 문제제기 이후 이루어져 온 정부개입이 왜 실효성을 확보하지 못했는지를 분석하였다. 정부는 그동안 자율규제 기반으로 정책개입을 시도하였으나, 결과적으로는 유의미한 효과를 거두지 못한 것으로 평가할 수 있다. 이처럼 정부개입이 잘 이루어지지 않은 배경에는 첫째, 음악시장 환경의 변화로 선별체계가 다양해졌으며, 특히 음악플랫폼이 마케팅 차원에서 개발한 차트라는 선별체계의 영향력이 급격히 높아진 데 있다. 이어서 둘째, 차트를 둘러싼 음악시장 내 행위자들의 이해관계가 복잡하기 때문에 업계가 자율적으로 규제하고, 이를 해결하고자 하는 유인이 지극히 낮다는 점을 들 수 있다.

Sajaegi (chart manipulation) is an act that disturbs the music market, and is a social problem that causes distrust in the music industry. This study argues that strengthened government intervention is required rather than the existing self-regulation to rectify the distribution order of the music market. Additionally, the study analyzed why the government intervention failed to secure effectiveness after the environmental change and the sajaegi problem in the music market. Government intervention in the form of self-regulation did not have a significant effect because of the following reasons. First, the gatekeeper system diversified because of changes in the music market; in particular, the influence of the chart increased significantly. Second, since the interests of actors in the music market regarding charts are complicated, the music industry’s motivation to resolve the situation autonomously is low. Therefore, the level of government intervention needs to be increased, and the public sector should create and maintain public spheres so that the music industry can discuss different interests.

본 연구는 대중음악 분야에서 계약체결에 미치는 영향 요인을 분석하는 것을 목표로 한다. 이는 대중음악 분야 종사자들의 지속가능한 활동을 보장하고, 공정거래관행을 정착시키고자 하는 정책적 배경에서 수행되었다. 이를 위해 먼저, 인터뷰를 통해 대중음악 종사자들의 주요 경제활동 유형과 계약관행의 특징을 파악했으며, 관련 설문조사를 통해 확보된 데이터를 활용하여 통계분석을 실시했다. 구체적인 분석 절차는 다음과 같다. 먼저 계약관계를 맺게 되는 계약 주체의 유형을 도출했는데, 노무를 제공하는 종사자는 사업자, 개인, 임금노동자로 분류되었고, 사용자는 공공부문, 음악관련 법인, 음악외 법인, 개인사업자로 분류되었다. 이어서 각 종사자와 사용자 형태 및 그 조합이, 이들이 맺게 되는 서면계약 또는 구두계약 체결에 어떠한 영향을 미치는지 분석했다. 그 결과, 종사자는 사업자보다 개인일수록, 사용자는 공공기관에 비해 음악관련 법인, 음악외 법인, 개인사업자일수록 서면계약 비중이 낮아지는 것으로 나타나는 반면, 구두계약 비중은 높아지는 것으로 나타났다. 이는 종사자의 경우 교섭력이 적을수록, 사용자는 민간 또는 개인일수록 서면계약 가능성이 낮아지게 되며, 관계가 공식화하기 어려운 구두로 계약이 이루어지고 있음을 보여준다. 또한 활동건수가 적거나 부업이 있는 경우 상대적으로 서면계약 비중이 낮게 나타는데, 이러한 요소들이 대중음악 종사자의 역량 및 평판 축적에 영향을 주기 때문이다. 직군별로 보면, 라이브 음향 엔지니어의 서면계약 비중이 상대적으로 크게 낮은 것으로 나타나는데, 이는 해당 직군이 대부분 팀 단위로 활동해 팀장급이 대표로 계약을 하는 경우가 많고 다단계 하청구조로 시장이 형성되어 있기 때문에 나타나는 현상으로 보인다. 이상의 결과는 대중음악 분야의 공정거래 환경 조성과 관련 종사자들의 활동 지속성 보장을 위한 다양한 정책들에 중요한 시사점을 제공한다.

The purpose of this study is to analyze the factors that influence contracts in the field of popular music. This study was conducted to ensure sustainable activity of popular music artists and engineers, and to establish a fair trade environment. The researchers interviewed popular music artists, engineers and entrepreneurs and investigated the economic activities and contractual practices of popular music workers. A statistical analysis was conducted using data obtained through the questionnaires. The procedure of analysis was as follows. First, the types of contractual relationships were derived. The workers were classified as business person, individual, and wage worker, and employers (owners) were classified as public sector, music related corporation, non-music corporation, and individual business. We then analyzed how the status of each employee and owner, and their combination, influenced their written or oral contracts. As a result, it was found that the proportion of written contracts was lower in music-related corporations, non-musical corporations, and individual businesses than in public organizations, while the proportion of oral contracts was higher in the case of owners. This shows that the lower the bargaining power of the employees, the lower the possibility of written contracts among the owners or private individuals, and the more difficult it is to formulate a relationship. In addition, the proportion of written contracts is relatively low when there are few or fewer activities, because these factors affect the capacity and reputation accumulation of popular music practitioners. In terms of job category, the ratio of written contracts of live sound engineers appears to be relatively low. This is because most of the team members are contracted by a team leader, and the market is formed by a multi-stage subcontracting structure. These results provide important implications for various policies for the encouragement of a fair trade environment in the field of popular music and for ensuring the continuity of activities of the related workers.