Earticle

This study interrogates the mechanism through which local cultural elements coalesce with global landscapes and proliferate, focusing on the animation K-Pop Demon Hunters through the lens of lobalization. First, on a theoretical level, the study establishes an analytical framework by comparing and contrasting the distinctive characteristics of lobalization with existing discourses on glocalization. Subsequently, it categorizes the Korean local elements implemented within the work from multifaceted perspectives and analyzes, based on empirical data, the specific modes in which these elements integrate with universal global narratives and media formats to engender new aesthetic values. Finally, by identifying the drivers that allowed this cultural fusion to exert a powerful appeal to global audiences and catalyze proactive cultural practices, this research presents a new cultural topography in which local agency reconfigures global standards.

엔터테이너는 그 자체가 하나의 브랜드로서 기능하는 측면이 강하다. 본 논문은 브랜드로 인식되는기획형 엔터테이너의 활동을 브랜드 자산 창출전략에 따라 분석하고, 그 결과를 제시한 것이다. 분석대상은 스타시스템이 안정적으로 정립된 가수들을 대상으로 실시했다. 일정한 기준에 따라 선정된 4팀의 가수 활동은 브랜드 리뉴얼과 브랜드확장의 방법으로 분석했다. 이들은 다른 가수들의브랜드이미지와 차별성을 가질 때 브랜드 가치가상승하고 브랜드 자산을 지속적으로 유지, 확장할수 있었다. 이를 기반으로 다양한 활동을 통해 활동영역을 확장하고 있었다. 그러나 연구결과 엔터테인먼트 기업들의 엔터테이너에 대한 브랜드 활용 전략은 정교하지 못했으며, 엔터테이너 창출 후 브랜드 유지를 위한 활동 역시 매우 미숙한 수준을 벗어나지 못하고 있음을 확인할 수 있었다. 이에 본 논문의 결과를 토대로, 연구진은 지속적인 브랜드 유지를 위한 마케팅 방법의 체계화 그리고 효율화를 달성하기 위한 제언을 제시했다.

Domestic entertainer are working activities in a variety of applications. In the past, after the success of the existing field, the field of activity widened. after settlement of a star system could increase their life cycle, while diversifying the activity sectors previously existing forms of recognition. After fixation of the star system, while diversifying the field of activity before forming the conventional recognition, they had increased their life cycle. For this reason, the entertainment companies are actively utilizing the marketing techniques of the general enterprise. Entertainer is a brand in its own right. In this paper, it said it would want to analyze on the basis of the planning type entertainer that has been recognized as a brand activities to the creation strategy of brand equity. Analysis subject is singers who were stars system has been established in a stable manner. Activities of four teams of singers were selected based on certain criteria, it was analyzed by brand renewal and brand extension of the way. These brand value has risen If you have to differentiate itself from other singers of the brand image. Also, it could be extended by maintaining the brand equity continuously. Based on this, through a variety of activities, we have been expanding arena. The results of the study, after company that was manufactured entertainers, in order to maintain the brand, still using the method of rough estimate equation. I want to suggest that it can take advantage of the marketing method for maintaining sustained brand throughout this paper are organized.

이 글에서는 판소리 <춘향가> 중 ‘사랑가’ 대목이 2000년대 이후 한국 대중음악 작품으로 각색된 사례와 그 유형을 살펴보며, 판소리의 대중음악적 각색이어떤 의미를 지닐 수 있을지를 살펴보았다. ‘사랑가’의 대중음악적 각색은, 원본이 되는 스토리세계에 대해 각색물이 보여주는 반응을 기준으로 세 유형으로구분할 수 있었다. 먼저 원본을 ‘다시 말하기(retelling)’를 통해 기존의 스토리세계에 종속적인 변화를 도출하는 각색의 유형이 있었고, 두 번째는 원본을 ‘개정(revision)’하면서 기존의 스토리세계를 연장시키고 또 그것을 반성적으로 바라보며 논평하는 유형이 있었다. 마지막으로 세 번째는 원본을 ‘확장(expansion)’하여 기존의 스토리세계에서 벗어난 대안적 서사를 창작한 유형이 있었다. 이 세 유형의 각색 모두 원본에 대한 ‘복제 아닌 반복’이다. 그 속에는 전통적규범과 문화적 이데올로기와 상징을 보존하고 지켜내려는 지향과, 그것에 문제를 제기하거나 해체해서 새로운 것을 만들어내고자 하는 지향 간의 권력다툼이존재한다. 이것은 수용자들이 원본과 각색본을 오가거나 비교하면서 작품을감상하는 동안에도 일어나는 일이다. 원본과 각색본을 동시에 지각해야만 하는이중적 인식 속에서 판소리의 대중음악적 각색은 재조합된 전통으로서 친숙함속 기발함을 주고, 현재화된 과거로서 현대사회 대중들의 기대와 요구에 맞는방식으로 고전을 재해석하게 만들어준다. 또 원본이 되는 판소리에 대해 해박한지식이 없는 청자들도 음악 속에 활용된 판소리적 요소들을 찾아나가는 과정그 자체를 통해 상호작용적 유희를 즐기며 즐거움을 얻을 수 있다. 판소리의 대중음악적 각색을 통해 대중들이 간취하게 되는 전통이란 취사선택되며 재조합되고 만들어진 ‘상상의 것’, 다시 말해 현재의 관점에서 재조합된전통일 수 있다는 점은 한계로 느껴지기도 한다. 하지만 동시에 오늘날의 대중음악 수용자들은 전통 판소리의 내용을 주체적으로 수용하며 자신들의 삶 속으로끌여들어 재음미하기도 한다는 점에서는 긍정적인 일면을 찾아볼 수 있다. 그런한편 판소리를 덜 보존하고 있는 각색들이 오히려 판소리에 대한 반응과 궁금증을 이끌어내며 그것을 더 번성하게끔 하는 잠재력을 지녔다는 점 역시 확인할 수가 있었다. 이처럼 판소리의 대중음악적 각색은 이제까지 학계에서 많이 다루어져 온영상콘텐츠 또는 서사물로의 각색만큼이나 다층적인 지향과 입체성을 보여준다. 대중음악이 현대사회를 살아가는 사람들에게 막강한 영향력을 미치고 있음을 생각해 볼 때, 앞으로도 판소리의 대중음악적 각색에 대해 꾸준히 관심을갖고 그것을 섬세한 시각으로 분석하는 일이 필요하다.

This study investigated the cases and types of Pansori “Sarang-ga(Love Song)” in Chunhyang-ga adaptation into popular music works since the 2000s, and what adaptation could mean. The adaptation of Pansori “Love Song” can be divided into three types based on the response of the adaptation to the original story world. First, there was a type of adaptation that elicited dependent changes to the existing story world through “retelling.” Second, there was a type that extended the existing story world while “revising” the original and ezamining it reflectively. Lastly, there was a type of creation of an alternative narrative that deviated from the existing story world by “expansion” of the original. All three types are “repeated and not reproduced” in terms of the original. There is a power struggle between traditional norms, cultural ideologies, and symbols, and the desire to create new things by raising or dismantling problems. This also occurs while the audience appreciates the work while exchanging or comparing the original and the adaptation. In the dual perception of having to perceive the original and the adaptation at the same time, Pansori’s popular music adaptation provieds novelty in familiarity as a recombinant tradition and reinterprets classics in a way that meets the expectations and needs of the modern public as a present-day past. In addition, listeners who do not have extensive knowledge of Pansori can enjoy interactive play and enjoy through the process of finding Pansori elements used in music. The tradition that the public takes over through the popular musical adaptation of Pansori may be an imaginary element that has been selected and recombined and created, that is, a recombined tradition from the current viewpoint. However, the positive side can be found in that today’s pop music audiences independently accept the contents of traditional Pansori and attract them into their lives and savor them. On the other hand, the adaptations that preserve Pansori have the potential to induce reactions and curiosity about Pansori and make it more prosperous. As such, the popular music adaptation of Pansori exhibits a multi-layered orientation and three-dimensionality as much as the adaptation of video content or narrative that has been widely dealt with in academia. Considering that popular music has a strong influence on people living in modern society, it is necessary to continue to pay attention to the popular music adaptation of Pansori and analyze it from a delicate perspective.

본 연구는 부산의 B대학교에 재학 중인 학문 목적 한국어 학습자를 대상으로 <케이팝 데몬 헌터스>를 CLIL에 적용한 한국문화 교수·학습 방안의 구체적인 방향을 제시하였다. 나아가 CLIL을 적용한 한국문화 교수법이 학문 목적 학습자들의 문화간 감수성에 변화를 나타내는지 밝히고자 하였다. CLIL의 핵심 원리인 4Cs를 바탕으로 ‘내용, 의사소통, 인지, 문화’별 교수·학습 요소를 도출하였으며, 이를 ‘시청-이해-확장’의 단계로 수업을 진행한 구체적인 방안을 제시하였다. 또한 수업의 전후로 Chen & Starosta(2000)의 문화간 감수성(Intercultural Sensitivity)을 측정한 결과, 사전 사후 평균 값은 사전 점수에 비해 전반적으로 상승하였으며, ‘상호작용 즐거움’에서 유의미한 통계적 변화를 확인할 수 있었다. 이를 통해 CLIL 기반의 매체 활용 수업은 한국문화에 대한 지식 습득뿐만 아니라 한국문화에 대한 긍정적인 정서를 경험하는 데에도 도움이 된다는 것을 알 수 있다.

"Lee, Seonbin. 2026. 3. 31. A Study on CLIL-Based Korean Culture Education and Its Effects on Intercultural Sensitivity - Focusing on <K-Pop Demon Hunters>. Bilingual Research 103, 281-306. This study presents a specific framework for Korean culture teaching and learning by applying “K-Pop Demon Hunters” to Content and Language Integrated Learning (CLIL), targeting Korean for Academic Purposes (KAP) learners at B University in Busan. Furthermore, it aimed to investigate whether this CLIL-based pedagogical approach leads to meaningful changes in the intercultural sensitivity of academic learners. Based on the 4Cs (Content, Communication, Cognition, and Culture)?the core principles of CLIL?the study derived specific teaching and learning elements and proposed a concrete instructional plan structured into three stages: “Viewing, Understanding, and Expansion.” To evaluate the effectiveness of this approach, the Intercultural Sensitivity scale by Chen & Starosta(2000) was administered before and after the lessons. The results showed an overall increase in the post-test mean scores compared to the pre-test, with a statistically significant change specifically observed in the “Interaction Enjoyment” factor(p<.05). These findings suggest that media-integrated CLIL instruction is effective not only in acquiring knowledge of Korean culture but also in fostering positive emotional experiences toward it. (Gyeongsang National University) "

2021년- 2022년은 ‘한중 문화교류의 해’이며 2022년은 한중 수교 30년이 되는시점이다. 전 세계에서 한국 문화콘텐츠의 영향력이 지속적으로 증가하고 있는 가운데, 아이러니하게도 한류의 발상지라 할 수 있는 중국에서의 한류는 예전과 같은인기를 누리지 못하고 있는 상황이다. 또는 한류에 대한 경계로 인해 중국 당국의규제, 반한감정, 그리고 한류 팬들에 대한 부정적 인식 등 다양한 방면에 걸쳐 어려운 과제를 직면하고 있는 실정이다. 한‧ 중 간의 대립과 반목의 정서가 일상생활에 자리잡게 되면서 중국 내 반한정서와 한류에 대한 혐오가 증가하고 있는 것이다. 동북아의 이웃 국가이자 양국 간 긴밀한 정치적‧ 경제적 교류관계를 넘어 우호관계를 형성하려면 우선 서로간의 문화를 이해하고 문화산업 부문의 경쟁자이자 동반자로서 문화 마찰을 제대로 인지해야한다. 그리고 상호 간의 교류와 협력을 강화하기 위한 노력이 필요하며 상대방에 대한 올바른 이해를 위해서는 꾸준한 연구와 분석 그리고 실천을 통해 풀어가야 된다. 본 글은 한중 양국 간의 원숙한 문화교류를 도모하고 더 나아가 앞으로 발전 방향을 제시하기 위해 한류의 대표적인 콘텐츠인 방송프로그램, K팝, 예능 콘텐츠를 중심으로 중국 내 수용 양상 및 특징을 분석한 뒤 그 과정에서 낳게 된 문제점을 확인하고, 이러한 과제를 안고 있는 한류 현 상황을 객관적으로 인지한 가운데 해결방안을 모색했다.

2021-2022 is the year of cultural exchange between Korea and China,and 2022 marks the 30th anniversary of the establishment of diplomatic tiesbetween Korea and China. While the influence of Korean cultural contentsis continuously increasing around the world, ironically, the Hallyu in China,the birthplace of the Hallyu, is not enjoying the same popularity as it used tobe. they are facing difficult tasks in various areas, such as Chinese authorities'regulations, anti-Korean sentiment, and negative perceptions of Hallyu fans. As the sentiment of confrontation and antagonism between Korea andChina has taken root in daily life, anti-Korean sentiment and hatred of theHallyu are increasing in China. To form friendly relations beyond closepolitical and economic exchanges between the two countries as neighbors inNortheast Asia, first, we must understand each other’s cultures and as acompetitor and partner in the cultural industry, we need to be aware ofcultural friction. In addition, it is necessary to make efforts to strengthenmutual exchange and international cooperation, to understand the otherparty properly, it must be solved through continuous research and practice. In order to promote a mature cultural exchange between Korea and Chinaand furthermore suggest future development directions, this article analyzes the Hallyu’s patterns and characteristics of acceptance in China focusing onbroadcasting programs, K-pop, and entertainment contents, and identifiedthe problems that Hallyu had to faced to, and then looked for the solution.

코로나19의 장기화로 새로운 경험을 즐기려는 MZ 세대의 영향력 확장과 함께 메타버스는 이제 디지털 뉴딜의 핵심 키워드 중 하나로 꼽힐 만큼 국가 정책 에서부터 마케팅 및 교육 영역에 이르기까지 단기간 내 국내 주요 트렌드 화두의 중심으로 자리 잡고 있 다. 메타버스 플랫폼을 통해 아티스트가 활동하는 등 엔터테인먼트 산업에서도 메타버스는 예외 없이 그 활용도가 높아지고 있다. 그간 메타버스에 대한 논의가 주로 기술이나 기술 적인 대상을 중심으로 이루어졌다면, 본 연구는 최초 로 가상과 현실 세계가 통합되어 연결되어 있는 아 이돌 그룹인 에스파 사례를 통해 수용자들은 메타버 스를 어떻게 이해하고 있는지 알아보고자 하였다. 메 타버스에 대한 인식 및 수용 방식을 탐색하기 위해 온라인 커뮤니티 사이트인 디시인사이드 내 에스파 갤러리에서 에스파 AI 멤버에 대한 반응을 살펴보았 고, 인터넷 민속지학 방법을 활용하여 자료를 수집하 고 분석하였다. 분석 결과 가상멤버를 바라보는 관점을 크게 세 유형으로 구분하였으며, 이는 첫째, 현실 세계와 가 상 세계를 동일시해서 수용하는 유형, 둘째, 현실 세 계와 가상 세계를 별도로 인식해 가상멤버를 멤버가 아닌 아바타 혹은 콘셉트로 인식하는 유형, 세 번째 는 가상 멤버나 가상 세계를 현실과 분리시켜 인식 하는 유형으로 나타났다. 마지막으로 엔터테인먼트 산업에서 메타버스 콘텐츠를 활용함에 있어 이질감 없는 기술적 구현, 현실과 가상을 이어주는 연결성 강화, 디지털 콘텐츠로서의 법적 보호 등에 대한 고 려가 필요함을 논의하였다.

With the prolonged COVID-19 pandemic situation, the attention on Metaverse has been soared throughout media and publications. Recently the entertainment industry is also changing to actively utilize the virtual world with artists working through Metaverse platforms. With the recent high interests on Metaverse, this study attempts to illuminate how the public perceives and accepts Metaverse experiences. While research on Metaverse has been mainly focused on specific technologies or technical objects, this study focuses on exploring how fans recognize and understand the concept of Metaverse through newly debuted idol group ‘aespa’, composing of 4 human members and 4 AI avatar members that integrate real and virtual world. For this, this study seeks to analyze the reaction and recognition of fans by exploring online community ‘DC Inside’. As a result of analyzing the reactions of fans in the early days of aespa's debut, the perspectives of understanding AI members of aespa are categorized into three groups: first, the type of equating and accepting the real and the virtual world; second, the type of recognizing the real world and the virtual world separately and recognizing the virtual member as an avatar or concept, not a genuine member; and finally, a type of recognizing virtual worlds separately from reality. Based on these results, the implications that Metaverse contents may have in the entertainment industry are suggested.

이 연구는 ‘몸’이 한국문학의 세계화 전략에 있어서 핵심적인 ‘문학미디어’가되리라는 전망에 기초하고 있다. 오늘날의 신속하고 원활한 동영상 미디어-테크놀로지는 몸의 즉시적이고 직접적인 표현과 소통을 가능케 하는 까닭이다. 이를위해 이 연구는 현대판소리, 한국창작발레, 케이팝을 대비하면서 한국문학의 세계화 전략을 모색하고자 하였다. ‘몸’의 표현은 ‘소리’와 ‘동작’으로 대별되며, 양자는 ‘리듬’의 지배를 받는다. 특히 예술문화 현장에서 활동하는 판소리 명창과케이팝 전문가와의 대담은 언어가 어떤 집단이나 사회의 특성이 온축돼있는 리듬의 결정적 요소가 됨을 일러주었다. 따라서 ‘몸’을 통한 한국문학의 세계화 전략의 모색에서 리듬의 결정적 요소로서의 언어는 다름 아닌 ‘현대한국어’가 된다. 결국 이 연구는 몸-리듬-현대한국어를 한국문학의 세계화 전략을 강구하는 문학미디어로 도입하여 논의한 것으로서 적합하다고 판단되는 방향과 방법을 제시하였다. 그리고 이 모든 연구와 전략은 학교교육을 포함한 교육과 교양에 우선 적용됨으로써 한국 문학 및 예술⋅문화의 현재화와 세계화를 견인하고 지속하는‘재매개 생태계’가 구축될 필요가 있음을 설파하였다.

This study is based on the premise that “body” will become a key literature-media in the globalization strategy for Korean literature. The current fast and seamless video media-technology enables immediate and direct expression and communication of the body. Toward this end, the study aims to find a globalization strategy for Korean literature in preparation for contemporary Pansori, Korean creative ballet, and K-POP. The expression of the body is divided into “sound” and “motion”, and both are controlled by “rhythm”. In particular, the dialogue between Pansori and K-POP experts in the field of arts and culture has revealed that language becomes a decisive element of rhythm reflecting the characteristics of particular groups and societies. Therefore, in the search for a globalization strategy for Korean literature through the body, the language as a crucial element of rhythm becomes “contemporary Korean language”. Finally, this study introduces the body-rhythm-contemporary Korean language as a literature-media for the strategy for the globalization of Korean literature, and presents a suitable direction and guidelines for it. The studies and strategies herein are applied to education and culture, including school education, so that it is necessary to establish a “Remediation ecosystem” that will lead and sustain present Korean literature, arts, and culture, as well as their globalization.

본 논문은 글로벌 팬덤과 문화산업의 핵심 주체 그리고 대중문화의 아이콘으로 자리잡게 된 아이돌 걸그룹이, 여전히 획일화된 젠더 이미지로 미디어에서 재현되는 이미지 생산방식과 그 구조적 원인을 분석하고자 했다. 이를 위해 논문에서는 한류문화 생산 시스템과 한류아이돌 가수의 육성방식이 결합되면서 나타나는 미디어 속 젠더 이미지의 함의를 이론적으로 정리함으로써 몸 이미지를 상품으로 구성하는데 열광하는 팬덤 형성의 중요한 매개가 ‘시선’임을 비판적으로 검토한다. 또한 한류문화가 초국적 문화교류과정에서 형성되는 문화적 구성물이라기보다 뮤직비디오에서는 성애적 모습으로, 무대 밖에서는 ‘소녀’의 모습으로 이미지화되면서 사회속에서 실재하는 여성들과 남성들의 욕망을 위해 구성된 이미지로 소비되고 있음을 알 수 있었다. 본 논문의 향후 과제로는 아이돌 걸그룹의 이미지가 어떻게 이중적으로 재현되고 있는지 구체적인 내용분석을 통해 걸그룹의 미디어 이미지 구축방법을 실증적으로 분석하고자 한다. 본 연구가 한류문화의 민족주의적 담론을 넘어서 문화연구와 젠더 담론 분석의 중요한 이론적 근거로서 역할을 하기를 기대한다.

This paper inquires into the implications of the music video image of the Idol girl group, as a phenomenon likes at the popularity of the Korean Wave. This paper examines the reason why consumer and fandom like girl group’s standardized image in the media and how girl group image is produced and reproduced by entertainment company and male gaze. This paper argues that the reason why girl group of media images are related to profit structure of the Korean Wave and the recent rise of k-pop fandom, such as the symbolic family. In the end this paper investigates to tend to sustain and reinforce the gender stereotype in the media image about girl group.

본 연구는 한류(K-Culture)를 활용한 백화점 팝업스토어를 몰입이론(flow theory)의 관점에서 분석하여, 소비자 경험을 기반으로 한 차별화된 유통 전략을 도출하는 데 목적이 있다. 최근 백화점 산업은 단순한 상품 판매 공간을 넘어, 문화와 체험을 결합한복합 유통 플랫폼으로 진화하고 있다. 특히 K-콘텐츠를 테마로 한 팝업스토어는 한류 팬과 일반 소비자 모두에게 높은 방문 동기를 제공하며, 브랜드 충성도와 구매전환율을 동시에 제고시키는 새로운 형태의 물류⋅유통 전략으로 주목받고 있다. 연구는 몰입이론의 여섯 가지 구성요소(목표성, 수행성, 자기보상, 방문구조, 참여성, 집단성)를 분석틀로 설정하고, 롯데백화점의 ｢SPACE OF BTS｣, 신세계백화점의 ｢오징어게임｣, 더현대서울의 ｢눈물의 여왕｣ 등 세 사례를 중심으로 비교⋅분석하였다. 각 사례의 콘텐츠 몰입 수준과 공간 구성 방식, 소비자 체류 동선 및 물류 운영 효율성을 종합적으로 검토하였다. 사례 분석 결과, K-Culture 기반 팝업스토어는 단순한 이벤트형 판매가 아닌 ‘경험 중심형 유통’으로 발전하고 있음을 확인하였다. 또한 물류와 마케팅, 공간의 차별화 전략이 통합적으로 작동할 때 소비자 몰입도가 극대화되고 브랜드 경험의 지속성이 강화된다는 점을 도출하였다. 본 연구는문화콘텐츠와 유통물류를 융합한 실증적 접근을 통해 한류 기반 팝업스토어의 전략적 가치와 운영 모델을 체계적으로 제시했다는점에서 학문적⋅실무적 의의를 가진다.

This study aims to derive differentiated distribution strategies grounded in consumer experience by analyzing department store pop-up stores utilizing K-Culture (Korean Wave) through the lens of flow theory. In recent years, the department store industry has evolved beyond a mere retail space for product sales into a complex distribution platform that integrates culture and experiential consumption. In particular, pop-up stores themed around K-content have emerged as a novel form of logistics and distribution strategy, offering strong visit motivation for both K-culture fans and general consumers while simultaneously enhancing brand loyalty and purchase conversion rates. This study adopts the six core components of flow theory?goal orientation, performance, self-reward, visit structure, participation, and collectiveness?as its analytical framework. A comparative case analysis is conducted focusing on three representative examples: SPACE OF BTS at Lotte Department Store, Squid Game at Shinsegae Department Store, and Queen of Tears at The Hyundai Seoul. The analysis comprehensively examines the level of content-driven immersion, spatial design strategies, consumer circulation paths, and the efficiency of logistics operations across these cases. The findings reveal that K-culture-based pop-up stores are evolving from short-term promotional events into experience-centered distribution models. Moreover, the study demonstrates that consumer immersion is maximized and the sustainability of brand experience is strengthened when logistics, marketing, and spatial differentiation strategies operate in an integrated manner. By adopting an empirical approach that bridges cultural content with distribution and logistics, this study provides systematic insights into the strategic value and operational models of K-culture-driven pop-up stores, offering meaningful academic and practical implications.

본 연구는 한계적인 상황 속에서도 시장 잠재력에 대한 인식과 혁신적인 제품개발을 통해 표적고객에게 새로운 가치를 제공하고 신시장을 창출할 수 있는 전략을 분석하고자 하였다. 이를 위해 ㈜다니엘컴퍼니의 17곡 미미뻥 개발 사례를 분석하여 다음의 전략적 성공 요인을 도출했다. 첫째, 시장잠재력에 대한 안목으로 고객욕구를 충족하여 기존 제품과의 차별화로 접근한 신제품 개발활동은 신시장을 열고 신고객을 창출하는 성과를 도출했다. 오랜 국민간식으로서 건강한 먹거리에 대한 요구를 포착하고 이를 충족시켜 K-food로서 국내 시장을 넘어 세계시장까지 확대할 수 있을 것으로 기대했다. 이를 위해 주력 고객층을 키즈와 여성으로 재정의하고, 표적고객을 충족하는 수준의 제품을 개발했다. 둘째, 신소재와 신기술을 활용한 혁신으로 기술적 한계를 극복하고 새로운 제조 기술과 기기를 개발했다. 최적의 수분 값과 배합비율을 도출하는 한편, 신몰딩 기반 제조기술을 개발하여 국내외 최초 17곡 미미뻥을 탄생시켰고 첨가물 없이도 곡물 풍미의 맛과 식감을 구현해냈다. 혁신기술은 강력한 진입장벽을 만들고 안정적인 시장 확대를 주도하도록 만들었다. 셋째, 시장 기반 역량이 시장과 고객에 대한 정의, 신기술 적용, 디자인 개발 등 모든 일련의 과정에서 유기적으로 융합되면서 성과를 발휘했다. 신제품 개발과정에서 시장기반 역량이 고도화, 통합화되면서 초기 시장선점 및 지속가능한 경쟁우위를 확보하게 되었다. 본 사례는 스타트업들이 직면한 소규모 사업의 한계상황이 오히려 새로운 시장 창출의 기회요인이며 시장기반 역량이 고도화될수록 혁신적인 신제품기업 성과를 창출할 수 있다는 점을 시사한다.

The purpose of this study is to present a strategy to provide new value to target customers and create new markets through awareness of market potential and innovative product development. The following strategic success factors were derived by analyzing the case of 17 Mimi rice pop development of Daniel Company. First, new product development activities that were approached by differentiating from existing products by satisfying customer needs with an eye on market potential resulted in opening new markets and creating new customers. Second, constant efforts using new materials and new technologies can overcome technical limitations and lead to innovation in manufacturing technology. Third, market-oriented capabilities were organically integrated in all series of processes, including definition of markets and customers, application of new technologies, and design development, resulting in performances. As market-oriented capabilities were advanced and integrated in the process of developing new products, initial market dominance and sustainable competitive advantage were secured. This case suggests that the limitations of small markets faced by startups are rather an opportunity factor for creating new markets, and that the more advanced market-oriented capabilities, the more innovative new product development and corporate performance can be created.