Earticle

본 연구는 리얼리티 오디션 프로그램의 '재미'에 대한 것이다. '왜, 사람들은 리얼리티 오디션 프로그램에 그토록 열광하는가?' '오디션 프로그램 수용자들은 어떤 재미를 느끼는가?' 라는 의문에 대하여 '재미진화 모형[1]'의 적용을 통해 확인해 보고자 한다. '재미진화모형'의 4단계에 따라 수용자의 재미추구 행동양식을 구분하고 시간의 변화에 따라 단계별로 변화하는지 살펴보았다. 2013년 SBS "K-POP STAR"(시즌3)에 참여한 오디션 프로그램의 수용자들은 4가지 재미유형(보기, 가지기, 하기, 되기)을 충실히 따랐고 시간이 지남에 따라 재미추구 행동양식이 단계적으로 변화하고 있음을 확인하였다. 이것은 오디션 프로그램을 즐기는 수용자들에 대한 '재미진화' 모형의 수용을 의미하는 것으로 오디션 프로그램 수용자들의 '보기'(시청) 단계는 점진적으로 온라인과 오프라인을 통해 '가지기'(참가자 지지/악플 댓글 달기, 블로그/트위터 참여, 사진자료 수집활동)단계와 '하기'(심사단 참여, 팬클럽 만들기, 사생 팬 활동하기, 전화 투표 참가)단계를 거쳐 프로그램에 대한 재미(fun)를 증대시키고 있음을 확인할 수 있었다.

A study on the 'FUN' of TV reality audition programs. "Why are the audience so enthusiastic about the survival audition programs?" "What fun do the audition program audience have?" In order to find the answers for such questions, this study applied 'the 4-step fun evolving model' and thereby, categorized audience's fun-seeking behavioral modes, and therewith, examined how such fun-seeking behavioral modes would change by step over time. As a result, it was found that the audition program audience had faithfully followed the 4 fun types (watching, having, doing and becoming), and that their fun-seeking behavioral modes had changed by step over time in SBS "K-POP START" (Season 3) in 2013. Such findings suggest that the audition program fans accommodated 'the fun evolving model.' Their step of 'watching' evolved gradually into the step of 'having' both on-line and off-line (support of participants/malicious or good-will replies, participation in blogs/twitters, photo materials collection activities) and that of 'doing' (application for the jury group, organization of fan club, crazy fan activities, participation in phone voting, etc.), while increasing their fun.

This paper explores the role of K-pop fandom in cultivating transnational social empathy, particularly focusing on Japanese university students. Drawing from the theoretical framework of social empathy as proposed by Elizabeth Segal, the paper analyzes how cultural consumption―especially of Korean pop culture―can transcend national boundaries, challenge ethnocentric media narratives, and enable deeper contextual and macro-level understanding of international relations. Based on qualitative interviews with 16 Japanese K-pop fans, the study reveals how participants not only formed emotional attachments to Korean idols but also developed contextual and balanced understandings of Korea?Japan historical tensions. The findings underscore the potential of pop culture as a catalyst for fostering social empathy among groups with tensions in the global community.

The purpose of this paper is to theorize cultural appropriation using a critical perspective that centers structural inequity and uneven global power by examining the case of South Korean media. This paper argues that cultural appropriation is a particular form of intercultural borrowing that relies on structural inequities of power, whereby a more powerful culture takes from a less powerful culture in such a way that it causes structural and representational harm to the borrowed culture. To clarify cultural appropriation as a particular form of cultural borrowing, I provide a typology of different forms of cultural borrowing before positing six criteria of cultural appropriation in order to challenge and problematize binary notions of borrowing as appropriative or appreciative. This shifts the understanding of cultural appropriation toward one that is multifaceted and complicated by different relationships of power.

Japanese hallyu fans who often travel to Korea after falling in love with Korean dramas or K-pop music are usually referred to as “tourist audiences.” More recently, K-pop tourist audiences come not only from Japan but also from Southeast Asia, China, Europe, and the Americas, expanding the nationality boundary of the concept. Although such tourist audiences are still predominantly female, the number of male K-pop tourist audience members is also growing slowly. In this study, we address the question of learning behavior among tourist audiences from different countries in the K-pop mecca of Seoul. Based on the notion of forward and retrospective learning, in-depth interviews with Japanese and Indonesian female K-pop fans who have encountered fans from other countries were conducted in order to delineate differing patterns of learning behavior. We find that forward learners from Indonesia actively engage in meeting Korean, Chinese, and Japanese fans, whereas retrospective learners from Japan are very reluctant to meet Chinese or Indonesian fans, although they were somewhat interested in meeting their North American or Western counterparts.

본 논문은 1930년대 식민지 경성에서 형성된 라틴 리듬 수용의 양상을 분석하고, 이를 21세기 K-pop의 라틴아메리카 수용과 비교함으로써 남남적 정동(South–South affect)의 역사적·감각적 구조를 규명한다. 경성 신문·잡지·연재소설에 나타난 탱고, 룸바 등의 묘사는 라틴아메리카의 실재적 음악 세계를 반영하기보다, ‘남국(南國)’이라는 추상적 기호로 탈맥락화된 감각적 근대성을 구성하였다. 이러한 라틴 리듬은 일본을 경유한 제국의 음향적 사슬 속에서 도착한 번안-라틴이었으며, 경성 청년들에게는 비서구적 세련됨의 새로운 감각적 지평을 열어 주었다. 한편 21세기 라틴아메리카에서의 K-pop 수용 또한 한국의 실재보다 ‘세련된 비서구 근대성’의 이미지에 기반하고 있으며, K-pop과 라틴팝의 협업은 1930년대 라틴 리듬의 감각을 한국 대중음악이 재구성한 뒤 다시 라틴아메리카로 회귀시키는 순환 구조를 보여준다. 본 연구는 이러한 ‘음악적 남남성’의 역사적 궤적을 통해, 비서구 세계가 서로를 감각적으로 상상하고 재구성하는 방식을 해석하는 새로운 지역학적 프레임을 제안한다.

This study examines the reception of Latin rhythms in 1930s colonial Seoul and compares it with the contemporary reception of K-pop in Latin America, proposing a conceptual framework of “musical South?Southness.” An analysis of newspapers, magazines, and serialized fiction reveals that genres such as tango, rumba, and samba circulated not as representations of Latin American musical realities, but as abstract signifiers of “Southern exoticism,” functioning as sensory markers of modernity. These sounds reached Seoul through Japan’s mediated cultural infrastructure, resulting in the consumption of hybridized, decontextualized “translation-Latin.” For colonial youth, Latin rhythms offered an alternative, non-Western form of sophistication and modern desire. In the 21st century, the popularity of K-pop in Latin America demonstrates a parallel dynamic: Korean pop is consumed less for its cultural specificity and more as an emblem of non-Western modernity. Collaborations between K-pop and Latin pop further illustrate a circular movement in which reinterpreted Latin rhythmic sensibilities embedded in K-pop return to Latin America. By tracing this aesthetic and affective cycle, the paper proposes “musical South?Southness” as an analytical lens for understanding how non-Western regions imagine, interpret, and resonate with one another across shifting historical conditions.

This research examines what motivates students to learning Korean, and how their motivation also affects their preferences for content of Korean culture and Korean popular culture/K-pop. For this study, I conducted surveys of 155 students and interviews with 30 students enrolled in the beginners’ level Korean language course at The University of Queensland in 2014. The results show that students are motivated most by ‘K-pop’ and ‘Korean popular culture’, followed by Future job prospects, and Others. Regardless of their different motivations, students commonly showed high preferences for learning content related to ‘Daily life in Korean society’, ‘Greetings/etiquettes of Korean society and language’, while they showed lower preferences for topics such as ‘Fashion’ and ‘Housing’. The average mean score of culture content students wanted to learn for beginners’ level of Korean is included in the paper. In addition, the results showed that K-pop did not significantly impact the students’ preferences in cultural content, but that the influence of Korean popular culture was much more significant. There were strong/moderate positive correlations between interest in ‘Korean popular culture’ and culture content. However, the students’ ultimate aim was not to learn Korean popular culture; rather, they want to understand the daily interactions of Korean people, greetings/etiquettes of Korean society and language, and Korean target culture including the different values and traditions embedded in Korean popular culture. This research focused on beginner level of Korean, in order to gain an understanding of the general trends of students’ motivations. Further study of intermediate/advanced Korean learners is needed.

This study examines the evolution of parasocial interactions within K-pop fandoms, focusing on the BTS fan community Cypher ARMY Malang. Utilizing a virtual ethnography approach, the research explores how parasocial relationships evolve into trans-parasocial interactions, where fans transition from one-way connections to two-way interactions with artists, fostering active participation in fan culture. The study investigates experiences, Q&A sessions, and live-stream engagements to uncover how these interactions construct shared meaning and cultivate collective experiences among fans. Our findings reveal that platforms like Weverse and Instagram play a critical role in facilitating two-way interactions, enabling fans to build emotional closeness and engage in fan activism. Fans demonstrate creative participation through content creation, social campaigns, and cultural contributions, reflecting dynamic interactions between the fanbase and idol narratives. This progression underscores the sociological implications of trans-parasocial interactions in digital culture, offering fresh insights into fan studies, cultural sociology, and media studies.

This article develops an infrastructural perspective on diaspora to examine its mediating role in the global circulation of K-pop within platformized and mobility-driven cultural environments. Existing Korean Wave scholarship has largely conceptualized diaspora as an audience category, historical precursor, or symbolic resource, generating important insights into identity, reception, and representation. However, these approaches provide limited analytical attention to how diasporic actors participate in mediation processes that enable cultural circulation across linguistic, geographic, and technological contexts. Drawing on infrastructure studies, platform studies, and migration infrastructure scholarship, this study conceptualizes diaspora as diasporic cultural infrastructure: relational assemblages of actors, technologies, and practices that facilitate translation, coordination, and accessibility within global cultural systems. This perspective complements existing approaches by examining how diasporic actors contribute to cultural circulation through infrastructural mediation, including translation practices, platform coordination, and spatial facilitation across migration networks and tourism mobilities. Methodologically, the article outlines empirical strategies capable of tracing diasporic infrastructural mediation across platforms and geographic contexts, including multi-sited ethnography, platform-aware analysis, and labor-focused research. By conceptualizing diaspora as infrastructural mediation rather than solely identity or audience, the article provides analytical tools for examining how global cultural circulation is sustained through coordinated mediation across actors, platforms, and spatial infrastructures.

The coronavirus has changed our daily lives dramatically, driving us to spend time in the virus-free digital world, providing an imagined community in which we can be reborn. In this study, I highlight an interesting intersection of three phenomena in virtual spaces: the culturally hybrid content of the Korean Wave, or Hallyu; participatory culture of fandom; and a new kind of public defined by emotion. I show how Hallyu fandom becomes a fandom public using digital media by exploring the voluntary practices of Chilean fans in the production of the 2018 KBS Music Bank World Tour in Chile. Chilean K-pop fans form a Latin American fandom community in a digital space where they act as a fandom public based on affective intimacy, thereby influencing wider society. This finding offers insights to determine the capabilities of Hallyu fandom as a public.

By conducting interviews with 20 K-pop fans who engage daily on social media and different creative projects, this study found that most fans view their involvement as enjoyable, despite their time-consuming nature and the lack of monetary compensation. While some recognize a degree of labor exploitation, they often perceive their activities as voluntary and under their control. Despite their awareness of the capitalist mechanisms underlying the K-pop industry, fans inadvertently reinforce these structures by contributing to the production and promotion of idols as commodities, which continues to generate economic value.

This study aims to provide an overview of the evolution of male music bands and analyze their syndrome via sociological theories. It employs a qualitative research as its methodology, in which the relevant academic research and literature were searched and analyzed. The contents of the evolution of the bands include the origin of the male vocal group, the blueprints for the male music band genre in the early to mid-20th century, the template for the modern male music band, the explosion of modern male music bands in the West, the growing popularity of male music bands in the East, and the takeover of K-pop in the male music band sphere. Then the phenomena are analyzed through sociological theories of collective effervescence, fan identification, and stereotypes of gender roles. In conclusion, male music bands have driven socio-cultural changes and contributed to economic development as they continue to become more popular. It is suggested to explore further the various factors of their popularity and their different impacts on the music industry.

This paper is an ethnographic account of the desires and struggles of some parents in South Korea who invest ? financially and emotionally ? in their children’s dream of becoming K-pop stars in the hope of securing a better future for their young, and repositioning themselves more favorably in an extremely restrictive and competitive environment. It is based on personal interviews with 15 mothers and 8 fathers, and participation-observation of young South Koreans’activities in a private academy where they receive “professional training.” This study contends that these parents are strategically benchmarking and re-benchmarking their place within a rapidly changing society by following shifting trends of pursuits that have emerged as new measures of success and status, so that they would not be “left behind” by a rapidly globalizing society.

이태원 게이클럽에서는 케이팝을 틀어놓고 정해진 춤을 다 함께 따라 추면서 노는 모습을 쉽게 볼 수 있다. 연구는 이태원 게이클럽의 케이팝 놀이가 만드는 공동의 감각을 빅터 터너의 커뮤니타스라는 개념으로 설명한다. 그리고 케이팝 놀이에 함께하기 위한 참여자의 노력이 이태원을 중심으로 고유한 형태의 놀이 문화와 실천적인 게이 놀이 공동체를 만드는 수행이 되고 있음을 조명한다. 공동체가 만들어지는 과정에서 케이팝의 의례적 힘이 중요한 매개로 작동하는 것이다. 이와 동시에 이태원의 케이팝 놀이는 스스로 경계를 만들고 안과 밖을 구분하며 놀이가 일어나기 위한 조건을 다진다. 놀이에 어울리지 않는 섹슈얼한 상호작용이 경계 밖으로 밀려나기도 하고, 놀이를 더 잘 즐길 수 있는 클럽을 운영한다는 명목으로 특정한 사람의 클럽 입장을 제한하기도 한다. 연구는 놀이가 더 강렬한 즐거움을 만들기 위해 경계를 창출하고 내부의 동질성을 높이는 여러 방식을 조명한다. 그 결과 외국인이 많은 이태원에서 케이팝 놀이가 인종이라는 사회적 범주를 따라 비명시적 경계를 만든다는 점을 보인다.​

At Itaewon gay clubs, it's common to see people dancing choreography together to K-pop girl group song. This study explains the shared sense of community created by 'K-pop play' in Itaewon gay clubs using Victor Turner's concept of communitas. It also highlights how participants' efforts to engage in the play creates a unique form of play culture and a practical gay community of play around Itaewon. The ritualistic power of K-pop functions as a crucial mediator in the process of community formation. Simultaneously, 'K-pop play' establishes its own boundaries, distinguishing inside from outside. Sexual interactions deemed incompatible with the play are pushed outside these boundaries. Also clubs restrict access for specific individuals to making themselves better places for the play. The study illuminates various ways boundaries are created and internal homogeneity enhanced to generate more intense pleasure from the play. Consequently, it demonstrates how K-pop facilitates the creation of play boundaries along the social category of race in Itaewon, an area with a large foreign population.

이 논의는 <케이팝 데몬 헌터스>(이하 <케데헌>)의 케이팝을 텍스트의 서사적 측면과 미디어적 측면에서 분석하고, 이를 토대로 미디어의 재매개 작용에 대해 살피는 것을 목적으로 한다. <케데헌>에서 케이팝은 문제를 해결할 수 있는 인물의 능력으로 표상된다. 주인공인 루미(헌트릭스)와 대척점에 진우(사자보이즈)는 케이팝을 통해 문제를 해결한다. 그러나 <케데헌>은 케이팝을 대체 가능한 소재나 기능으로 사용하는 데 그치지 않고, 케이팝의 장르-미디어 현상들을 <케데헌>의 사건 진행에 적극적으로 관여시킨다. 케이팝의 생태계가 <케데헌>의 플롯으로 작동하는 것이다. 또한 <케데헌>은 케이팝의 커뮤니케이션 관습을 해석의 배경으로 삼아 사건 연쇄의 빈칸들이나 병렬적으로 나열된 장면들에 개연성을 부여한다. <케데헌>은 넷플릭스 플랫폼 스트리밍을 통해 전 세계에 동시에 공개되고, 이후 극장에서 싱어롱 버전으로 상영된다. <케데헌>의 두 관람 방식은 재매개 방식에 관여하는 요소들을 살필 수 있도록 한다. 수용자가 넷플릭스 플렛폼으로 <케데헌>을 전달받는 경우, OTT 미디어는 수용자들에게 인식되어 하이퍼매개적으로 지속될 수 있다. 반면 수용자가 극장에서 <케데헌>을 전달받는 경우, 수용자들은 <케데헌> 이야기 속 케이팝을 통해 <케데헌>에 몰입하고, 영화관의 영상은 공연 미디어로 비매개될 수 있다. 미디어의 재매개 양상은 <케데헌>의 일부들을 <케데헌>의 맥락에서 찢어내어, <케데헌>을 요소들의 모자이크처럼 인식하게 만들기도 한다. <케데헌>에서 분리된 요소들은 물질 혹은 기술과 결합되어 있는 여러 미디어로 재매개된다. 어떤 경우는 일회적으로 혹은 반복적으로, 어떤 경우는 개별적으로 혹은 집합적으로 연결됨으로써 ‘어떤 문화’의 네트워크를 형성한다

This discussion aims to analyze K-pop in K-pop Demon Hunters (hereafter KDH) from both narrative and media perspectives, and on this basis examines the process of media remediation. In KDH, K-pop is represented as a character’s capacity to resolve problems. Jinwoo (of SajaBoys), positioned in opposition to the protagonist Rumi (of Huntrix), resolves conflicts through K-pop. However, KDH does not merely deploy K-pop as a substitutable motif or functional device; rather, it actively integrates the genre?media dynamics of K-pop into the progression of events within the narrative. The K-pop ecosystem ultimately structures and drives the plot of KDH. In addition, KDH takes the communicative conventions of K-pop as a framework for interpretation, using them to render coherent the gaps in the chain of events as well as sequences of scenes arranged in parallel. KDH was released globally and simultaneously through Netflix streaming and was subsequently screened in theaters as a sing-along version. These two modes of reception allow for an examination of the elements involved in processes of remediation. When receivers encounter KDH via the Netflix platform, the OTT medium remains perceptible to them, sustaining a condition of hypermediacy. By contrast, when KDH is received in a theatrical setting, audiences immerse themselves in KDH through the K-pop embedded within its narrative, and the cinematic medium may be experienced as a performance medium in terms of immediacy. The modes of media remediation observed in KDH also fragment parts of the text from its original context, leading receivers to perceive KDH as a mosaic of discrete elements. These detached elements are remediated into multiple media forms that are coupled with material or technological conditions. Whether connected momentarily or repeatedly, individually or collectively, such remediated elements form networks that constitute what may be understood as a cultural network.

본 연구는 해석학적 현상학 관점에서 넷플릭스 애니메이션 영화 K-Pop Demon Hunters를 통해 글로벌 시청자들이 한국 문화를 어떻게 경험하고 의미화하는지를 분석한다. 기존 한류 연구가 주로 문화 확산과 수용에 초점을 두어 왔다면, 본 연구는 문화 세계화를 살아 있는 정서적 경험으로 개념화한다. 연구 참여자는 대한민국 충청북도 소재 사립대학교의 영어 매체 교양 수업에 참여한 대학생 28명으로, 자료는 영화 시청 이후 작성된 성찰 에세이와 반구조화된 심층 면담을 통해 수집되었다. 수집된 자료는 반 마넨(van Manen)의 접근에 기반한 현상학적 주제 분석을 통해 분석되었다. 분석 결과, 한국 문화는 명시적 문화 지식으로 경험되기보다 정서적 분위기, 일상적 이미지, 음악적·신체적 몰입, 그리고 접근 가능한 판타지 서사를 통해 경험되는 것으로 나타났다. 참여자들은 한국 문화를 정서적 강도와 분위기를 통해 먼저 접촉한 뒤, 음식, 치유 공간, 일상적 실천과 같은 인식 가능한 요소를 통해 그 경험을 구체화하였다. 특히 K-pop 음악과 퍼포먼스는 인지적 해석에 앞서는 신체적·감각적 반응을 유발하였으며, 판타지 장르는 문화적 거리감을 완화하고 개방적인 참여를 촉진하였다. 이러한 결과는 한국 문화 세계화가 설명이나 지식 전달이 아니라 경험적·정서적·체화된 참여를 통해 작동함을 시사한다. 본 연구는 현상학적 미디어 연구에 기여함과 동시에, 경험 중심 학습 접근을 강조함으로써 영어 문화 교육에 대한 교육적 시사점을 제공한다.

This study examines how global viewers experience and make meaning of Korean culture through the Netflix animated film K-Pop Demon Hunters from a hermeneutic phenomenological perspective. While prior research on the Korean Wave has largely emphasized cultural diffusion and reception, this study conceptualizes cultural globalization as lived and affective experience. Participants were 28 university students enrolled in English-medium liberal arts courses at a private university in Chungcheongbuk-do, Korea. Data were collected through reflective essays and semi-structured interviews following the film viewing and analyzed using phenomenological thematic analysis informed by van Manen’s approach. Findings indicate that Korean culture was not experienced as explicit cultural knowledge, but as emotional atmosphere, everyday imagery, embodied musical engagement, and an accessible fantasy narrative. Participants first encountered Korean culture through affective intensity and mood, later grounded in recognizable elements such as food, healing spaces, and daily practices. K-pop music and performance elicited bodily and sensory responses preceding cognitive interpretation, while fantasy reduced cultural distance and encouraged open engagement. These findings suggest that Korean cultural globalization operates through experiential, affective, and embodied engagement rather than explanation or instruction. The study contributes to phenomenological media research and offers pedagogical implications for English culture education, highlighting experience-centered learning approaches.

본 연구는 문화적 근접성 인식과 케이팝 이미지, 그리고 한국 국가 이미지 간의 관련성을 분석하고자 하였으며, 아시아권과 서구권 수용자 차이를 실증연구를 통해서 검증하였다. 아시아권 수용자와 서구권 수용자를 대상으로 조사한 결과, 아시아권과 서구권 수용자의 문화적 근접성 인식 요소는 차이점보다 공통점이 더 많이 발견되어 케이팝의 혼종성과 보편성을 확인하였다. 또한 케이팝에 대한 문화적 근접성 인식이 케이팝 이미지에 긍정적으로 영향을 미친다는 사실을 밝혀내었으며, 케이팝 이미지가 한국 국가 이미지에 긍정적 영향을 미치는 것으로 나타났다. 그리고 케이팝 문화적 근접성과 한국 국가 이미지의 관계에서 케이팝 이미지가 완전 매개효과의 역할을 하고 있다는 것이 검증되었다.

The purpose of this study is to find Korean popular music(K-Pop)’s cultural proximity factors and how the factors influence oversea audience’s evaluation of K-Pop’s image and South Korea’s national image. Based on the survey, the factors of K-Pop’s cultural proximity between Asian and Western audience came out differently. The results showed that K-Pop’s cultural proximity factors had significant effect on evaluation of K-Pop’s image both in Asian and Western audience. Also, evaluation of K-Pop’s image had significant effect on evaluation of South Korea’s national image both in Asian and Western audience. The mediation effect of K-Pop’s image between K-Pop’s cultural proximity and South Korea’s national image was to be investigated. This study found that K-Pop’s cultural proximity was a important variable affects evaluation of K-Pop’s image and also proved that K-Pop’s image had a significant effect on evaluation of South Korea’s national image.

이 연구는 2025년 6월 넷플릭스를 통해 공개된 케이팝 데몬 헌터스(이하 케데헌) 현상이 촉발한 K-컬처의 전지구적 확장, K-헤리티지의 실천적 전환, ‘한국성’의 복수성(複數成)을 탐구한다. 케데헌은 K-팝 서사를 중심으로 음식, 패션, 현대적 생활양식 등의 K-컬처 요소와 함께 무속, 한복, 고궁, 한옥 등 K-헤리티지를 결합해, 이를 글로벌 보편의 감각으로 재구성한다. 그 결과 케데헌은 K-컬처의 성공 서사를새롭게 구축하며, 한류의 중요한 변곡점으로 자리하고 있다. 특히 한국에서 제작되지 않았음에도 불구하고 K-컬처와 K-헤리티지를 정교하게 구현함으로써 한류파생 문화생산물로 여겨지고 기표 K-와 연동된 ‘한국성’의 재정의와 재논의를 요청한다. 케데헌의 성공은 국가 주도의 문화기획이나 정책 의지보다는, 디아스포라 제작진, 글로벌 플랫폼, 한류 팸덤과 시청자들의 수용 및 실천이 얽혀 형성한 “한류어셈블리지”의 결과로 이해된다. 이는 “다양한 이종(異種)적 행위자들과의 관계속에서 형성된 리좀적 과정”(이기웅 2022, 96)을 보여준다. 특히 이 연구가 주목하는 K-헤리티지는 그동안 국가 주도 한류 진흥 정책 속에서 신한류의 미래로 설정되어 왔으나, 케데헌을 계기로 K-컬처의 일부로 본격적으로 가시화되었다. 동시에 한국인의 일상에서 주변화되었던 헤리티지를 주목하게 하는 등, 헤리티지의 재배치와 실천의 전환을 보여준다. 무엇보다 케데헌은 K-컬처, 더 나아가 K-헤리티지를 정의하는 주체가 더 이상 한국 내부에 한정되지 않음을 환기시킨다. K-헤리티지의 한류 실천 속으로 틈입함으로써, K-의 ‘한국성’은 일시적으로 강화된 것처럼 보이지만, 이 때의 한국성은 “이종의 행위자들”의 실천에 따라 다양하게 변주되는 복수성을 띄게 된다. 이러한 맥락에서 한국 내부의 본질주의적 정의보다 오히려 케데헌과 같은 글로벌 한류 파생물이 표상하는 ‘한국성’이 전지구적으로 수용될 가능성은 더욱 농후해졌다.

This study explores the global expansion of K-Culture, the practical transformation of K-Heritage, and the plurality of “Korean-ness” as catalyzed by the 2025 Netflix release K-Pop Demon Hunters (hereafter KDH). The film integrates elements of K-Culture-such as K-pop narratives, food, fashion, and contemporary lifestyles-with components of K-Heritage, including shamanism, hanbok, royal palaces, and hanok architecture, reconfiguring them through the sensibility of global universality. In doing so, KDH reconstructs the success narrative of K-Culture and marks a significant turning point in the history of the Korean Wave (Hallyu). Although not produced in Korea, KDH meticulously embodies K-Culture and K-Heritage, positioning itself as a derivative Hallyu cultural product and inviting renewed debates on the redefinition of “Korean-ness” associated with the semiotic prefix K-. The success of KDH is better understood not as a result of state-led cultural planning or policy intention, but as an outcome of the “Hallyu assemblage” formed through the interactions among diaspora creators, global streaming platforms, and the practices and receptions of transnational Hallyu fandoms and audiences. This assemblage exemplifies a “rhizomatic process shaped through relations among heterogeneous actors” (Lee, 2022, p.96). Particularly, the study highlights how K-Heritage, once confined within state-driven cultural policy frameworks as a future axis of the so-called “New Hallyu,” becomes newly visible as an integral part of K-Culture through KDH. It also reveals how heritage, previously marginalized in everyday Korean life, is being reactivated and repositioned as a site of lived cultural practice. Ultimately, KDH reminds us that the defining agency of K-Culture-and by extension K-Heritage-is no longer limited to Korea itself. The infiltration of K-Heritage into the practices of the Hallyu field may appear to reinforce the cultural authenticity of K- and “Korean-ness,” yet the forms of Korean identity manifested in this process are multiple and fluid, shaped by heterogeneous agents across transnational contexts. Consequently, rather than being defined through essentialist notions within Korea, the representations of “Korean-ness” embodied by global Hallyu derivatives such as KDH are increasingly embraced as part of a globally shared cultural imaginary.

이 연구는 독일에서 한류 문화콘텐츠, 특히 케이팝과 한국 영화 및 드라마의 수용현황 및 발전 가능성을 분석한다. 한류는 1990년대 후반 중국에서 시작된 케이팝과드라마의 인기에 힘입어 생겨났으며 이후 영화, 뷰티, 게임, 음식 등 다양한 분야에서수출 상품으로서 전 세계로 확산하였고 독일에서도 점차 주요 문화로 자리 잡아가고있다. 독일 내 케이팝의 대중적 인지도는 2012년 싸이의 ‘강남스타일’이 계기가 되었고, BTS의 성공 이후 케이팝의 영향력은 주류 음악계로 확장되었다. 이에 따라 한국의 아이돌 시스템과 상업성에 대한 비판적인 시선을 보이던 독일 언론 역시 점차 케이팝의 문화적 가치를 인정하는 방향으로 변화하고 있다. 한국 영화는 박찬욱, 봉준호 감독을 중심으로 독일 영화제와 언론에서 높은 평가를 받고 있으며, 특히 한국 사회의 문제를 예술적으로 묘사하고 있는 <기생충>이 2019년 칸영화제 황금종려상을받으며 독일 사회에 큰 반향을 일으켰다. 또한 넷플릭스 드라마 <오징어 게임>의 성공은 독일 내 한국 드라마에 관한 관심을 증대시켰다. 그러나 독일에서 한류의 영향력은 아시아·대양주와 최근 급격히 성장하고 있는 미주지역에 비해 여전히 분명한 차이를 드러낸다. 독일 및 유럽에서 한류가 단순한 소비 상품이 아닌 지속 가능한 콘텐츠로 발전하기 위해서는 지역 맞춤형 전략 및 인간 삼을 반영하는 문화적 가치를 지닌 존재로 자리매김해야 할 것이다

Diese Studie untersucht die Aufnahme und Entwicklungsmoglichkeiten koreanischer Kulturinhalte (Hallyu) in Deutschland, insbesondere von K-Pop, K-Film und K-Drama. Hallyu entstand Ende der 1990er Jahre mit der Popularitat von K-Pop und K-Drama in China und erweiterte sich weltweit auf K-Film, K-Beauty, K-Games und K-Food. In Deutschland wurde K-Pop erstmals 2012 mit “Gangnam Style” von Psy wahrgenommen. Mit BTS ist K-Pop im Mainstream angekommen, und auch die bisher kritischen deutschen Medien erkennen zunehmend seine kulturelle Bedeutung. K-Filme, besonders die Werke von Park Chan-wook und Bong Joon-ho, wurden auf deutschen Filmfestivals und in den Medien hoch geschatzt. Der Film “Parasite”, Gewinner der Goldenen Palme 2019, hat durch seine kunstlerische Darstellung das deutsche Publikum fur die sozialen Probleme Koreas sensibilisiert. Die Netflix-Serie “Squid Game” steigerte das Interesse an K-Dramen. Dennoch bleibt der Einfluss von Hallyu in Deutschland im Vergleich zu Asien und Amerika gering. Um Hallyu als nachhaltige Kultur in Europa zu etablieren, bedarf es regionalspezifischer Strategien und der Betonung kultureller Werte

이 연구는 인도네시아 무슬림 젊은이들 사이에 일종의 서브컬쳐로 자리잡은 ‘케이팝 댄스 커버’ 문화와 이와 반대의 지점에서 반한류 정서로 시작된 ‘히즈라 케이팝’ 캠페인을 통해 살펴보는 무슬림 젊은이들의 종교적 정체성에 대한 인식과 변화를 ‘세계성’과 ‘지역성’이라는 측면에서, 그리고 이에 관여하는 ‘종교성’을 심층적으로 이해하고자 하는 시도이다. 케이팝 댄스 커버에 참여하는 무슬림 여성들은 자신들의 ‘활동’을 종교성과 연관짓기를 거부하며, 오히려 세속화가 아닌 ‘자아실현’과 ‘더 나은 가치’에 대한 욕구이며 그 ‘세계성’에 참여하는 통로로 케이팝을 선택한 것이다. 반면 Ex-kpoper들이 주도하는 히즈라 케이팝 캠페인은 이런 문화 전이 현상을 경험하며 문화를 이슬람적인 것과 비이슬람적인 것으로 구분하고 이에 다시 ‘종교성’을 선택하는 경향을 보인다. 세계화 속에서 다양한 문화 전이를 경험하는 무슬림 여성들의 이런 반대적 현상은 인도네시아 이슬람 사회의 복합적이며 다원적 양상을 반영하며 이런 내부적 인식의 ‘차이’와 ‘변화’는 향후 종교와 문화의 관계에 있어 종교의 두드러졌던 권한과 역할이 세계화, 근대화 속에 더욱 다극화, 분화, 개인화 되어 갈 것을 예시한다.

This study is an in-depth attempt to understand the perception and change of Muslim youth’s religious identity which is involved in the phenomena of the ‘K-pop Dance Cover’, which has become a kind of subculture among Indonesian Muslim youth, and the ‘Hijrah K-pop’ campaign that started with anti-Korean Wave sentiment at the opposite point, considering both in the line of ‘globality’ and ‘locality’. Muslim women who participate in K-pop dance covers refuse to associate their ‘activities’ with ‘religiosity’, and rather that is a choice and desire for ‘self-actualization’ and ‘better values’ to participate in ‘globality’, not ‘secularization’. On the other hand, the ‘Hijra K-pop’ campaign, led by Ex-Kpopers who experienced this cultural assimilation, is the result of choosing ‘religiousness’ again by ‘self-awareness’ on culture ? that is ‘Islamic’ and ‘non-Islamic’. This opposite phenomenon of Muslim women who are experiencing various cultural acculturation amid globalization reflects the complex and pluralistic aspects of Indonesian Muslim society, and this ‘difference’ and ‘change’ of perception among them exemplifies that the prominent authority and role of Islam will become more multi-polarized, differentiated, and personalized in the process of globalization and modernization.

본고는 필자가 담당했던 이바라키대학교의 조선어I 수업과제 <K-POP을 듣고 감상을 적어보자>의 결과를 토대로 케이팝의 메시지를 통한 일본대학생의 자기인식 변화에 관해 고찰한 것이다. 그 결과 학생들은 케이팝이 발신하는 메시지에서 일본인의 감각·사고와는 다른 것으로 ‘나다움’ ‘자기애’ ‘자기긍정’ ‘자존감’과 같은 개인의 존재가치를 강조하는 메시지에 주목하였다. 그리고 BTS와 ITZY의 음악을 고른 학생들은 감상문에서 케이팝의 메시지를 통해 부정적이었던 자기인식이 긍정적으로 바뀌었다고 밝혔다. 한편 이러한 감상들에서 공통적으로 보인 학생들의 부정적 자기인식이나 자기애와 자기긍정감, 자신감의 결여의 배경에는 일본의 청소년들의 자기긍정감이 매우 낮고 남에게 폐를 끼치면 안된다는 의식이 강하게 지배하는 일본 사회의 현실적인 상황이 있음을 알 수 있었다. 그리고 르세라핌의 미야와키처럼 자학적 자기인식에 빠져있던 일본인 아이돌이 케이팝(아이돌)의 생존전략인 나르시시즘에 가까운 자기애와 자기긍정을 통해 스스로를 사랑하고 자신에게 만족할 수 있는 자기인식으로 변화된 사례를 확인할 수 있었다. 이것은 학생들의 자기인식 변화의 경험담과 매우 유사한 것으로 일본에서의 새로운 케이팝 수용양상을 설명하는 하나의 단서가 될 수 있다고 생각한다. 마지막으로 극히 제한된 사례들에 관한 검토임에도 불구하고 이러한 논의가 의미를 가질 수 있다면 그것은 케이팝을 포함해 네이션(Nation)을 넘어선 케이컬처(K-Culture)의 진정한 영향력이 비단 전파자인 한국을 향한 일본의 타자인식 뿐만이 아니라 수용자 자신의 자기인식의 변화를 일으키는 데에 있기 때문일 것이다.

This article examines the influence of K-POP on changes in self-perception among Japanese college students based on observations from a Korean I class assignment, <Write your reaction to a K-POP song>, instructed by the author at Ibaraki University. The students were largely impressed by the message that K-POP emphasizes individual values, such as “uniqueness,” “self-love,” “self-affirmation,” and “self-esteem,” which are different from the Japanese sentiment. In response to the music of BTS and ITZY, students stated that their negative self-perception changed to a positive one through K-POP’s message. The underlying factors behind the students’ general sense of negative self-perception and lack of self-love and self-confidence were their low self-esteem and being dominated by Japanese society, which emphasizes the avoidance of causing a nuisance. In addition, through the case of Miyawaki - a former Japanese pop singer and now a member of LE SSERFIM - who went through a transformation from deprecating self-perception to having self-love and self-affirmation through narcissistic self-affirmation, which is a survival tactic in K-POP (idol culture). This is very similar to the students’ experience of changing self-perception, and it may be one clue to explain the new pattern of K-POP’s impact. Finally, despite the study being limited to a small number of cases, the importance of the study expands to describe the true influence of K-Culture, including K-POP, that has surpassed the nation’s borders and changed perceptions towards Korea as a propagator, but also for the acceptors themselves on changes in their own self- perception.