Earticle

신(新)한류의 재조명으로 K-Pop음악 산업의 흥행은 지속되는 한편, 대부분이 아이돌 댄스 음악이라는 획일적인 장르적 한계를 이유로 한류 지속가능성 여부에 대한 논란은 계속되고 있다. 연구자들은 실용음악교육의 체제의 변화를 통해 음악적 질의 향상을 이룩해야한다고 하였다. 하지만, 실제로 실용음악 교육이 K-Pop음악 산업의 지속적 성공에 조력할 수 있는지, 서로 영향을 미치고 있는지에 대한 연구가 미비하였다. 그리하여 본 논문에서는 K-Pop과 실용음악의 의미와 연관성을 파악하고, 두 영역의 상호보완적 역할 수행을 위한 방안은 무엇이 있는지 살펴보고자 하였다. 먼저 2013년부터 3년간 국내공인가요차트인 가온차트에서 디지털종합순위의 100위내에 진입했던 곡에 관여한 인물들 즉, 가수, 작 편곡가, 작사가 및 연주자들을 K-Pop인재로 간주하여 조사하고, 그들 중 얼마만큼 실용음악 전공과 관련 있는지 파악한 결과, 41.74%로 확인되었다. 한국 대중음악이라는 큰 공통적 분모 아래에서 지속적인 한류를 위해 서로 협업할 수 있는 방안으로서는 다양한 K-Pop음악에 대한 소비자의 지속적인 니즈 증대와 이를 위한 국내외 사회적 분위기 형성, K-Pop산업이 요구하는 인재양성을 위한 교육제도의 변화 등이 있다.

The success of K-Pop music industry continues as there is a new light shedding on the new Korean wave. There is a continuous discussion about the sustainability of the idol's dance music because of its limit in the uniform genre. As a solution to improve the quality of K-pop music, researchers said to supplement it through the change of educational system in the applied music. However, research into how much the education of applied music is contributing to the continuous success of the K-Pop music industry and how each industry is affecting each other was inadequate. Therefore, this study will understand the association between the K-Pop and the applied music, and look into ways that can act as a mutual supplementation for both fields. Subjects of analysis included performing artists, composers, arrangers, lyricists, and singers for songs within the top 100 of the digital total ranking for the past three years in the Gaon chart which is the official music chart for Korea. Then, the study apprehended how many of those subject had relations with the applied music and their activity frequency. As a result, there were a considerable number of K-Pop performers, at 41.74%, who also majored in the applied music. To continue to tendency of Korean wave and develop the Korean popular music, this study will explore roles each industry should cooperate in the future. There were the formation of social atmosphere for increase of consumer's needs to diverse K-pop music and change of education for training its human resources that K-pop industry demand.

안무는 시간 안에서 일련의 움직임을 디자인하는 활동이다. 따라서 각각의 시대가 시간과 공간,그리고 인간을 바라보는 관점은 당대의 가장 첨예한 신체 퍼포먼스의 디자인에 반영되기 마련이다. 각 시대의 시공간 감각은 그 시대가 가진 종교, 철학, 기술적 발전 등의 사회문화적 맥락에 기초하기 때문에, 우리는 그 시대를 대표하는 신체 퍼포먼스의 분석을 통해 그 시대가 인간을 바라보는 관점을 이해할 수 있다. 이 글은 한국의 대표적 대중문화인 K-pop 아이돌의 퍼포먼스 분석을 통해 현재 한국 사회의 인간-시공간 감각을 탐색한다. K-pop의 대표적 아이돌 '샤이니'의 2013년 발표곡인 <Everybody>의 뮤직 비디오 및 안무 디자인은 2010년대의 한국이 가진 시공간 감각이 다름 아닌 디지털 애니메이션적인 시공간적 감각에 기초하고 있음을 보여준다. <Everybody>의 퍼포먼스 디자인은 서구의 전통적인 자동인형 모티브의 예술적 전통을 계승하면서도 이와는 차별화된 안무에서의 시공간적 감각을 보여주기 때문이다. 자동인형 모티브는 인간의 형상을 창조하겠다는 오랜 인간의 욕망, 즉 애니메이션의 역사와 긴밀히 연계되어 발전되어 왔다. 자동인형, 그리고 기계가 실제로 인간을 대체하기 시작한 서구의 근대 역사에서 자동인형 모티브는 인간의 기계에 대한 소외와 매혹을 드러내는 중요한 예술 장르였다. 또한 발레와 같은 대중 무용 및 모더니스트 안무가들의 기계적 신체 퍼포먼스는 인간이 기계적 동작을 모방하도록 함으로서 인간을 하나의 기계로 바라보는 당대의 관점을 반영하고 있다. K-pop 안무의 새로운 경향인 <Everybody>의 자동인형 퍼포먼스 디자인은 시각적 측면 뿐 아니라 움직임의 구성 등에서 디지털 애니메이션적 특성을 드러낸다. 그리고 그러한 특성은 현재 한국 사회가 공간 뿐 아니라 시간 또한 통제하는 진일보한 디지털-애니메이션적 관점으로 인간을 바라보고 있음을 시사한다.

K-pop performances are in the center of the contemporary popular arts and cultural industry, and implicitly reveal the way that our society views the body and the time-space. This paper explores the motif of automaton in the K-pop idol group ShiNee's stage performance of 'Everybody' and the song's music video. At the same time, the paper relates the motif with the automaton of the digital era-that is, the sense of time-space in digital animations. The motif of the automaton has its origins in the mythical forms related to the animation, and is related to the human desire to create humanlike forms. Also, this motif is closely linked to the aesthetical meaning of the animation, being played in different variations since the beginning of the animation. This paper explores the tradition of automaton motif in culture and the arts, and look into the cases in which the history of the relationship between the media and body performance harboring the automaton motif has been displayed in 19th century ballet or modern body expressional arts. In addition, this paper will compare and analyze representative contemporary works that reveal digital viewpoint and the choreography of 'Everybody', and compare other works that stand in similar aesthetic tradition, investigating the influence of digital animation reflected in the K-pop idol and its aesthetic and social undertones.

본 연구는 넷플릭스 애니메이션 <K-pop Demon Hunters>를 사례로, 애니메이션 콘텐츠가 디지털 환경 속에서 팬들의 이동과 장소 실천을 어떻게 조직하는지를 분석하였다. 작품 공개 이후 팬들은 애니메이션 속 서울의 장면을 따라 실제 도시를 방문하고, 특정 장소에서 춤이나 포즈를 재현하거나 사진과 영상을 촬영해 다시 디지털 플랫폼에 공유하고 있다. 이러한 현상은 애니메이션의 감상 경험이 스크린 내부에 머무르지 않고 현실 공간의 수행으로 이어진다는 점에서, 콘텐츠 투어리즘 연구에 새로운 질문을 제기한다. 본 연구는 이러한 과정을 설명하기 위해 정동적 호출, 정동적 닻, 플랫폼 매개, 디지털 순례지, 공간적 수행, 디지털 서사화라는 개념을 중심으로 분석 틀을 구성하였다. 이에 따르면 작품의 서사적․ 미학적 요소는 팬들의 감정적 공명을 촉발하고, 특정 장면은 정동이 응축된 공간 지향의 좌표로 기능한다. 이어 플랫폼 환경은 알고리즘, 해시태그, 숏폼 포맷 등을 통해 이러한 장면을 반복적으로 가시화하고 공유 가능한 형식으로 확산시키며, 팬들의 장소 지향은 디지털 순례지의 형성을 거쳐 현실 공간의 수행으로 이어진다. 다시 그 수행은 촬영, 기록, 게시, 공유를 통해 후속 실천의 참고점으로 축적된다. 본 연구는 이와 같은 반복적 순환 구조를 ‘정동적 실천 루프’로 파악한다. 분석 결과, <K-pop Demon Hunters>의 서울은 팬들이 정동적으로 접속하고 수행적으로 재구성하는 상상적 도시공간으로 작동한다. 팬들은 작품 속 장면을 디지털 플랫폼에서 반복적으로 소비하고 참조하면서 특정 장소를 디지털 순례지로 인식하고, 실제 방문을 통해 장면을 재현하며, 그 결과를 다시 플랫폼에 공유함으로써 집단적 기억과 실천의 준-아카이브를 형성한다. 결국 이 사례는 디지털 플랫폼 시대의 콘텐츠 투어리즘이 배경지 확인에 머무르지 않고, 정동, 매개, 수행, 기록의 순환 속에서 장소성을 새롭게 구성하는 실천임을 보여준다.

This study examines how animation content organizes fans’ mobility and spatial practices in digital environments, focusing on the Netflix animation K-pop Demon Hunters. Since the work’s release, fans have visited locations in Seoul represented in the animation, reenacted dances and poses, and shared photos and videos of these activities across digital platforms. This phenomenon suggests that the experience of viewing animation does not remain confined to the screen but extends into embodied and performative practices in physical space, raising new questions for content tourism research. To analyze this process, this study develops a conceptual framework centered on affective invocation, affective anchors, platform mediation, digital ilgrimage sites, spatial performativity, and digital narrativization. Within this framework, the narrative and aesthetic elements of the animation generate emotional resonance, while particular scenes function as affective anchor points that orient fans toward specific places. Platform environments repeatedly visualize, circulate, and standardize these scenes through algorithms, hashtags, and short-form video formats, translating affective orientation into shareable and repeatable practices. This process leads to the formation of digital pilgrimage sites and, ultimately, to embodied performances in physical space. These performances are then recorded, posted, and shared, becoming accumulated reference points for subsequent practices. This study conceptualizes this cyclical process as the “Affective Practice Loop.” The analysis shows that Seoul in K-pop Demon Hunters functions not simply as a backdrop or an object of representation, but as an imaginary urban space that fans affectively access and performatively reconstruct. Through the repeated consumption and circulation of scenes on digital platforms, fans come to perceive particular locations as digital pilgrimage sites, reenact scenes through actual visits, and build a quasi-archive of collective memory and practice by sharing the results online. Ultimately, this case demonstrates that content tourism in the digital platform era cannot be reduced to locational identification alone; rather, it involves the ongoing construction of placeness through the circulation of affect, mediation, performance, and documentation.

본 연구는 아이돌 다큐멘터리에 재현된 서사를 캐릭터 원형의 관점에서 분석하여, 세대별 아이돌 브랜딩 전략의 차별적 구조를 규명하는 데 목적이 있다. 이를 위해 크리스토퍼 보글러의 영웅여정 이론과 캐릭터 원형 개념을 분석 틀로 설정하고, 3세대 및 4세대 K-pop 여자 아이돌 그룹의 공식 다큐멘터리를 질적 사례 분석 방법으로 검토하였다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 3세대 아이돌 다큐멘터리는 연습생 시절의 인고와 성장을 중심으로 한 ‘성장형 영웅’ 서사를 통해 멤버 간 공동체적 유대와 인간적 친밀감을 강조하는 브랜딩 전략을 형성하고 있었다. 둘째, 4세대 아이돌 다큐멘터리는 데뷔 시점부터 높은 전문성과 성취를 전제한 ‘완성형 영웅’ 혹은 내면의 고뇌를 드러내는 영웅 서사를 활용함으로써, 차별화된 전문성과 개인 중심의 친밀감을 기반으로 한 브랜딩 전략을 구축하고 있었다. 본 연구는 아이돌 다큐멘터리를 단순한 기록물이 아닌 휴먼브랜드를 전략적으로 구성하는 서사적 장치로 조명함으로써, K-POP 아이돌 브랜딩 연구를 서사 및 캐릭터 분석의 차원으로 확장하였다는 점에서 의의를 지닌다.

This study aims to examine the differentiated branding structures of K-pop idol groups across generations by analyzing narratives represented in idol documentaries through the lens of character archetypes. Drawing on Christopher Vogler’s theory of the Hero’s Journey and character archetypes, this study adopts a qualitative case analysis of official documentaries featuring third- and fourth-generation K-pop girl groups. In particular, this study analyzes how character archetypes?such as the hero, mentor, shadow, and ally?are configured within the documentaries, while also examining variations in narrative structures and the resulting differences in branding strategies. The findings are as follows. First, documentaries of third-generation idol groups construct a branding strategy centered on a “growth-oriented heroes” narrative, emphasizing hardship during the trainee period and collective growth, thereby fostering a sense of communal bonding and humanized intimacy among members. Second, documentaries of fourth-generation idol groups employ narratives of “completed heroes” who demonstrate high levels of professionalism and achievement from the outset, or heroes who reveal internal struggles and self-reflection, thus establishing branding strategies based on differentiated expertise and individualized intimacy. By conceptualizing idol documentaries not merely as records but as narrative mechanisms for constructing human brands, this study contributes to expanding K-pop branding research into the domain of narrative and character archetype analysis.

본 연구는 애니메이션 영화 <K-Pop Demon Hunters>를 분석하여, 서울이 다층적 도시 경관으로서 영화 속에서 어떻게 구성되는지를 탐구한다. 연구는 문화적 연속성을 담보하는 역사적 장소, 세계 자본주의적 역동성을 구현하는 상업 지구, 그리고 신화와 상징을 통해 도시를 재구성하는 환상적 공간이라는 세 가지 차원을 도출한다. 애니메이션이 전통, 현대성, 상상 력을 결합하는 매체적 특성을 부각함으로써, 서울이 단순한 물리적 배경을 넘어 글로벌 미디어 속 상징적 구성체로 기능함을 보여준다. 본 연구는 애니메이션이 세계화 시대 도시 정체성을 재해석하는 독창적 가능성을 제시함을 밝힌다.

This study examines the animated film K-Pop Demon Hunters to explore how Seoul is cinematically constructed as a multi-layered urban landscape. The study identifies three interwoven dimensions: historical sites that anchor cultural continuity, commercial districts that embody global capitalist dynamism, and fantastical spaces that reimagine the city through myth and symbolism. By highlighting animation’s capacity to merge tradition, modernity, and imagination, the analysis demonstrates how Seoul functions not only as a physical setting but also as a symbolic construct in global media. This study contributes to debates in cinematic urbanism and landscape geography, showing that animated cinema offers unique possibilities for reinterpreting urban identity in an era of cultural globalization.

K-POP 산업의 글로벌 성장과 함께 음원 저작권 관리의 복잡성 또한 증가하고 있다. 그러나 현행 저작권 관리 체계는 ISRC, ISWC 등 식별코드와 메타데이터 간 불일치로 인한 권리자 식별 오류, 스트리밍·방송·UGC 플랫폼 등 다양한 유통 채널에서 발생하는 사용 이력의 분절적 관리, 그리고 다층적 권리 구조와 중개 기관 중심의 정산 절차로 인한 비효율성이라는 구조적 한계에 직면해 있다. 본 연구는 이러한 문제를 완화하기 위한 통합적 대안으로, AI 기반 음원 식별 기술과 블록체인 기반 이력 관리 기술을 결합한 시스템 아키텍처를 제안한다. 제안 모델은 딥러닝 기반 오디오 핑거프린팅과 대규모 벡터 검색을 통해 음원 식별의 확장성을 고려하고, Hyperledger Fabric 기반 허가형 블록체인을 활용하여 사용 이력의 무결성과 접근 통제를 동시에 확보하도록 설계되었다. 또한 스마트 컨트랙트 구조를 통해 정산 규칙의 자동 실행 가능성을 탐색한다. 본 연구는 이론적 배경과 관련 연구 분석을 토대로 산업 적용을 고려한 통합 설계 프레임워크를 제시한다는 점에서 의의를 가진다. 이러한 설계는 K-POP 산업에서 창작자의 권리 보호와 정산 투명성 제고를 위한 후속 실증 연구와 기술 구현의 기초 모델로 활용될 수 있을 것으로 기대된다.

To address these challenges, this study proposes an integrated system architecture that combines AI-based music identification technologies with blockchain-based usage record management. The proposed model incorporates deep learning-based audio fingerprinting and large-scale vector search to enhance the scalability of music identification, while employing a permissioned blockchain built on Hyperledger Fabric to ensure the integrity and controlled accessibility of usage records. In addition, a smart contract framework is designed to explore the feasibility of automating settlement rules. Rather than providing empirical performance validation, this study presents a conceptual and architectural framework grounded in theoretical foundations and a review of related research, with consideration of practical industrial applicability. The proposed design offers a foundational model for future empirical studies and technological implementation aimed at strengthening creators’ rights protection and improving settlement transparency in the K-POP industry.

한국 대중음악에서 댄스음악 장르는 높은 비중을 차지하고 있으며, 시대의 흐름에 따라 댄스음악의 음악적 양상 또한 다양하게 변화해 왔다. 따라서 본 연구는 2000년대 이후 케이팝 댄스음악에서 브릿지의 등장 빈도가 증가한 현상에 주목하여, 케이팝 댄스음악의 브릿지를 독립된 분석 대상으로 설정하고 유형을 분류한 뒤, 각 유형의 역할과 특징, 화성 등을 분석하였다. 분석 대상 곡은 2004년 이후 발표된 케이팝 댄스음악 중에서 브릿지 섹션을 포함하는 연도별 차트 상위 5곡을 선정하여 총 100곡으로 구성하였다. 선정된 곡의 브릿지 유형, 기능, 구조, 화성적 특성 등을 종합적으로 분석한 결과, 브릿지는 연속형, 대조형, 상승형, 복합형의 네 가지 유형으로 분류되었다. 또한, 연속형의 전개 방법 중 하나인 ‘벌스형 브릿지’를 새롭게 제안하였다. 화성 분석 결과, 연속형 브릿지는 반복적인 코드 진행을 유지하는 반면, 대조형은 기존의 흐름과 차별되는 새로운 코드 진행을 통해 정서적 대비를 형성하였다. 또한 마이너 조성에서는 토닉 중심의 화성이 주로 사용되었고, 메이저 조성에서는 서브도미넌트와 비다이아토닉 코드가 빈번히 등장하였다. 아울러 브릿지 이후 곡의 전개 방식은 시대별로 다양하게 변화해 왔으며, 최근 들어 댄스 브레이크나 포스트 코러스와 같이 퍼포먼스를 강조하는 구조의 비중이 증가하고 있음을 확인하였다. 본 연구는 케이팝 곡 구조 분석에서 브릿지를 유형화하여 새로운 브릿지 분류 체계를 제안함으로써 형식 분석의 범위를 확장하였다는 점에서 학문적 의의를 지닌다. 또한, 본 연구의 결과는 작편곡을 포함한 창작 실무 및 음악 교육 현장에서 브릿지 구성 전략을 이해하는 데 활용될 수 있을 것이다.

Dance music holds a central place in Korean popular music and has continually evolved in its musical characteristics. This study focuses on the bridge sections in K-pop dance music since the 2000s, positioning the bridge as an independent object of analysis. We classify bridge types and examines their roles, stylistic traits, and harmonic features. For this purpose, 100 songs were analyzed, selecting the top five K-pop dance tracks from each year since 2004 that include a bridge section. Through a comprehensive examination of their types, functions, structures, and harmonic patterns, four main categories were identified: continuous, contrastive, ascending, and hybrid. Among them, a new subcategory, the "verse-type bridge," is proposed under the continuous type. The harmonic analysis revealed that continuous bridges typically maintain repetitive progressions, while contrastive bridges introduce new ones that diverge from the previous flow, creating emotional contrast. In minor keys, tonic-centered harmonies were common, whereas in major keys, subdominant and non-diatonic chords appeared more frequently. The post-bridge developments have also evolved over time, with recent trends favoring performance-oriented structures such as dance breaks and post-choruses. By classifying bridge types and proposing a new typology, this study provides a systematic framework for analyzing K-pop song forms. The findings also offer both academic and practical implications for music production and education.

본 연구는 한·중 언어 간 음운 차이가 K-pop 가사의 중국어 번안 및 개사에 있어 원곡과의 청감 유사도에 어떠한 영향을 미치는지, 특히 자음 음운 적합성 측면에서 깊이 있게 조사하였다. 이를 위해 비교 분석 방법을 적용, K-pop 곡 한국어 원곡 18곡, 중국어 번안 및 개사곡 18곡, 총 36곡을 연구 대상으로 선정하였다. 본 연구에서는 설문조사와 음향 분석을 통해 데이터를 수집하였으며, 주요 연구 결과는 다음과 같이 정리할 수 있다. 첫째, 개사된 가사가 원곡과 동일하거나 유사한 범주의 자음을 사용할 경우, 청감 유사도가 가장 높게 나타났다. 둘째, 원가사와 유사한 발음을 직접적으로 대응시키기 어려운 경우에도, 자음의 VOT(Voice Onset Time) 길이를 가창자가 의식적으로 조정함으로써 번안된 가사가 원곡의 음성적 특징과 유사하게 할 수 있음을 확인하였다. 이는 번안한 가사가 원곡의 음악적 특성을 유지하면서도, 현지의 대중에게 더욱 친숙하게 다가갈 수 있도록 하는 데 기여할 수 있다. 본 연구는 한·중 간의 문화적 교류와 K-pop의 글로벌 영향력 확대에 기여할 수 있는 근거를 마련할 것이다. 또한 다언어 음악 창작, 특히 세계화 배경 하에서 K-pop 전파에 긍정적인 역할을 하기를 희망한다.

This study investigated in depth how the difference in phonemes between Korean and Chinese languages affects the auditory similarity with the original song in the translation and introduction of Chinese in K-pop lyrics, especially in terms of consonant phoneme suitability. To this end, a comparative analysis method was applied, and 18 original K-pop songs, 18 Chinese translation and opening song, and a total of 36 songs were selected as subjects of the study. In this study, data were collected through surveys and acoustic analysis, and the main findings can be summarized as follows. First, the auditory similarity was found to be the highest when the adapted lyrics employed consonants belonging to the same or similar phonemic categories as those of the original songs. Second, even in cases where it was difficult to directly correspond to pronunciations similar to the original lyrics, it was confirmed that the adapted lyrics could approximate the phonetic characteristics of the original songs by consciously adjusting the consonant VOT(Voice Onset Time). This greatly contributes to making the adapted lyrics more familiar to the local public while maintaining the musical characteristics of the original song. This study will provide a basis for contributing to cultural exchanges between Korea and China and the expansion of the global influence of the K-pop. It also hopes to play a positive role in the creation of multilingual music, especially in the spread of K-pop under the globalization background.

본 연구는 K-Pop의 폭발적 글로벌 성장을 견인한 팬덤의 조직화 현상을 분석하였다. 기존 팬덤과 구별되는 ‘Proactive Fan’이라는 새로운 팬덤 유형으로 정의하고 그들의 고유한 조직화 현상을 가추법(abduction method)이라는연구방법론을 통해 이론화하였다. 분석 결과, Proactive Fan은 전통적 조직 이론의 공식성 vs. 감정적 몰입 간 역설적트레이드오프를 ‘목적지향적 공식화’ 메커니즘을 통해 극복하며 고도의 조직화 행동을 보이는 독특한 유형의 팬덤임을규명하였다. 이는 단순한 소비 집단을 넘어서서 측정 가능한 비즈니스 임팩트를 창출하는 조직화된 집단행동의 주체임을시사한다. 이러한 결과는 엔터테인먼트 산업에서 팬덤을 단순 소비자가 아닌 가치 창출 파트너로 인식하고 팬덤 유형별로차별화된 전략적 접근 방식을 마련할 필요성을 시사한다.

This study investigates the organizational dynamics of global fandoms that have catalyzed the unprecedented international ascent of K-pop. We conceptualize a nascent iteration of fandom?distinct from conventional enthusiast groups?termed the “Proactive Fan,” and theorize their idiosyncratic organizational behaviors through an abductive research methodology. Our analysis demonstrates that proactive fans represent a discrete fandom archetype characterized by highly coordinated collective action. This group effectively navigates the traditional organizational trade-off between structural formalization and affective commitment via a mechanism we define as “purpose-driven formalization.” These findings suggest that proactive fans operate not merely as consumer segments but as sophisticated organizational actors capable of generating substantive market impact. Consequently, this research underscores the imperative for the global entertainment industry to transition from viewing fandoms as passive consumers to recognizing them as value-creating strategic partners, necessitating differentiated engagement frameworks tailored to specific fandom ontologies.

디지털 플랫폼 환경에서 K-pop 산업은 거버넌스 갈등, 계약 분쟁, 정책 이슈 등 고위험 국면이 실시간 여론과 글로벌 팬덤을 통해 빠르게 정당성 위기로 비화하는 구조를 드러내 왔다. 이에 따라 기업의 공식 커뮤니케이션은 단순 공지가 아니라 브랜드·기업 정당성을 방어·재구성하는 핵심 장치로 부상했지만, K-pop 맥락에서 그 설계 논리를 체계적으로 분석한 연구는 여전히 부족하다. 본 연구의 목적은 고위험 국면에 놓인 엔터테인먼트 기업들이 팬과 시장이라는 상이한 청중을 상정하며 커뮤니케이션을 어떻게 분화·조정하는지를 담론 제도주의 관점에서 규명하는 데 있다. 2021년부터 2024년 사이 발생한 7개 사례, 488건의 기업 발화를 질적 담론 분석한 결과, 기업들은 조정적 담론과 소통적 담론을 기능과 주소성에 따라 분리·연결하는 이중적 커뮤니케이션 구조를 활용하는 것으로 나타났다. 이를 통해 본 연구는 K-pop 기획사가 시장 지향·팬 지향 담론을 전략적으로 설계·배치함으로써 고위험 상황에서 브랜드 정당성과 산업 리스크를 관리하는 메커니즘을 제시하고, 팬덤 기반 플랫폼 문화산업에서 정당성 관리 방식을 이해하기 위한 개념적 틀과 조건적 시사점을 제공한다.

K-pop’s global success depends not only on music production but also on how entertainment companies manage legitimacy across multiple audiences. In recent years, the industry has repeatedly faced high-risk moments, including governance conflicts, contractual disputes, and policy controversies, intensifying tensions between market expectations and fan communities. Against this backdrop, this study examines how K-pop agencies structure and differentiate their communication strategies in such contexts through an exploratory, event-driven analysis. Drawing on discursive institutionalism, the analysis distinguishes between coordinative discourse and communicative discourse according to their functional roles. Coordinative discourse constructs strategic rationality and cognitive legitimacy, typically oriented toward markets but occasionally directed at fans when strategic logic requires justification. Communicative discourse seeks public acceptance and emotional legitimacy, primarily engaging fans but also addressing markets when conflict reframing becomes necessary. Using a qualitative case design, the study examines seven high-profile K-pop industry events between 2021 and 2024. A corpus of 488 organizational messages drawn from official statements, press releases, news-mediated corporate speech, and platform communications was coded according to discursive function and audience orientation. The findings show that K-pop companies rarely rely on a single messaging strategy. Instead, they layer coordinative and communicative discourses within the same crisis, emphasizing cognitive legitimacy in market-oriented communication and affective legitimacy in fan-oriented messaging. These findings indicate that dual messaging in K-pop can be understood as an institutional mechanism for managing legitimacy across structurally divergent audiences in affect-driven, platform-based cultural industries.

본 연구는 팬들이 자발적으로 ENHYPEN 멤버 이희승의 ‘Bills’와 BGM ‘Once Upon a Time’을 결합해 만들어낸 ‘이희승 행진곡’의 밈 확산 사례를 중심으로, K-pop 팬덤의 2차 창작이 어떤 플랫폼 전략과 주체적 실천을 수반하는지를 질적으로 분석하였다. 연구 자료는 각 숏폼 플랫폼에서 활동하는 네 유형의 참여자―팬 창작자, 팬 확산 참여자, 일반 창작자, 일반 확산 참여자를 대상으로 한 반구조화 심층 면접을 통해 수집되었다. 연구 결과, 팬들은 아이돌에 대한 애정과 공동체 소속감을 바탕으로 자발적 팬 노동을 수행하며 콘텐츠 확산에 기여한 반면, 일반 이용자들은 밈의 유행성과 자신이 만든 2차 창작물이 대중적 파급력에 대한 욕심을 중심으로 참여하였다. 플랫폼 알고리즘은 이러한 참여를 매개하며 팬과 일반 이용자의 경계를 허물고 K-pop 콘텐츠의 탈팬덤화와 대중화를 촉진하였다. 본 연구는 이러한 현상을 통해 참여문화 이론의 확장 가능성을 제시하고, K-pop 콘텐츠가 특정 팬층의 전유물이 아닌 ‘플랫폼–이용자 공동 창작’의 대중문화 현상으로 진화하고 있음을 규명했다는 데 의의가 있다.

This study conducted a qualitative analysis of how K-pop fandom’s secondary creation practices are accompanied by platform strategies and individual agency, focusing on the viral spread of “Lee Heeseung March”?a fan-made meme that combines ENHYPEN member Lee Heeseung’s stage song “Bills” with the BGM “Once Upon a Time.”Research data were collected through semi-structured in-depth interviews with four types of participants active on various short-form video platforms: fan creators, fan sharers, non-fan creators, and non-fan sharers. The analysis revealed that fans, driven by affection for the idol and a sense of community belonging, engaged in voluntary fan labor contributing to content dissemination, while general users participated mainly out of an interest in trends and a desire for online visibility. Platform algorithms mediated these participatory activities, blurring the boundaries between fans and non-fans and accelerating the defandomization and popularization of K-pop content. This study highlights the contemporary evolution of participatory culture theory and demonstrates that K-pop content is no longer the exclusive property of fan communities but has evolved into a platform?user co-creation phenomenon within popular culture.

오늘날 K-POP 팬의 팬실천은 단순한 소비 행위로 설명되기 어렵다. 팬은 음악을 감상하고, 콘텐츠를 공유하며, 투표와 굿즈 구매, 해시태그 캠페인 등을 수행하는 과정에서 자신의 감정을 끊임없이 기호화한다. 이러한 행위는 정동이 사회적 의미로, 다시 산업적 가치로 전화되는 순환을 보여준다. 이에 본 연구는 감정이 가치로 전환되는 "기호경제"의 구조에 주목하였다. 즉, 본 연구는 팬실천을 ‘정동–의미–가치’로 이어지는 의미생성의 궤적 속에서 이해해 보고자 했다. 이를 위해 Floch(1990)의 소비가치 사각형(실제적·유토피아적·유희적·비판적 가치)을 분석틀로 적용하고, K-POP 팬 168명을 대상으로 한 서술형 설문 1,524건을 기호학적으로 분석하였다. 그 결과, 팬의 실천은 감정이 기호로, 기호가 가치로 전화되는 복합적 교환 과정임을 확인하였으며, 네 가지 소비가치 유형은 고립된 체계가 아니라 상호 전이되고 혼종화되는 관계로 작동함을 파악하였다. 즉, 실제적 경험(티켓·굿즈)은 유토피아적 연대를 강화하고, 유희적 놀이(밈·팬픽)는 비판적 성찰의 도구로 전환되며, 비판적 실천(보이콧·기부)은 다시 실제적 소비(윤리 친화 굿즈)로 재구성되었다. 이러한 순환은 정동-의미-가치의 궤적을 따라, 팬덤 내부에서 효용·연대·쾌락·윤리의 다층적 상징자본이 상호 전환되는 복합적 기호경제를 형성됨을 파악할 수 있었다. 결국, 본 연구는 K-POP 팬문화를 ‘무엇을 소비하느냐’의 차원이 아닌, ‘어떻게 가치가 생성되고 환원되는가’의 차원에서 재정의 하고, 이를 통해 K-POP 팬이 단순한 수용자가 아니라 감정의 생산자이자 가치의 교환자로서, 정동적 기호경제의 핵심 행위자로 자리매김함을 발견하였다는 데 본 연구의 의의를 찾을 수 있겠다.

This study attempts to verify the relationships among perceived justice, emotions, and customer satisfaction toward service recovery in SNS by the Korean consumers who have experienced service failure. The major objective of this study is to empirically confirm the concept of perceived justice theory in SNS by investigating the effects of perceived justice on emotional response (positive affect and negative affect) and customer satisfaction with service recovery in SNS. Also, the study seeks to substantiate the effects of three perceived justices (distribution, procedure, interaction justice) on emotional responses (positive affect and negative affect). This study further verifies whether emotional responses (positive affect and negative affect) have direct impacts on customer satisfaction with service recovery via the mediating process of emotions. The findings indicate that all three perceived justices (distribution, procedure, interaction justice) had direct impacts on emotional responses (positive affect and negative affect). Also, emotional responses (positive affect and negative affect) were found to affect customer satisfaction with service recovery. Finally, emotional responses (positive affect and negative affect) were found to mediate the effect of perceived justices on customer satisfaction with service recovery.

2차 창작 영상(fan-made content)이란, 팬들이 기존 아이돌의 음원, 영상, 무대 등을 바탕으로 편집, 더빙, 재해석하여 새롭게 제작한 2차적 콘텐츠를 의미한다. K-pop 팬들은 높은 열정과 창의성으로 잘 알려져 있으며, 단순히 아이돌의 음악과 콘텐츠를 소비하는 것을 넘어, 2차 창작을 통해 아이돌에 대한 애정을 적극적으로 표현한다. 특히 TikTok은 K-pop 팬들의 2차 창작 활동의 새로운 플랫폼으로 부상, 2차 창작 영상들이 빠르게 확산되도록 돕는다. 본 연구는 K-pop 팬들이 이차 창작 영상을 통해 어떻게 감정과 정체성을 표현하는가에 초점을 맞추어, 참여문화이론, 감정노동, 수행이론 관점에서 SEVENTEEN 팬들을 심층 인터뷰를 통해 분석, 이해하려 하였다.

Fan-made content refers to content created by fans’ editing dubbing and reinterpreting existing Kppop idol music, videos, and performances. K-pop fans are known for their passion and creativity, and they go beyond simply consuming their idols' music and content to actively express their affection for them through fan-made content. In particular, TikTok has emerged as a new platform for K-pop fans' secondary creative activities, facilitating the rapid spread of these videos. This study focused on how K-pop fans express their emotions and identities through secondary creative videos. Through in-depth interviews with SEVENTEEN fans, this study analyzed and understood them from the perspectives of participatory culture theory, emotional labor, and performance theory.

이 논문은 K-pop의 제작을 모듈러 어셈블리지(modular assemblage)라는 개념을 통해 분석한다. 이를 통해 K-pop을 ‘문화적 혼종(global hybrid)’이라고 설명하는 지배적 견해를 비판하고, 음악적 분석을 생략한 채 미디어 플랫폼, 디지털기술, 아이돌 제작, 또는 팬덤의 파워에 과도하게 의존하여 K-pop의 성공을 설명하는 기존 연구들에 이의를 제기한다. 건축학에서 차용한 모듈(module)과 조립(assembly)의 개념을 응용하여, K-pop의 ‘노래’ 혹은 ‘악곡’(song)은 유기적으로 작곡된 악곡이라기보다는 사운드 디자인(sound design)에 기반해 상이한 모듈들로 조립된 음향적 건축(sonic architecture)이라고 주장한다. 2012년부터 최근까지 발표된 대표적인 K-pop 작품들을 음악적으로 심층 분석함으로써, K-pop이 한국의 ‘대중가요’뿐 아니라 영미 ‘팝송’의 전통적인 선형적 악곡 구조를 어떻게 해체하고 재조립하는지 밝힌다. 나아가, 이러한 모듈형 조립이라는문화생산 과정에서 국제 및 국내의 다양한 창의 노동자(creative workers)들의 의사결정과 실제 작업이 구체적으로 어떻게 이루어지는지 상세히 검토한다. 이를 통해 K-pop이 글로벌 음악산업의 대항 헤게모니(counter-hegemony)를 구축하기보다는 헤게모니 내부에서 리밸런싱(rebalancing)의 작용을 수행한다고주장한다.

This article analyzes the mode of cultural production in K-pop through the concept of modular assemblage. By this analysis, the article critiques the dominant view that explains K-pop as a “global hybrid” by means of tautology or circular reasoning. It also challenges existing scholarship that omits musical analysis and relies excessively on media platforms, digital technologies, idol production, or the power of fandom to account for K-pop’s success. Applying the concepts of module and assemblage, borrowed from architecture, it argues that a K-pop ‘song’ is not an organically composed musical piece but rather a sonic architecture assembled from disparate modules based on sound design. By deeply analyzing representative K-pop works released from 2012 to the present using a musicological approach, the article demonstrates how K-pop deconstructs and reassembles the linear song structures of conventional pop. Furthermore, it details how the decision-making and actual work processes of diverse international and domestic creative workers unfold within this mode of modular assemblage. Ultimately, this paper argues that K-pop’s modularity simultaneously represents an intensive embodiment of the latest global pop trends and signals a rebalancing of global music industry

본 연구는 고등학생을 대상으로 민요와 대중음악(K-POP)을 결합한 국악 창작 수업을 운영하고, 학습자가 창작 경험을 통해 국악의 의미를 자신의 삶과 연결지으며 문화 정체성을 어떻게 형성하는지를 탐색하고자 하였다. 이를 위해 민요를 기반으로 한 디지털 매체 창작 수업을 설계·실행하고, 학생들의 창작 결과물과 성찰 내용을 분석하였다. 연구 결과, 첫째, 학생들의 창작 유형은 반주 편곡, 가사 창작, 가사 창작 및 반주 편곡, 다중 음원 결합의 네 가지로 나타났다. 둘째, 가사 창작은 기존 민요 가사를 그대로 사용, 일부 삽입, 재해석을 통한 새로운 이야기 창작의 세 가지 유형으로 구분되었다. 셋째, 학생들은 창작 과정에서 협업과 몰입, 성취감을 경험하며 국악에 대한 친숙함과 흥미를 회복하였다. 넷째, 창작 활동은 학습자에게 국악을 단순한 전통의 보존 대상이 아닌 현재적 문화로 인식하게 하는 계기가 되었으며, 문화 정체성을 탐색하는 자기 성찰의 과정으로 작용하였다. 본 연구는 K-POP을 활용한 민요 창작 수업이 학습자의 문화 정체성 형성과 국악 교육의 현대적 의미를 확장할 수 있음을 보여준다는 점에서 의의를 지닌다.

This study aimed to explore how high school students formed their cultural identity by connecting the meaning of Gugak (Korean traditional music) to their own lives through creative experiences in a Gugak composition class that combined folk songs (Minyo) and popular music (K-POP). As a qualitative study, a digital media?based creative class was designed and implemented using Minyo as the foundation, and students’creative outputs and reflective writings were analyzed. The results were as follows. First, students’creative types were categorized into four forms: accompaniment arrangement, lyric writing, a combination of lyric writing and accompaniment arrangement, and multiple sound sampling. Second, lyric creation was classified into three types?direct use of original Minyo lyrics, partial insertion, and reinterpretation to create new narratives. Third, students experienced collaboration, engagement, and a sense of accomplishment during the creative process, which helped them regain familiarity and interest in Gugak. Fourth, the creative activity allowed learners to perceive Gugak not merely as a heritage to be preserved but as a living and contemporary culture, functioning as a process of self-reflection in exploring cultural identity. This study demonstrates that Minyo creation using K-POP can broaden the educational meaning of Gugak by fostering learners’cultural identity and connecting traditional music education to contemporary creative practices.

본 연구는 1994년부터 2023년까지 약 30년간 발표된 케이팝 댄스음악을 대상으로 화성 구조의 특징과 변화 양상을 분석하였다. 분석 자료는 멜론 시대별 차트에서 선정된 연간 상위 5곡, 총 150곡이다. 연구 방법은 각 곡의 조성, 전형적 화성 진행, 화성 진행의 반복, 종지와 전환부의 화성, 논다이어토닉 화성의 사용, 독특한 화성 진행의 사례를 중심으로 이루어졌다. 분석 결과, 장조보다 단조 곡의 비율이 높았으나 많은 단조곡이 나란한조의 장조 화성 진행을 활용해 밝은 분위기를 형성하였다. 전형적인 화성 진행은 1990년대에 두드러졌으나 이후에는 감소하고, 대신 변형된 진행과 논다이어토닉 화성이 활용되었다. 또한 곡 전체를 하나의 패턴으로 이끄는 반복적 구조나 원 코드 진행은 특정 시기에 집중적으로 나타났으며, 종지의 모호화, 전조, Im과 I의 혼용 등 새로운 시도도 확인되었다. 종합하면, 케이팝 댄스음악의 화성적 변화는 일정한 선형적 발전이라기보다는 특정 시기에 부각되었다가 약화되거나 재등장하는 순환적 양상을 보였다. 이는 케이팝의 화성 어법이 고정된 규범보다는 글로벌 음악 트렌드, 장르적 유행, 산업적 전략에 민감하게 반응하며 변화해 왔음을 시사한다. 본 연구는 이러한 특징을 체계적으로 검토함으로써 케이팝의 음악적 정체성과 발전 과정을 이해하는 데 기초자료를 제공하며, 향후 학술 연구와 창작 및 교육에서 활용 가능한 참고 자료가 될 수 있을 것이다.

This study analyzes the characteristics and changes of harmonic structure in K-pop dance music over a period of thirty years, from 1994 to 2023. The data consisted of 150 songs, drawn from the top five entries in Melon annual charts for each year. The analysis focused on tonalities, typical harmonic progressions, patterns of harmonic repetition, cadences and transitions, the use of non-diatonic harmonies, and cases of distinctive harmonic progressions. The findings show that minor-mode songs outnumbered major-mode songs, yet many minor songs employed harmonic progressions from their relative majors to convey brighter moods. While typical harmonic progressions appeared prominently in the 1990s, their prevalence decreased in later decades, giving way to modified progressions and the more active use of non-diatonic harmonies. Repetitive structures based on a single pattern and one-chord progressions also appeared in particular periods, alongside experimental practices such as ambiguous cadences, modulations, and the alternation of Im and I chords. Overall, the harmonic changes in K-pop dance music did not follow a linear trajectory of gradual development but rather exhibited cyclical patterns, with certain techniques emerging, receding, and reappearing across periods. These results suggest that the harmonic language of K-pop dance music has been shaped not by fixed conventions but by its sensitivity to global music trends, genre fashions, and industrial strategies. This study provides a systematic understanding of the harmonic identity and development of K-pop dance music.

본 연구는 K-pop의 글로벌 확산에 대한 MZ세대의 인식을 분석한다. BTS, BLACKPINK, KATSEYE는 미국 시장을 주요 타겟으로 세계적 인기를 얻은 그룹으로, 이들을 중심으로 MZ세대가 K-pop의 세계화 현상을 어떻게 수용하는지를 살펴본다. 과거 K-pop은 지나치게 글로벌 시장에 집중하며 정체성 혼란과 음악성 저하 등의 비판을 받아왔으나, 최근에는 초국적 소비와 문화적 혼종성이 자연스럽게 수용되고 있다. 특히 MZ세대는 한류 이후 K-pop을 접한 디지털 네이티브 세대로, 초문화적 현상에 개방적일 것으로 보이며, 기존 담론처럼 K-pop의 정체성에 대한 우려를 공유하는지도 함께 검토하였다. 서울 및 경기 소재 대학 재학생 200명(한국인 100명, 외국인 100명)을 대상으로 설문조사를 실시하였으며, K-pop 콘텐츠에 익숙한 MZ세대라는 점에서 의의가 있다. 설문은 각 그룹의 음악 스타일과 활동 변화에 대한 수용 태도를 중심으로, 문화적 정체성에 대한 인식을 종합적으로 분석하였다. 이를 통해 글로벌 시대의 MZ세대가 K-pop을 어떻게 수용하며, 어떤 문화적 태도와 정체성을 형성하고 있는지를 규명하고자 한다.

This study analyzes the perceptions of the MZ generation regarding the global expansion of K-pop. Focusing on BTS, BLACKPINK, and KATSEYE?groups that have gained worldwide popularity targeting the U.S. market?it explores how this generation accepts the globalization of K-pop. While K-pop has previously been criticized for excessively prioritizing global markets, leading to concerns about identity confusion and the decline of musicality, recent trends show that transnational consumption and cultural hybridity are being accepted more naturally. The MZ generation, as digital natives who encountered K-pop after the rise of the Korean Wave, is presumed to be more open to transcultural phenomena. This study also examines whether they share concerns from earlier discourses regarding the identity of K-pop. A survey was conducted with 200 university students (100 Korean and 100 foreign students) from institutions in Seoul and Gyeonggi Province, all of whom are highly familiar with K-pop content. By analyzing their views on each group’s music style and strategic shifts, the study aims to uncover how the MZ generation embraces K-pop in the global era and constructs cultural attitudes and identities in response.

본 연구는 3·4세대 K-pop 아이돌과 팬을 연결하는 핵심 전략으로 부상한 세계관이 팬의 몰입을 어떻게 유도하는지를 분석한다. 이를 위해 4세대 아이돌을 대표하는 æspa(에스파)의 광야(KWANGYA) 세계관을 중심으로 볼터와 그루신(Bolter&Grusin)의 재매개(remediation) 이론을 적용하였다. 특히 재매개의 세 가지 특징—①매개의 매개(remediation of remediation), ②현실과 매개의 불가분성(inseparability of mediation and reality), ③개혁(reform)—중심으로 에스파의 뮤직비디오에 대한 질적 내용 분석을 실시하고, 이를 바탕으로 뮤직비디오를 시청한 100명 대상의 설문조사를 구성하여 양적 검증을 수행하였다. 연구 결과 세 가지 요인 모두 팬을 비롯한 시청자들의 몰입에 유의미한 영향을 미치는 것으로 나타났으며, 그중 ‘현실과 매개의 불가분성’이 가장 높은 영향력을 보였다. 구체적으로 ‘매개의 매개’는 SF영화, 만화, 게임 등 이질적인 미디어 양식이 한 장면 안에서 혼합되며 팬 몰입을 심화시키는 구조로 작동하였다. ‘현실과 매개의 불가분성’은 가상 캐릭터의 능력이나 설정이 현실 멤버의 이미지에까지 영향을 미치며, 정체성 인식에 있어 가상과 현실의 경계를 흐릿하게 만들었다. ‘개혁’은 세계관 속 조연이었던 가상 AI 캐릭터 nævis(나이비스)의 독립 아티스트 데뷔 등 아이돌 산업의 구조적 전환 가능성을 보여주었다. 이러한 결과는 에스파의 재매개 전략이 단순한 시청각 콘텐츠를 넘어, 팬들의 몰입을 유도하는 다층적이고 구조화된 서사적 경험으로 작동함을 시사한다. 특히 팬들로 하여금 이야기 구조를 해석하고 재구성하게 하며, 현실 인물과 가상 캐릭터 사이의 경계를 재정의하는 참여적 서사 수행의 장으로 기능한다. 연구를 통해 얻은 시사점은 다음과 같다. 첫째, 에스파의 세계관은 팬들의 몰입을 유도하는 서사적 장치로 작동하며, 팬들은 현실과 가상을 넘나드는 정서적 참여를 경험한다. 둘째, 세계관은 팬덤 경제와 연결되어 높은 산업적 부가가치를 창출하고, 팬은 서사 확장의 주체로 기능한다. 셋째, 5세대 아이돌에게 ‘이지리스닝(Easy Listening)’ 전략이 주목받고 있으나, 세계관 전략은 K-pop의 지속적 확장 가능성을 지닌다. 본 연구는 이러한 분석을 바탕으로 세계관 전략이 팬의 몰입도와 참여를 촉진할 뿐 아니라 글로벌 K-pop 문화의 확산에도 공헌함을 강조한다. 다만 본 연구는 한 가지 사례에 국한되었고 세계관 내부의 서사 구조에 초점을 맞춘 결과, 팬과의 관계성과 상호작용을 통해 외부에서 구성하는 정동적 경험은 충분히 조명하지 못했다. 향후 연구에서는 관계적 감정 형성과 세계관 바깥의 이야기적 경험을 질적으로 탐색할 필요가 있다.

This study analyzes how K-pop Idol Universes(narrative universes) function as immersive media strategies in K-pop, focusing on æspa’s KWANGYA Universe (SMCU) as a representative case of 4th-generation idols. Using Bolter and Grusin’s (1999) theory of remediation, the study examines how three dimensions?(1) remediation of remediation, (2) inseparability of mediation and reality, and (3) reform?manifest in aespa’s music videos (MVs). A qualitative MV analysis was followed by a fan survey assessing how these factors influence immersion. All three were found to contribute significantly, with “inseparability of mediation and reality” showing the strongest effect. Hybrid media forms?CGI, animation, game HUDs?enhanced engagement; fictional traits merged with fans’ perceptions of real members, blurring reality and virtuality; and the AI character nævis’s debut suggested a shift in idol production. These findings suggest that aespa’s Universe facilitates layered emotional investment and participatory meaning-making. However, the study is limited by its focus on a single group and its emphasis on official narrative structures. Future research should explore how fans form affective connections through relationships and interactions, using qualitative methods to capture relational dynamics outside the constructed Universe.

본 연구는 K-POP IP의 전략적 확장 가능성을 체험 기반의 이머시브 콘텐츠를 통해 모색하는 것을 목적으로 한다. 기존의 콘텐츠 IP 확장 전략과 이머시브 콘텐츠 경험 이론을 통합하여 ‘IP 기반 이머시브 콘텐츠 확장 전략(IP-Based Immersive Contents Expansion, IICE)’을 제안하고, 이를 실제 사례 분석에 적용하였다. IICE 전략은 <IP-서사-감각-참여>라는 네 가지 핵심 축을 중심으로 콘텐츠를 다층적으로 재구성하는 접근을 의미한다. 이론적 검토를 토대로 본 연구는 2024년에 개최된 <NEO PARASPECTRUM> 전시를 분석 대상으로 선정하여 IICE 전략의 실질적 적용 가능성을 검토하였다. 분석 결과, K-POP IP는 이머시브 콘텐츠 확장 전략을 통해 팬덤을 넘어 다양한 관람자층에게 접근할 수 있는 확장 가능성을 지니고 있으며, 단순한 음악 소비를 넘어 예술적·문화적 체험으로 진화할 수 있음을 확인하였다. 특히 공감각 기반의 몰입, 인터랙티브적인 요소, 서사 구조 등을 통해 기존 팬 서비스 중심의 접근과는 차별화된 새로운 콘텐츠 전략이 가능함을 보여주었다. 이머시브 콘텐츠는 대중적 친숙성과 예술적 깊이를 동시에 확보할 수 있어 K-POP IP의 장기적 브랜드 가치 강화에 기여할 수 있다. 본 연구는 K-POP IP와 이머시브 콘텐츠 간 융합이 콘텐츠 산업 내 체험 중심 소비 트렌드에 대응할 수 있는 효과적 전략으로서의 가능성을 제시하였으며, 본 연구를 통해 향후 다양한 K-콘텐츠 IP의 전략적 확장을 위한 이론적∙실천적 기반이 마련될 수 있기를 기대한다.

This study aims to explore the strategic potential of expanding K-POP intellectual property (IP) beyond typical consumption models toward experiential and immersive contents. To achieve this goal, the study proposes a new theoretical framework, the IP-Based Immersive Contents Expansion (IICE) strategy, which integrates theories of IP expansion and immersive contents experiences. The IICE strategy conceptualizes a multi-layered approach based on four key components: IP identity, narrative structure, sensory immersion and audience participation. Based on this theoretical foundation, the study applies the IICE strategy to analyze the exhibition <NEO PARASPECTRUM>, held in 2024, which reinterpreted K-POP IP into immersive media contents. This exhibition strategically expanded the emotional and narrative elements of K-POP music into sensory experiences, actively involving audiences through emotional engagement and interactive participation. The findings demonstrate that K-POP IP has the potential to reach beyond core fandom and appeal to a broader public by transforming K-POP IP into multisensory experiential contents. By leveraging sensory-based immersion, narrative flow, and real-time interactive system, the exhibition differentiated itself from conventional fan-targeted models, suggesting a new contents strategy for K-POP IP. Moreover, immersive contents were shown to strengthen both popular accessibility and artistic depth simultaneously, contributing to the long-term brand value of K-POP IP. These findings imply that immersive approaches could serve as effective strategies not only for enhancing cultural value but also for establishing sustainable business models in the long term. This study further argues that the convergence of K-POP IP and immersive contents experiences aligns with the evolving trend of experience-driven consumption in the contemporary cultural landscape. By expanding K-POP beyond music consumption into a complex cultural contents platform, the IICE strategy provides a theoretical and practical foundation for future developments. In addition, the findings highlight the strategic potential for K-POP IP to evolve into a hybrid form of cultural product that embraces artistic creativity, emotional engagement and sensory immersion. The study concludes that immersive contents can function as a crucial medium for the global expansion of K-POP IP and suggests that this model could be adapted across a wider range of K-contents genres and media platforms, offering new directions for the sustainable growth of popular music IPs in the global creative industries.