Earticle

본 연구는 문화적 근접성 인식과 케이팝 이미지, 그리고 한국 국가 이미지 간의 관련성을 분석하고자 하였으며, 아시아권과 서구권 수용자 차이를 실증연구를 통해서 검증하였다. 아시아권 수용자와 서구권 수용자를 대상으로 조사한 결과, 아시아권과 서구권 수용자의 문화적 근접성 인식 요소는 차이점보다 공통점이 더 많이 발견되어 케이팝의 혼종성과 보편성을 확인하였다. 또한 케이팝에 대한 문화적 근접성 인식이 케이팝 이미지에 긍정적으로 영향을 미친다는 사실을 밝혀내었으며, 케이팝 이미지가 한국 국가 이미지에 긍정적 영향을 미치는 것으로 나타났다. 그리고 케이팝 문화적 근접성과 한국 국가 이미지의 관계에서 케이팝 이미지가 완전 매개효과의 역할을 하고 있다는 것이 검증되었다.

The purpose of this study is to find Korean popular music(K-Pop)’s cultural proximity factors and how the factors influence oversea audience’s evaluation of K-Pop’s image and South Korea’s national image. Based on the survey, the factors of K-Pop’s cultural proximity between Asian and Western audience came out differently. The results showed that K-Pop’s cultural proximity factors had significant effect on evaluation of K-Pop’s image both in Asian and Western audience. Also, evaluation of K-Pop’s image had significant effect on evaluation of South Korea’s national image both in Asian and Western audience. The mediation effect of K-Pop’s image between K-Pop’s cultural proximity and South Korea’s national image was to be investigated. This study found that K-Pop’s cultural proximity was a important variable affects evaluation of K-Pop’s image and also proved that K-Pop’s image had a significant effect on evaluation of South Korea’s national image.

이 연구는 2025년 6월 넷플릭스를 통해 공개된 케이팝 데몬 헌터스(이하 케데헌) 현상이 촉발한 K-컬처의 전지구적 확장, K-헤리티지의 실천적 전환, ‘한국성’의 복수성(複數成)을 탐구한다. 케데헌은 K-팝 서사를 중심으로 음식, 패션, 현대적 생활양식 등의 K-컬처 요소와 함께 무속, 한복, 고궁, 한옥 등 K-헤리티지를 결합해, 이를 글로벌 보편의 감각으로 재구성한다. 그 결과 케데헌은 K-컬처의 성공 서사를새롭게 구축하며, 한류의 중요한 변곡점으로 자리하고 있다. 특히 한국에서 제작되지 않았음에도 불구하고 K-컬처와 K-헤리티지를 정교하게 구현함으로써 한류파생 문화생산물로 여겨지고 기표 K-와 연동된 ‘한국성’의 재정의와 재논의를 요청한다. 케데헌의 성공은 국가 주도의 문화기획이나 정책 의지보다는, 디아스포라 제작진, 글로벌 플랫폼, 한류 팸덤과 시청자들의 수용 및 실천이 얽혀 형성한 “한류어셈블리지”의 결과로 이해된다. 이는 “다양한 이종(異種)적 행위자들과의 관계속에서 형성된 리좀적 과정”(이기웅 2022, 96)을 보여준다. 특히 이 연구가 주목하는 K-헤리티지는 그동안 국가 주도 한류 진흥 정책 속에서 신한류의 미래로 설정되어 왔으나, 케데헌을 계기로 K-컬처의 일부로 본격적으로 가시화되었다. 동시에 한국인의 일상에서 주변화되었던 헤리티지를 주목하게 하는 등, 헤리티지의 재배치와 실천의 전환을 보여준다. 무엇보다 케데헌은 K-컬처, 더 나아가 K-헤리티지를 정의하는 주체가 더 이상 한국 내부에 한정되지 않음을 환기시킨다. K-헤리티지의 한류 실천 속으로 틈입함으로써, K-의 ‘한국성’은 일시적으로 강화된 것처럼 보이지만, 이 때의 한국성은 “이종의 행위자들”의 실천에 따라 다양하게 변주되는 복수성을 띄게 된다. 이러한 맥락에서 한국 내부의 본질주의적 정의보다 오히려 케데헌과 같은 글로벌 한류 파생물이 표상하는 ‘한국성’이 전지구적으로 수용될 가능성은 더욱 농후해졌다.

This study explores the global expansion of K-Culture, the practical transformation of K-Heritage, and the plurality of “Korean-ness” as catalyzed by the 2025 Netflix release K-Pop Demon Hunters (hereafter KDH). The film integrates elements of K-Culture-such as K-pop narratives, food, fashion, and contemporary lifestyles-with components of K-Heritage, including shamanism, hanbok, royal palaces, and hanok architecture, reconfiguring them through the sensibility of global universality. In doing so, KDH reconstructs the success narrative of K-Culture and marks a significant turning point in the history of the Korean Wave (Hallyu). Although not produced in Korea, KDH meticulously embodies K-Culture and K-Heritage, positioning itself as a derivative Hallyu cultural product and inviting renewed debates on the redefinition of “Korean-ness” associated with the semiotic prefix K-. The success of KDH is better understood not as a result of state-led cultural planning or policy intention, but as an outcome of the “Hallyu assemblage” formed through the interactions among diaspora creators, global streaming platforms, and the practices and receptions of transnational Hallyu fandoms and audiences. This assemblage exemplifies a “rhizomatic process shaped through relations among heterogeneous actors” (Lee, 2022, p.96). Particularly, the study highlights how K-Heritage, once confined within state-driven cultural policy frameworks as a future axis of the so-called “New Hallyu,” becomes newly visible as an integral part of K-Culture through KDH. It also reveals how heritage, previously marginalized in everyday Korean life, is being reactivated and repositioned as a site of lived cultural practice. Ultimately, KDH reminds us that the defining agency of K-Culture-and by extension K-Heritage-is no longer limited to Korea itself. The infiltration of K-Heritage into the practices of the Hallyu field may appear to reinforce the cultural authenticity of K- and “Korean-ness,” yet the forms of Korean identity manifested in this process are multiple and fluid, shaped by heterogeneous agents across transnational contexts. Consequently, rather than being defined through essentialist notions within Korea, the representations of “Korean-ness” embodied by global Hallyu derivatives such as KDH are increasingly embraced as part of a globally shared cultural imaginary.

이 연구는 독일에서 한류 문화콘텐츠, 특히 케이팝과 한국 영화 및 드라마의 수용현황 및 발전 가능성을 분석한다. 한류는 1990년대 후반 중국에서 시작된 케이팝과드라마의 인기에 힘입어 생겨났으며 이후 영화, 뷰티, 게임, 음식 등 다양한 분야에서수출 상품으로서 전 세계로 확산하였고 독일에서도 점차 주요 문화로 자리 잡아가고있다. 독일 내 케이팝의 대중적 인지도는 2012년 싸이의 ‘강남스타일’이 계기가 되었고, BTS의 성공 이후 케이팝의 영향력은 주류 음악계로 확장되었다. 이에 따라 한국의 아이돌 시스템과 상업성에 대한 비판적인 시선을 보이던 독일 언론 역시 점차 케이팝의 문화적 가치를 인정하는 방향으로 변화하고 있다. 한국 영화는 박찬욱, 봉준호 감독을 중심으로 독일 영화제와 언론에서 높은 평가를 받고 있으며, 특히 한국 사회의 문제를 예술적으로 묘사하고 있는 <기생충>이 2019년 칸영화제 황금종려상을받으며 독일 사회에 큰 반향을 일으켰다. 또한 넷플릭스 드라마 <오징어 게임>의 성공은 독일 내 한국 드라마에 관한 관심을 증대시켰다. 그러나 독일에서 한류의 영향력은 아시아·대양주와 최근 급격히 성장하고 있는 미주지역에 비해 여전히 분명한 차이를 드러낸다. 독일 및 유럽에서 한류가 단순한 소비 상품이 아닌 지속 가능한 콘텐츠로 발전하기 위해서는 지역 맞춤형 전략 및 인간 삼을 반영하는 문화적 가치를 지닌 존재로 자리매김해야 할 것이다

Diese Studie untersucht die Aufnahme und Entwicklungsmoglichkeiten koreanischer Kulturinhalte (Hallyu) in Deutschland, insbesondere von K-Pop, K-Film und K-Drama. Hallyu entstand Ende der 1990er Jahre mit der Popularitat von K-Pop und K-Drama in China und erweiterte sich weltweit auf K-Film, K-Beauty, K-Games und K-Food. In Deutschland wurde K-Pop erstmals 2012 mit “Gangnam Style” von Psy wahrgenommen. Mit BTS ist K-Pop im Mainstream angekommen, und auch die bisher kritischen deutschen Medien erkennen zunehmend seine kulturelle Bedeutung. K-Filme, besonders die Werke von Park Chan-wook und Bong Joon-ho, wurden auf deutschen Filmfestivals und in den Medien hoch geschatzt. Der Film “Parasite”, Gewinner der Goldenen Palme 2019, hat durch seine kunstlerische Darstellung das deutsche Publikum fur die sozialen Probleme Koreas sensibilisiert. Die Netflix-Serie “Squid Game” steigerte das Interesse an K-Dramen. Dennoch bleibt der Einfluss von Hallyu in Deutschland im Vergleich zu Asien und Amerika gering. Um Hallyu als nachhaltige Kultur in Europa zu etablieren, bedarf es regionalspezifischer Strategien und der Betonung kultureller Werte

이 연구는 인도네시아 무슬림 젊은이들 사이에 일종의 서브컬쳐로 자리잡은 ‘케이팝 댄스 커버’ 문화와 이와 반대의 지점에서 반한류 정서로 시작된 ‘히즈라 케이팝’ 캠페인을 통해 살펴보는 무슬림 젊은이들의 종교적 정체성에 대한 인식과 변화를 ‘세계성’과 ‘지역성’이라는 측면에서, 그리고 이에 관여하는 ‘종교성’을 심층적으로 이해하고자 하는 시도이다. 케이팝 댄스 커버에 참여하는 무슬림 여성들은 자신들의 ‘활동’을 종교성과 연관짓기를 거부하며, 오히려 세속화가 아닌 ‘자아실현’과 ‘더 나은 가치’에 대한 욕구이며 그 ‘세계성’에 참여하는 통로로 케이팝을 선택한 것이다. 반면 Ex-kpoper들이 주도하는 히즈라 케이팝 캠페인은 이런 문화 전이 현상을 경험하며 문화를 이슬람적인 것과 비이슬람적인 것으로 구분하고 이에 다시 ‘종교성’을 선택하는 경향을 보인다. 세계화 속에서 다양한 문화 전이를 경험하는 무슬림 여성들의 이런 반대적 현상은 인도네시아 이슬람 사회의 복합적이며 다원적 양상을 반영하며 이런 내부적 인식의 ‘차이’와 ‘변화’는 향후 종교와 문화의 관계에 있어 종교의 두드러졌던 권한과 역할이 세계화, 근대화 속에 더욱 다극화, 분화, 개인화 되어 갈 것을 예시한다.

This study is an in-depth attempt to understand the perception and change of Muslim youth’s religious identity which is involved in the phenomena of the ‘K-pop Dance Cover’, which has become a kind of subculture among Indonesian Muslim youth, and the ‘Hijrah K-pop’ campaign that started with anti-Korean Wave sentiment at the opposite point, considering both in the line of ‘globality’ and ‘locality’. Muslim women who participate in K-pop dance covers refuse to associate their ‘activities’ with ‘religiosity’, and rather that is a choice and desire for ‘self-actualization’ and ‘better values’ to participate in ‘globality’, not ‘secularization’. On the other hand, the ‘Hijra K-pop’ campaign, led by Ex-Kpopers who experienced this cultural assimilation, is the result of choosing ‘religiousness’ again by ‘self-awareness’ on culture ? that is ‘Islamic’ and ‘non-Islamic’. This opposite phenomenon of Muslim women who are experiencing various cultural acculturation amid globalization reflects the complex and pluralistic aspects of Indonesian Muslim society, and this ‘difference’ and ‘change’ of perception among them exemplifies that the prominent authority and role of Islam will become more multi-polarized, differentiated, and personalized in the process of globalization and modernization.

본고는 필자가 담당했던 이바라키대학교의 조선어I 수업과제 <K-POP을 듣고 감상을 적어보자>의 결과를 토대로 케이팝의 메시지를 통한 일본대학생의 자기인식 변화에 관해 고찰한 것이다. 그 결과 학생들은 케이팝이 발신하는 메시지에서 일본인의 감각·사고와는 다른 것으로 ‘나다움’ ‘자기애’ ‘자기긍정’ ‘자존감’과 같은 개인의 존재가치를 강조하는 메시지에 주목하였다. 그리고 BTS와 ITZY의 음악을 고른 학생들은 감상문에서 케이팝의 메시지를 통해 부정적이었던 자기인식이 긍정적으로 바뀌었다고 밝혔다. 한편 이러한 감상들에서 공통적으로 보인 학생들의 부정적 자기인식이나 자기애와 자기긍정감, 자신감의 결여의 배경에는 일본의 청소년들의 자기긍정감이 매우 낮고 남에게 폐를 끼치면 안된다는 의식이 강하게 지배하는 일본 사회의 현실적인 상황이 있음을 알 수 있었다. 그리고 르세라핌의 미야와키처럼 자학적 자기인식에 빠져있던 일본인 아이돌이 케이팝(아이돌)의 생존전략인 나르시시즘에 가까운 자기애와 자기긍정을 통해 스스로를 사랑하고 자신에게 만족할 수 있는 자기인식으로 변화된 사례를 확인할 수 있었다. 이것은 학생들의 자기인식 변화의 경험담과 매우 유사한 것으로 일본에서의 새로운 케이팝 수용양상을 설명하는 하나의 단서가 될 수 있다고 생각한다. 마지막으로 극히 제한된 사례들에 관한 검토임에도 불구하고 이러한 논의가 의미를 가질 수 있다면 그것은 케이팝을 포함해 네이션(Nation)을 넘어선 케이컬처(K-Culture)의 진정한 영향력이 비단 전파자인 한국을 향한 일본의 타자인식 뿐만이 아니라 수용자 자신의 자기인식의 변화를 일으키는 데에 있기 때문일 것이다.

This article examines the influence of K-POP on changes in self-perception among Japanese college students based on observations from a Korean I class assignment, <Write your reaction to a K-POP song>, instructed by the author at Ibaraki University. The students were largely impressed by the message that K-POP emphasizes individual values, such as “uniqueness,” “self-love,” “self-affirmation,” and “self-esteem,” which are different from the Japanese sentiment. In response to the music of BTS and ITZY, students stated that their negative self-perception changed to a positive one through K-POP’s message. The underlying factors behind the students’ general sense of negative self-perception and lack of self-love and self-confidence were their low self-esteem and being dominated by Japanese society, which emphasizes the avoidance of causing a nuisance. In addition, through the case of Miyawaki - a former Japanese pop singer and now a member of LE SSERFIM - who went through a transformation from deprecating self-perception to having self-love and self-affirmation through narcissistic self-affirmation, which is a survival tactic in K-POP (idol culture). This is very similar to the students’ experience of changing self-perception, and it may be one clue to explain the new pattern of K-POP’s impact. Finally, despite the study being limited to a small number of cases, the importance of the study expands to describe the true influence of K-Culture, including K-POP, that has surpassed the nation’s borders and changed perceptions towards Korea as a propagator, but also for the acceptors themselves on changes in their own self- perception.

[국문초록] 본 연구는 애니메이션 <케이팝 데몬 헌터스>를 존 어리(John Urry)의 모빌리티(Mobility) 이론을 분석 틀로 삼아 문화적 유동성과 그 의미를 고찰한다. 모빌리티는 움직임과 움직이지 않음을 모두 포함하여, 이 이동성에 사회적 의미를 부여하여 해석하는 것을 일컫는다. 모빌리티 패러다임은 기존의 정주주의적 관점에서 벗어나 이동·교통·통신이 사회 공간 및 관계를 조직하는 다차원적 방식에 주목하며, 주체와 기술의 공진화 및 이동의 정치학을 탐구하는 것이다. <케이팝 데몬 헌터스>는 작품 내·외부에 걸쳐 다층적인 모빌리티를 포함한다. 첫째, 작품 속 노래와 춤은 그 자체로 물리적 경계를 넘어 전 세계로 확산되는 ‘케이팝 모빌리티’를 생산하며, 이는 수용자들의 현실적 향유 과정과 결합하여 새로운 이동과 정동을 창출한다. 둘째, 작품 내 재현된 한국의 풍경은 외부인의 시선으로 탈맥락화되고 변형된 ‘트랜스(Trans)-K’의 경관을 보여준다. 이를 통해 일명 ‘K’, 한국적인 것과 한국성이 전통적인 정의와 범위를 넘어 확장하고 변화하는 가능성을 확인한다. 모빌리티적 관점에서 고정되고 본질적인 경계와 영역은 사라지고, 매 순간의 이동과 접촉을 통해 장소가 새롭게 의미화된다. 본 연구는 모빌리티 이론을 통해 중심과 주변, 안과 밖이라는 이분법적 위계를 해체하고, 외부자의 시선으로 재구성된 한국성의 가치를 재정의하였다. 이를 통해 케이팝을 중심 소재로 삼은 <케이팝 데몬 헌터스>의 고유성을 규명하고, 경계의 유동성과 확장의 상상력을 탐색했다.

This study analyzes the animated film <K-Pop Demon Hunters> using John Urry’s “Mobility” theory as a theoretical framework to examine its cultural fluidity and underlying meanings. The mobility paradigm shifts away from sedentary perspectives to focus on how various forms of movement, transport, and communication organize social spaces and relationships, highlighting the co-evolution of subjects and the politics of mobility. The findings reveal that <K-Pop Demon Hunters> embodies multi-layered mobilities both internally and externally. First, the songs and dances within the work constitute “K-pop mobility,” which transcends physical constraints to spread globally and creates new social contacts through audience engagement in reality. Second, the representation of Korea in the work reflects a “Trans-K” landscape?decontextualized and transformed through an “outsider’s gaze”?signifying a paradigm shift in perceiving space and place. By applying mobility theory, this research deconstructs the binary hierarchies of center/periphery and inside/outside, redefining the value of Korean identity as constructed by external perspectives. This study is significant in that it identifies the uniqueness of K-pop-themed content and explores the imagination of boundary fluidity and expansion in contemporary cultural media.

본고는 넷플릭스 애니메이션 〈케이팝 데몬 헌터스〉가 한국 전통 문화에 기반한 ‘노래’의 역사적 연속성과 케이팝으로 이어지는 노래의 수행성을 전면화하려는 창작 의도에서 제작되었다는 점에 주목해 본 것이다. 작품에 삽입된 노래는 단순한 배경음악이나 감정 표현 장치를 넘어, 서사의 국면과 인물의 상태를 실제로 변화시키는 수행적 행위로 작동하고 있음을 분석해 보았다. 특히 본 작품이 글로벌 시장을 겨냥하면서도 한국 노래 문화의 역사적 연속성을 의식적으로 호출하고 있다는 점을 전제로, 한국 무속 제의에서 불리는 무가(巫歌)가 굿의 맥락 속에서 수행해 온 핵심 기능을 비교 관점으로 참조하였다. 무가의 기능은 (1) 감정의 발화와 정서 조직, (2) 관계의 중재와 소통, (3) 서사 국면 전환과 제의적 효력 발생의 세 차원으로 정리될 수 있으며, 본고는 이를 현대 미디어 서사 분석을 위한 기능적 관점으로 제한적으로 활용하였다. 또한 수행성 개념을 오스틴의 언어행위론, 터너의 의례적 전환 구조, 셰크너의 퍼포먼스 이론의 계보 속에서 재정리함으로써, 노래가 ‘의미를 전달하는 표현’이 아니라 ‘상태를 변화시키는 행위’로 기능할 수 있는 이론적 토대를 마련하였다. 분석 결과 케데헌의 노래는 ‘무엇을 의미하는가’보다 ‘무엇을 하는가’의 차원에서 서사적 사건을 조직하는 것으로 확인되었다. 「Takedown」은 집단 정체성과 경계를 선언하면서 관계 위기를 가시화하고, 「Golden」은 정체성 갈등을 발화하는 동시에 집단적 떼창을 통해 개인의 감정을 공동체적 정서로 조직한다. 「Free」는 루미와 진우의 듀엣을 통해 상호 인식과 관계 전이를 드러내며, 「What It Sounds Like」는 합창이라는 수행을 통해 관계 재통합과 존재 상태의 전환을 완결한다. 이처럼 노래는 ‘누가/어디서/어떤 조건에서’ 수행되는가에 따라 효력이 달라지며, 그 성공과 긴장이 서사의 국면 전환을 매개한다는 점에서 제의적 수행과 기능적으로 공명함을 알 수 있었다. 본고는 이러한 공명을 특정 전통 형식의 단순 차용이나 재현으로 환원하지 않고, 한국 전통 공연문화와 무속 연희, 집단적 노래 관습 속에서 축적되어 온 노래의 수행 원리가 글로벌 K-콘텐츠의 서사 안에서 재구성되는 현상으로 해석해 보았다. 케데헌의 사례는 판소리·무가·대중가요 등으로 이어지는 한국 노래 문화의 역사적 흐름 속에서 ‘소리’가 공동체의 정서와 세계 질서를 조직해 온 힘이 오늘날 케이팝이라는 형식 안에서 변주되고 있음을 보여주는 사례로 볼 수 있는 것이다. 이러한 관점은 노래를 전통 형식의 재현 여부로 판단하기보다 노래가 서사 내부에서 무엇을 ‘하는가’라는 기능적 문제의식을 중심에 두고 현대 미디어 텍스트를 이해하려는 시도라 할 수 있다. 앞으로 케이팝 노래의 수행성이 한국 노래 문화의 역사적 연쇄와 흐름 속에서 보다 입체적으로 재조명되고 전통 ‘소리’의 수행 원리가 오늘날 글로벌 K-콘텐츠에서 어떻게 변형·확장되는지에 대한 논의가 더욱 활발히 이루어지기를 기대한다.

This article analyzes how the songs inserted in the Netflix animated film K-Pop Demon Hunters function as performative acts that actively organize narrative development and relational transformation, rather than serving merely as background music or emotional accompaniment. Drawing on the functional concepts of muga, ritual songs performed in Korean shamanic rites (gut), the study identifies three analytical dimensions of ritual song: (1) the articulation and organization of emotion, (2) the mediation and restructuring of relationships, and (3) the transition of narrative phases accompanied by ritual efficacy. Applying this framework, the analysis shows that each major song performs a distinct narrative function. “Takedown” establishes collective identity and boundary-making while its failure materializes relational rupture; “Golden” articulates the protagonist’s identity conflict and transforms individual anguish into collective affect through participatory concert performance; “Free,” performed as a duet between Rumi and Jinu, enacts relational transition and mutual recognition; and “What It Sounds Like” completes reconciliation and ontological transformation through the act of singing itself. Rather than reducing these parallels to direct borrowing, this study interprets them as structural resonance: performative principles rooted in Korean ritual practice re-emerge within the narrative structure of global K-content. In doing so, it proposes ritual song theory as a productive model for analyzing song in contemporary media narratives.

This study intends to advance from the concept that the effect of K-pop, a representative image of K-culture, on K-food sales among the Korean Wave brands and seek the correlation. The purpose of this study is to use the popularity of K-pop as a medium for the practical benefit of Korean Wave trade, away from the concept of linking it with consumption of K-content. As a research method, KBS Music Bank, a K-pop program of the same format, empirically compared and analyzed the consumption, export amount, and per capita consumption of ramen, a representative K-food of the month and month of performance, in 12 countries where it was performed overseas from 2011 to 2024. As a result, after holding overseas K-pop performances in 10 countries for 13 years, the growth rate of consumption per capita as well as exports and volume increased significantly in new K-pop enthusiasts such as Germany, France, and Spain in 2018, 2023, 2024. Therefore, this study suggests that it is necessary to revitalize digital promotion, K-food blogger operation, and food influencer as a side event of K-pop performances, along with the frequency and diversification of exposure and diversification of K-pop performances for global fans who use the Internet and SNS on a daily basis.

이 연구는 2000년대 이후 대중가요의 가사에 나타난 언어 오용 실태를 분석하고 대중가요 가사의 올바른 언어 사용 방안을 제언해 보는 데 목적이 있다. 2000년대 이후 세계 곳곳에서 한류 열풍이 불고 있다. 이러한 한류의 영향으로 한국어와 한국 문화에 대한 관심도 더불어 증가하고 있으며, 한국어와 한국문화를 배우기 위해 국내에 유입되는 외국인들도 꾸준히 증가하고 있다. 한국을 알리는 대중 문화 중 가요는 그 파급 효과가 크다고 하겠다. 한국이나 한국어를 잘 알지 못하는 외국인들도 K-POP을 통해 한국에 대한 관심을 갖게 되고, 이를 통해 한국어나 한국문화를 처음 접하는 경우도 많다. 따라서 대중가요 가사에서의 올바른 한국어 사용은 한국어에 대한 올바른 정보를 전달하는 한 방법이기도 하다. 그렇기 때문에 대중가요 가사의 언어 오용 사례를 분석하고 이러한 오용을 줄일 수 있는 방안에 대한 고민하는 것은 한국어의 올바른 사용과 보존, 보급을 위해 필요한 부분이라 할 수 있다.

The study aims to analyze the situation of misuse of the language in the lyrics of pop songs since the 2010s and suggest how to use the correct language for pop songs. Since the 2000s, the Korean Wave has been spreading around the world. Due to the influence of the Korean wave, interest in Korean language and culture is increasing as well, and the number of foreigners entering the country to learn Korean language and culture is steadily. Among pop culture that promotes Korea, pop music has a great ripple effect. Foreigners who do not know Korea or Korean well also get interested in Korea through K-pop, which is often the first time they have access to Korean language or culture. Therefore, using the correct Korean language in popular lyrics is also a way to convey the correct information about Korean language. That's why analyzing the cases of misuse of pop lyrics and thinking about ways to reduce these abuses are necessary for the correct use of the language

이 연구는 넷플릭스 애니메이션 ｢케이팝 데몬 헌터스｣를 한국계 캐나다인 감독의 디아스포라적 시선이 투영된 문화적 텍스트로 분석한다. 본 연구는 이 작품이 한국의 무속 신화와 케이팝 미학을 재구성하는 과정에서, 구체적인 역사･사회적 맥락을 의도적으로 탈각시키고 그 자리에 여성 서사, 자기 수용, 공동체적 연대와 같은 보편적 가치를 채워 넣는 문화 번역(cultural translation) 전략을 구사함을 주장한다. 이러한 전략은 디아스포라 문화 생산물의 고유한 특징인 ‘상처의 부재와 기호의 과잉’ 현상을 낳으며, 이는 단순한 역사적 소거가 아니라 글로벌 보편성을 획득하기 위해 고안된 새로운 전통의 발명이자 전략적 선택으로 해석된다. 이를 규명하기 위해, 본 연구는 텍스트의 서사 및 기호학적 분석과 함께, BERT 기반의 텍스트 마이닝과 디지털 민족지학을 포함하는 디지털인문학(Digital Humanities) 방법론을 결합한 혼합 연구를 수행한다. 데이터 분석 결과, 글로벌 팬덤은 작품 속 한국어 기호를 단순 수용하는 것을 넘어 놀이와 연대의 도구로 능동적으로 전유하며, 언어의 장벽을 넘어 정동적 유대감을 형성하는 새로운 문화 실천을 수행하고 있음이 확인되었다. 궁극적으로 이 연구는 디아스포라의 상상력이 K-콘텐츠의 외연을 확장하는 방식과 그 문화적 함의를 밝힌다.

This study analyzes the Netflix animated film K-Pop Demon Huntersas a cultural text reflecting the diasporic perspective of its Korean-Canadian director, Maggie Kang. This study argues that the film employs a ‘cultural translation’ strategy in its reconstruction of Korean shamanistic myths and K-pop aesthetics, intentionally decontextualizing specific historical and social contexts and replacing them with universal values such as a female-centric narrative, self-acceptance, and communal solidarity. The resulting phenomenon of an ‘absence of wounds and an excess of symbols,’ a unique characteristic of diasporic cultural production, is interpreted as a deliberate choice for the globalization of K-content. To investigate this, the study conducts a mixed-methods researchthat combines a narrative and semiotic analysis of the text with Digital Humanities methodologies, including BERT-based text mining and netnography. By analyzing the reception of global fandom through big data, this study ultimately aims to illuminate the ways in which the diasporic imagination expands the horizons of K-content and its cultural implications.

본 연구는 1990년대 중후반 이후 한국 영화 산업의 주요 담론이자 용어였던 ‘한국형’이라는 수식어의 의미 변화를 추적하고, 이를 통해 트랜스내셔널 시네마로서 ‘K-Cinema’의 현재를 규명하는 것을 목적으로 한다. 과거 ‘한국형 블록버스터’ 담론에서의 ‘한국형’이 할리우드라는 절대적 타자에 대항하기 위한 방어적 기제이자 현지화 전략이었다면, 디지털 플랫폼 시대의 K-시네마는 글로벌 문화산업의 주류 장르이자 브랜드로 그 의미가 확장되었다. 이 연구는 이러한 변화를 구체적으로 입증하기 위해 애니메이션 <케이팝 데몬 헌터스>를 중점적으로 분석한다. 할리우드 메이저 스튜디오가 기획 단계에서부터 K-팝을 핵심 소재로 채택한 이 작품은, 제작 시스템 차원에서 한국 문화가 피식민지적 모방을 넘어 주류 시스템에 의해 적극적으로 전유되고 있음을 보여준다. 또한 텍스트 내적으로는 K-팝의 수행적 미학이 할리우드 액션 장르 문법과 결합하며 독창적인 혼종성을 창출하고 있다. 이론적으로 이 작품은 에드워드 사이드의 오리엔탈리즘 위계를 전복시키고, 호미 바바가 제시한 ‘제3의 공간’을 주체적으로 형성하는 텍스트로 해석된다. 여기서 한국 문화는 단순한 이국적 볼거리가 아니라, 서사 세계를 지탱하는 핵심으로 작동한다. 본 연구는 K-시네마가 더 이상 물리적 국경에 국한된 내셔널 시네마가 아니라, 글로벌 자본과 인력이 한국적 코드를 매개로 결합하는 트랜스내셔널 플랫폼이자 방법론으로 진화하고 있음을 주장한다.

This study aims to trace the semantic shift of the term "Korean-style" (Hanguk-hyeong), which emerged in the late 1990s, and to define the current status of "K-Cinema" as a transnational cinema. In the discourse of "Korean-style blockbusters" of the past, the term "Korean-style" served as a defensive mechanism and a localization strategy against the overwhelming "Other" represented by Hollywood. However, in the era of digital platforms, K-Cinema has expanded its meaning to become a mainstream genre and brand within the global cultural industry. To verify this shift concretely, this study focuses on analyzing the Sony Pictures Animation film, K-Pop: Demon Hunters. This work, for which a major Hollywood studio selected K-Pop as a core subject from the planning stage, demonstrates that Korean culture has moved beyond post-colonial mimicry to be actively appropriated by the mainstream system at the level of production. Internally, the text creates a unique hybridity by combining the performative aesthetics of K-Pop with the grammar of the Hollywood action genre. Theoretically, this film is interpreted as a text that subverts the hierarchy of Orientalism criticized by Edward Said and autonomously forms the "Third Space" proposed by Homi K. Bhabha. Here, Korean culture operates not merely as an exotic spectacle but as a core rule supporting the narrative world. In conclusion, this study argues that K-Cinema is evolving from a national cinema limited by physical borders into a transnational platform and methodology where global capital and human resources combine through the medium of Korean codes.

이 연구는 대한민국 케이팝 작사 산업의 구조를 내면화하는 과정을 통해 작사가로 성장해가는 지망생들의 훈련 및 창작 과정을 분석하였다. 연구자는 케이팝 가사를 단순한 텍스트가 아니라 산업 구조 전체가 함께 생성하는 '산업적 발화'로 개념화하였다. 이 개념은 고프먼의 발화 생성 모델을 확장하여, 발화의 형식적·책임적 주체가 분리되는 산업적 창작 환경을 설명하는 분석틀로 재구성한 것이다. 케이팝 작사가 지망생들은 기획사의 지시와 아이돌의 캐릭터 모두를 인식하며 산업이 요청하는 발화를 구성한다. 이 과정에서 '개인의 자아를 지우라'는 규범은 자기억압이 아니라, 산업이 요구하는 특정한 전문적 페르소나를 습득하는 기제로 작동한다. 지움과 생성이 교차되는 바로 그 지점에 케이팝 작사는 독특한 창작 형식으로서 존재한다. 결과적으로 이 연구는 케이팝 작사가의 창작 행위가 예술가의 자율성과 산업의 규범 사이에서 수행하는 사회적·언어적 역할을 밝히며, 현대 문화산업에서 저자성과 창작 주체성을 새롭게 사유할 이론적 관점을 제시한다.

This study examines how aspiring K-pop lyricists internalize the structure of the Korean lyric-production industry and learn to write within its constraints. Rather than viewing K-pop lyrics as autonomous texts, the study conceptualizes them as industrial utterances-forms of speech collectively produced by entertainment agencies, lyricists, and idol performers. Building on Goffman's production format, this framework highlights an industrial environment in which the formal and responsible subjects of an utterance are structurally divided. Aspiring lyricists compose lyrics by attending simultaneously to agency directives and the persona of the idol performer. In this process, the normative demand to "erase one's personal self " functions less as repression than as a mechanism for acquiring the professional persona of the K-pop lyricist. K-pop lyric writing emerges as a distinctive creative practice precisely at the point where self-erasure and self-formation converge. The analysis shows that the work of K-pop lyricists cannot be reduced to either artistic autonomy or mechanical reproduction. Instead, lyricists reinterpret industrial requirements, reconfigure their linguistic sensibilities, and actively generate the "voices" the industry seeks. The study thus offers an analytic perspective for rethinking authorship and creative subjectivity within contemporary cultural industries.

메타버스가 IT 기술 환경에서 크게 부각되면서, 메타버스를 대중화한 대표적 서비스 중 하나인 로블록스의 지식재산권 침해 문제가 지적되고 있다. 로블록스는 게임적 요소를 가진 일종의 커뮤니티 공간으로, 이용자는 아바타가 되어 다른 사람이 만든 공간에 참여하여 서로 소통할 수 있고, 자신이 직접 게임을 만들어 플랫폼에 올려서 다른 사용자가 즐기도록 할 수도 있다. 로블록스에서는 케이팝과 연결된 다양한 지식재산권 침해가 발생하고 있다. 케이팝 음악과 안무가 서비스되고 있어 이용자가 자유롭게 선택할 수 있고, 각 게임 배경으로 케이팝 가수 사진과 앨범 재킷 이미지가 제공되고 있다. 케이팝 가수의 로고 등 상표가 적용된 응원봉과 디지털 굿즈을 구입하여 내 아바타에 장착하기도 한다. 문제는 이 모든 것이 권리자의 허락없이 제공되고 있다는 것이다. 본 논문에서는 로블록스를 중심으로 케이팝 산업과 연관되는 지식재산권 침해 사례를 구체화하여 살펴본다. 로블록스 플랫폼과 그 안에서 제공되는 서비스의 법적 성격을 살펴보고, 어떤 형태의 침해 이슈가 발생하는지를 저작권, 상표권, 디자인권 등 지식재산권 유형에서 분석한다. 저작권 측면에서 음악, 안무, 사진, 미술의 침해 문제를 다루며, 산업재산권 측면에서는 케이팝 가수의 이름과 로고 등 상표권과 디지털 상품의 디자인권을, 퍼블리시티권 측면에서 부정경쟁방지법 적용 여부도 확인할 것이다. 그리고 플랫폼 사업자로서 로블록스의 책임 범위와 함께 케이팝 산업 보호를 위한 합리적인 지식재산권 보호 방안을 제안하고자 한다.

As the metaverse has come to the fore in the IT technology environment, the problem of intellectual property rights infringement of Roblox is being pointed out. Roblox is a community space with game elements, where users can become avatars and participate in spaces created by others, or create their own games for other users to enjoy. In this paper, we examine cases of intellectual property infringement related to the K-pop industry with a focus on Roblox. It examines the legal nature of Roblox services and analyzes what kind of infringement issues accur in intellectual property rights such as copyrights, trademarks, and design rights. In terms of copyright, it deals with infringement of music, choreography, photography, and art, In terms of industrial property rights, it will check whether trademarks and digital products such as K-pop singers' names and logos are applied and the Unfair Competition Prevention Act in terms of publicity rights. In addition, I would like to propose a reasonable intellectual property protection plan to protect the K-pop industry along with the scope of Roblox's responsibility as a platform operator.

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본 논문은 한류의 전세계적 확산이 유튜브라는 새로운 SNS 서비스의 등장으로 확산방식이 달라진 것에 주목한다. 싸이의 '강남스타일'은 유튜브와 SNS의 매개를 통해 전세계적으로 성공했고 이로 인해 미디어 학자들은 한국 대중문화의 전세계적 확산과 유통의 새로운 양식에 대해 주목하게 되었다. 따라서 음악의 직접적인 전파뿐만 아니라 유튜브 사용자들의 K-pop의 전유양식에 대한 검토도 역시 필요하다. 즉, 단순히 대중문화 수용자들이 문화적 텍스트를 보거나 듣는 것을 넘어 어떻게 이러한 전유양식이 대중문화의 국제적 확장과 증폭에 기여하는 지를 검토할 필요가 있다. 이전에는 CD나 DVD와 같은 유형의 재화의 유통을 통해 대중문화의 유통이 매개되었으나 유튜브의 등장으로 유형의 재화 없이도 문화 교류가 이루어지는 새로운 현상이 발생한다. 이 연구는 어떻게 이런 유튜브 사용자들의 전유양식, 특히 K-pop 팬들이 만든 동영상이 K-pop의 전세계적 확산에 어떻게 간접적으로 기여하는 지를 살펴 본다. 이론적 측면에는 팬덤 연구 등을 검토한다. 연구방법으로는 온라인 공동체에 대한 민속지학적 연구방법인 넷노그래피를 사용한다.

The global success of PSY's Gangnam Style was mediated through combination of YouTube and SNS. PSY's success led into some communication scholars' consideration of new international circulation of Korean pop culture (Korean Trend 2.0). In terms of global circulation of pop culture, it is noticeable how users appropriate YouTube channel beyond mere watching music videos and mere international circulation of Korean pop culture. The mode of fan's activity and appropriation contributes to the expansion of the width and amplification of the volume of Korean popular culture as well. The circulation of pop culture was considered in the level of exchange of tangible commodities such as CD, DVD, and so on until the adoption of digital media and Internet. YouTube has brought new mode in which the international circulation of pop culture is mediated without exchange of tangible commodities but was amplified with the diffusion of network. This study grasps how the mode of users' appropriation contributes to international circulation of pop culture through case studies of some K-pop music videos and international K-pop fans' tribute activities. In terms of theoretical perspective, fandom studies will be examined. In terms of research method, the researcher adopts netnography, a participatory observation on network, to find the feature of fandom and its contribution to the international circulation of pop cultures.

이제 <케데헌>은 단순한 히트작 수준을 넘어 전 세계 대중문화의 중심을 점한 하나의 ‘현상’이 되었다. 현상이 되었다는 말은 특정 문화적 형식이 사회 전반의 정서, 가치관, 사고방식에까지 파급력을 미치고 사람들의 감각과 행위를 재조직하는 사회적·상징적 사건이 되었음을 의미한다. <케데헌>이 그 자체로 새로운 소통과 문화, 공동체적 정동을 생산하는 사건이 된 것이다. 이 논문의 목표는 한국고전시가 연구자로서 이러한 <케데헌>과 <케데헌> ‘현상’에 대한 이해를 깊게 하려는 것이다. <케데헌>이 오늘날 케이팝으로도 구현된, 한국의 노래관과 노래 문화에 바탕을 두고 있으며, <케데헌> 자체가 천지귀신은 물론이고 청중들까지 감(感)하고 통(通)하고 동(動)하게 한 사건이라고 가정하고, 그 구체적인 감응의 구조와 효과에 대해 탐색하고자 하였다. 이를 위해 우선 <케데헌> 노래들의 연행에 주목하였다. 그 결과 귀에 바로 와 닿는 가사와 비트, 리듬으로 마음을 울리고, 과장되고 빠르고 화려한 동작들로 시선을 사로잡고, 화려한 조명과 빛, 카메라 조작 등을 통해 공간감을 만들어냄으로써, <케데헌>이 청중들의 정동적 감응을 이끌어내는 작품임을 보였다. <케데헌>이 청중들에게 공연장에 있는 것처럼 느끼도록 하고 몸이 먼저 반응하도록 했다고 보는 것이다. 한편 이 논문에서는 작품 속 노래들이 인물의 정체성 갈등과 서사 전환을 이끄는 핵심 장치로 작동하고 있다는 점에도 주목하였다. <Golden>, <Takedown>, <Free>, <What It Sounds Like>로 이어지는 노래를 분석함으로써, <케데헌>이 단순한 영웅 이야기이거나 퇴마 이야기가 아니라 우리 모두의 치유와 성장, 연대의 이야기임을 밝혔다. 나아가 <케데헌>의 세계적 흥행이 한국 노래 문화의 전통과 그것에 바탕을 둔 케이팝 공연을 기술적으로 재현하여 청중을 끌어들임으로써 가능했음을 주장하였다. <케데헌> 현상이나 ‘<케데헌> 앓이’가 케이팝 공연의 현장성(liveness)을 기술적으로 재현함으로써, 물리적 공간을 초월하는 ‘노래판’을 재현함으로써 가능했다고 보는 것이 이 논문의 결론이다.

This article investigates the affective structure and its effects in K-Pop Demon Hunters from the perspective of a scholar of Korean classical poetry and song. It argues that the film’s global success is rooted in its technological reenactment of the Korean tradition of song and the performative aesthetics of K-pop, which actively draw audiences into the experience rather than positioning them as passive viewers. To demonstrate this, the study focuses on the performative dimensions of song in K-Pop Demon Hunters. Catchy lyrics, beats, and rhythms resonate directly with the listener, while exaggerated, rapid, and dynamic movements capture visual attention. Combined with vivid lighting, spatial effects, and intensive camera work, these elements generate a strong sense of presence that elicits bodily responses prior to conscious interpretation. This affective structure allows audiences to respond first through the body, as if physically participating in a live performance. The article further shows that the songs function not as background music or decorative elements but as central narrative devices that drive characters’ identity conflicts and key narrative transitions. Through sensory stimulation, the songs evoke pre-cognitive bodily reactions that evolve into affective responses. These responses foster identification with the characters and immersion in the narrative, allowing audiences to experience conflict, struggle, and eventual overcoming alongside them. In particular, analysis of the songs Golden, Takedown, Free, and What It Sounds Like traces how the ideology of “golden” perfection and flawlessness is dismantled. The pressure to shine by concealing wounds and deficiencies leads to collapse, whereas acknowledging vulnerability and accepting one another gives rise to new songs and protective boundaries. In this way, the film presents a narrative of overcoming identity denial and repression, ultimately becoming a story of collective healing, growth, and solidarity. The article concludes that this affective structure and its transformative effects are enabled by K-Pop Demon Hunters’ technological reproduction of the liveness of K-pop performances, constructing a “song arena” that transcends physical space. Through this form of technical togetherness, individual affective responses are transformed into collective healing and solidarity. In this sense, K-Pop Demon Hunters can be understood as a cultural event that challenges dominant cultural orders centered on achievement and perfection, presenting an alternative culture in which wounded beings survive, connect, and endure through singing together.

본 연구는 K팝의 전개 과정을 K팝에 대한 뉴스 미디어의 보도 패턴의 변화를통해 분석한다. K팝의 형성, 전개 및 확산을 문화생산론적 관점에서 조망하고, 이를 바탕으로 K팝에 관한 사회적, 공적 담론이 어떻게 변화해 왔는가를밝힌다. 구체적으로, K팝에 대한 지난 20년간의 언론 보도를 임베디드 토픽모델링(Embedded Topic Modeling, ETM)을 통해 분석함으로써 K팝에 대한사회적 관심의 변화를 역동적으로 밝힌다. 2004∼2024년의 기간 동안 조선, 중앙, 동아, 경향, 한겨레 뉴스 기사가 보도한 ‘K팝 아이돌’ 관련 기사 9,674건을스크래핑하여 대규모 어휘 모델링에 효과적인 임베디드 토픽 모델링(ETM)을통해 36개의 토픽을 도출했고, 총 8개의 주제로 담론화하였다. 이를 통해 사회⋅ 문화적으로 K팝에 관하여 중점적으로 형성된 담론은 무엇이었고, 이러한 담론이 어떻게 변화했는지를 추적하였다. 토픽의 시계열 변화를 분석한 결과, K팝의 음악적, 문화적 특성에 대한 사회적 관심은 점차 감소하는 반면, 이윤추구를 목적으로 하는 K팝의 산업적 측면에 대한 사회적 관심은 현저하게 증가한것으로 확인되었다. 이러한 결과는 K팝의 전개 과정을 잘 드러내며, K팝의 지속적 성장을 위해서는 K팝 산업의 구조적 개선이 필요함을 시사한다.

This study focuses on the trajectory of K-pop through changes in news media reporting patterns. From a cultural production perspective, it examines the formation, development, and global diffusion of K-pop, and investigates how social and public discourse surrounding K-pop has evolved. Specifically, by applying Embedded Topic Modeling (ETM) to news coverage over the past two decades, the study dynamically traces shifts in social attention toward K-pop. A total of 9,674 K-pop?related news articles published between 2004 and 2024 were collected and analyzed. The ETM, which is effective for large-scale vocabulary modeling, identified 36 topics that were further organized into 8 discourse categories. Through this process, the study highlights what kinds of discourses have been centrally formed around K-pop and how they have changed over time. The temporal analysis reveals a gradual decline in social interest in the musical and cultural characteristics of K-pop, alongside a significant increase in attention to its industrial, profit-driven aspects. These findings illuminate the unfolding trajectory of K-pop discourse and suggest that structural improvements in the K-pop industry are essential for its sustainable growth.

이 글은 케이팝이 글로벌한 위상에서 전 세계 청년들의 정치운동으로 기능할 수 있는 가능성을 사례를 통해 살펴본 것이다. 글로벌 케이팝의 팬덤은 과거의 청년문화 양상과 완전히 달라졌다는 점을 확인할 수 있는데, 특히 ‘88만원 세대’, ‘600유로 세대’, ‘사토리 세대’, ‘띠아오스(屌絲) 담론’ 등 부모세대보다 못 사는 최초의 청년세대가 양산되고 있는 궁핍한 시대에 불거진 이 독특한 팬덤은 현대의 정신사적 문제의식을 던져주고 있는 것처럼 보인다. 이런 현상은 대중음악을 둘러싼 청년문화가 새로운 지구적 정치경제 질서를 규정하고 있는 신자유주의 체제에 저항하는 문화 패러다임을 형성해가고 있다는 사실을 보여준다는 점에서 문화연구의 새로운 방향에 대한 문제의식을 불러일으킨다. 이런 관점에 따라 칠레, 태국, 미국 등지에서 발생한 케이팝 팬덤이 갖고 있는 청년 정치운동의 사례들을 살펴보고, 그것이 함의하고 있는 정치적 특성과 세대의 의미를 살펴보았다.

This article examines the possibility of K-pop functioning as a political movement for young people around the world in its global status through examples. It can be seen that the global K-pop fandom has completely changed from the youth culture of the past, especially in a time when the first generation of young people who live less than their parents' generation, such as 880,000 won generation, 600 euro generation, Satori generation, and Tiaos discourse, seem to be throwing modern mental and historical awareness. This phenomenon raises a sense of problem with the new direction of cultural research in that it shows that the youth culture surrounding pop music is forming a cultural paradigm that resists the neoliberal system that defines a new global political and economic order. According to this point of view, the examples of youth political movements in K-pop fandom in Chile, Thailand, and the United States were examined, and the political characteristics and generational meaning that it implies were examined.

케이팝이 한국을 대표하는 문화상품으로 거듭나면서 케이팝이 재현하는 남성성역시 트랜스내셔널하게 발신되고 있다. 잘 훈련되고 통제된 마른 몸으로 대표되는 케이팝 아이돌의 몸은 세계 시장에서 퀴어한 남성성으로 독해된다. 그러나 한국의 아이돌은 퀴어한 신체에 잘 훈육된 젠더 규범이 체현되면서 완성된다. 즉 정상성과 비정상성의 혼성성을 보여주는 것이다. 케이팝 아이돌이었던 박재범의설화 사건은 이 경계에서 충돌하는 케이팝의 좌표를 보여주는 것이기도 했다. 이후 한국에 복귀한 박재범이 남성연대와 진정성을 특징으로 하는 힙합 아티스트가 되었다는 점은 미국에서 성장한 아시아계 미국인으로서의 정체성과 맞물려이해될 수 있다. 소수인종은 헤게모니적 남성성을 과잉 수행함으로써 주체로 거듭나고, 이는 힙합의 남성성 서사와 성공적으로 결합된다. 그런데 소수자로서 박재범의 행보는 케이팝 산업과 충돌한다. BLM 운동과 같은 정치적인 문제에 대해서 적극적으로 발언하고, 한국계 미국인으로서 인종차별 문제를 고발한다. 이러한 방식은 정치적인 문제에 대해서는 말하지 않는다는 케이팝의 규범과 충돌하면서 여러 파장을 일으키기도 했다. 케이팝이 글로벌 시장을 대상으로 마케팅을하고, 일종의 ‘모델 아시안’으로서의 역할을 수행하고 있다면, 이러한 규범성과소수자성의 길항을 고민해야 할 시점이 도래한 것이다.

As K-pop has emerged as a representative cultural product of Korea, the masculinity that K-pop reproduces is being exported to the global market on behalf of Korea. The bodies of K-pop idols, which are typically well-trained, disciplined, and skinny, are read as “queer” masculinity in the global market. However, Korean idols embody well-disciplined gender norms contained within the “queer” body. The story of former K-pop idol Jay Park also demonstrates the multiple trajectories of K-pop, which collided at the intersections of normality and queerness. The fact that Jay Park, who later returned to Korea, became a hiphop artist featuring male solidarity and sincerity can be understood in conjunction with his identity as an Asian-American who grew up in the United States. Ethnic minorities are reborn as subjects who perform surplus hegemonic masculinity, which is successfully combined with masculine hip-hop narratives. As a minority, Jay Park’s actions have conflicted with the norms of the K-pop idol industry. He actively speaks about political issues such as the BLM movement and raises the subject of racism as a Korean American. This has caused several repercussions for Jay Park, as his outspokenness clashes with K-pop’s implicit norm of not talking about political issues. If K-pop is marketing to the global market that also plays the role of a kind of “model Asian,” then the time has come to critically assess such normality and the future path of the minority.

In the modern society where the global web is popularized, the phenomenon of coevolution in which people and media with high complexity actively combine and develop is remarkable. In the case of literature and art, which is bound to wear the body of the media, the phenomenon of coevolution is applied in the same way in various aspects such as genre, expression, etc. The music video of bulletproof boy band and the SNS literature are examples showing the case of “the coevolution of the genre.” This paper has variously proved that the texts of the Bulletproof Boys, in particular, are ’coevolutionary’ with mixed artistic genre, media and advanced technology, and are lending a message of literary narrative and posthumous humanism. Just as post-humanism is advancing with the collaboration of physics / biology / humanities, the text of bulletproof boys is designed as a cross between mathematics and science, and sometimes it is surprisingly religious and poetic. The intersection of artistic patterns accumulated by mankind and advanced text technology, including primitive scenery and the cosmic future world, dance of oriental martial arts and slums, and the use of traditional camera work and drones. Bulletproof boys sing various themes ranging from performance to love, education and customs to wandering and self-revolution. Bulletproof Boys is also a symbol of true globalization in which the global culture represented by western culture is Diversified and modified by K-culture. Like the Renaissance art that proclaimed the spiritual bankruptcy of the Middle Ages in the name of ’Human’, the Bulletproof Boys is going to the future of another art that Melted with literature, philosophy, religion and media, I called it “Youtube Renaissance”, which would enable future pop culture.