Earticle

디지털 플랫폼 환경에서 K-pop 산업은 거버넌스 갈등, 계약 분쟁, 정책 이슈 등 고위험 국면이 실시간 여론과 글로벌 팬덤을 통해 빠르게 정당성 위기로 비화하는 구조를 드러내 왔다. 이에 따라 기업의 공식 커뮤니케이션은 단순 공지가 아니라 브랜드·기업 정당성을 방어·재구성하는 핵심 장치로 부상했지만, K-pop 맥락에서 그 설계 논리를 체계적으로 분석한 연구는 여전히 부족하다. 본 연구의 목적은 고위험 국면에 놓인 엔터테인먼트 기업들이 팬과 시장이라는 상이한 청중을 상정하며 커뮤니케이션을 어떻게 분화·조정하는지를 담론 제도주의 관점에서 규명하는 데 있다. 2021년부터 2024년 사이 발생한 7개 사례, 488건의 기업 발화를 질적 담론 분석한 결과, 기업들은 조정적 담론과 소통적 담론을 기능과 주소성에 따라 분리·연결하는 이중적 커뮤니케이션 구조를 활용하는 것으로 나타났다. 이를 통해 본 연구는 K-pop 기획사가 시장 지향·팬 지향 담론을 전략적으로 설계·배치함으로써 고위험 상황에서 브랜드 정당성과 산업 리스크를 관리하는 메커니즘을 제시하고, 팬덤 기반 플랫폼 문화산업에서 정당성 관리 방식을 이해하기 위한 개념적 틀과 조건적 시사점을 제공한다.

K-pop’s global success depends not only on music production but also on how entertainment companies manage legitimacy across multiple audiences. In recent years, the industry has repeatedly faced high-risk moments, including governance conflicts, contractual disputes, and policy controversies, intensifying tensions between market expectations and fan communities. Against this backdrop, this study examines how K-pop agencies structure and differentiate their communication strategies in such contexts through an exploratory, event-driven analysis. Drawing on discursive institutionalism, the analysis distinguishes between coordinative discourse and communicative discourse according to their functional roles. Coordinative discourse constructs strategic rationality and cognitive legitimacy, typically oriented toward markets but occasionally directed at fans when strategic logic requires justification. Communicative discourse seeks public acceptance and emotional legitimacy, primarily engaging fans but also addressing markets when conflict reframing becomes necessary. Using a qualitative case design, the study examines seven high-profile K-pop industry events between 2021 and 2024. A corpus of 488 organizational messages drawn from official statements, press releases, news-mediated corporate speech, and platform communications was coded according to discursive function and audience orientation. The findings show that K-pop companies rarely rely on a single messaging strategy. Instead, they layer coordinative and communicative discourses within the same crisis, emphasizing cognitive legitimacy in market-oriented communication and affective legitimacy in fan-oriented messaging. These findings indicate that dual messaging in K-pop can be understood as an institutional mechanism for managing legitimacy across structurally divergent audiences in affect-driven, platform-based cultural industries.

본 연구는 팬들이 자발적으로 ENHYPEN 멤버 이희승의 ‘Bills’와 BGM ‘Once Upon a Time’을 결합해 만들어낸 ‘이희승 행진곡’의 밈 확산 사례를 중심으로, K-pop 팬덤의 2차 창작이 어떤 플랫폼 전략과 주체적 실천을 수반하는지를 질적으로 분석하였다. 연구 자료는 각 숏폼 플랫폼에서 활동하는 네 유형의 참여자―팬 창작자, 팬 확산 참여자, 일반 창작자, 일반 확산 참여자를 대상으로 한 반구조화 심층 면접을 통해 수집되었다. 연구 결과, 팬들은 아이돌에 대한 애정과 공동체 소속감을 바탕으로 자발적 팬 노동을 수행하며 콘텐츠 확산에 기여한 반면, 일반 이용자들은 밈의 유행성과 자신이 만든 2차 창작물이 대중적 파급력에 대한 욕심을 중심으로 참여하였다. 플랫폼 알고리즘은 이러한 참여를 매개하며 팬과 일반 이용자의 경계를 허물고 K-pop 콘텐츠의 탈팬덤화와 대중화를 촉진하였다. 본 연구는 이러한 현상을 통해 참여문화 이론의 확장 가능성을 제시하고, K-pop 콘텐츠가 특정 팬층의 전유물이 아닌 ‘플랫폼–이용자 공동 창작’의 대중문화 현상으로 진화하고 있음을 규명했다는 데 의의가 있다.

This study conducted a qualitative analysis of how K-pop fandom’s secondary creation practices are accompanied by platform strategies and individual agency, focusing on the viral spread of “Lee Heeseung March”?a fan-made meme that combines ENHYPEN member Lee Heeseung’s stage song “Bills” with the BGM “Once Upon a Time.”Research data were collected through semi-structured in-depth interviews with four types of participants active on various short-form video platforms: fan creators, fan sharers, non-fan creators, and non-fan sharers. The analysis revealed that fans, driven by affection for the idol and a sense of community belonging, engaged in voluntary fan labor contributing to content dissemination, while general users participated mainly out of an interest in trends and a desire for online visibility. Platform algorithms mediated these participatory activities, blurring the boundaries between fans and non-fans and accelerating the defandomization and popularization of K-pop content. This study highlights the contemporary evolution of participatory culture theory and demonstrates that K-pop content is no longer the exclusive property of fan communities but has evolved into a platform?user co-creation phenomenon within popular culture.

오늘날 K-POP 팬의 팬실천은 단순한 소비 행위로 설명되기 어렵다. 팬은 음악을 감상하고, 콘텐츠를 공유하며, 투표와 굿즈 구매, 해시태그 캠페인 등을 수행하는 과정에서 자신의 감정을 끊임없이 기호화한다. 이러한 행위는 정동이 사회적 의미로, 다시 산업적 가치로 전화되는 순환을 보여준다. 이에 본 연구는 감정이 가치로 전환되는 "기호경제"의 구조에 주목하였다. 즉, 본 연구는 팬실천을 ‘정동–의미–가치’로 이어지는 의미생성의 궤적 속에서 이해해 보고자 했다. 이를 위해 Floch(1990)의 소비가치 사각형(실제적·유토피아적·유희적·비판적 가치)을 분석틀로 적용하고, K-POP 팬 168명을 대상으로 한 서술형 설문 1,524건을 기호학적으로 분석하였다. 그 결과, 팬의 실천은 감정이 기호로, 기호가 가치로 전화되는 복합적 교환 과정임을 확인하였으며, 네 가지 소비가치 유형은 고립된 체계가 아니라 상호 전이되고 혼종화되는 관계로 작동함을 파악하였다. 즉, 실제적 경험(티켓·굿즈)은 유토피아적 연대를 강화하고, 유희적 놀이(밈·팬픽)는 비판적 성찰의 도구로 전환되며, 비판적 실천(보이콧·기부)은 다시 실제적 소비(윤리 친화 굿즈)로 재구성되었다. 이러한 순환은 정동-의미-가치의 궤적을 따라, 팬덤 내부에서 효용·연대·쾌락·윤리의 다층적 상징자본이 상호 전환되는 복합적 기호경제를 형성됨을 파악할 수 있었다. 결국, 본 연구는 K-POP 팬문화를 ‘무엇을 소비하느냐’의 차원이 아닌, ‘어떻게 가치가 생성되고 환원되는가’의 차원에서 재정의 하고, 이를 통해 K-POP 팬이 단순한 수용자가 아니라 감정의 생산자이자 가치의 교환자로서, 정동적 기호경제의 핵심 행위자로 자리매김함을 발견하였다는 데 본 연구의 의의를 찾을 수 있겠다.

This study attempts to verify the relationships among perceived justice, emotions, and customer satisfaction toward service recovery in SNS by the Korean consumers who have experienced service failure. The major objective of this study is to empirically confirm the concept of perceived justice theory in SNS by investigating the effects of perceived justice on emotional response (positive affect and negative affect) and customer satisfaction with service recovery in SNS. Also, the study seeks to substantiate the effects of three perceived justices (distribution, procedure, interaction justice) on emotional responses (positive affect and negative affect). This study further verifies whether emotional responses (positive affect and negative affect) have direct impacts on customer satisfaction with service recovery via the mediating process of emotions. The findings indicate that all three perceived justices (distribution, procedure, interaction justice) had direct impacts on emotional responses (positive affect and negative affect). Also, emotional responses (positive affect and negative affect) were found to affect customer satisfaction with service recovery. Finally, emotional responses (positive affect and negative affect) were found to mediate the effect of perceived justices on customer satisfaction with service recovery.

2차 창작 영상(fan-made content)이란, 팬들이 기존 아이돌의 음원, 영상, 무대 등을 바탕으로 편집, 더빙, 재해석하여 새롭게 제작한 2차적 콘텐츠를 의미한다. K-pop 팬들은 높은 열정과 창의성으로 잘 알려져 있으며, 단순히 아이돌의 음악과 콘텐츠를 소비하는 것을 넘어, 2차 창작을 통해 아이돌에 대한 애정을 적극적으로 표현한다. 특히 TikTok은 K-pop 팬들의 2차 창작 활동의 새로운 플랫폼으로 부상, 2차 창작 영상들이 빠르게 확산되도록 돕는다. 본 연구는 K-pop 팬들이 이차 창작 영상을 통해 어떻게 감정과 정체성을 표현하는가에 초점을 맞추어, 참여문화이론, 감정노동, 수행이론 관점에서 SEVENTEEN 팬들을 심층 인터뷰를 통해 분석, 이해하려 하였다.

Fan-made content refers to content created by fans’ editing dubbing and reinterpreting existing Kppop idol music, videos, and performances. K-pop fans are known for their passion and creativity, and they go beyond simply consuming their idols' music and content to actively express their affection for them through fan-made content. In particular, TikTok has emerged as a new platform for K-pop fans' secondary creative activities, facilitating the rapid spread of these videos. This study focused on how K-pop fans express their emotions and identities through secondary creative videos. Through in-depth interviews with SEVENTEEN fans, this study analyzed and understood them from the perspectives of participatory culture theory, emotional labor, and performance theory.

이 논문은 K-pop의 제작을 모듈러 어셈블리지(modular assemblage)라는 개념을 통해 분석한다. 이를 통해 K-pop을 ‘문화적 혼종(global hybrid)’이라고 설명하는 지배적 견해를 비판하고, 음악적 분석을 생략한 채 미디어 플랫폼, 디지털기술, 아이돌 제작, 또는 팬덤의 파워에 과도하게 의존하여 K-pop의 성공을 설명하는 기존 연구들에 이의를 제기한다. 건축학에서 차용한 모듈(module)과 조립(assembly)의 개념을 응용하여, K-pop의 ‘노래’ 혹은 ‘악곡’(song)은 유기적으로 작곡된 악곡이라기보다는 사운드 디자인(sound design)에 기반해 상이한 모듈들로 조립된 음향적 건축(sonic architecture)이라고 주장한다. 2012년부터 최근까지 발표된 대표적인 K-pop 작품들을 음악적으로 심층 분석함으로써, K-pop이 한국의 ‘대중가요’뿐 아니라 영미 ‘팝송’의 전통적인 선형적 악곡 구조를 어떻게 해체하고 재조립하는지 밝힌다. 나아가, 이러한 모듈형 조립이라는문화생산 과정에서 국제 및 국내의 다양한 창의 노동자(creative workers)들의 의사결정과 실제 작업이 구체적으로 어떻게 이루어지는지 상세히 검토한다. 이를 통해 K-pop이 글로벌 음악산업의 대항 헤게모니(counter-hegemony)를 구축하기보다는 헤게모니 내부에서 리밸런싱(rebalancing)의 작용을 수행한다고주장한다.

This article analyzes the mode of cultural production in K-pop through the concept of modular assemblage. By this analysis, the article critiques the dominant view that explains K-pop as a “global hybrid” by means of tautology or circular reasoning. It also challenges existing scholarship that omits musical analysis and relies excessively on media platforms, digital technologies, idol production, or the power of fandom to account for K-pop’s success. Applying the concepts of module and assemblage, borrowed from architecture, it argues that a K-pop ‘song’ is not an organically composed musical piece but rather a sonic architecture assembled from disparate modules based on sound design. By deeply analyzing representative K-pop works released from 2012 to the present using a musicological approach, the article demonstrates how K-pop deconstructs and reassembles the linear song structures of conventional pop. Furthermore, it details how the decision-making and actual work processes of diverse international and domestic creative workers unfold within this mode of modular assemblage. Ultimately, this paper argues that K-pop’s modularity simultaneously represents an intensive embodiment of the latest global pop trends and signals a rebalancing of global music industry

본 연구는 1994년부터 2023년까지 약 30년간 발표된 케이팝 댄스음악을 대상으로 화성 구조의 특징과 변화 양상을 분석하였다. 분석 자료는 멜론 시대별 차트에서 선정된 연간 상위 5곡, 총 150곡이다. 연구 방법은 각 곡의 조성, 전형적 화성 진행, 화성 진행의 반복, 종지와 전환부의 화성, 논다이어토닉 화성의 사용, 독특한 화성 진행의 사례를 중심으로 이루어졌다. 분석 결과, 장조보다 단조 곡의 비율이 높았으나 많은 단조곡이 나란한조의 장조 화성 진행을 활용해 밝은 분위기를 형성하였다. 전형적인 화성 진행은 1990년대에 두드러졌으나 이후에는 감소하고, 대신 변형된 진행과 논다이어토닉 화성이 활용되었다. 또한 곡 전체를 하나의 패턴으로 이끄는 반복적 구조나 원 코드 진행은 특정 시기에 집중적으로 나타났으며, 종지의 모호화, 전조, Im과 I의 혼용 등 새로운 시도도 확인되었다. 종합하면, 케이팝 댄스음악의 화성적 변화는 일정한 선형적 발전이라기보다는 특정 시기에 부각되었다가 약화되거나 재등장하는 순환적 양상을 보였다. 이는 케이팝의 화성 어법이 고정된 규범보다는 글로벌 음악 트렌드, 장르적 유행, 산업적 전략에 민감하게 반응하며 변화해 왔음을 시사한다. 본 연구는 이러한 특징을 체계적으로 검토함으로써 케이팝의 음악적 정체성과 발전 과정을 이해하는 데 기초자료를 제공하며, 향후 학술 연구와 창작 및 교육에서 활용 가능한 참고 자료가 될 수 있을 것이다.

This study analyzes the characteristics and changes of harmonic structure in K-pop dance music over a period of thirty years, from 1994 to 2023. The data consisted of 150 songs, drawn from the top five entries in Melon annual charts for each year. The analysis focused on tonalities, typical harmonic progressions, patterns of harmonic repetition, cadences and transitions, the use of non-diatonic harmonies, and cases of distinctive harmonic progressions. The findings show that minor-mode songs outnumbered major-mode songs, yet many minor songs employed harmonic progressions from their relative majors to convey brighter moods. While typical harmonic progressions appeared prominently in the 1990s, their prevalence decreased in later decades, giving way to modified progressions and the more active use of non-diatonic harmonies. Repetitive structures based on a single pattern and one-chord progressions also appeared in particular periods, alongside experimental practices such as ambiguous cadences, modulations, and the alternation of Im and I chords. Overall, the harmonic changes in K-pop dance music did not follow a linear trajectory of gradual development but rather exhibited cyclical patterns, with certain techniques emerging, receding, and reappearing across periods. These results suggest that the harmonic language of K-pop dance music has been shaped not by fixed conventions but by its sensitivity to global music trends, genre fashions, and industrial strategies. This study provides a systematic understanding of the harmonic identity and development of K-pop dance music.

본 연구는 고등학생을 대상으로 민요와 대중음악(K-POP)을 결합한 국악 창작 수업을 운영하고, 학습자가 창작 경험을 통해 국악의 의미를 자신의 삶과 연결지으며 문화 정체성을 어떻게 형성하는지를 탐색하고자 하였다. 이를 위해 민요를 기반으로 한 디지털 매체 창작 수업을 설계·실행하고, 학생들의 창작 결과물과 성찰 내용을 분석하였다. 연구 결과, 첫째, 학생들의 창작 유형은 반주 편곡, 가사 창작, 가사 창작 및 반주 편곡, 다중 음원 결합의 네 가지로 나타났다. 둘째, 가사 창작은 기존 민요 가사를 그대로 사용, 일부 삽입, 재해석을 통한 새로운 이야기 창작의 세 가지 유형으로 구분되었다. 셋째, 학생들은 창작 과정에서 협업과 몰입, 성취감을 경험하며 국악에 대한 친숙함과 흥미를 회복하였다. 넷째, 창작 활동은 학습자에게 국악을 단순한 전통의 보존 대상이 아닌 현재적 문화로 인식하게 하는 계기가 되었으며, 문화 정체성을 탐색하는 자기 성찰의 과정으로 작용하였다. 본 연구는 K-POP을 활용한 민요 창작 수업이 학습자의 문화 정체성 형성과 국악 교육의 현대적 의미를 확장할 수 있음을 보여준다는 점에서 의의를 지닌다.

This study aimed to explore how high school students formed their cultural identity by connecting the meaning of Gugak (Korean traditional music) to their own lives through creative experiences in a Gugak composition class that combined folk songs (Minyo) and popular music (K-POP). As a qualitative study, a digital media?based creative class was designed and implemented using Minyo as the foundation, and students’creative outputs and reflective writings were analyzed. The results were as follows. First, students’creative types were categorized into four forms: accompaniment arrangement, lyric writing, a combination of lyric writing and accompaniment arrangement, and multiple sound sampling. Second, lyric creation was classified into three types?direct use of original Minyo lyrics, partial insertion, and reinterpretation to create new narratives. Third, students experienced collaboration, engagement, and a sense of accomplishment during the creative process, which helped them regain familiarity and interest in Gugak. Fourth, the creative activity allowed learners to perceive Gugak not merely as a heritage to be preserved but as a living and contemporary culture, functioning as a process of self-reflection in exploring cultural identity. This study demonstrates that Minyo creation using K-POP can broaden the educational meaning of Gugak by fostering learners’cultural identity and connecting traditional music education to contemporary creative practices.

본 연구는 K-pop의 글로벌 확산에 대한 MZ세대의 인식을 분석한다. BTS, BLACKPINK, KATSEYE는 미국 시장을 주요 타겟으로 세계적 인기를 얻은 그룹으로, 이들을 중심으로 MZ세대가 K-pop의 세계화 현상을 어떻게 수용하는지를 살펴본다. 과거 K-pop은 지나치게 글로벌 시장에 집중하며 정체성 혼란과 음악성 저하 등의 비판을 받아왔으나, 최근에는 초국적 소비와 문화적 혼종성이 자연스럽게 수용되고 있다. 특히 MZ세대는 한류 이후 K-pop을 접한 디지털 네이티브 세대로, 초문화적 현상에 개방적일 것으로 보이며, 기존 담론처럼 K-pop의 정체성에 대한 우려를 공유하는지도 함께 검토하였다. 서울 및 경기 소재 대학 재학생 200명(한국인 100명, 외국인 100명)을 대상으로 설문조사를 실시하였으며, K-pop 콘텐츠에 익숙한 MZ세대라는 점에서 의의가 있다. 설문은 각 그룹의 음악 스타일과 활동 변화에 대한 수용 태도를 중심으로, 문화적 정체성에 대한 인식을 종합적으로 분석하였다. 이를 통해 글로벌 시대의 MZ세대가 K-pop을 어떻게 수용하며, 어떤 문화적 태도와 정체성을 형성하고 있는지를 규명하고자 한다.

This study analyzes the perceptions of the MZ generation regarding the global expansion of K-pop. Focusing on BTS, BLACKPINK, and KATSEYE?groups that have gained worldwide popularity targeting the U.S. market?it explores how this generation accepts the globalization of K-pop. While K-pop has previously been criticized for excessively prioritizing global markets, leading to concerns about identity confusion and the decline of musicality, recent trends show that transnational consumption and cultural hybridity are being accepted more naturally. The MZ generation, as digital natives who encountered K-pop after the rise of the Korean Wave, is presumed to be more open to transcultural phenomena. This study also examines whether they share concerns from earlier discourses regarding the identity of K-pop. A survey was conducted with 200 university students (100 Korean and 100 foreign students) from institutions in Seoul and Gyeonggi Province, all of whom are highly familiar with K-pop content. By analyzing their views on each group’s music style and strategic shifts, the study aims to uncover how the MZ generation embraces K-pop in the global era and constructs cultural attitudes and identities in response.

본 연구는 3·4세대 K-pop 아이돌과 팬을 연결하는 핵심 전략으로 부상한 세계관이 팬의 몰입을 어떻게 유도하는지를 분석한다. 이를 위해 4세대 아이돌을 대표하는 æspa(에스파)의 광야(KWANGYA) 세계관을 중심으로 볼터와 그루신(Bolter&Grusin)의 재매개(remediation) 이론을 적용하였다. 특히 재매개의 세 가지 특징—①매개의 매개(remediation of remediation), ②현실과 매개의 불가분성(inseparability of mediation and reality), ③개혁(reform)—중심으로 에스파의 뮤직비디오에 대한 질적 내용 분석을 실시하고, 이를 바탕으로 뮤직비디오를 시청한 100명 대상의 설문조사를 구성하여 양적 검증을 수행하였다. 연구 결과 세 가지 요인 모두 팬을 비롯한 시청자들의 몰입에 유의미한 영향을 미치는 것으로 나타났으며, 그중 ‘현실과 매개의 불가분성’이 가장 높은 영향력을 보였다. 구체적으로 ‘매개의 매개’는 SF영화, 만화, 게임 등 이질적인 미디어 양식이 한 장면 안에서 혼합되며 팬 몰입을 심화시키는 구조로 작동하였다. ‘현실과 매개의 불가분성’은 가상 캐릭터의 능력이나 설정이 현실 멤버의 이미지에까지 영향을 미치며, 정체성 인식에 있어 가상과 현실의 경계를 흐릿하게 만들었다. ‘개혁’은 세계관 속 조연이었던 가상 AI 캐릭터 nævis(나이비스)의 독립 아티스트 데뷔 등 아이돌 산업의 구조적 전환 가능성을 보여주었다. 이러한 결과는 에스파의 재매개 전략이 단순한 시청각 콘텐츠를 넘어, 팬들의 몰입을 유도하는 다층적이고 구조화된 서사적 경험으로 작동함을 시사한다. 특히 팬들로 하여금 이야기 구조를 해석하고 재구성하게 하며, 현실 인물과 가상 캐릭터 사이의 경계를 재정의하는 참여적 서사 수행의 장으로 기능한다. 연구를 통해 얻은 시사점은 다음과 같다. 첫째, 에스파의 세계관은 팬들의 몰입을 유도하는 서사적 장치로 작동하며, 팬들은 현실과 가상을 넘나드는 정서적 참여를 경험한다. 둘째, 세계관은 팬덤 경제와 연결되어 높은 산업적 부가가치를 창출하고, 팬은 서사 확장의 주체로 기능한다. 셋째, 5세대 아이돌에게 ‘이지리스닝(Easy Listening)’ 전략이 주목받고 있으나, 세계관 전략은 K-pop의 지속적 확장 가능성을 지닌다. 본 연구는 이러한 분석을 바탕으로 세계관 전략이 팬의 몰입도와 참여를 촉진할 뿐 아니라 글로벌 K-pop 문화의 확산에도 공헌함을 강조한다. 다만 본 연구는 한 가지 사례에 국한되었고 세계관 내부의 서사 구조에 초점을 맞춘 결과, 팬과의 관계성과 상호작용을 통해 외부에서 구성하는 정동적 경험은 충분히 조명하지 못했다. 향후 연구에서는 관계적 감정 형성과 세계관 바깥의 이야기적 경험을 질적으로 탐색할 필요가 있다.

This study analyzes how K-pop Idol Universes(narrative universes) function as immersive media strategies in K-pop, focusing on æspa’s KWANGYA Universe (SMCU) as a representative case of 4th-generation idols. Using Bolter and Grusin’s (1999) theory of remediation, the study examines how three dimensions?(1) remediation of remediation, (2) inseparability of mediation and reality, and (3) reform?manifest in aespa’s music videos (MVs). A qualitative MV analysis was followed by a fan survey assessing how these factors influence immersion. All three were found to contribute significantly, with “inseparability of mediation and reality” showing the strongest effect. Hybrid media forms?CGI, animation, game HUDs?enhanced engagement; fictional traits merged with fans’ perceptions of real members, blurring reality and virtuality; and the AI character nævis’s debut suggested a shift in idol production. These findings suggest that aespa’s Universe facilitates layered emotional investment and participatory meaning-making. However, the study is limited by its focus on a single group and its emphasis on official narrative structures. Future research should explore how fans form affective connections through relationships and interactions, using qualitative methods to capture relational dynamics outside the constructed Universe.

본 연구는 K-POP IP의 전략적 확장 가능성을 체험 기반의 이머시브 콘텐츠를 통해 모색하는 것을 목적으로 한다. 기존의 콘텐츠 IP 확장 전략과 이머시브 콘텐츠 경험 이론을 통합하여 ‘IP 기반 이머시브 콘텐츠 확장 전략(IP-Based Immersive Contents Expansion, IICE)’을 제안하고, 이를 실제 사례 분석에 적용하였다. IICE 전략은 <IP-서사-감각-참여>라는 네 가지 핵심 축을 중심으로 콘텐츠를 다층적으로 재구성하는 접근을 의미한다. 이론적 검토를 토대로 본 연구는 2024년에 개최된 <NEO PARASPECTRUM> 전시를 분석 대상으로 선정하여 IICE 전략의 실질적 적용 가능성을 검토하였다. 분석 결과, K-POP IP는 이머시브 콘텐츠 확장 전략을 통해 팬덤을 넘어 다양한 관람자층에게 접근할 수 있는 확장 가능성을 지니고 있으며, 단순한 음악 소비를 넘어 예술적·문화적 체험으로 진화할 수 있음을 확인하였다. 특히 공감각 기반의 몰입, 인터랙티브적인 요소, 서사 구조 등을 통해 기존 팬 서비스 중심의 접근과는 차별화된 새로운 콘텐츠 전략이 가능함을 보여주었다. 이머시브 콘텐츠는 대중적 친숙성과 예술적 깊이를 동시에 확보할 수 있어 K-POP IP의 장기적 브랜드 가치 강화에 기여할 수 있다. 본 연구는 K-POP IP와 이머시브 콘텐츠 간 융합이 콘텐츠 산업 내 체험 중심 소비 트렌드에 대응할 수 있는 효과적 전략으로서의 가능성을 제시하였으며, 본 연구를 통해 향후 다양한 K-콘텐츠 IP의 전략적 확장을 위한 이론적∙실천적 기반이 마련될 수 있기를 기대한다.

This study aims to explore the strategic potential of expanding K-POP intellectual property (IP) beyond typical consumption models toward experiential and immersive contents. To achieve this goal, the study proposes a new theoretical framework, the IP-Based Immersive Contents Expansion (IICE) strategy, which integrates theories of IP expansion and immersive contents experiences. The IICE strategy conceptualizes a multi-layered approach based on four key components: IP identity, narrative structure, sensory immersion and audience participation. Based on this theoretical foundation, the study applies the IICE strategy to analyze the exhibition <NEO PARASPECTRUM>, held in 2024, which reinterpreted K-POP IP into immersive media contents. This exhibition strategically expanded the emotional and narrative elements of K-POP music into sensory experiences, actively involving audiences through emotional engagement and interactive participation. The findings demonstrate that K-POP IP has the potential to reach beyond core fandom and appeal to a broader public by transforming K-POP IP into multisensory experiential contents. By leveraging sensory-based immersion, narrative flow, and real-time interactive system, the exhibition differentiated itself from conventional fan-targeted models, suggesting a new contents strategy for K-POP IP. Moreover, immersive contents were shown to strengthen both popular accessibility and artistic depth simultaneously, contributing to the long-term brand value of K-POP IP. These findings imply that immersive approaches could serve as effective strategies not only for enhancing cultural value but also for establishing sustainable business models in the long term. This study further argues that the convergence of K-POP IP and immersive contents experiences aligns with the evolving trend of experience-driven consumption in the contemporary cultural landscape. By expanding K-POP beyond music consumption into a complex cultural contents platform, the IICE strategy provides a theoretical and practical foundation for future developments. In addition, the findings highlight the strategic potential for K-POP IP to evolve into a hybrid form of cultural product that embraces artistic creativity, emotional engagement and sensory immersion. The study concludes that immersive contents can function as a crucial medium for the global expansion of K-POP IP and suggests that this model could be adapted across a wider range of K-contents genres and media platforms, offering new directions for the sustainable growth of popular music IPs in the global creative industries.

본 연구는 K-POP 팬 커뮤니티 서비스의 특성인 상호작용성과 미디어 풍부성이 아티스트에 대한친밀감과 팬들 간의 친밀감, 그리고 충성도에 미치는 영향을 살펴보았다. 또한 K-POP 팬들의 사용자 특성인 몰입의 매개효과를 검증하였다. 전국의 K-POP 팬덤(N = 334)을 대상으로 한 서베이 연구 결과, K-POP 팬 커뮤니티 서비스에서의 상호작용성은 몰입, 친밀감에 직접적인 영향을미치는 것으로 나타났다. 그러나 미디어 풍부성은 몰입에만 긍정적인 영향을 미치는 것으로 나타났다. 또한 팬덤의 몰입이 친밀감과 충성도에 미치는 영향을 살펴본 결과, 몰입은 아티스트와 팬덤에 대한 친밀감과 충성도에 긍정적인 영향을 미치는 것으로 나타났으며, 상호작용성, 미디어 풍부성과 친밀감, 충성도 사이의 관계를 매개하는 것으로 나타났다. 본 연구는 K-POP 팬 커뮤니티서비스의 상호작용성과 미디어 풍부성, 그리고 몰입이 아티스트와 팬 간, 팬들 간의 친밀감과 충성도에 미치는 영향을 살펴봄으로써 K-POP 팬 커뮤니티 서비스의 발전 방향을 모색하고자 함에 의의가 있다.

K-POP fandom has been recognized as a critical factor that contributes to the success of K-POP artists. This study examined the effects of interactivity and media richness of K-POP fan community services on fandom intimacy and loyalty. The study also tested the mediating effect of flow in the associations. Using a national sample of K-POP fandom (N = 334), the study found that interactivity of K-POP fan community services was associated with flow and intimacy, while media richness affected flow only. Flow was associated with intimacy toward K-POP artists and other fans as well as loyalty to K-POP artists. In addition, flow was found to play a mediating role in the associations between interactivity and media richness of K-POP fan community services and intimacy and loyalty. Finally, the study found that participants perceived that fan community services offered by entertainment companies provided a higher degree of interactivity than SNS-based ones. The findings highlight the need to consider interactivity, media richness, and flow when seeking to boost K-POP fan community services.

본 연구는 K-POP 뮤직비디오의 시각적 특성을 알아보았다. 이를 위해 K-POP 뮤직비디오를 구성하는 이미지들을 각 유형으로 분류하고 그렇게 분류된 이미지들의  분포와 특성을 전체과 성별, 그리고 시기로 구분하여 분석하였다. 연구는 컴퓨테이셔널 방법론을 활용하여 딥러닝 기반의 빅데이터 분석 기법을 적용하였다. 분석대상은 YouTube에서 ‘K-POP MV’로 검색된 K-POP 뮤직비디오 527건이었으며, 대상 뮤직비디오로부터 추출된 총 85,544장의 키프레임을 CLIP과 FAISS등 딥러닝 기반 모델과 알고리즘을 활용해서 총 13개의 이미지로 클러스터링 했다. 이렇게 분류된 이미지들을 분석한 결과, K-POP 뮤직비디오의 시각적 특성은 다음과 같이 나타났다. 먼저 아티스트의 외모를 강조하는 클로즈업과 버스트숏, 단체 안무인 군무를 묘사한 이미지들이 전체 이미지의 약 60% 이상을 차지했다. 성별로 구분해서 분석한 결과는 여성 뮤직비디오는 외모를, 남성 뮤직비디오는 군무의 비중이 상대적으로 높았다. 시기별 분석에서는 초기 외모와 군무 중심의 이미지가 90% 이상 차지하던 것에서 군무의 비중은 조금 감소하고, 외모를 강조하는 이미지들은 증가하는 경향이 관찰되었다. 위와 같은 연구 결과는 K-POP 뮤직비디오가 아티스트의 비주얼과 퍼포먼스를 핵심으로 하고 있다는 것을 빅데이터 분석을 통해 정량적으로 확인했다는데 의의를 찾을 수 있다. 또한, 본 연구에서 활용한 딥러닝 기반의 방법론은 다양한 장르의 영상 콘텐츠 연구에 적용 가능하다는 점에서 영상과 이미지 분석에 있어서 새로운 접근의 가능성을 열었다는 의미를 가진다.

This study explores the visual characteristics of K-POP music videos by categorizing the constituent images into distinct types and analyzing their distribution across the entire dataset, as well as by gender and temporal shifts. The research utilizes computational methodologies, specifically employing deep learning-based big data analysis techniques. The dataset includes 527 K-POP music videos identified through Youtube searches using the keyword “K-POP MV”, from which a total of 85,544 keyframes were extracted. These keyframes were clustered into 13 categories using deep learning models and algorithms such as CLIP and FAISS. The analysis identified several prominent visual characteristics of K-POP music videos. Notably, images emphasizing the artists’ appearances, such as close-ups and bust shots, as well as depictions of group choreography, comprised over 60% of all visuals. A gender-based analysis revealed that female music videos predominantly focused on the artists’ physical appearance, whereas male music videos featured a higher proportion of group choreography. In the temporal analysis, early K-POP music videos were dominated by images focused on artists’ appearance and group performances, accounting for over 90% of the visuals. Over time, there has been a slight decline in choreography-focused images and an increase in appearance-oriented visuals. These findings underscore the emphasis on artists’ visuals and performances as core elements of K-POP music videos, providing quantitative validation of this characteristic through big data analysis. Moreover, the deep learning-based methodology employed in this study demonstrates the potential for application in analyzing visual content across a wide range of genres, suggesting a new approach to video and image analysis.

본 연구는 K-pop 아이돌의 음악과 서사의 상관관계를 통합적 관점에서 분석하는 것을 목적으로 한다. K-pop 아이돌은 다양한 매체를 활용해 고유한 이미지와 정체성을 구축하는데 특히 음악적 특징과 서사적 구성이 긴밀한 상관관계를 맺고 있다. 특히 ‘나’를 강조하는 K-pop 4세대 여성 아이돌의 경우, 같은 세대임에도 ‘나’의 이미지와 정체성을 구축하는 방식이 다르게 나타난다. 이에 본 연구에서는 에스파와 뉴진스를 주요 연구대상으로 선정해 선율, 화성, 음색 등 음악적 요소와 뮤직비디오, 가사 등에 나타난 서사적 구성을 비교 분석했다. 분석 결과 에스파 음악의 경우 단조를 활용한 긴장감 조성, 전자음을 통한 미래지향적 음악 구현 등 주로 무겁고 역동적인 특징이 나타났다. 반면 뉴진스 음악의 경우 다성성과 매끄러운 화성 변화, 어쿠스틱 악기와 일상적 소리 구현 등 주로 가볍고 안정적인 특징이 나타났다. 한편 리미널리티이론을 적용해 가사와 뮤직비디오를 분석한 결과 에스파는 무거운 음악과 가상 세계의 여성 영웅 서사를 결합해 리미널한 구성을 지향했으며, 뉴진스는 가벼운 음악과 현실 세계의 단편적인 사건들을 결합해 리미노이드한 구성을 지향했다. 두 아이돌 모두 캐릭터는 선율을 통해서, 사건의 흐름은 화상적 흐름을 통해서, 그리고 공간의 이미지는 음색을 통해서 표현한 점도 확인했다. 이러한 분석 결과를 통해서 4세대 K-pop 여성 아이돌, 그 중에서도 에스파와 뉴진스가 음악적 특징과 서사적 구성을 긴밀히 연계해 자신만의 고유한 이미지와 정체성을 구축한다는 것을 증명했다.

The purpose of this study is to analyze the correlation between music and narrative of K-pop idols from an integrated perspective. K-pop idols use various media to establish their own images and identities, especially showing the intimate relation between musical characteristics and narrative structures. Particularly 4th-generation K-pop female idols emphasizing the concept of ‘I’, and the methods of constructing the image and identity of ‘I’ differ even in the same generation. For this reason, this study selected aespa and New Jeans as the main subjects and done comparative analysis by musical elements such as melody, harmony, and tone, alongside narrative composition such as music videos and lyrics. The analysis revealed that aespa's music has heavy and dynamic qualities, such as the creation of tension through minor scales and implementing futuristic sounds through electronic timbre. In contrast, NewJeans’ music has light and stable qualities, including smooth harmonic transitions by modal interchange and the emulation of acoustic instruments or everyday sounds. Meanwhile, applying the theory of ‘liminality’ to analyze lyrics and music videos showed that aespa aims for a liminal composition by combining heavy music with female hero narratives set in a virtual world, while NewJeans pursues a liminoid composition by combining light music with fragmentary events from the real world. Furthermore, both groups demonstrated that character traits are expressed through melodic characteristics, the flow of events is conveyed through harmonic flow, and spatial imagery is represented through timbre. Through this way, this study proved that 4th generation K-pop female idols-particularly aespa and NewJeans-have constructed their own distinct images and identities by closely integrating musical characteristics with narrative structures.

본 연구는 K-pop 팬의 개인주의-집단주의 성향과 팬 몰입도 간의 관계를 중심으로 팬 커뮤니티 동일시의 조절효과를 실증 분석하였다. 본 연구의 대상은 한국에 거주하거나 K-pop 팬 커뮤니티에 활발히 참여하는 10대 후반에서 30대 중반의 중국, 일본 및 동남아시아 출신 K-pop 팬 392명으로 구성하였다. 연구 결과, 집단주의 성향이 강한 팬들이 개인주의 성향 팬보다 더 높은 몰입도를 보이는 것으로 나타났다. 특히 집단주의 성향 팬의 경우, 팬 커뮤니티 동일시를 통해 몰입도가 더욱 강하게 형성되었으며, 개인주의 성향 팬에게서도 긍정적인 영향이 발견되었다. 본 연구는 집단주의 성향 팬에게는 협업 활동을, 개인주의 성향 팬에게는 1인칭 시점의 창의적 콘텐츠를 지원하고, 팬덤 상징체계와 참여 의례를 활용하여 팬 커뮤니티 동일시를 높일 수 있음을 시사한다. 또한 문화권별 특성을 고려한 맞춤형 이벤트와 로컬 마케팅 전략을 마련함으로써 팬들의 몰입도를 극대화할 수 있음을 보여준다.

We empirically analyzed the moderating effect of fan community identification on the relationship between K-pop fans' individualism- collectivism tendencies and fan engagement. The sample consists of 392 K-pop fans aged from their late teens to mid-30s, residing in Korea or actively participating in K-pop fan communities. The findings reveal that fans with strong collectivist tendencies exhibit higher levels of engagement compared to fans with individualist tendencies. Additionally, a positive influence was also observed among fans with individualist tendencies. By presenting a new paradigm that explains the cultural characteristics and level of immersion within K-pop fandom, it is expected to offer insights for the development of global K-pop fan communities and the establishment of fan activity strategies based on cultural differences. Furthermore, the findings suggest that providing collaborative activities for fans with a collectivist orientation, offering first-person creative content for those with an individualist orientation, strengthening community identification through fandom symbolic systems and participatory rituals, and devising tailored events and local marketing strategies that consider the unique traits of each cultural context can all work to maximize fan engagement.

목적 본 연구에서는 K-POP 뮤직비디오가 외국인들을 위한 한국 문화교육의 효과적인 교육 자료가 될 수 있을 것이라고 보아 이를활용한 한국 사회 문화교육 방안을 제시하고자 하였다. 방법 뮤직비디오의 장르적 특성을 밝히고 대중문화의 특성을 반영하여 ‘학습자 참여형 수업’의 원리로 수업 과정을 구성하고자 하였다. ‘대중문화 텍스트 선정, 문화코드 추출, 문화의 콘텍스트 분석, 새로운 텍스트 생산’이라는 수업 진행 순서에 따라 뮤직비디오교육 방안을 구체화하였으며 이를 통해 학습자들이 대중문화를 적극적으로 이해하고 대중문화의 ‘참여적 수용자’로 성장할 수 있을것이라고 보았다. 결과 뮤직비디오의 장르적 특성 및 수업에서 선정된 텍스트의 내용적 특성에 맞게 수업 단계를 구체화하였다. 무엇보다 보기 후활동에서는 수업에서 학습한 대중문화 텍스트와 학습자들이 조사한 내용을 바탕으로 학습자들 스스로 2차 콘텐츠를 생산하는 것을제안하였다. 결론 본 연구를 통해 대중문화 수업은 텍스트의 장르 및 내용적 특성에 맞게 수업이 설계되어야 하며, 학습자들은 대중문화 텍스트분석을 통해 대중문화에 대한 비판적 이해 능력 및 디지털 리터러시 능력이 향상될 수 있을 것으로 기대하였다. 또한 학습자들이대중문화의 ‘참여적 수용자’로서 수업 안에서 참여, 소통, 공유하며 궁극적으로는 상호문화적 능력이 향상될 수 있을 것이라고 보았다.

Objectives The purpose of this study is to utilize K-pop music videos as educational materials for Korean culture education for foreigners. In particular, K-pop music videos can be effective materials for Korean social culture education. Methods This study aimed to identify the genre characteristics of music videos and to reflect the characteristics of popular culture in order to organize the course curriculum based on the principle of ‘student participation-type classes.’ The music video education plan was specified according to the class progress order of ‘selecting a popu lar culture text, finding cultural codes, analyzing the cultural context, and producing new contents.’ Through this, it was expected that learners would be able to actively understand popular culture and grow into ‘participatory re cipients’ of popular culture. Results The class stages were specified in accordance with the genre characteristics of the music video and the content characteristics of the text selected in class. Above all, in the post-viewing activity, it was suggested that the learners produce secondary content on their own based on the popular culture texts learned in class and the content they researched. Conclusions Through this study, it was found that popular culture classes should be designed according to the genre and content characteristics of a popular culture text, and that learners can improve their critical under standing of popular culture and digital literacy skills through analysis of popular culture texts. In addition, it was ex pected that learners would be able to participate, communicate, and share in class as ‘participation consumer’ of popular culture, and ultimately improve their intercultural capability.

본 연구는 K-pop 산업의 구조적 문제를 분석하기 위해 기든스의 구조화 이론을 활용하여 다양한 행위자들(기획사, 아이돌, 소비자, 방송사, 투자자) 간의 상호작용을 탐구하는 것을 목적으로 한다. 기존 연구들이 단일 행위자 중심으로 K-pop 산업을 분석한 데 반해, 본 연구는 복잡한 생태계 내에서의 다층적 상호작용을 고려하여 산업의 구조적 특성과 문제점을 분석하고자 한다. K-pop 산업은 한국 경제에 큰 영향을 미치며, 다양한 행위자들이 상호작용하는 복잡한 사회 시스템이다. 구조화 이론을 통해, 행위자들이 구조를 형성하고 변화시키는 동시에 그 구조에 영향을 받는 역동적인 과정을 이해하고자 한다. 따라서 구조화 이론을 활용하여 다양한 행위자들의 상호작용을 분석하고, 이를 통해 K-pop 산업의 구조적 특성을 탐구하였다. 연구 결과, K-pop 산업은 다양한 행위자들의 상호작용을 통해 형성되며, 구조적 불평등과 권력 관계의 영향 아래에서 변화하고 있음을 확인하였다. 지속 가능한 발전을 위해서는 행위자 간의 권력 관계를 조정하고 공정한 산업 환경을 조성하는 노력이 필요하다. 따라서 기든스의 이중화 이론을 통해 K-pop 산업의 구조와 행위자 간의 상호작용을 분석함으로써, K-pop 산업의 지속 가능한 발전을 위한 방안을 모색할 수 있다. 결론적으로, 다양한 행위자들의 상호작용을 고려한 다층적 분석을 통해, K-pop 산업의 구조적 문제를 이해하고, 해결하기 위한 구체적 방안을 마련하는 것이 중요함을 강조한다. 이러한 노력은 K-pop 산업이 글로벌 엔터테인먼트 시장에서 지속적으로 성장하고 발전하는 데 기여할 것이다. 본 연구는 K-pop 산업이 글로벌 엔터테인먼트 시장에서 성장하고 발전하는 데 기여할 수 있는 이론적 및 실천적 토대를 제공한다.

The purpose of this study is to analyze the interactions between various actors using structuring theory to understand the fundamental structural problems of the K-pop industry. While existing studies tend to mainly focus on a single actor, this study comprehensively considers the interaction of various actors (arrangers, idols, consumers, broadcasters, investors) in the complex ecosystem of the K-pop industry and analyzes the structural characteristics and problems of the K-pop industry in depth. The K-pop industry greatly affects the Korean economy and is a complex social system in which various actors interact. Through structuring theory, we want to understand the dynamic process by which actors form and change structures while being affected by them. Therefore, the interaction of various actors was analyzed using the structuring theory, and the structural characteristics of the K-pop industry were explored through this. As a result of the study, it was confirmed that the K-pop industry is a structure formed and maintained through complex interactions of various actors. Therefore, by analyzing the structure of the K-pop industry and the interaction between actors through Giddens’ dualization theory, it is possible to find a way for the sustainable development of the K-pop industry. In conclusion, it emphasizes the importance of understanding the structural problems of the K-pop industry through multi-layered analysis considering the interaction of various actors and preparing concrete measures to solve them. These efforts will contribute to the continuous growth and development of the K-pop industry in the global entertainment market. This study provides a theoretical and practical basis that can contribute to the growth and development of the K-pop industry in the global entertainment market.

본 연구는 케이팝 아이돌 피지컬 앨범의 유통구조와 이에 따른 팬덤의 수용적 특징에 의한 앨범 차트 내 아티스트 편중 현상을 조명하고, 이를 개선하기 위한 방안을 제시하고자 한다. 현재 국내 음악시장은 케이팝 아이돌 음악산업이 주가 됨에 따라 비주류 음악의 경우 유통 및 홍보를 할 수 있는 콘텐츠 및 플랫폼의 다변화가 시급하다. 이를 위해 선행연구를 기반으로 음악 소비 방식의 변화와 이로 인한 음반산업의 변화 양상을 고찰하고, 써클차트 음반 판매량 분석을 통해 아티스트 편중 현상을 조명하고자 한다. 이후, 신진예술인 실태조사에 따른 예술 활동 단절 사례 분석을 통해 정책 개선의 요구와 대안, 그리고 정책 마련의 필요성을 제시한다. 본 연구를 통해 기술의 발전에 따른 음반 유통의 변화로 케이팝 아이돌의 피지컬 앨범은 랜덤 포토카드, 팬싸인회 응모권 등 부가 상품을 결합하여 유통되고 있으며, 앨범 구성 상세 설명의 미제공 문제와 음반 과소비 문제에 대한 대책 마련의 시급함을 확인할 수 있었다. 이러한 케이팝 음반 유통 과정으로 인해 아이돌 편중 현상이 심화되고 있음을 확인할 수 있었다. 또한, 예술 활동 경력 단절 경험의 수치가 매우 높은 것으로 집계된 예술인 실태조사를 근거로, 국내 음반시장이 케이팝 아이돌로 편중됨에 따라 비주류 음악 아티스트의 유통 및 홍보, 콘텐츠 등 예술 활동 환경의 변화와 개선책 마련이 시급함을 확인할 수 있었다. 본 연구는 케이팝 아이돌 산업에 치중되어있는 국내 음악시장의 문제점을 지적하고 대중음악 예술인의 활동 환경 조성에 도움이 될 수 있는 정책 제안의 근거 자료로써 의의를 지닌다.

This study aims to shed light on the phenomenon of artist concentration within K-pop physical album charts, influenced by the distribution structure of K-pop idol albums and the receptive characteristics of their fandoms, and to propose measures for improvement. To achieve this, the study examines changes in music consumption patterns and their impact on the recording industry. It also highlights artist concentration issues by analyzing album sales data from Circle Chart. Furthermore, the study addresses the need for policy improvement by analyzing cases of career disruption among emerging artists, based on a survey of their current status. Through this research, the urgency of addressing the issue of excessive consumption of K-pop idol physical albums due to changes in album distribution methods was identified. Additionally, the survey revealed a high rate of career interruptions among artists, emphasizing the pressing need for measures to improve the distribution, promotion, and content environment for non-mainstream musicians, given the domestic music market’s heavy focus on K-pop idols. This study holds significance as it critiques the disproportionate focus on the K-pop idol industry within the domestic music market and provides a foundation for policy proposals aimed at fostering a supportive environment for popular music artists.

엔터테인먼트 산업에서의 K-pop은 그동안 고질적인 문제점으로 지적되어온 획일성을 타파하고 독창성을 추구하기 위한 실험적 작곡 기법들을 적용함으로써 지금의 글로벌 성공을 거두었다. 본 연구에서는 K-pop Song form의 실험적 기법을 분석하여 K-pop 창작자들의 새로운 작곡 기법과 효과를 확인하여 K-pop 제작 이론의 초석을 마련하고자 하였다. 연구 방법으로는 대중적 인기를 얻은 최신 작곡 기법을 연구하기 위해 최근 2년인 2022, 2023년 동안 멜론 차트 상위 20곡 내의 K-pop 17곡을 선정한 후, 전형적인 Song form과 비교하여 나타난 실험적 기법들을 분석하였다. 연구대상 17곡 중 16곡에서 Song form의 실험적 기법이 발견되어 선행연구에서 보고한 실험적 기법들이 확장과 함께 새로운 기법들을 확인하는 유의미한 결과를 도출하였다. 관찰된 song form의 실험적 기법은 2개 이상의 Chorus의 등장, 비획일적 배치, Break 구간의 등장, 섹션 분절, 다른 섹션이 변형된 형태의 새로운 섹션의 등장, Chorus외 다른 섹션에서의 분할, Intro외 다른 섹션에서 4배수 아닌 마디 사용 등 총 7항목이었으며 각 항목에서도 다양한 변화 양상이 나타났다. 이를 통해 K-pop의 실험적 시도가 지속되고 있음을 알 수 있었고, 이러한 시도는 대중들의 좋은 반응을 이끌어 내고 있음이 확인되었다.

K-pop became one of the greatest entertainment businesses in the global market. Until K-pop achieved global success, there were efforts to maintain its popularity in line with the changing society and public. In terms of music, changes were made to overcome the chronic problem of uniformity in K-pop, and new composition techniques were developed. In this study, the experimental techniques of the song form of K-pop were analyzed. To study the latest composition techniques that have gained popularity, 17 K-pop songs in the top 20 of the Melon chart in the past two years (2022 and 2023) were selected, and the experimental techniques that emerged were analyzed by comparing them with typical song forms and compared with changes in K-pop song formats in recent previous studies. As a result of the study, experimental techniques of song form were discovered in 16 of the 17 songs studied. Not only were the experimental techniques that emerged in previous studies expanded, but new techniques also emerged. The length of the song has become shorter, the sections have become more segmented, and various changing factors have appeared. The causes of these changes are not only the joint compositions analyzed in previous studies, the influence of EDM, the composition method using DAW, and the provision of various parts for many idol members, but also the social and cultural changes that prefer content that can be enjoyed in a short but diverse manner amidst the flood of information. Based on the experimental techniques organized in this study, the study will serve as a foundation for looking back on the musical efforts of K-pop in the past, understanding the effects of composition techniques, and designing the direction of future musical development.

이 글은 K-Pop의 세계관을 해석과 전유를 통해 확장하고 증식하는 서사들의 관계로 읽어내고자 시도한다. 특히 팬덤이 콘텐츠를 해석하고 전유함으로써 서사와 세계관을 구성하고 때로는 새로이 기획된 서사와 충돌하는 사례를 일별한다. 이로써 기획과 아티스트, 그리고 팬덤이 서사를 구성하고 공통의 세계관을 구성하는 과정에서 작용하는 장력은 무엇인가에 관심을 기울인다. 이를 위해 이 글은 K-Pop 세계관에서 주목을 요하는 세 가지 사례로 에스파(SMCU), BTS(｢착호｣), 엔하이픈 및 앤팀(｢다크 문｣)의 세계관과 서사의 동력을 분석한다. 기획된 ‘정본의 서사’를 순차적으로 소비하는 에스파의 팬덤이 주로 해석과 설명의 방식으로 세계관을 향유하는 데에 비해, ｢착호｣와 ｢다크 문｣의 사례는 웹서사를 통해서 정본의 서사와 세계관을 구성하려 했던 기획과 서사의 충돌 혹은 공존을 보여준다. K-Pop의 세계관은 팬덤의 해석과 전유의 텍스트를 통해서 구축되는 동시에 자율적이며 팬덤이 지켜야 할 가치다. 그러므로 이 글은 K-Pop 팬덤의 세계관을 수많은 서사를 담은 텍스트들의 공간이자, 팬덤 공통의 가치인 세계관을 지키기 위한 결속의 장이며, 소비와 생산 사이의 긴장이 서사 안에서 진동하는 장으로 읽어내고자 한다. 서로를 참조하고 가로지르며 정본과 변종 사이의 우위를 만들지 않는, 변이하고 증식하며 연결되는 서사들의 도서관이다.

This article attempts to read K-pop Universe as a relationship of narratives that are expanded and multiplied through interpretation and appropriation. In particular, it identifies instances in which fandom constructs narratives and K-pop Universe. through interpretation and appropriation of content, sometimes in conflict with newly constructed narratives. In doing so, it draws attention to the relationship between entertainment companies, artists, and fandom in the process of constructing narratives and worldviews. To this end, this article analyzes the K-pop Universe. and narrative dynamics of Aespa (SMCU), BTS (“7FATES-CHAKHO”), ENHYPEN, and &Team (“Dark Moon”) as three representative examples of K-pop Universe. Whereas Aespa's fandom, which sequentially consumes the planned “canonical narrative,” enjoys the universe primarily through interpretation and explanation, the cases of “CHAKHO” and “Dark Moon” show how the narrative produced by the entertainment company and the fandom's narrative either collide or successfully coexist. This article therefore seeks to read the K-Pop Universe as a space of texts that contain numerous narratives, a place of solidarity in defense of the fandom's common values, and a place where the tension between consumption and production oscillates within the narratives. It is a library of mutating, multiplying, and connecting narratives that reference and cross each other and do not create a dominance between the canonical and the variant.

본 연구는 2000년부터 2020년까지K-pop 작곡가들의 공동 작곡 데이터를 추출하고, 작곡가들의 상호작용을 기반으로일원모드 네트워크(one-mode network) 를 도출하여 이러한 상호작용 네트워크가전반적으로 어떠한 구조를 보이는지를 분석하였다. 싸이(Psy)의 강남스타일이 세계적으로 인기를 끈 2012년을 기준으로, 2000년부터 2012년(353곡)과 2013년부터2020년까지(198곡)의 공동 작곡 네크워크는 어떠한 차이점을 지니고 있는가를 제시하였다. 본 연구의 의의는 공동 작곡가들 의 협업과 해외 작곡가들의 참여가 꾸준히늘고 있는 상황에서, 한 명의 작곡가가 창작한 다양한 작품들이 존재하는 K-pop으로 나아갈 가능성을 논의하는 데 있다.

This study extracted the co-writing data of K-pop composers from 2000 to 2020 and derived a one-mode network based on the composers’ interactions to analyze the overall structure of these interaction networks. Based on the year 2012, when Psy’s Gangnam Style became popular worldwide, we show the differences between the co-writing networks from 2000 to 2012 (353 songs) and 2013 to 2020 (198 songs). The significance of this study is to discuss the possibility of moving toward a K-pop where there is a diversity of works created by a single composer, as the collaboration of co-composers and the participation of overseas composers are steadily increasing.