Earticle

이 글은 K-POP과 신한류의 성공을 자축하는 지상파 방송의 다큐멘터리 분석을 통해 신한류 담론의 특성과 의미화 방식을 살펴보려는 목적을 갖고 있다. 비판적 담론 분석 방법론을 변용하여 14편의 지상파 방송 다큐멘터리를 분석한 결과, 주요 이야기 구조는 제작이라는 측면을 비추지 않은 채 아이돌 스타의 열정, 노력과 그에 감명을 받은 '글로벌'한 팬덤의 열정을 담는 것으로 구성되어 있었다. 이는 국가의 문화 정책 담론, 그리고 신자유주의적 성공 담론과 결합하면서 사회적 의미를 만들어 낸다. 또한 아시아가 아닌 유럽을 글로벌로 설정하여 유럽에 한국의 문화를 알리는 것을 주요 목표로 두려고 한다. 이러한 신한류 이야기 구조 속에서 지워진 국가 부문 및 제작 부문을 살펴보는 것이 중요한 과제가 될 것이다.

This study analyzes the documentaries of ground-wave broadcasts celebrating themselves for the success of K-POP and the new Korean wave in order to examine the characteristics and signification of the new Korean wave discourse. The documentary programs intending to omit the aspects of production either intentionally or recklessly in highlighting the new Korean wave suggest the narrative structure of the idol stars' passion and effort and th passion of 'global' fandom impressed by it. Although calculating the economic effects of the Korean wave is what the experts should do, this becomes the result of global audiences' responses to the voluntary global culture, not the result of production or planning. Those stories become combined with the nation's cultural political discourse and neo-liberalistic success discourse and create social significance. K-POP itself does not become meaningful along with the Korean's passion to check how much the Korean wave is recognized in Europe or America at the same time, but they should be associated with informing them of the Korean culture that is even classier after all. Also the major goal is set as informing Korean culture to Europe putting the global range in Europe, not Asia. Conventional or imperialistic recognition on culture or region is still being exposed. It will be a crucial task to examine the producers of the Korean wave products as well as the national sector omitted within that narrative structure of the new Korean wave.

넷플릭스 애니메이션 케이팝 데몬 헌터스(K-pop Demon Hunters)는 K-pop이 음악, 퍼포먼스, 서사, 플랫폼 전략이 융합된 복합 문화 콘텐츠로 진화하고 있음을 보여주는 사례이다. 본 연구는 이 작품이 K-pop 콘텐츠의 형식적·문화적 정체성을 어떤 방식으로 확장하고 재구성하는지를 혼종성, 젠더 수행성, 오리엔탈리즘, 인코딩-디코딩 개념을 적용하여 분석하였다. 연구 결과, 케데헌은 K-pop과 애니메이션의 혼종적 결합을 통해 표현 영역을 확장하고, 여성 전사 아이돌을 통한 젠더 규범 전복을 실험하고, 한국의 정체성을 서사의 능동적으로 통합하여 오리엔탈리즘적 표상을 탈중심화하고, 팬덤을 서사 내 갈등 해결의 주체로 설정하며 K-pop 팬덤의 공동 창작성을 시각화하였다. 그러나 이러한 케데헌의 실험은 글로벌 플랫폼의 시장 전략에 의해 일정 부분 조율되고 제한되는 긴장 관계를 내포한다. 본 연구는 케데헌의 성취와 한계를 분석함으로써, K-pop 콘텐츠가 문화적 실험성과 산업 전략 간 복잡한 역학 속에서 진화하는 양상을 규명하고, K-pop 연구의 이론적 외연을 확장하는 데 기여하고자 한다.

The Netflix animated film K-Pop Demon Hunters is a key example demonstrating the evolution of K-pop into a complex cultural structure that integrates music, performance, narrative, and platform strategy. This study analyzes how the film expands and restructures K-pop content’s formal and cultural identity, applying the concepts of hybridity, gender performativity, orientalism, and encoding-decoding. The findings indicate that K-Pop Demon Hunters expands expressive territory through the hybrid combination of K-pop and animation, experiments with the subversion of traditional gender norms via female warrior idols, decenters Orientalist representations by actively integrating Koreanness into the narrative, and visualizes the co-creative nature of K-pop identity by positioning fandom as the subject in conflict resolution. However, this experimentation is simultaneously modulated and constrained by global platform market strategies and industrial planning. This research contributes to K-pop studies by critically examining the tensions between cultural experimentation and industrial strategy, thereby clarifying the evolutionary trajectory of K-pop content and expanding its theoretical scope.

존 리(John Lie)는 <케이팝: 한국의 대중음악과 문화적 망각, 경제적 혁신>(2015)에서 케이팝을 수출 지향적인 한국 대중음악의 출현으로 설명하면서, 한국의 경제적이고 문화적인 변화의 측면에서 그 맥락을 이해시켜 준다. <케이팝>에서 그는 한국 대중음악의 역사적 배경과 일제 식민지 시대의 영향, 해방 후 미국의 영향, 그리고 최근 세계화의 영향뿐만 아니라 경제 혁신과 문화 생산의 한 시스템으로서의 케이팝에 대한 설명에 노력한다. 그런데 한국 대중음악의 역사와 시대적 배경에 대한 그의 소개는 장황한 내용에다 부정확한 사실과 편협한 사고까지 점철되어 평가 절하와 오류 지적에 시달린다. 이는 일본에서 자란 것으로 알려진 그가, 일본 자료에 많이 의존한 데서 비롯된 일이다. 이 글은 그의 오류를 지적하기보다 그가 살펴본 케이팝의 자본성과 진정성에 대한 딜레마를 비판적으로 수용하고 재해석하는 데 중점을 둔다. 그리고 케이팝이 지닌 혼종성과 이산성을 케이팝의 정체성과 발전 방안으로 제시함을 연구 목적으로 삼는다. 이 글에서는 아도르노(Theodor Adorno)의 대중음악론의 주요 개념(생산, 마케팅, 소비, 청중의 저항)을 원용하여 케이팝의 실태를 음악 사회학적으로 비판하고, 홀(Stuart Hall)의 문화 연구 방법론인 절합(articulation, 節合)의 개념을 원용하여 케이팝의 미래지향적 정체성과 지속 가능한 발전 방안을 모색한다. 이 글은 존 리가 비판한 IMF 위기 후 케이팝의 ‘적나라한 상업주의’(‘naked commercialism’)를 변호하지 않는다. 오히려 케이팝의 ‘진정성 결핍’에 대한 원인을 ‘전통과의 단절’로 분석한 그의 고찰을 경계로 삼아, ‘어떻게 진정성 있는 음악을 성립시킬 수 있을까?’라는 모색에 방점을 찍으면서 새로운 시각을 내보인다. 케이팝의 혼종성에 진정성(전통)을, 케이팝의 이산성에 지역성(정체성)을 절합시켜 소비자(청취자)와 소통한다면, 쇄신된 음악을 통하여 한국의 전통과 세계의 정통이 자연스럽게 교유할 것이다. 이제 우리에게 요구되는 것은 케이팝의 자본성 향상에 대한 막연한 예측과 기대가 아니라 케이팝의 진정성 회복을 위한 명확한 이해와 실천이다.

In his book K-Pop: Popular Music, Cultural Amnesia, and Economic Innovation in South Korea(2015), John Lie explains K-pop as the emergence of export-oriented South Korean popular music, and makes sense of larger South Korean economic and cultural transformations. In K-Pop, John Lie provides not only a history of South Korean popular music―Japanese colonial influence, post-Liberation American impact, and recent globalization―but also a description of K-pop as a system of economic innovation and cultural production. However, John Lie’s description of the history and circumstantial background of South Korean popular music is too lengthy and based on inaccurate information and a prejudiced point of view, and thus is not free from criticism about undervaluation and factual errors. This might be because John Lie, who is known to have been raised in Japan, relied too much on Japanese documents. Nevertheless, this paper mainly intends to critically accept and re-interpret John Lie’s opinion about K-pop’s dilemma between capitalism and genuineness, rather than to point out the errors of his opinion. In addition, this paper intends to propose that the hybridity and diaspora of K-pop lay the foundation of building the identity of and developing K-pop. This paper also intends to criticize the current status of K-pop from the perspective of socio-musicology in reliance upon the main concepts (i.e., production, marketing, consumption, and listener regression) of Theodor Adorno’s theory of popular culture and to seek the measures to develop the future-oriented identity of K-pop and facilitate the sustainable development of K-pop in reliance upon the concept of “articulation” under Stuart Hall’s theory and methodology of cultural studies. This paper does not support John Lie’s assertion on K-pop’s naked commercialism after the 1997 financial crisis of Korea. Rather, based on John Lie’s view that the “lack of authenticity” of K-pop is attributable to its “severance from tradition,” this paper intends to put forward a new point of view on “how authentic music can be created.” If K-pop interacts with consumers (listeners) after its hybridity articulates with authenticity (tradition) and its diaspora articulates with regionality (identity), the tradition of Korean culture and the essence of global culture would naturally interact with one another. What is required of us now is not the vague prediction or expectation of K-pop’s improved capitalism, but the clear understanding and activism of K-pop’s recovery of authenticity.

온라인공연은 공간적 제한이 없기 때문에 팬덤 확보와 유지의 수단 및 오프라인공연의 좋은 보완재가 될 수있다. 코로나19 기간 동안 온라인공연의 발전은 전체 공연시장이 코로나19에도 위축되지 않고 성장할 수 있는발판이 되었다. 온라인공연의 성공 사례가 늘어나면서 이에 관한 연구가 증가하였지만, 온라인공연에 있어서 어떠한요소들이 상대적으로 중요한가를 분석한 연구는 부족한 것으로 파악된다. K-pop 콘서트를 포함한 많은 온라인공연은VOD를 통해서 관객에게 공연 다시보기를 지원하는 동시에 2차 수익을 창출하고 있다는 점을 고려했을 때, VOD 구매의도에 대한 추가적인 논의가 필요하다고 여겨진다. 온라인공연은 오프라인공연에 비하여 관람 방식이나 현장성등에서 다른 측면을 가지고 있기 때문에, 관람객들이 중요시 여기는 요소가 다를 것으로 예상된다. 이에 본 연구에서는K-pop 온라인공연의 마케팅믹스 7P가 관람 몰입도, 관람 만족도, 그리고 VOD 구매의도에 미치는 영향을 분석하였다. 마케팅믹스 요인 중 공연구성, 가격, 프로모션, 물리적 증거가 관람 몰입도에 영향을 미치고, 이 네 가지 구성요소와더불어 진행과정이 만족도에 유의한 영향을 미치는 것으로 나타났다. 이 중 물리적 증거가 관람 몰입도에 가장큰 영향을 미치고, 프로모션이 관람 만족도에 가장 큰 영향을 미치는 것으로 나타났다. 또한 관람 몰입도는 관람만족도와 VOD 구매의도에 긍정적인 영향을 미치는 것으로 나타났고, 관람 만족도 역시 VOD 구매의도에 영향을미치는 것으로 분석되었다. 마케팅믹스 7P를 바탕으로 K-pop 온라인공연의 중요 요인 도출과 이것이 VOD 구매의도까지 미치는 영향에 대한 일련의 분석은 향후 관련 연구에 귀중한 바탕이 될 것이다. 또한, 오프라인공연과비교하여 온라인공연에서 차별적으로 나타나는 마케팅믹스 요인의 영향에 대한 정보는 K-pop 온라인공연 기획및 마케팅 관련자들에게 중요한 정보가 될 것이다.

Online performances can be an effective means of securing and maintaining fandom because there is no space limitation, and in some cases, they can be a good complement of offline performances. During the COVID-19 period, development of online performances have provided a foundation for the entire market of performing arts to grow despite of the pandemic. As success cases of online performances increased, the number of studies on online performances increased. However, there are limited number of studies that analyzed which factors were relatively important. Many online performances, including K-pop concerts, generate secondary revenue through Video on Demand (VOD) services. Given this, it is considered necessary to initiate further discussions regarding revisit and VOD purchase intention. Online performances differ from offline performances in terms of audience experience and immediacy, suggesting that the factors considered important by spectators may differ. Therefore, this study analyzed influence of the marketing mix 7Ps of K-pop online performances on audience immersion, satisfaction, intention to re-attend, and intention to purchase VOD. It was found that performance, price, promotion, and physical evidence among the marketing mix factors significantly influenced commitment, and process in addition to these four factors influenced satisfaction. Among them, physical evidence had the largest effect on commitment, while promotion had the largest effect on satisfaction. Furthermore, commitment was found to have a positive impact on intention to purchase VOD as well as satisfaction. The results of the analysis will provide a valuable basis for future related researches. Additionally, information regarding the magnitude of relative influence of marketing mix factors on online performances will be valuable information for providers and marketers involved in K-pop performances.

K-pop은 현재 전 세계적으로 신한류 열풍을 일으키고 있으며, K-pop의 열풍은해당 가수와 기획사뿐만 아니라, 국가 및 기업이미지까지도 긍정적인 영향을 미치고 있다. 이러한 현황에서 K-pop과 관련된 연구들은 K-pop과 소비자의 관계,K-pop 경험을 통한 국가 및 기업 이미지와의 관계 등 문화경영의 각 주체 사이의일방향적인 관계를 마케팅적인 차원에서 다루어왔다. 그러나 지금은 오히려 K-pop 을 중심으로 문화경영의 각 주체들 사이의 전체적인 협력관계성을 파악하는 방식으로 한류문화의 지속적인 발전과 문화브랜드로서의 정착을 위한 문화경영 협력 시스템의 구성이 필요한 시점이다. 이와 같은 맥락에서 우리는 선행연구들에서 제시된 ‘문화경영 협력 시스템’을구조를 수용하면서 아티스트, 공중, 결정권자, 매개자 등의 4대 주체에게 필요한문화경영 항목을 도출하고 유형화하는 것을 목표로 한 연구 분석을 진행하였다. 따라서 본 연구는 확장 가능성이 무한한 K-pop 소비시장인 중국 시장의 젊은 소비자들을 대상으로 선정하여 서술적 설문지를 배포하고, 그 결과에 대한 탐색적 연구를 시도하였다. 연구 결과, 문화경영 협력 시스템의 각 주체 중 아티스트 차원에서는 가수 개인의역량과 음악콘텐츠가 가지는 경쟁력, 대중문화 속성상 타 장르와의 결합을 통한재생산성 등의 특성을 파악할 수 있었으며, 이를 토대로 퍼스널 브랜드 관리, 음악적역량 관리, 가수와 기획사 관계, 타 문화장르와의 관계 항목을 도출하였다. 두 번째, 공중 차원에서는 K-pop을 소비하는 공중에 대한 소비자분석을 지속적으로 진행하고 데이터화하는 작업이 중요함을 파악할 수 있었으며, 이를 기반으로 공중의 유형화 관리, 문화적 취향 관리, 선호 문화장르 관리, 주요 활용 매체관리 등의 항목을 도출할 수 있었다. 세 번째, 국가, 기업 및 연예매니지먼트 기획사 등 결정권자 차원에서의 주요 특성 항목으로는 기획사 매니지먼트 관리, 기업 브랜드 관리, 국가브랜드 관리 등이 주요 항목으로 추출되었는데 이는 개개의 기관 차원에서 보다 각 기관이 서로 시너지를 극대화할 수 있는 전략적 통합관리가 중요함을 역설해주기도 했다. 마지막으로, K-pop 등의 문화를 전달해 주는 매개자 차원에서는 미디어 매개자 관리, 콘텐츠 매개자 관리, 주변인 매개자 관리 같은 주요한 특성 항목을도출할 수 있었다. 이와 같은 연구 결과를 바탕으로 본 연구는 문화경영 협력 시스템의 4대 주체 사이의 협력관계 구조의 핵심을 파악하고 이의 도식화를 시도하여향후 한국형 문화경영 협력 시스템 구성의 방향성을 제시해 주었다는 점에서 의의를 찾을 수 있겠다.

Currently, K-pop is sweeping over the world with the New Hanwave (New Korean Wave), and K-pop fever is not only positively influencing the singers and their entertainment agency, but also the government and corporations as well. With this phenomena, K-pop related researches have been dealing with uni-directional relationship among four element groups in marketing perspective, for example, studying relationship between K-pop and consumers, and correlations between K-pop and the government and corporate images. However, at this point, it is imperative to have cultural management system development that can facilitate sustainable development of Hanwave culture and cultural brand settlement by understanding the comprehensive interrelationships among the four element groups through K-pop. In this context, the current study attempts to generate and classify cultural management items that are necessary to four element groups -artists, public, deciders, and mediators-,while accepting the ‘cultural management system’ from the previous studies. Accordingly,using narrative questionnaire, the current study surveyed young consumers in China where extensibility of K-pop consumption is infinitive. The consequent results were analyzed using exploratory study. Before everything else, the result of the study showed that among the element groups in cultural management system, the artistic characteristics included the competence of the individual, the competitiveness of music contents, and the reproductivity through combination with other genre. Based on these characteristics, items were generated pertaining to management of personal brand, management of musical competence,relationship between the singer and the agency, and relationship with other cultural genre. In terms of public, the results indicate that it is important to consistently gather data and keep up with consumer analysis related to publics who consumes K-pop. Based on these results, items were generated for public typology management, cultural tastes management,preferred cultural genre management, and major applicatory media management. Moreover,the main characteristics of the items in deciders -nation, corporation, and entertainment agency- included managing agency management, management of corporations brand management, nation brand management, and strategic integration management. These major items emphasized how strategic integration management that maximizes the synergy between each organization is important compared to each organization itself. Lastly, in terms of mediators that deliver K-pop culture, major items such as media mediator management, contents mediator management, and peer mediators management were generated. Based on these results, the current study was able to understand and schematize the core relationship structure among the four element groups in cultural management system. Therefore, this study provided a new direction for the future studies that will research on Korean culture management system development.

본고에서는 K-판타지라 불릴 수 있는 최근의 환상 서사, <귀궁>과 <K-Pop 데몬 헌터스>에서 무속이 중심적으로 활용되고 있는 경향에 주목하여, 이를 통해 두 가지를 발견하고자 했다. 첫 번째는 무속이 서사에서 중심이 될 때, 다른 종교사상들이 어떻게 그려지는지를 포착하는 것이었다. <귀궁>에서는 1화에서부터 귀신이 실재한다는 점을 명백히 보여줌으로써, ‘무속적 세계관을 인정할 수밖에 없는 유교 국가 조선’을 그려내게 되었다. 그 결과 귀신을 멀리하거나 인정하지 않았던 유가적 방식이 <귀궁>에서는 더 이상 합리적인 것일 수 없게 되었다. 귀신의 실재 앞에서는 유가적 질서의 정점인 왕조차 피해자가 되고, 전통적인 신원 서사에서 신원의 주체였던 사대부들 역시 원귀를 만들어 낸 가해자이거나 그에 휘둘리는 피해자에 불과한 모습을 보인다. 그런 점에서 <귀궁>은 <장화홍련전>과도 대비된다. 󰡔주역󰡕을 활용하는 장면 또한 대조적이다. 서사에서 그 비중이 위축되는 것은 불교와 도교도 마찬가지였다. 다만 유교와 달리 이들은 실제 조선에서도 무속과 습합되었으므로, <귀궁>에서도 무속에 습합된 모습으로‘만’ 나타나게 되었다는 점이 유교와 달랐다. 승려 가섭은 퇴마사로서만 그려지며 여리를 보조하는 역할만 한다. 심지어 그의 스승은 불교의 심오한 가르침을 전수하는 역할을 하기는커녕, 다소 모자란 인물로서 희화화되는 데 소비된다. 본 논문의 두 번째 목표는 K-판타지에서 무속이 중심적으로 활용되는 이유를 고찰하는 것이었다. 국내뿐만 아니라 해외에서도 큰 인기를 얻은 <귀궁>과 <K-Pop 데몬 헌터스>는 이에 대해 중요한 실마리를 제공한다는 점에서도 주목을 요한다. 대중 일반의 기호에 부합하기 위해서는 참신한 요소와 익숙한 요소를 골고루 갖춰야 하는데, <귀궁>과 <K-Pop 데몬 헌터스>를 살펴보면 무속이 여기에 일정한 기여를 하고 있음을 발견할 수 있다. 첫째, <귀궁>과 <K-Pop 데몬 헌터스>에서는 누구나 쉽게 이해하고 공감할 수 있는 익숙한 주제를 다루는데 이는 무속의 윤리로서 뒷받침되고 구체화된다. 둘째, <K-Pop 데몬 헌터스>에서는 K-Pop이라는 참신한 소재를 활용하고 있을 뿐만 아니라, 노래에 주술성이 가미되어 있다는 참신한 설정 또한 보여주고 있어 무가와 연관성을 지닌다. 셋째, 판타지 장르는 게임적인 서사 구조를 자주 활용하는데, 여기에 무속적 세계관은 적합한 원천이 되어준다. 넷째, 무구를 비롯한 무속 관련 문화적 요소들은 한국 고유의 전통 문화로서 해외의 시청자들에게 색다른 미감을 선사했다.

This study focuses on the prominent use of shamanism in recent fantasy narratives, termed "K-fantasy," specifically examining The Haunted Palace and K-Pop Demon Hunters. Through this analysis, the paper aims to achieve two primary objectives. First, it seeks to analyze how other religious and philosophical systems are portrayed when shamanism assumes a central role in the narrative. In The Haunted Palace, the narrative unequivocally establishes the real existence of ghosts from its outset, thereby depicting a Joseon Dynasty?a fundamentally Confucian state?that is compelled to acknowledge a shamanistic worldview. As a result, the Confucian approach of shunning or denying the existence of spirits is rendered irrational within the world of The Haunted Palace. Faced with the reality of spirits, even the king, the leader of the Confucian order, becomes a victim. Sadaebu, traditionally the subjects of vindication in classic tales of retribution, are reduced to either perpetrators who create vengeful ghosts or helpless victims manipulated by them. In this respect, The Haunted Palace stands in stark contrast to traditional narratives like Janghwahongryonjeon. The utilization of the I-Ching is also depicted in a similarly contrasting manner. Buddhism and Taoism are likewise diminished in their narrative significance. However, unlike Confucianism, these religions historically underwent syncretism with shamanism in Joseon. Consequently, in The Haunted Palace, they appear only in forms that have been assimilated into shamanism. The monk Gaseop is portrayed solely as an exorcist who serves as an assistant to shaman. Furthermore, his master, far from imparting profound Buddhist teachings, is caricatured as a somewhat inept figure for comedic effect. The second objective of this paper is to investigate the reasons behind the central utilization of shamanism in K-fantasy. The significant popularity of The Haunted Palace and K-Pop Demon Hunters, both domestically and internationally, offers crucial clues in this inquiry. To appeal to a broad audience, a work must balance novel and familiar elements. An examination of these two narratives reveals that shamanism contributes significantly to this balance in the following ways. First, both narratives address familiar, universally relatable themes, which are substantiated and embodied through a shamanistic ethical framework. Second, K-Pop Demon Hunters not only uses the novel material of K-Pop but also introduces the innovative concept that the songs themselves possess incantatory power, thus creating a connection to traditional shamanic songs. Third, the fantasy genre often employs game-like narrative structures, for which the shamanistic worldview serves as a highly compatible source. Fourth, cultural elements related to shamanism, including ritual implements, offer a unique aesthetic experience to international audiences, presenting them as distinct components of Korea's traditional culture.

海外で人気を博している韓国発の大衆音楽のことを指すK-Popという言葉は、もはや韓国社会全般の関心と期待を受け、メディア及び政府の政策部門においても様々な議論を呼び起こしている。本稿では、K-Popの形成に大きな影響を及ぼしたと思われるJ-Popとの比較分析を通じて、文化現象としてK-Popが持つ本質と意義について考察する。 当初はJ-Popの勢力圏に含まれていた、日本市場に進出した韓国の大衆音楽がようやく独自の領域を構築し、さらに西欧からも関心を受けるようになると、K-Popは海外の受容者が共有する新しい文化現象として韓国社会の衆目を集めるようになった。J-Popという言葉は日本で国内向けに使われる概念であるが、その形成において音楽界の内部の省察とともに西欧の基準を強く意識していた。K-Popも同様であり、社会的認識の基準において日本と西欧という文化的他者を意識している。アジアを越え、世界中に広がるK-Popは、音楽ジャンル及び国籍という意味にとどまらず韓流を引き続き、世界中に韓国の文化アイデンティティーを発信するブランドとして認識されているが、今後の展開次第、その意味作用の変化に帰趨が注目される。

K-Pop, the popular Korean idol music, now commands national attention. It has already replaced the Korean wave in terms of headlines of recent media and policy related subjects. This study is to examine the essence of K-Pop and its social implications by comparison with J-Pop, the popular Japanese music from which it derives its name. Before, the term K-Pop merely indicated the music’s nationality in international settings. As the Korean idol music regarded as J-Pop was successfully introduced into the Japanese market, it established the meaning of how the term is used today. The word J-Pop was used locally in Japan, but its formation evolved around a western standard. In the same context, the K-Pop evolution has been conscious of the Japanese and western standards as powerful cultural others to Korean society. As a result, today K-Pop is recognized as the brand that characterizes its Korean cultural identity and has successfully penetrated globally into the Asia-Pacific region, Europe, and America.

본 연구는 최근 K-POP 아이돌 팝업스토어의 인기가 높아짐에 따라, 이러한 공간이 팬들에게 어떻게 문화적 경험을 제공하며 팬덤을 강화하는지에 대한 이해가 필요해진 데 그 배경이 있으며, 이를 위해 K-POP 아이돌 팝업스토어를 대상으로, 물리적 및 사회적 서비스 스케이프를 구현하는 전략을 제안하는데 그 목적이 있다. 연구 과정에서는 물리적 스케이프의 주요 요소로 지역성, 희귀성, 단기성, 편의성, 심미성, 안전성을 강조하고, 사회적 스케이프에서는 직원들의 전문성, 응대성, 친절성과 팬 문화에 대한 깊은 이해를 통한 고객 유사성 및 적합 행동이 팬들 간의 상호작용과 소속감을 증진시키는 방법을 분석하였다. 연구 결과, 제안된 물리적 및 사회적 스케이프 전략들이 K-POP 아이돌 팝업스토어의 매력을 돋보이게 하고, 방문객의 경험을 향상시키는 데 기여함을 확인하였다. 그러나 이 연구는 실제 방문객의 행동이나 심리적 요인을 실증적으로 규명하지 못한 한계를 가진다. 따라서, 이러한 한계를 보완하기 위해 후속 연구에서는 보다 깊이 있는 분석과 다양한 사례 연구가 필요하다. 이 연구는 팝업스토어 운영자들에게 실무적인 실행 방안을 제공하며, K-POP 팝업스토어가 문화적 경험의 장으로서 기능할 수 있도록 돕는 데 그 의의가 있으며, 이는 팬덤을 강화하고 아이돌 브랜드의 가치를 높이는 데 중요한 역할을 한다.

This study is grounded in the recent surge in popularity of K-POP idol pop-up stores, highlighting the need to understand how these spaces provide cultural experiences to fans and strengthen fandoms. The primary objective is to propose strategies for implementing both physical and social service scapes in K-POP idol pop-up stores. In the research process, the study emphasizes key elements of the physical scape, including locality, rarity, temporariness, convenience, aesthetics, and safety. For the social scape, the focus is on enhancing the professionalism, responsiveness, and friendliness of staff, as well as promoting customer similarity and appropriate behaviors through a deep understanding of fan culture to boost interactions and a sense of belonging among fans. The research findings confirm that the proposed physical and social scape strategies enhance the attractiveness of K-POP idol pop-up stores and improve visitors' experiences. However, the study acknowledges a limitation in that it does not empirically examine visitors' behaviors or psychological factors. To address this limitation, subsequent research should involve more in-depth analyses and a variety of case studies. The significance of this study lies in providing practical implementation plans for pop-up store operators and assisting K-POP pop-up stores in functioning as venues for cultural experiences. This, in turn, plays a crucial role in strengthening fandoms and enhancing the value of idol brands.

The study aims to focus on ‘popular culture’ which has been discussed in terms of culture contents along with the terms ‘hallyu’ and ‘K-culture’, to see how to view popular culture in Korean culture education and how to apply it educationally. To this end, we first explored the terms of ‘popular culture’, ‘Korean Wave contents’, and ‘K-culture’. As a result, we classified Korean popular culture as a culture produced in Korea that is easily and conveniently enjoyed by the public, Korean Wave contents as a Korean cultural element that is drawing attention from foreign countries, and K-culture as a new Korean Wave, which has been discussed in terms of ‘diversification’ since Hallyu 3.0. Then, we suggested an approach to popular culture in terms of Korean culture education. This paper argues that if popular culture is viewed as giving its audience cultural experience through mass media-based public communication, it should be applied to education in consideration of the three attributes of ① everydayness and universality, ② connectivity and expansion, ③ locality and interculturality.

본 연구의 목적은 북미에서 질적 연구의 논리적 사고 개념으로 확립된 브리콜라주의 다중방법론에 입각하여 미국 흑인음악이 케이팝 음악과 산업에서 재맥락하는 양상을 고찰하는 것이다. 본 연구의 다중방법론은 브리콜라주의 주요 개념인 다중관점, 상호텍스트성, 변증법을 삼각검증법과 결부시켜 동일 구조화한 것에 기초한다. 이를 미국 흑인음악의 복잡성과 엄밀성에 따른 실재와 내장질서가 케이팝 음악과 산업에서 상호하는 교집합의 관계와 입각하였다. 연구 결과의 내용은 다음과 같다. 첫째, 재즈와 랩 음악에서 해석, 이론, 방법론적 브리콜라주의 원리에 따라 서로 연관된 상호텍스트들은 케이팝 음악의 중추가 되었다. 둘째, 케이팝 산업은 백인의 산업성을 차용한 미국 흑인음악 산업의 분업적인 제작체계화, 하위문화와 상위문화의 재구조화, 로컬과 글로벌의 동일화를 재맥락하였다. 이를 통해 케이팝은 그 특유의 세계관을 구축하고 글로컬 팬덤을 형성하고 있다. 셋째, 케이팝은 디지털 브리콜라주 방식과 바이럴 마케팅을 통해 관객의 재생산을 유도하며, Gen Z 세대는 이를 바탕으로 케이팝을 다각적인 하이퍼미디어 형태로 재수용하고 있다. 넷째, 초대형 케이팝 기획사들은 내외수의 취향을 충족하기 위해 글로컬 멀티레이블 제작시스템을 도입하고, 청자의 재맥락과 능동적 참여를 유도하는 감정공명 기법을 사용하고 있다. 다섯째, 근래의 미국 흑인음악과 케이팝은 하이퍼 팝의 디지털 브리콜라주 방식을 통해 하위음악과 상위음악의 재역치와 인간의 감정을 상호매체성에 의해 미디어와 혼용한 하이퍼맥락성의 음악을 선보이고 있다. 결론적으로 현재 케이팝은 가상과 현실의 동시각적 요소들을 통합해 최신 트렌드를 반영하는 재매개체이며, 엄밀하고 복합적인 초-정의 형태로 동일화되어 다원개별적인 하이퍼맥락성의 브리콜라주적 특성을 지닌다.

This study explores the recontextualization of African-American music within K-pop, employing a bricolage multi-methodology that emphasizes logic, multi-perspectivity, intertextuality, and dialectics. It finds that the growth of K-pop has been significantly influenced by the interconnectedness of jazz and rap, redefining production roles and cultural norms to create a unique K-pop worldview and a global-local fandom. Additionally, K-pop's adaptation of digital bricolage and viral marketing has made it appealing to Gen Z, leading to the development of innovative hypermedia. Major K-pop agencies have responded by establishing transnational production systems and using emotional resonance to foster recontextualization and active audience engagement. The study also highlights the emergence of hyper pop music, blending different musical styles and emotions through digital techniques. Conclusively, K-pop serves as a dynamic intermediary between virtuality and reality, reflecting modern trends in a detailed, hyper-contextual manner that showcases the diversity and complexity of bricolage.

'리부트'와 '오마주' 방식은 드라마와 영화 등 전통적인 스토리텔링 분야에서 창작 기법으로 활용되고 있지만 트랜스미디어 스토리월드의 확장 유형의 가능성은 아직 제시되지 않았다. 본 연구는 '리부트'와 '오마주' 방식을 트랜스미디어 스토리월드 확장 유형의 새로운 개념으로 제시하는데 목적을 두고 있다. '리부트'와 '오마주' 방식은 끊임없이 콘텐츠를 발간하여야 하는 K-POP 아이돌 그룹의 대표적인 스토리텔링 방식으로 자리잡고 있다. 독자적인 스토리월드를 구축한 <엑소>,<방탄소년단>,<워너원>을 사례로 선정하여 서사 창작 부문과 마케팅 활용 부문을 함께 살펴보았다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 기존의 스토리 리부트 사례인 엑소는 기존 설정을 '과거'로 만들어 새로운 스토리라인을 삽입하는 형식을 취하고 있다. 둘째, 캐릭터의 리부트는 방탄소년단 사례로서 '아이돌 방탄소년단'과 '캐릭터 방탄소년단'을 병행하여 스토리월드를 구축했다. 셋째, 기존 스토리월드의 오마주는 워너원의 사례로 <프로듀스 101>의 스토리월드를 재구성하며 기존 향유층을 자연스럽게 끌어오고 있다. 넷째, 타 미디어 오마주는 방탄소년단 사례로 고전 작품의 의미를 방탄소년단의 캐릭터와 스토리월드로 재해석하여 보여준다.

'Reboot' and 'Homage' are using as creative techniques in traditional storytelling media fields such as movies or dramas, but the possibility of expanding the transmedia story world has not yet been presented. This study was written to present a new concept of transmedia story world expansion type using the 'Reboot' and 'Homage' methods. 'Reboot' and 'Homage' are typical storytelling methods of K-POP idol groups that need to develop content. I selected , , and , which have built their story world, and examined both the narrative creation section and the marketing application section. The result of the study is as follows. First, EXO is an example of a reboot case. They set the original set as 'past' and insert the new storylines. Second, BTS is an example of a character's reboot. They built a story world by paralleling 'Idol BTS' and 'Character BTS'. Third, Wanna One is an example of the original story world's homage. They reorganize the story world of and attracting the attention of the existing audience. Fourth, BTS is an example of other media homage which reinterprets the meaning of BTS characters and story world by using the meaning of classic works.

신(新)한류의 재조명으로 K-Pop음악 산업의 흥행은 지속되는 한편, 대부분이 아이돌 댄스 음악이라는 획일적인 장르적 한계를 이유로 한류 지속가능성 여부에 대한 논란은 계속되고 있다. 연구자들은 실용음악교육의 체제의 변화를 통해 음악적 질의 향상을 이룩해야한다고 하였다. 하지만, 실제로 실용음악 교육이 K-Pop음악 산업의 지속적 성공에 조력할 수 있는지, 서로 영향을 미치고 있는지에 대한 연구가 미비하였다. 그리하여 본 논문에서는 K-Pop과 실용음악의 의미와 연관성을 파악하고, 두 영역의 상호보완적 역할 수행을 위한 방안은 무엇이 있는지 살펴보고자 하였다. 먼저 2013년부터 3년간 국내공인가요차트인 가온차트에서 디지털종합순위의 100위내에 진입했던 곡에 관여한 인물들 즉, 가수, 작 편곡가, 작사가 및 연주자들을 K-Pop인재로 간주하여 조사하고, 그들 중 얼마만큼 실용음악 전공과 관련 있는지 파악한 결과, 41.74%로 확인되었다. 한국 대중음악이라는 큰 공통적 분모 아래에서 지속적인 한류를 위해 서로 협업할 수 있는 방안으로서는 다양한 K-Pop음악에 대한 소비자의 지속적인 니즈 증대와 이를 위한 국내외 사회적 분위기 형성, K-Pop산업이 요구하는 인재양성을 위한 교육제도의 변화 등이 있다.

The success of K-Pop music industry continues as there is a new light shedding on the new Korean wave. There is a continuous discussion about the sustainability of the idol's dance music because of its limit in the uniform genre. As a solution to improve the quality of K-pop music, researchers said to supplement it through the change of educational system in the applied music. However, research into how much the education of applied music is contributing to the continuous success of the K-Pop music industry and how each industry is affecting each other was inadequate. Therefore, this study will understand the association between the K-Pop and the applied music, and look into ways that can act as a mutual supplementation for both fields. Subjects of analysis included performing artists, composers, arrangers, lyricists, and singers for songs within the top 100 of the digital total ranking for the past three years in the Gaon chart which is the official music chart for Korea. Then, the study apprehended how many of those subject had relations with the applied music and their activity frequency. As a result, there were a considerable number of K-Pop performers, at 41.74%, who also majored in the applied music. To continue to tendency of Korean wave and develop the Korean popular music, this study will explore roles each industry should cooperate in the future. There were the formation of social atmosphere for increase of consumer's needs to diverse K-pop music and change of education for training its human resources that K-pop industry demand.

안무는 시간 안에서 일련의 움직임을 디자인하는 활동이다. 따라서 각각의 시대가 시간과 공간,그리고 인간을 바라보는 관점은 당대의 가장 첨예한 신체 퍼포먼스의 디자인에 반영되기 마련이다. 각 시대의 시공간 감각은 그 시대가 가진 종교, 철학, 기술적 발전 등의 사회문화적 맥락에 기초하기 때문에, 우리는 그 시대를 대표하는 신체 퍼포먼스의 분석을 통해 그 시대가 인간을 바라보는 관점을 이해할 수 있다. 이 글은 한국의 대표적 대중문화인 K-pop 아이돌의 퍼포먼스 분석을 통해 현재 한국 사회의 인간-시공간 감각을 탐색한다. K-pop의 대표적 아이돌 '샤이니'의 2013년 발표곡인 <Everybody>의 뮤직 비디오 및 안무 디자인은 2010년대의 한국이 가진 시공간 감각이 다름 아닌 디지털 애니메이션적인 시공간적 감각에 기초하고 있음을 보여준다. <Everybody>의 퍼포먼스 디자인은 서구의 전통적인 자동인형 모티브의 예술적 전통을 계승하면서도 이와는 차별화된 안무에서의 시공간적 감각을 보여주기 때문이다. 자동인형 모티브는 인간의 형상을 창조하겠다는 오랜 인간의 욕망, 즉 애니메이션의 역사와 긴밀히 연계되어 발전되어 왔다. 자동인형, 그리고 기계가 실제로 인간을 대체하기 시작한 서구의 근대 역사에서 자동인형 모티브는 인간의 기계에 대한 소외와 매혹을 드러내는 중요한 예술 장르였다. 또한 발레와 같은 대중 무용 및 모더니스트 안무가들의 기계적 신체 퍼포먼스는 인간이 기계적 동작을 모방하도록 함으로서 인간을 하나의 기계로 바라보는 당대의 관점을 반영하고 있다. K-pop 안무의 새로운 경향인 <Everybody>의 자동인형 퍼포먼스 디자인은 시각적 측면 뿐 아니라 움직임의 구성 등에서 디지털 애니메이션적 특성을 드러낸다. 그리고 그러한 특성은 현재 한국 사회가 공간 뿐 아니라 시간 또한 통제하는 진일보한 디지털-애니메이션적 관점으로 인간을 바라보고 있음을 시사한다.

K-pop performances are in the center of the contemporary popular arts and cultural industry, and implicitly reveal the way that our society views the body and the time-space. This paper explores the motif of automaton in the K-pop idol group ShiNee's stage performance of 'Everybody' and the song's music video. At the same time, the paper relates the motif with the automaton of the digital era-that is, the sense of time-space in digital animations. The motif of the automaton has its origins in the mythical forms related to the animation, and is related to the human desire to create humanlike forms. Also, this motif is closely linked to the aesthetical meaning of the animation, being played in different variations since the beginning of the animation. This paper explores the tradition of automaton motif in culture and the arts, and look into the cases in which the history of the relationship between the media and body performance harboring the automaton motif has been displayed in 19th century ballet or modern body expressional arts. In addition, this paper will compare and analyze representative contemporary works that reveal digital viewpoint and the choreography of 'Everybody', and compare other works that stand in similar aesthetic tradition, investigating the influence of digital animation reflected in the K-pop idol and its aesthetic and social undertones.

본 연구는 넷플릭스 애니메이션 <K-pop Demon Hunters>를 사례로, 애니메이션 콘텐츠가 디지털 환경 속에서 팬들의 이동과 장소 실천을 어떻게 조직하는지를 분석하였다. 작품 공개 이후 팬들은 애니메이션 속 서울의 장면을 따라 실제 도시를 방문하고, 특정 장소에서 춤이나 포즈를 재현하거나 사진과 영상을 촬영해 다시 디지털 플랫폼에 공유하고 있다. 이러한 현상은 애니메이션의 감상 경험이 스크린 내부에 머무르지 않고 현실 공간의 수행으로 이어진다는 점에서, 콘텐츠 투어리즘 연구에 새로운 질문을 제기한다. 본 연구는 이러한 과정을 설명하기 위해 정동적 호출, 정동적 닻, 플랫폼 매개, 디지털 순례지, 공간적 수행, 디지털 서사화라는 개념을 중심으로 분석 틀을 구성하였다. 이에 따르면 작품의 서사적․ 미학적 요소는 팬들의 감정적 공명을 촉발하고, 특정 장면은 정동이 응축된 공간 지향의 좌표로 기능한다. 이어 플랫폼 환경은 알고리즘, 해시태그, 숏폼 포맷 등을 통해 이러한 장면을 반복적으로 가시화하고 공유 가능한 형식으로 확산시키며, 팬들의 장소 지향은 디지털 순례지의 형성을 거쳐 현실 공간의 수행으로 이어진다. 다시 그 수행은 촬영, 기록, 게시, 공유를 통해 후속 실천의 참고점으로 축적된다. 본 연구는 이와 같은 반복적 순환 구조를 ‘정동적 실천 루프’로 파악한다. 분석 결과, <K-pop Demon Hunters>의 서울은 팬들이 정동적으로 접속하고 수행적으로 재구성하는 상상적 도시공간으로 작동한다. 팬들은 작품 속 장면을 디지털 플랫폼에서 반복적으로 소비하고 참조하면서 특정 장소를 디지털 순례지로 인식하고, 실제 방문을 통해 장면을 재현하며, 그 결과를 다시 플랫폼에 공유함으로써 집단적 기억과 실천의 준-아카이브를 형성한다. 결국 이 사례는 디지털 플랫폼 시대의 콘텐츠 투어리즘이 배경지 확인에 머무르지 않고, 정동, 매개, 수행, 기록의 순환 속에서 장소성을 새롭게 구성하는 실천임을 보여준다.

This study examines how animation content organizes fans’ mobility and spatial practices in digital environments, focusing on the Netflix animation K-pop Demon Hunters. Since the work’s release, fans have visited locations in Seoul represented in the animation, reenacted dances and poses, and shared photos and videos of these activities across digital platforms. This phenomenon suggests that the experience of viewing animation does not remain confined to the screen but extends into embodied and performative practices in physical space, raising new questions for content tourism research. To analyze this process, this study develops a conceptual framework centered on affective invocation, affective anchors, platform mediation, digital ilgrimage sites, spatial performativity, and digital narrativization. Within this framework, the narrative and aesthetic elements of the animation generate emotional resonance, while particular scenes function as affective anchor points that orient fans toward specific places. Platform environments repeatedly visualize, circulate, and standardize these scenes through algorithms, hashtags, and short-form video formats, translating affective orientation into shareable and repeatable practices. This process leads to the formation of digital pilgrimage sites and, ultimately, to embodied performances in physical space. These performances are then recorded, posted, and shared, becoming accumulated reference points for subsequent practices. This study conceptualizes this cyclical process as the “Affective Practice Loop.” The analysis shows that Seoul in K-pop Demon Hunters functions not simply as a backdrop or an object of representation, but as an imaginary urban space that fans affectively access and performatively reconstruct. Through the repeated consumption and circulation of scenes on digital platforms, fans come to perceive particular locations as digital pilgrimage sites, reenact scenes through actual visits, and build a quasi-archive of collective memory and practice by sharing the results online. Ultimately, this case demonstrates that content tourism in the digital platform era cannot be reduced to locational identification alone; rather, it involves the ongoing construction of placeness through the circulation of affect, mediation, performance, and documentation.

본 연구는 아이돌 다큐멘터리에 재현된 서사를 캐릭터 원형의 관점에서 분석하여, 세대별 아이돌 브랜딩 전략의 차별적 구조를 규명하는 데 목적이 있다. 이를 위해 크리스토퍼 보글러의 영웅여정 이론과 캐릭터 원형 개념을 분석 틀로 설정하고, 3세대 및 4세대 K-pop 여자 아이돌 그룹의 공식 다큐멘터리를 질적 사례 분석 방법으로 검토하였다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 3세대 아이돌 다큐멘터리는 연습생 시절의 인고와 성장을 중심으로 한 ‘성장형 영웅’ 서사를 통해 멤버 간 공동체적 유대와 인간적 친밀감을 강조하는 브랜딩 전략을 형성하고 있었다. 둘째, 4세대 아이돌 다큐멘터리는 데뷔 시점부터 높은 전문성과 성취를 전제한 ‘완성형 영웅’ 혹은 내면의 고뇌를 드러내는 영웅 서사를 활용함으로써, 차별화된 전문성과 개인 중심의 친밀감을 기반으로 한 브랜딩 전략을 구축하고 있었다. 본 연구는 아이돌 다큐멘터리를 단순한 기록물이 아닌 휴먼브랜드를 전략적으로 구성하는 서사적 장치로 조명함으로써, K-POP 아이돌 브랜딩 연구를 서사 및 캐릭터 분석의 차원으로 확장하였다는 점에서 의의를 지닌다.

This study aims to examine the differentiated branding structures of K-pop idol groups across generations by analyzing narratives represented in idol documentaries through the lens of character archetypes. Drawing on Christopher Vogler’s theory of the Hero’s Journey and character archetypes, this study adopts a qualitative case analysis of official documentaries featuring third- and fourth-generation K-pop girl groups. In particular, this study analyzes how character archetypes?such as the hero, mentor, shadow, and ally?are configured within the documentaries, while also examining variations in narrative structures and the resulting differences in branding strategies. The findings are as follows. First, documentaries of third-generation idol groups construct a branding strategy centered on a “growth-oriented heroes” narrative, emphasizing hardship during the trainee period and collective growth, thereby fostering a sense of communal bonding and humanized intimacy among members. Second, documentaries of fourth-generation idol groups employ narratives of “completed heroes” who demonstrate high levels of professionalism and achievement from the outset, or heroes who reveal internal struggles and self-reflection, thus establishing branding strategies based on differentiated expertise and individualized intimacy. By conceptualizing idol documentaries not merely as records but as narrative mechanisms for constructing human brands, this study contributes to expanding K-pop branding research into the domain of narrative and character archetype analysis.

본 연구는 애니메이션 영화 <K-Pop Demon Hunters>를 분석하여, 서울이 다층적 도시 경관으로서 영화 속에서 어떻게 구성되는지를 탐구한다. 연구는 문화적 연속성을 담보하는 역사적 장소, 세계 자본주의적 역동성을 구현하는 상업 지구, 그리고 신화와 상징을 통해 도시를 재구성하는 환상적 공간이라는 세 가지 차원을 도출한다. 애니메이션이 전통, 현대성, 상상 력을 결합하는 매체적 특성을 부각함으로써, 서울이 단순한 물리적 배경을 넘어 글로벌 미디어 속 상징적 구성체로 기능함을 보여준다. 본 연구는 애니메이션이 세계화 시대 도시 정체성을 재해석하는 독창적 가능성을 제시함을 밝힌다.

This study examines the animated film K-Pop Demon Hunters to explore how Seoul is cinematically constructed as a multi-layered urban landscape. The study identifies three interwoven dimensions: historical sites that anchor cultural continuity, commercial districts that embody global capitalist dynamism, and fantastical spaces that reimagine the city through myth and symbolism. By highlighting animation’s capacity to merge tradition, modernity, and imagination, the analysis demonstrates how Seoul functions not only as a physical setting but also as a symbolic construct in global media. This study contributes to debates in cinematic urbanism and landscape geography, showing that animated cinema offers unique possibilities for reinterpreting urban identity in an era of cultural globalization.

K-POP 산업의 글로벌 성장과 함께 음원 저작권 관리의 복잡성 또한 증가하고 있다. 그러나 현행 저작권 관리 체계는 ISRC, ISWC 등 식별코드와 메타데이터 간 불일치로 인한 권리자 식별 오류, 스트리밍·방송·UGC 플랫폼 등 다양한 유통 채널에서 발생하는 사용 이력의 분절적 관리, 그리고 다층적 권리 구조와 중개 기관 중심의 정산 절차로 인한 비효율성이라는 구조적 한계에 직면해 있다. 본 연구는 이러한 문제를 완화하기 위한 통합적 대안으로, AI 기반 음원 식별 기술과 블록체인 기반 이력 관리 기술을 결합한 시스템 아키텍처를 제안한다. 제안 모델은 딥러닝 기반 오디오 핑거프린팅과 대규모 벡터 검색을 통해 음원 식별의 확장성을 고려하고, Hyperledger Fabric 기반 허가형 블록체인을 활용하여 사용 이력의 무결성과 접근 통제를 동시에 확보하도록 설계되었다. 또한 스마트 컨트랙트 구조를 통해 정산 규칙의 자동 실행 가능성을 탐색한다. 본 연구는 이론적 배경과 관련 연구 분석을 토대로 산업 적용을 고려한 통합 설계 프레임워크를 제시한다는 점에서 의의를 가진다. 이러한 설계는 K-POP 산업에서 창작자의 권리 보호와 정산 투명성 제고를 위한 후속 실증 연구와 기술 구현의 기초 모델로 활용될 수 있을 것으로 기대된다.

To address these challenges, this study proposes an integrated system architecture that combines AI-based music identification technologies with blockchain-based usage record management. The proposed model incorporates deep learning-based audio fingerprinting and large-scale vector search to enhance the scalability of music identification, while employing a permissioned blockchain built on Hyperledger Fabric to ensure the integrity and controlled accessibility of usage records. In addition, a smart contract framework is designed to explore the feasibility of automating settlement rules. Rather than providing empirical performance validation, this study presents a conceptual and architectural framework grounded in theoretical foundations and a review of related research, with consideration of practical industrial applicability. The proposed design offers a foundational model for future empirical studies and technological implementation aimed at strengthening creators’ rights protection and improving settlement transparency in the K-POP industry.

한국 대중음악에서 댄스음악 장르는 높은 비중을 차지하고 있으며, 시대의 흐름에 따라 댄스음악의 음악적 양상 또한 다양하게 변화해 왔다. 따라서 본 연구는 2000년대 이후 케이팝 댄스음악에서 브릿지의 등장 빈도가 증가한 현상에 주목하여, 케이팝 댄스음악의 브릿지를 독립된 분석 대상으로 설정하고 유형을 분류한 뒤, 각 유형의 역할과 특징, 화성 등을 분석하였다. 분석 대상 곡은 2004년 이후 발표된 케이팝 댄스음악 중에서 브릿지 섹션을 포함하는 연도별 차트 상위 5곡을 선정하여 총 100곡으로 구성하였다. 선정된 곡의 브릿지 유형, 기능, 구조, 화성적 특성 등을 종합적으로 분석한 결과, 브릿지는 연속형, 대조형, 상승형, 복합형의 네 가지 유형으로 분류되었다. 또한, 연속형의 전개 방법 중 하나인 ‘벌스형 브릿지’를 새롭게 제안하였다. 화성 분석 결과, 연속형 브릿지는 반복적인 코드 진행을 유지하는 반면, 대조형은 기존의 흐름과 차별되는 새로운 코드 진행을 통해 정서적 대비를 형성하였다. 또한 마이너 조성에서는 토닉 중심의 화성이 주로 사용되었고, 메이저 조성에서는 서브도미넌트와 비다이아토닉 코드가 빈번히 등장하였다. 아울러 브릿지 이후 곡의 전개 방식은 시대별로 다양하게 변화해 왔으며, 최근 들어 댄스 브레이크나 포스트 코러스와 같이 퍼포먼스를 강조하는 구조의 비중이 증가하고 있음을 확인하였다. 본 연구는 케이팝 곡 구조 분석에서 브릿지를 유형화하여 새로운 브릿지 분류 체계를 제안함으로써 형식 분석의 범위를 확장하였다는 점에서 학문적 의의를 지닌다. 또한, 본 연구의 결과는 작편곡을 포함한 창작 실무 및 음악 교육 현장에서 브릿지 구성 전략을 이해하는 데 활용될 수 있을 것이다.

Dance music holds a central place in Korean popular music and has continually evolved in its musical characteristics. This study focuses on the bridge sections in K-pop dance music since the 2000s, positioning the bridge as an independent object of analysis. We classify bridge types and examines their roles, stylistic traits, and harmonic features. For this purpose, 100 songs were analyzed, selecting the top five K-pop dance tracks from each year since 2004 that include a bridge section. Through a comprehensive examination of their types, functions, structures, and harmonic patterns, four main categories were identified: continuous, contrastive, ascending, and hybrid. Among them, a new subcategory, the "verse-type bridge," is proposed under the continuous type. The harmonic analysis revealed that continuous bridges typically maintain repetitive progressions, while contrastive bridges introduce new ones that diverge from the previous flow, creating emotional contrast. In minor keys, tonic-centered harmonies were common, whereas in major keys, subdominant and non-diatonic chords appeared more frequently. The post-bridge developments have also evolved over time, with recent trends favoring performance-oriented structures such as dance breaks and post-choruses. By classifying bridge types and proposing a new typology, this study provides a systematic framework for analyzing K-pop song forms. The findings also offer both academic and practical implications for music production and education.

본 연구는 한·중 언어 간 음운 차이가 K-pop 가사의 중국어 번안 및 개사에 있어 원곡과의 청감 유사도에 어떠한 영향을 미치는지, 특히 자음 음운 적합성 측면에서 깊이 있게 조사하였다. 이를 위해 비교 분석 방법을 적용, K-pop 곡 한국어 원곡 18곡, 중국어 번안 및 개사곡 18곡, 총 36곡을 연구 대상으로 선정하였다. 본 연구에서는 설문조사와 음향 분석을 통해 데이터를 수집하였으며, 주요 연구 결과는 다음과 같이 정리할 수 있다. 첫째, 개사된 가사가 원곡과 동일하거나 유사한 범주의 자음을 사용할 경우, 청감 유사도가 가장 높게 나타났다. 둘째, 원가사와 유사한 발음을 직접적으로 대응시키기 어려운 경우에도, 자음의 VOT(Voice Onset Time) 길이를 가창자가 의식적으로 조정함으로써 번안된 가사가 원곡의 음성적 특징과 유사하게 할 수 있음을 확인하였다. 이는 번안한 가사가 원곡의 음악적 특성을 유지하면서도, 현지의 대중에게 더욱 친숙하게 다가갈 수 있도록 하는 데 기여할 수 있다. 본 연구는 한·중 간의 문화적 교류와 K-pop의 글로벌 영향력 확대에 기여할 수 있는 근거를 마련할 것이다. 또한 다언어 음악 창작, 특히 세계화 배경 하에서 K-pop 전파에 긍정적인 역할을 하기를 희망한다.

This study investigated in depth how the difference in phonemes between Korean and Chinese languages affects the auditory similarity with the original song in the translation and introduction of Chinese in K-pop lyrics, especially in terms of consonant phoneme suitability. To this end, a comparative analysis method was applied, and 18 original K-pop songs, 18 Chinese translation and opening song, and a total of 36 songs were selected as subjects of the study. In this study, data were collected through surveys and acoustic analysis, and the main findings can be summarized as follows. First, the auditory similarity was found to be the highest when the adapted lyrics employed consonants belonging to the same or similar phonemic categories as those of the original songs. Second, even in cases where it was difficult to directly correspond to pronunciations similar to the original lyrics, it was confirmed that the adapted lyrics could approximate the phonetic characteristics of the original songs by consciously adjusting the consonant VOT(Voice Onset Time). This greatly contributes to making the adapted lyrics more familiar to the local public while maintaining the musical characteristics of the original song. This study will provide a basis for contributing to cultural exchanges between Korea and China and the expansion of the global influence of the K-pop. It also hopes to play a positive role in the creation of multilingual music, especially in the spread of K-pop under the globalization background.