Earticle

전 세계적으로 한국의 대중음악, 케이팝 문화가 소비되면서 글로벌 팬덤을 형성하하고 있다. 그러나 지리적으로 인접한 국가인 중국과는 정치적 특수성과 갈수록 깊어지는 한중간 마찰로 인해 케이팝 문화 수출에 난항을 겪고 있다. 코로나19 통제 등 강도 높은 코로나 정책과 봉쇄를 이어가면서 중국 내에서도 정보통신기술(ICT) 산업의 발달로 미디어 매체가 다양화됨에 따라 콘텐츠 소비와 팬덤 문화의 지형도가 변하고 있다. 이 연구에서는 이론적 배경에서 먼저 코로나19 이후 중국 정부의 엔터테인먼트 산업 규제에 대한 문화정책을 살피고, 중국의 콘텐츠 시장과 소비자 지형도를 참고문헌을 통해 살핀다. 실질적으로 코로나19 이후 중국 내 케이팝 소비에 대한 현황을 양적·질적 연구 방법을 통해 분석해 보고자 한다. 먼저 양적연구방법으로 빅데이터 프로그램을 활용하여 인터넷상에서 중국문화정책 제재에 따른 케이팝 팬덤의 반응을 살핀다. 이를 위해 중국 내 주요 포털사이트(바이두, 웨이보)를 선별하고, 키워드로 중국문화정책과 아이돌을 포함시켜 중국문화정책에 따른 케이팝 아이돌에 대한 온라인상 담론을 분석한다. 이후 실질적으로 이루어지는 소비 양상을 살피고자 중국인 51명을 대상으로 ‘케이팝 소비와 팬덤 활동’에 대한 설문을 진행한다.

As Korean pop music and K-pop culture are consumed worldwide, it is forming a global fandom. However, K-pop culture exports are struggling with China, a geographically adjacent country, due to its political specificity and growing friction between Korea and China. It is continuing intensive COVID policies and lockdowns such as COVID-19 control. Media has also diversified in China due to the development of the information and communication technology (ICT) industry. As a result, the topography of content consumption and fandom culture is changing. In this study, from a theoretical background, first, the Chinese government's cultural policy on regulation of the entertainment industry after Corona, the content market and consumer types in China are examined through references. After that, I would like to analyze the current status of K-pop consumption through quantitative and qualitative research methods. Online discourse on K-pop idols according to Chinese cultural policy was analyzed through major portal sites in China (Baidu, Weibo). In addition, a survey of 51 Chinese people on "K-pop consumption and fandom activities" was conducted to examine the consumption culture of K-pop.

본 연구는 K팝 댄스를 “한국의 대중음악산업의 생산체계를 통해 제작 및 배포된 춤을 일컫는 것”이자 우리사회가 공유하는 하나의 ‘상징’으로 바라보면서, 한국 주요 신문사의 K팝 댄스 기사를 대상으로 그 사회적 의미와 이데올로기에 대해 살펴보고자 했다. 이를 위해 설계한 절차에 따라 K팝 댄스 기사를 추출하였으며, 이들 기사를 대상으로 양적이고 질적인 차원에서 K팝 댄스가 어떻게 다루어지고 있는지에 대해 알아보았다. 그 결과, 양적 측면에서 한국의 신문기사는 일부 기간을 제외하고 기사량이 저조하게 나타나, K팝 댄스의 확장 및 점증하는 영향력을 제대로 반영하고 있지 못하고 있는 것으로 드러났다. 질적 측면에서는 ‘사회에 대한 유익’ 혹은 ‘국가 이미지’ 또는 ‘수익창출의 자원’ 등과 연관되는 “도구적 기능” 프레임에 집중하며 다양하게 논의되고 있었다. 이에 비해 춤의 문화적 본질을 논하는 “본질적 가치”에 대해서는 주요하게 다루어지지 않고 있어 대조적이었다. 즉, 한국의 주요 일간지들은 K팝 댄스의 현상을 객관적으로 보도한다기보다는 사회적 이데올로기를 지지하는 방식으로 기사를 구성하고 있다고 할 수 있다. 결론적으로 K팝 댄스의 세계적 인기와 문화로서의 저력에도 불구하고, 아직까지 한국사회에서 자본 혹은 정치적인 부분으로부터 자유로운 하나의 문화로 여겨지고 있지 않다고 볼 수 있다.

This study seeks to view K-pop dance as the “dances produced and distributed through the production system of Korea’s popular music industry” and the “symbol” shared by Korean society. I tried to examine the social meaning and the ideology of K-pop dance articles in major Korean newspapers. For this purpose, I extracted K-pop dance articles according to the designed procedure, and then examined how K-pop dance was covered in quantitative and qualitative aspects in these articles. As a result, quantitatively, the spread and influence of K-pop dance were not properly reflected due to the small amount of Korean newspaper articles, except for some periods. Qualitatively, various discussions are centered on the “Instrumental Function” frame related to ‘Benefit to Society’, ‘National Image’, ‘Resources for Profit’, etc. In contrast, the cultural essence of dance - its “intrinsic value” - is not well addressed. This suggests that Korean newspapers are organizing articles in a way that supports social ideology rather than objectively reporting the phenomenon of K-pop dance. In conclusion, despite K-pop dance’s global popularity and cultural potential, it is not yet considered a culture free from capital or politics in Korean society.

케이팝의 힘은 대단하다. 변방의 대중문화가 전 세계에 영향을 미치고 있음은 놀라운 일이다. 국내외미디어들이 케이팝 성장의 비밀을 밝히려고 애쓰는까닭이다. 하지만 케이팝의 괄목할 성장 이면에 감춰진, 아이돌 그룹(보이그룹, 걸그룹) 내부의 치열한 경쟁과 강제적인 멤버교체는 비판의 대상이 되고 있다. 대표적인 현상 가운데 하나가‘졸업제도’이다. 르네지라르는 욕망의 모방성과 폭력성, 그리고 이를 무마하기 위한 희생양 메커니즘을 주장했다. 본고는 걸그룹 <나인뮤지스>의 데뷔과정에서 벌어진 졸업제도를기록한 다큐멘터리, 온라인 인터렉티브 사이트, 단행본 등 일련의 결과물을 바탕으로, 졸업제도에 희생양메커니즘을 적용한 뒤 케이팝에서의 졸업제도를 정의하고자 하였다.

K-Pop is powerful. Once considered to be at the periphery of global music scene, it is now reaching the whole world. Not surprisingly, the media, domestic and foreign, have scrambled to unlock the secrets of K-Pop’s phenomenal growth. In doing so, they have not failed to highlight the underside of its success, such as cut-throat competition among idol-group members and the programmed member replacement by their agencies. One of the most notable characteristics in this process is called, in their business jargon, ‘the graduation system’. This paper attempts to explicate this management practice unique to K-pop industry. To do so, this paper draws on Rene Girard’s work on desires, particularly his notion of mimesis, violence and the scapegoat mechanism. Based on a documentary film, interactive online sites and a monograph that have chronicled how the K-pop girl group <9 Muses> have ‘graduated’ during their debut process, this paper applies, as its main analytical tool, the scapegoat mechanism and attempts to explore on its basis what ‘the system’ entails for the K-pop industry in general and the actors working within it in particular.

The purpose of this paper is to conduct a structured analysis of K-pop idol character images. To this end, Peirce's semiotics were applied. The analysis targets of this paper was all idols, but the case of BTS was treated as the most important one. As a result, this paper was able to categorize the idol character images. First, there was an icon such as BTS’s Tinytan. This type was the signs that resembled the real idol images. Second, there was a symbol such as fan art. This type was the signs that made real idol images into animal character images by moe(萌え). Third, there was an index such as BT21. This type was the signs that had a causal relationship between real idol images and idol character images. As the next step, this paper looked at the creation and interpretation of signs. In terms of signs creation, the icon was intended to unify idol identity while the symbol tried to create the new idol identity. In terms of signs interpretation, fans demonstrated their loyalty by interpreting the symbol while those who had difficulty revealing that they were fans preferred collaboration characters. The reason is that collaboration characters made by the index are interpreted as non-idol characters.

본 연구의 목적은 K-pop 해외 팬들의 아이돌 굿즈 구매의도에 영향을 미치는 원인을 구체적으로 탐구하며 이들의 영향 관계를 파악하는 데 있다. 이를 위해 발달 심리학에서 발전한 개념인 애착유형이 굿즈 구매에 미치는 영향에 따른 효과를 검증하 였다. 애착유형 이외에도 아이돌 관련 SNS 이용정도, 한류 콘텐츠의 선호도, 아이돌 팬덤 활동에 대한 태도에 따른 한류 아이돌 굿즈의 구매의도에 관한 가설을 제시 하였다. 가설 검증을 위해 중국에 거주 중인 10-40대 남녀 297명을 대상으로 온라인 설문을 실시한 결과, 몰두형 애착 유형은 아이돌 굿즈 구매의도에 유의미한 정 (+) 영향을 미치지만, 안정형 애착 유형은 영향이 없는 것으로 나타났다. 이 외에도 아이돌 관련 SNS 이용정도, 한류 콘텐츠 선호도는 아이돌 굿즈 구매의도에 유의미한 정(+) 영향을 미치는 것으로 나타났다. 또한 몰두형 애착유형과 굿즈 구매의도의 관계에 대한 매개분석 결과, 아이돌 팬덤 활동에 대한 태도가 매개변수의 역할을 하는 것으로 확인되었다. 본 연구는 학술적으로 아이돌 팬덤이라는 특정 소비층에 애착이론을 확대 적용하고 독립변수와 종속변수 간의 관계 탐색에 더해 매개변수를 규명하여 구매의도의 예측 변인을 다각도로 탐색하였다는 데 의의가 있다. 또한 실무적으로 아이돌 굿즈 마케팅에 대한 이해를 넓히고 향후 홍보 가이드라인을 제시하여 효과적인 마케팅 전략의 방안을 제시하고자 하였다.

This paper attempts to identify factors affecting purchase intentions for K-pop idol goods, based on the attachment theory and previous studies on fandom culture. The results of the online survey among K-pop fans in China show that the preoccupied attachment has positive effects on purchasing intention for idol goods whereas secure attachment has no influence. In addition to the attachment type, SNS usage and preference of Korean content have positive influence on fans’ purchasing intention of idol goods. Moreover, this study suggests that attitudes toward idol fandom behaviors mediate the relationship between attachment type and purchase intentions for K-pop idol goods. By applying the attachment theory in fandom culture, this study provide a better under-standing of factors affecting purchase intentions for K-pop idol goods. In practice, promotional guidelines for effective idol marketing are also presented through research results.

본 연구는 케이팝의 성장과 발전에 따라 여러 분야에 걸쳐 진행된 관련 연구의 동향을 파 악하고 케이팝 연구의 주요 연구 분야를 규명함으로써 새로운 연구 영역의 필요성을 제시 하는 데 목적이 있다. 이러한 연구 목적을 달성하기 위해 최근 10년간의 관련 연구가 제시 하고 있는 연구 키워드를 대상으로 케이팝의 소비 트렌드가 변화한 2개의 시점을 대상으 로 비교하여 분석하였다. 구체적으로 각 연도별 연구의 발행 현황을 파악하였고 개별 연구 의 핵심 키워드를 대상으로 키워드 네트워크 분석과 CONCOR 분석을 수행하였다. 분석 결과, 매년 30편 이상의 연구가 진행되었으며 2013년 이후 지속적인 증가세를 보여왔음을 알 수 있었다. 또한 2012년부터 2016년까지의 케이팝 연구의 키워드가 구성하는 네트워 크 구조를 분석한 결과, 3개의 군집(‘한류와 케이팝’, ‘대중문화 산업’, ‘케이팝의 특징’)으로 요약될 수 있었고, 2017년부터 2021년까지의 케이팝 연구를 분석한 Phase II의 경우 4개 의 군집(‘케이팝과 콘텐츠’, ‘문화 전이’, ‘BTS와 팬덤 행동’, ‘케이팝 산업의 현황’)으로 요 약될 수 있었다. 이러한 논의를 바탕으로 지난 10년간의 케이팝 관련 연구의 주요 현황을 조망하며, 향후 케이팝 연구의 저변 확대를 위한 제언을 담았다.

The purpose of this study is to examine trends in K-pop-related research conducted in various fields as K-pop grows and develops, and to present the need for new research areas through them. In this sense, the keyword network analysis method was used to explore trends in research related to K-pop, and the connection network analysis using CONCOR analysis was used to identify the relationship between each keyword and try to type keywords by cluster. The analysis showed that more than 30 studies were conducted every year and that they have continued to increase since 2013. According to the analysis of knowledge structure, Phase I, which analyzed K-pop research from 2012 to 2016, could be summarized into three clusters (’Korean Wave and K-pop’, ’Pop Culture Industry’, ‘K-pop Features’). In the case of Phase II, which analyzed K-pop research from 2017 to 2021, it could be summarized into four clusters (‘K-Pop and Content’, ‘Culture Appropriation’, ‘BTS and Fandom Behavior’, and ‘Status of the K-Pop Industry’). Through this, research related to K-pop was continuously being conducted, and it was observed that entertainment was not only in one area, but also in various fields such as politics, education, economy, and society.

본 논문은 TV 프로그램 <프로듀스 101>을 중심으로, 남녀 아이돌 연습생들의 퍼포먼스에서 나타난 젠더 디스플레이 차이를 분석하였다. 연구방법으로는 내용분석방법을 이용하였으며, 고프만(Goffman)과 월리스(Wallis)의 이론을 바탕으로 젠더 디스플레이 항목을 측정하였다. 시즌 1과 시즌 2의 무대영상 17개, 총 141개의 유닛을 분석한 결과, 여성 아이돌 연습생들의 퍼포먼스에서는 선정성이, 남성 아이돌 연습생들의 퍼포먼스에서는 지배적인 권력이나 힘을 나타내는 젠더 디스플레이가 주를 이루고 있음을 확인하였다. 다만, 최근 사회문화적인 변화에 따른 의미 있는 변화들도 발견되었다. 첫 번째, 남성 아이돌 연습생들의 퍼포먼스에서 기존에 잘 나타나지 않았던 외설적인 안무 동작이 많이 나타났다. 두 번째, 여성 아이돌 연습생들의 퍼포먼스를 분석한 결과, 힘의 과시를 나타내는 젠더 디스플레이의 빈도수가 높게 나타났다. 이러한 양상은 선정성의 이슈가 더 이상 여성 아이돌에게만 해당되는 것이 아니라 남/녀 아이돌 그룹 모두에게 강조됨을 뜻한다. 또한 여성성과 남성성을 나타내는 방식이 다양화됨으로써 남/녀를 구분 짓는 젠더 디스플레이의 경계가 모호해지고 있음을 알 수 있다.

The main purpose of this study is to examine the differences in gender display between male and female trainees on TV program comparing their nonverbal behaviors in the stage performances based on the theories of Goffman(1976) and Wallis(2011). For the research, this study analyzed 17 video clips in ‘PRODUCE 101’ season 1 and 2 through a contents analysis method. According to the results, the male trainees’ performances typically showed the dominance of power while the female trainees’ performances mainly focused on sexual expression. This study confirmed that the gender stereotype still existed in TV program, but revealed two significant findings. First, male trainees’ performances like female trainees’ performances reinforced the sexual expressions. Second, the performances of female trainees emphasized the power expressions. It is suggested that the way of representing femininity and masculinity has been diversifying and the boundary of gender display between male and female has been blurred.

본 연구는 아이돌 팬덤 현상에 대해, 팬덤의 시대별 특징 및 이용 매체의 속성에 따른 영향과 차이를 살펴보고자, 3세대 아이돌 팬덤과 1,2세대 아이돌 팬덤의 문화 차이, 그리고 인터넷의 발전에 따른 팬덤의 소셜 미디어 이용 양태의 차별적 영향을 실증적으로 탐구하였다. 한국과 중국의 아이돌 팬덤을 중심으로 설문조사 분석 결과, 3세대 아이돌 팬덤은 1,2세대 팬덤보다 아이돌에 대한 친밀감, 연애감정/숭배심리 및 동질감이 더 높았으며, 팬덤 충성도 및 팬덤 정체성도 높게 나타났다. 마찬가지로, 주로 이용하는 소셜 미디어 플랫폼에 대해서는, 네트워크 중심소통 팬덤이 온라인커뮤니티 중심소통 팬덤에 비해 친밀감, 연애감정/숭배심리 및 동질감이 더 높았고, 팬덤 충성도 및 팬덤 정체성 역시 더 높은 경향을 보였다. 이를 바탕으로, 팬덤의 세대 변화 및 소셜 미디어 이용 양태에 따른 아이돌 팬덤 문화의 변화의 함의에 대해 논했다.

Given that the current Idol fandom has been enormously affected by the development of digital technology such as the Internet, mobile or social media, this study explored how generational fandom culture has been shifted depending on the fandom's use of differential online platforms and services, i.e., online community vs. social network services. The survey results indicate that 3^rd generation fandom showed significantly greater intimacy, greater attachment/worship, greater similarity toward Idol stars as well as greater fandom loyalty and greater fandom identity than 1^st and 2^nd generation fandom. Similarly, compared to online community centered fandom, social network centered fandom showed greater intimacy, greater attachment/worship, greater similarity as well as greater fandom loyalty and identity than community-centered fandom.

As human brands, Idols, the central members of K-pop, are actively engaging in various industries based on the support of their fandoms, greatly impacting the national economy. In particular, due to the development of digital devices and technologies, they are active both online and offline, and idol avatars are a significant part of their activities across diverse contexts. Therefore, this study aims to categorize avatars used in various contexts and explore fandoms' perceptions according to each type. Based on case studies and literature review, idol avatar usage was categorized into products, supplier-led content, and interactive content, and accordingly, surveys and in-depth interviews were conducted. As a result, regardless of category, fandom showed a negative perception of idol avatar usage, as shown in the order of interactive content, supplier-led content, and products. Regarding human brand characteristics of idol avatars, attractiveness was evaluated higher than intimacy and likeability. However, the attachment to real-life idols showed a higher correlation with the characteristics of intimacy and likeability than attractiveness. This study is significant as it looked at the future directions of idol avatar usage by analyzing the fandoms' perception of avatar usage in the K-pop industry from a human brand perspective.

This article examines the Netflix animation K-Pop Demon Hunters as a key text for exploring cultural literacy in the context of contemporary American society, popular culture and English literature education. This essay particularly situates the film within the hostile socio-political climate in the United States after the Trump administration. By doing so, it interprets K-Pop Demon Hunters as a form of cultural appeal responding to social conditions of exclusion and discrimination. Drawing on the theoretical concepts of cultural literacy and culturality, this essay explores how hybrid Koreanness represented in the film is consumed, understood, and embraced by U.S. audiences as an alternative cultural resource of solidarity and healing. It further presents a case study of a Korean undergraduate course, showing how group projects enhance a close analysis of the film as a text within Korean-American intercultural contexts and cultivate a critical form of cultural literacy.

본 연구는 넷플릭스 오리지널 애니메이션 「케이팝 데몬 헌터스」의 공연 장면을 대상으로 빅터 터너의 ‘사회적 드라마’ 이론(위반-위기-교정-재통합)이 작품 서사와 미장센 속에서 어떻게 의례적으로 수행되고 시각화되는지를 규명하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 본 연구는 첫째, 공연 장면과 사회적 드라마 이론의 대응 양상 규명, 둘째, 단계 전환의 시각화 미장센 분석, 셋째, 주인공의 정체성 변환과 재통합의 표식 도출을 연구문제로 설정하였다. 연구 방법으로는 미장센 분석을 토대로 굿의 의례 수행성과 공연 서사를 질적으로 비교·분석하였다. 그 결과 첫째, 공연은 위반-위기-교정-재통합의 사회적 드라마 이론에 정확히 대응하고 있으며 특히 위기 국면에서 부정적 커뮤니타스의 양면성이 강조되는 점이 확인되었다. 둘째, <Take Down>의 붉은 조명과 로우 앵글 등은 위기를 형상화하고, 금빛·푸른 기운과 백색 의상은 치유와 질서 회복을 시각화한다. 셋째, 주인공은 인간성과 악마성을 통합해 재탄생하였으며 팬덤과 함께 질서를 재구성하는 공동체적 재통합을 완성하였다. 이와 같은 분석은 본 작품이 K-POP 공연이라는 형식을 통해 사회적 갈등 해소와 정체성 수용의 과정을 의례적 치유 서사로 전환하고 있음을 시사한다. 본 연구는 사회적 드라마-굿-미장센을 통합하는 분석 틀을 제시하며, 향후 관객 수행성 및 타 장르 비교 연구의 확장 가능성을 제안한다.

The purpose of this study is to examine how Victor Turner’s theory of Social Drama (Breach, Crisis, Redressive Action, and Reintegration) is ritualistically performed and visualized within the narrative and mise-en-scene of the Netflix original animation K-Pop Demon Hunters, with a specific focus on its performance scenes. To achieve this, the study established three research questions: first, the correspondence between the performance scenes and the Social Drama theory; second, the analysis of mise-en-scene visualizing the transitions between phases; and third, the derivation of markers regarding the protagonist Lumi’s identity transformation and reintegration. Methodologically, this study qualitatively compared and analyzed the ritual performativity of Gut (Korean shamanistic ritual) and the performance narrative based on mise-en-scene analysis. The results of the analysis are as follows: First, the performance sequences correspond precisely to the structure of Social Drama (Breach-Crisis-Redressive Action-Reintegration), with the “Crisis” phase specifically highlighting the ambivalence of negative communitas. Second, visual elements such as the red lighting and low-angle shots in the track “Take Down” visualize the crisis, whereas golden/blue auras and white costumes symbolize healing and the restoration of order. Third, Lumi is reborn by integrating her humanity and demonic nature, achieving a communal reintegration that reconstructs the social order alongside the fandom. These findings suggest that K-Pop Demon Hunters transforms the processes of social conflict resolution and identity acceptance into a ritualistic healing narrative through the format of K-Pop performances. Ultimately, this study proposes an integrated analytical framework combining Social Drama, Gut, and mise-en-scene, while suggesting future research possibilities regarding audience performativity and comparative studies with other genres.

최근 K-POP의 글로벌적인 인기로 인해 실용음악 교육에 대한 관심이 급격히 증가하고 있다. K-POP은 그 음악적 특성과 퍼포먼스의 융합을 통해 전 세계적인 인기 를 얻으며, 이로 인해 실용음악 분야의 교육에 대한 수요도 함께 확대되고 있다. 이에 본 연구는 한국과 중국의 실용음악 교육기관에서 학습자들의 만족도에 영향을 미 치는 다양한 요인들을 분석하고, 특히 사회적 지원이 그 관계를 어떻게 강화하는지에 대해 조사하였다. 연구의 주요 가설은 수업내용, 교수자와의 상호작용, 학습자 간 상호작용, 수업시설, 그리고 사회적 지원이 학습자 만족도에 미치는 영향을 평가하는 것이었다. 연구 결과, 수업내용, 교수자와의 상호작용, 학습자 간 상호작용, 수업시 설은 모두 학습자 만족도에 유의미한 긍정적 영향을 미치는 것으로 나타났다. 또한 사회적 지원은 수업내용, 교수자와의 상호작용, 수업시설과 학습자 만족도 간의 관 계를 강화하는 중요한 역할을 하는 것으로 확인되었다. 특히 교수자와의 상호작용이 실용음악 교육에서 학습자 만족도에 중요한 영향을 미친다는 결과가 도출되었으 며, 이는 학습자의 기술적 성장을 지원하는 중요한 요소로 작용함을 시사한다. 한편, 학습자 간 상호작용은 상대적으로 낮은 영향을 미쳤으나, 이는 K-POP 실용음악 교 육에서 학습자들이 주로 개별 기술 향상에 더 중점을 두고 있기 때문임을 알 수 있었다. 본 연구는 실용음악 교육기관들이 교육 프로그램을 개발할 때, 교수자와의 상호 작용 및 사회적 지원의 중요성을 고려할 수 있도록 기여할 수 있으며, 향후 연구에서는 사회적 지원의 유형을 세분화하여 더욱 실용적인 교육 개선 전략을 제시할 수 있 을 것이다

Recently, with the global rise of K-POP, there has been a significant increase in interest in practical music education. K-POP has gained worldwide popularity through the fusion of its musical characteristics and performances, leading to an expanded demand for education in the field of practical music. This study analyzes various factors that influence learner satisfaction in practical music education institutions in South Korea and China, with a particular focus on how social support strengthens these relationships. The main hypotheses of the study were to evaluate the impact of course content, interaction with instructors, interaction among learners, facilities, and social support on learner satisfaction. The results revealed that course content, interaction with instructors, interaction among learners, and facilities all had a significant positive impact on learner satisfaction. Furthermore, social support was found to play an important role in enhancing the relationship between course content, interaction with instructors, facilities, and learner satisfaction. In particular, the interaction with instructors was found to have a significant influence on learner satisfaction in practical music education, indicating that it plays a crucial role in supporting learners' technical growth. On the other hand, interaction among learners had a relatively lower impact, which can be attributed to the fact that in K-POP practical music education, learners tend to focus more on individual skill improvement. This study contributes to the development of educational programs in practical music education institutions by highlighting the importance of interaction with instructors and social support. Future research could provide more practical educational improvement strategies by further categorizing the types of social support.

This paper examines the language of comments on K-pop YouTube videos from the 1970s to the 1990s. Specifically, it analyzes the comments on compilation videos of songs by Cho Yong-pil and Hye-euni, the most popular of that era, focusing on the topics discussed and the titles used for the two singers. The analysis reveals that netizens frequently post comments in five main thematic categories. In ‘Sharing Memories’ and ‘Celebrating and Encouraging’ categories, netizens engage with one another, sharing their feelings as member of a temporary community. Regarding the use of address terms, netizens are found to treat Cho Yong-pil with more respect and reverance than Hye-euni, while also using they friendlier titles for him. This difference is interpreted as a result of factors such as the age and gender differences between the two singers, variations in name composition, career continuity, and levels of popularity. The study suggests that netizens who engage with YouTube music videos are not merely interested in the video content but also express their attitudes toward the featured artists and interact with other viewers.

본 연구는 중국 청소년의 한류 팬덤활동 참여, 심리적 안녕감 및 공동체의식의 관계를 알아보기 위해 수행하였다. 특히 공동체의식이 팬덤활동 참여와 심리적 안녕감의관계성을 매개하는지 중점적으로 살펴보았다. 우선, 중국 아이유 팬 커뮤니티에서 팬덤활동에 참여하는 청소년 팬 862명의 자기보고식 설문자료를 활용하여 분석하였다. 수집된 자료로 주요 변인들 간의 관련성을 살펴보기 위해 상관관계 분석을 실시하였고, 공동체의식이 한류 팬덤활동 참여와 심리적 안녕감 간의 관계를 매개하는지 알아보기 위해 매개효과를 검증하였다. 자료에 대한 양적분석 이후, 팬덤활동에 참여한 중국 청소년 5명을 대상으로 팬덤활동 경험과 의미에 대해서 심층인터뷰를 실시한 내용을 토대로 양적분석결과에 대한 보조적 해석을 진행하였다. 주요결과는 다음과 같다. 첫째, 중국 청소년의 한류 팬덤활동 참여는 심리적 안녕감, 공동체의식과 모두 정적인관계가 있고, 공동체의식과 심리적 안녕감도 정적인 관계가 있는 것으로 나타났다. 둘째, 공동체의식은 중국 청소년의 한류 팬덤활동 참여와 심리적 안녕감 간의 관계를 부분 매개하는 것으로 나타났다. 셋째, 인터뷰에 참여한 중국 청소년들은 팬덤활동을 하면서 소속감, 충족감, 유대감과 연대감을 느끼며 개인의 가치, 삶의 의미 및 사회적 공헌 의식을 획득하였다고 보고하였다. 본 연구는 한류 팬덤활동에 참여하는 중국 청소년들의 심리적 안녕감과 공동체의식과 관련된 시사점을 제시하는 동시에 중국에서 한류 및 한류 팬덤이 지니는 긍정적 영향력을 탐색하는데 의미를 가진다.

The purpose of the study was to examine the relationship between Chinese adolescents’ participation in K-pop fandom activities, psychological well-being, and their sense of community. In particular, the study focused on whether the sense of community mediates the relationship between participation in fandom activities and psychological well-being. First, research was conducted using online self-report questionnaires data for 862 Chinese adolescents participating in IU fan community. Correlation analysis was then performed on collected data to examine the relationship between major variables. The mediating effect was verified to find whether a sense of community mediated the relationship between K-pop fandom activities and psychological well-being. After quantitative analysis of the data, an auxiliary analysis was conducted based on in-depth interviews on the experience and meaning of fandom activities with 5 Chinese teenagers who participated in fandom activities. The major findings are summarized as follows. Firstly, Chinese adolescents’ participation in K-pop fandom activities improved both psychological well-being and their sense of community. Then, their sense of community helps improve psychological well-being. Secondly, the sense of community played a role as a partially mediating factor between Chinese adolescents’ participation in K-pop fandom activities and psychological well-being. Thirdly, interviewees reported that they felt membership, reinforcement of needs,influence and shared emotional connection while doing fandom activities and acquired individual values, meaning of life, and a sense of social contribution. This study can explore the positive influence of K-pop fandom activities in China while presenting implications related to psychological well-being and sense of community to Chinese adolescents who participated in K-pop fandom activities.

본 연구는 브라질 케이 팝 팬덤의 수용 실태를 파악하기 위하여 상파울루에서 열린 케이 팝 행사에 참가한 팬들을 대상으로 설문 서베이를 진행하였다. 이들이 케이 팝을 어떻게 향유하는지, 또 케이 팝에서 무엇을 얻고 있는지를 조사하였다. 이어서 한국에 온 브라질 유학생 중 케이 팝 팬들을 대상으로 심층면접을 실시하였다. 이들의 케이 팝에 대한 인식은 미국 팝이나 브라질 대중음악에 비해 케이 팝이 새롭고 친근하다는 것이다. 이번 연구는 한류의 경제적 효과를 논하기 전에 브라질의 케이 팝 팬덤 등 국가별 각론에대한 실증적인 연구가 필요하다는 점에서 의미가 있다.

In order to examine the reception of the Brazilian K-Pop fandoms, this study has surveyed the fans who participated in K-Pop events held in Sao Paulo. It explores how they enjoy K-Pop and what they aspire from it. To conduct the study of audience research, the research has held depth-interview with Brazilian students in Korea who are K-Pop fans. Their perspective on K-Pop is that they find the culture new and familiar than that of the United States or Brazil. This study significantly contributes to the current need of positive research on an details of each nation such as Brazilian K-Pop fandoms before discoursing on the economic benefits of the Hallyu.

본 연구는 케이팝의 주요 자산인 안무의 저작권법상 지위를 분석하고 이를 실질적으로 보호하기 위한 제도 개선 방안을 도출하고자 하였다. 2025년 9월에 발의된 저작권법 일부개정법률안은 안무저작권 명문화 및 표준계약 이행 점검을 골자로 한다. 즉 이전까지 관행과 개별 계약에 의존해 온 안무 보호 논의는 본격적으로 입법 차원의 정책 의제가 됐다. 이에 따라 본 연구는 안무저작권 문제를 법제 구조 및 정책적 관점에서 분석하는 데 목적이 있다. 구체적으로 본 연구는 이러한 연구목적을 달성하기 위해 총 세 가지 측면에서 안무저작권을 다뤘다. 첫째, 안무저작권과 관계되는 국내외 입법례를 살펴 ‘분리형 모델’, ‘포섭형 모델’, ‘별도형 모델’의 분석 틀을 제시했다. 이를 통해 현재 한국에서 사용하는 포섭형 모델은 케이팝 안무의 특수성과 배치돼 규범적 공백을 낳는다고 진단했다. 둘째, 케이팝 안무저작권 도입 논거를 보다 법적으로 구조화했다. 안무 위상 변화, 플랫폼 기반 이용, 기여와 보상의 불균형, 계약･권리 설계의 제도적 한계를 분석하며 안무저작권 도입 주장이 어떻게 근거를 확보하는지 점검했다. 셋째, 제도 도입 반대 논거를 논증 구조 측면에서 해체하고 분석했다. 논거로 제시된 음반 제작자와 안무가의 독립적 당사자 관계, 현행 저작권법상 보호 가능성, 표준계약서의 불필요성 등은 이용 편의 및 산업 관행을 중심으로 구성됐기에 현실과 법제 사이의 긴장을 해소하기 어렵다. 연구 결과 안무저작권 논쟁은 변화한 문화 환경을 현행 저작권 제도가 적절하게 포착하지 못한다는 구조적 한계에서 비롯했음이 확인됐다. 안무저작권 도입은 이 한계를 보완하고 저작권법 체계를 재정비하기 위한 분기점이 된다. 더불어 안무저작권 제도 운용을 위한 실질적 방안으로는 안무저작권 신탁관리단체 선정, 음악저작권 신탁관리단체와의 연동, 안무저작권 등록 프로세스 정교화, 안무저작권 교육 의무화 등이 있다. 본 연구는 안무저작권을 법이론적으로 검토하고 관련 산업 현장의 실태를 파악해 규범적 기준을 제시했다는 점에서 학술적･실무적 의의를 지닌다.

This study examines the legal status of choreography?one of the core elements of K-pop?under copyright law and proposes directions for institutional reform. The partial amendment to the copyright law proposed in September 2025 focuses on codifying choreography copyright and checking the implementation of standard contracts. In other words, discussions on choreography protection, which had previously relied on industry practices and individual contracts, have now evolved into a formal legislative policy agenda. Accordingly, this study analyzes the issue of choreography copyright from the perspectives of legal structure and policy. To achieve this, the study adopts three analytical approaches. First, it examines domestic and international legislative cases related to choreography copyright and proposes an analytical framework composed of three models: the “separate model,” the “inclusive model,” and the “apart model.” The findings suggest that the inclusive model currently adopted in Korea is not fully compatible with the characteristics of K-pop choreography and creates a normative gap. Second, the arguments for the introduction of K-pop choreography copyright were more legally structured. It analyzed the changes in choreography status, platform-based use, imbalance between contributions and rewards, and institutional limitations of contract and rights design, and examined how the assertion of the introduction of choreography copyright secured the basis. Third, the arguments against the introduction of the system were deconstructed and analyzed in terms of the argument structure. The independent relationship between the record producer and the choreographer, the possibility of protection under the current copyright law, and the need for standard contracts are structured around convenience and industrial practices, making it difficult to resolve the tension between reality and legislation. The findings indicate that the current copyright system does not adequately reflect the changing cultural and industrial environment. Implementing choreography copyright, therefore, serves as a crucial turning point for rectifying these deficiencies and modernizing the copyright system. Practical measures for the operation of the choreography copyright system include designating a choreography copyright management organization, interlinking with existing music copyright management organizations, refining the copyright registration process, and mandating choreography copyright education. Ultimately, this study contributes both academically and practically by providing a theoretical legal review alongside normative standards grounded in the actual state of the industry.

본 연구는 2015년 ‘페미니즘 리부트’ 이후 한국 사회의 젠더 감수성 변화가 케이팝 뮤직비디오의 여성 재현에 미친 영향을 통시적으로 고찰하였다. 2015년 이전의 뮤직비디오는 남성적 시선(Male Gaze)에 포획되어 여성의 신체를 대상화하는 경향이 뚜렷했다. 구체적으로 AOA의 ｢짧은치마｣는 여성의 신체를 파편화하는 ‘성애화’를, 러블리즈의 ｢안녕｣은 여성을 수동적인 공간에 가두는 ‘식물화’를, 다비치의 ｢안녕이라고 말하지마｣는 여성을 남성 간의 유대를 위한 교환물로 격하시키는 ‘사물화’의 양상을 보였다. 그러나 2015년 이후 페미니즘 리부트를 경유하며 이러한 재현 문법은 전복되기 시작했다. 과도기적 텍스트인 원더걸스의 ｢Why So Lonely｣는 ‘미러링’ 전략을 통해 가부장제 아래에서 여성들이 겪는 폭력을 폭로했다. 이후 선미의 ｢가시나｣와 ITZY의 ｢달라달라｣는 타자의 시선을 거부하고 스스로를 긍정하는 ‘자기애(Self-love)’를 전면에 내세웠으며, 더 나아가 문별의 ｢Eclipse｣는 남성의 전유물로 여겨지던 슈트와 군무를 적극적으로 전유하며 성별 이분법을 횡단하는 젠더 퀴어(Gender Queer)적 가능성까지 확장하였다. 결론적으로 오늘날의 케이팝 산업 구조는 일방적인 생산 시스템에서 벗어나 변화하고 있다. 블랙핑크와 방탄소년단(BTS)의 사례는 윤리적 감각을 지닌 대중이 텍스트의 생산과 수정 과정에 적극적으로 개입하고 있음을 보여준다. 이는 케이팝 뮤직비디오가 창작자와 향유자가 젠더 감수성을 조율하며 함께 완성해 나가는 ‘협력적 텍스트’로 진화하고 있음을 시사한다.

This study analyzes the evolution of gender sensitivity in Korean society since the 2015 "Feminism Reboot" and its impact on the portrayal of women in K-pop music videos. The findings reveal that before 2015, music videos were predominantly influenced by the "Male Gaze," which often objectified female bodies. For instance, AOA's "Miniskirt" exemplified 'sexualization' by fragmenting the female body; Lovelyz's "Hi~" illustrated 'botanicalization' by placing women in passive settings; and Davichi's "Don't Say Goodbye" showcased 'reification,' reducing women to objects for male bonding. Post-2015, following the Feminism Reboot, this representation began to shift. As a transitional piece, Wonder Girls' "Why So Lonely" highlighted the violence women face under patriarchy using a "mirroring" technique. Subsequently, songs like Sunmi's "Gashina" and ITZY's "DALLA DALLA" centered on "Self-love," promoting self-affirmation while rejecting external judgment. Additionally, Moonbyul's "Eclipse" ventured into "Gender Queer" themes by challenging the gender binary, using suits and group choreography that were traditionally male-dominated. In conclusion, the K-pop industry is transitioning from a unilateral production model. The examples of BLACKPINK and BTS illustrate how the public, now more ethically aware, is actively engaging in the creation and revision of content. This indicates that K-pop music videos are evolving into "collaborative texts," co-created by artists and audiences as they navigate gender sensitivity.

In this paper, I researched the produce that Korean Buddhist music and dance became the root of the Korean Wave and K-pop through the historical flow of music that runs through India, China, and Korea. While Indian and middle Asia music was introduced to China along with Buddhism, flexibility was added to the overall Chinese culture, and Korea became a catalyst for the dynamism of music and dance due to its phonetic script, such as Sanskrit. Silla unified the three kingdoms and absorbed the multi-layered cultures of the Three Kingdoms, India, and Central Asia, and made Buddhist culture flourish. At that time, the people who sang Namu Amitabha Buddha and followed Wonhyo’s Muaega(無碍歌). It became the 21st century “Ttechang(Sing along)” and became the icons of the Korean Wave. There was the DNA of Koreans who had a culture of harmony called “us”. In the Goryeo Dynasty’s Palgwanhoe(八關會) and Yeondeunghoe(燃燈 會), the Sandae Baekhee(山臺百戲)with various performances was popular. The Palgwahoe, which was originally a ritual performed to local gods, was transformed into a Buddhist ritual and Korean shamanism imitated Buddhism. As the result today’s Korean shaman songs and Buddhist music have many similarities. During the Joseon Dynasty, King Sejong created Jeongganbo with 32 spaces, a musical notation that could indicate the length of notes, also connected to the 32 holy and wise aspects of the Buddha. The 32-jeongganbo was changed to 16-jeonggan by King Sejo, making it a more functional musical notation, and is still being passed down today as traditional Korean music with the common characteristic of 8 beats like Sijo, traditional lyric songs, shamanic songs etc. Since the mid-Joseon Dynasty, when Buddhist music was not allowed to be performed in the royal court, various Buddhist ritual music and dancing of the Goryeo Dynasty, permeated the public and transformed into folk songs or general performing arts. Buddhist ritual music and dance at temples became the performances of traveling entertainers and became the driving force of Hallyu and K-pop. However, since music and dance that has lost its Buddhist identity cannot be called Buddhism, we need to be wary of the negative effects that hinder religious dharma. In order to become a K-Buddhism that leads the 21st century, dharma and sincerity that transcend the secular world are vital.

본 연구는 1980년대에 발표된 국내 대중가요 음반 중에서 당대 및 후대 음반산업에 영향을 줬다고 평가할 수 있는 음반을 선별해 A&R의 관점에서 고찰을 통한 재평가를 시도 하려 한다. 연구 대상인 ‘1980년대 가요 음반’은 한국 대중음악사를 기술한 기존 문헌과 연구에 기반을 두고 선별하였으며, 1980년대 대중가요 정기간행물, 신문 기사, 인터뷰 기사 등을 활용한 질적연구방법을 통해 그 내용분석을 시도했다. 본 연구는 다음과 같은 시사점을 도출하였다. 첫째, 1980년대 초·중반에 조용필의 정규 앨범은 그가 전속된 지구레코드의 일관된 A&R이 적용됐는데, 이는 다양한 장르의 백화점식 구성이라는 음반사의 기획 방향과 조용필이 원하는 새로운 음악적 시도라는 기획 방향 간의 ‘조정과 교섭’으로 구체화하였다. 둘째, 1980년대 음반시장에서 옴니버스 앨범 기획은 당대 언더그라운드·비주류 가수들에게 적합한 활동 저변으로 기능하며, 주류 음반시장과 차별화한 틈새시장을 형성하여, 국내 음반산업 생태계에 종 다양성을 제공했다고 평가할 수 있다. 셋째, 음반시장에서 매니저 출신의 기획사 대표나 기획사에 상주하는 전문 디렉터(프로듀서)가 음반 기획을 주관하는 시스템이 주류화된다. 이는 기획사 소속 가수의 개성과 강점을 활용할 줄 아는 독립프로덕션의 A&R이 주류음반사의 그것보다 비교우위를 갖게 됨을 의미한다.

This study selects records that can be evaluated as having an impact on the contemporary and later record industries from among domestic popular songs released in the 1980s and attempts to reevaluate them through consideration from the perspective of A&R. The research subject, '1980s K-pop Album', was selected based on existing literature and research describing Korean pop music history, and attempted to analyze the contents through qualitative research methods using periodical publications of popular songs, newspaper articles, and interview articles in the 1980s. This study drew the following implications. First, in the early and mid-1980s, Cho Yong-pil's regular album was applied with a consistent A&R of his exclusive district record, which was embodied as 'coordination and negotiation' between the recording company's planning direction of department store-style composition of various genres and the planning direction of a new musical attempt Cho Yong-pil wanted. Second, in the 1980s, omnibus album planning in the music market functioned as a suitable base for underground and non-mainstream singers of the time and can be evaluated as providing species diversity to the domestic music industry ecosystem by forming a niche market differentiated from the mainstream music market. Third, in the music market, a system in which a representative of an agency from a manager or a professional director (producer) residing in the agency oversees music planning becomes mainstream. This means that A&R of independent production, which knows how to utilize the personality and strengths of singers belonging to agencies, will have a comparative advantage over that of mainstream record companies.

The Hallyu (Korean Wave) boom that started with TV dramas in the 2000s expanded to various cultural areas, including food and music. As Korean culture gained popularity, Hallyu fans in Japan began to adopt Korean vocabulary like loan words. To study this phenomenon, the author collected vocabulary used by K-pop fans of native Japanese speakers and classified them by type. It was found that most of these words were currently being borrowed and used in their original Korean form; however, there were also words created by combining Korean words with Japanese words or newly coined by combining Korean words. Once Korean K-pop vocabulary becomes more established in Japan, it is expected that more words will emerge that originate from Korean but are independently created and used exclusively by Japanese speakers.