Earticle

본 연구는 한국 문화산업 내 대중음악 연주자들의 불안정한 노동환경과 제도적 보호 부재 문제를 조명하고, 이를 개선하기 위한 실질적 방안으로서 한국형 뮤지션 유니온의 필요성과 제도적 구축 방향을 제시하고자 한다. 현재 국내 음악산업 속에서 다수의 대중음악 연주자들이 프리랜서 형태로 활동하며, 불투명한 계약 관행과 낮은 보수, 복지 사각지대에 놓여 있는 실정이다. 이를 위해 본 연구는 문헌 연구와 사례 분석을 중심으로 한국 대중음악 연주자의 노동 실태를 검토하고, 영국 Musicians’ Union의 제도적 구조와 운영 방식을 분석하였다. 분석 결과, 영국은 고용권리법을 통해 전형적 고용관계 밖의 노동자에게도 법적 보호를 제공하고 있으며, 연주자 수당 가이드라인 제시, 계약 자문, 복지 서비스, 정부 및 방송사와의 단체 협약 등을 통해 음악인의 권익 보호와 함께 노동권을 제도적으로 보장하고 있었다. 반면 한국은 전형적 근로자 중심의 법체계로 인해 프리랜서 연주자들이 제도적 보호에서 배제되어 있는 것으로 나타났다. 본 연구는 이러한 분석을 토대로, 한국형 뮤지션 유니온이 음악인과 민간 주체의 자발적 참여를 기반으로 설립·운영되어야 하며, 정부는 해당 조직이 안정적으로 기능할 수 있도록 법적·제도적 기반과 재정적 지원을 제공하는 조력자 역할을 수행해야 함을 제안한다. 또한 출연료 기준 마련, 보험·경력 지원, 법률 자문 등 실질적 서비스를 포함하는 운영 체계와 더불어 정부·민간·산업을 연결하는 플랫폼형 네트워크의 구심적 구조가 필요함을 강조하였다. 본 연구는 대중음악 연주자의 노동권 보호와 예술노동의 공공성 강화를 위한 정책적 제도화 논의를 위한 기초 자료로서 의의를 지닌다.

This study examines the precarious working conditions of freelance popular music performers in Korea and the lack of institutional protections within the cultural industries. Through literature review and case analysis, it compares the Korean context with the UK Musicians’ Union, which provides non-standard workers with support such as minimum fee guidelines, contract advice, welfare services, and collective agreements under the Employment Rights Act. In contrast, Korea’s employee-centered labor law framework leaves most freelance performers outside formal protection. Based on these findings, the study proposes establishing a Korean-style Musicians’ Union grounded in the voluntary participation of performers and private actors, with the government serving as a facilitator by offering legal and financial support. It further highlights the need for practical services including standardized fee systems, insurance and career support, and legal consultation and a platform-based network linking government, industry, and artists. This research offers foundational insights for strengthening performers’ labor rights and enhancing the public value of artistic labor.

본 연구는 메타버스 음악교육의 특성이 학습 몰입, 심미적 감성역량 및 학업성취도에 미치는 영향을 분석하고, 학습 몰입의 매개효과를 검증하였다. 연구 결과, 메타버스 음악교육의 상호작용성, 게임 요소, 자율성, 개인화가 모두 학습 몰입에 유의미한 정(+)의 영향을 미쳤으며, 특히 자율성이 학습 몰입에 가장 큰 영향을 미친 것으로 나타났다. 이는 학습자가 메타버스 환경에서 스스로 학습 경로를 설정하고 조절할 수 있을 때, 더욱 몰입하게 된다는 것을 시사한다. 학습 몰입은 심미적 감성역량과 학업성취도에 각각 유의미한 긍정적인 영향을 미쳤다. 학습자가 학습에 깊이 몰입할수록 감성적 측면과 학업적 성과가 함께 향상된다는 결과를 도출하였다. 학습 몰입의 매개효과 분석 결과, 메타버스 음악교육의 각 특성이 학습 몰입을 통해 심미적 감성역량과 학업성취도에 긍정적인 영향을 미치는 경로가 확인되었다. 특히, 상호작용성, 게임 요소, 자율성, 개인화 모두 학습 몰입을 통해 심미적 감성역량을 향상시키는 간접효과를 보였고, 학습 몰입이 학업성취도에 미치는 간접효과도 유의미하게 나타났다. 본 연구의 결과는 메타버스 음악교육에서 학습자의 몰입을 유도하는 다양한 특성들이 감성적 역량과 학업적 성과를 동시에 향상시킬 수 있다는 것을 시사하며, 메타버스 음악교육 설계의 향후 방향성을 제시한다.

This study analyzes the impact of the characteristics of metaverse music education on learning engagement, aesthetic emotional competence, and academic achievement, and examines the mediating effect of learning engagement. The results showed that the interactivity, game elements, autonomy, and personalization of metaverse music education all had a significant positive impact on learning engagement, with autonomy having the greatest influence. This suggests that learners are more likely to immerse themselves in the learning process when they can independently set and control their learning path in the metaverse environment. Learning engagement had a significant positive effect on both aesthetic emotional competence and academic achievement. The more deeply learners engaged in the learning process, the more their emotional and academic outcomes improved. Analysis of the mediating effect of learning engagement revealed that each characteristic of metaverse music education positively influenced aesthetic emotional competence and academic achievement through learning engagement. Specifically, interactivity, game elements, autonomy, and personalization all showed indirect effects in improving aesthetic emotional competence through learning engagement, and learning engagement also had a significant indirect effect on academic achievement. The results of this study suggest that various characteristics of metaverse music education, which promote learners' engagement, can simultaneously enhance both emotional competence and academic performance, offering directions for future design of metaverse music education.

본 연구는 지역축제가 지역경제 활성화에 큰 기여를 하는 고부가가치산업이라는 인식이 확산되고 있는 시점에, 산업연관모델을 이용하여 제3회 제천국제음악영화제의 경제적 파급효과를 분석하였다. 지역축제에 대한 경제적 파급효과는 주최측의 축제예산지출과 방문객들의 재화와 서비스에 대한 지출액으로 산출된다. 제천국제음악영화제에 방문한 외지인은 전체 관객의 69.3%를 차지하며 1인당 평균지출액은 109,070원이었다. 지역축제의 경제적 효과를 분석한 결과, 제3회 제천국제음악영화제는 13억 4천만원의 예산을 들여 약 58억 7천만원의 생산유발효과를 제천지역 경제에 가져 왔고, 약 43억 4천만원의 부가가치 유발효과를 창출한 것으로 조사됐다. 이러한 연구결과는 지방자치단체의 지역축제 정책을 수립하는데 큰 역할을 할 것으로 기대된다.

This paper examines the estimate the economic impact of Regional Festival, 2007 JIMFF(Jecheon International Music and Film Festival), using an Input-Output(I-O) model. For the research, the Regional Input-Output analysis was used, which makes it easy to grasp the economic impact of the tourism industry and other industries in Jecheon. The study revealed that other tourists of the 2007 JIMFF consisted of 69.3% of the total inward tourists and per capita expenditure was estimated to be 109,070 won. The results show that in 2007 JIMFF receipts generated output impact of 5,870 million won and value-added impact of 4,340 million won, respectively. I think the result of this study can be used as an objective indicator to help to establish and implement regional festival policies for the local government.

본 연구는 4차 산업혁명을 기반으로 한 2015 음악과 교육과정에서 요구하는 음악적 창의, 융합사고 역량과 음악 정보처리 역량에 대한 분석과 성취기준에 대한 표현, 감상, 생활화 영역에 대한 분석을 목적으로 하였다. 이를 위해 초등 5학년과 6학년 교과서 16종을 선택하여, 분석한 결론은 다음과 같다. 초등 5학년에서는 정보처리 역량이 높은 비중을 차지하였고, 초등 6학년으로 학년이 올라감에 따라 창의, 융합사고 역량의 비중이 높았다. 성취기준 측면에서는 표현 영역에서 많은 비중을 보여 주었고, 초등 6학년에서는 감상 영역에서 낮은 비중을 보여 주었다. 핵심역량과 무관하고 분류되어 있지 않은 기타 영역은 다양한 부분에서 4차 산업혁명과 관련한 내용이 수록되어 있음을 확인할 수 있었고, 핵심역량과 내용 체계에 따른 분석에서 교과서 간 편차가 있음을 확인할 수 있었다. 4차 산업혁명과 관련되어 기술된 교과서 내용은 아주 다양한 영역을 기술하고 있음을 확인할 수 있다. 정보처리역량, 창의, 융합사고 역량과 연관된 음악 교육 학습 요소에 관한 교과서 비중의 변화와 감상과 생활화 영역의 비중 확대가 필요하며, 음악 교육의 새로운 패러다임인 VR, AR, IoT, 빅데이터와 관련한 다양한 학습 방법에 관한 연구가 진행되어야 할 것이다.

The purpose of this study is to analyze the areas of musical creativity, convergence thinking capability and music information processing capability required in the 2015 music curriculum based on the 4th Industrial Revolution, and the expression, appreciation, and daily life of achievement standards. I did. To this end, 16 textbooks for 5th and 6th graders were selected and analyzed as follows. In the 5th grade of elementary school, information processing competency occupied a high proportion, and as the grade went up to the 6th grade of elementary school, the proportion of creative and convergent thinking competence was high. In terms of achievement standards, a large proportion was shown in the expression area, and in the 6th grade of elementary school, a low proportion was shown in the area of ??appreciation. In other areas that are not classified and irrelevant to core competencies, it can be confirmed that contents related to the 4th Industrial Revolution are included in various areas, and there are deviations between textbooks in the analysis according to core competencies and content systems. Finally, it can be seen that the contents of the textbooks described in connection with the 4th Industrial Revolution describe a wide variety of areas. In the future, it is necessary to change the weight of textbooks on music education learning elements related to information processing capability, creativity, and convergence thinking capability, and to increase the weight of appreciation and daily life, research on various learning methods related to VR, AR, IoT and big data, a new paradigm of music education, should be conducted.

본 논문은 지역 축제의 문제점을 살펴본 후 지역 축제가 나아갈 방향을 살펴보고자 하였다. 특히 세계적으로 문화예술이 강조되는 관광산업의 추세 속에서 음악을 연계하여 지역 축제를 활성화할 방안을 모색하고자 하였다. 이를 위하여 국내에서 개최되고 있는 지역 축제의 발전과정과 문제점을 짚어보고, 현재 정부가 주도하는 관광 전략을 확인하였으며, 문화콘텐츠와 연계한 문화예술관광과 공연예술 축제의 성공 가능성을 알아본 후 문화콘텐츠를 효과적으로 보여줄 수 있는 전략으로 스토리텔링을 제시하였다. 그리고 치밀한 스토리텔링 전략을 통해 차별화된 음악 축제로써 잘츠부르크 페스티벌, 브레겐츠 페스티벌, 몬트리올 국제 재즈 페스티벌의 사례를 검토한 후 국내 음악 축제에 스토리텔링을 적용하는 구체적인 방안을 연구하였다. 끝으로, 저자가 개최했던 한국⋅러시아의 여러 축제 및 연주회를 스토리텔링이 적용된 축제의 성공적인 개최 사례로 제시하였으며, 향후 음악 축제의 전망을 밝혔다.

This thesis tried to examine the problems of local festivals and to examine the future direction of local festivals. In particular, it tried to find a way to revitalize local festivals by linking music in the trend of the tourism industry, where culture and arts are emphasized worldwide. To this end, it examines the development process and problems of local festivals held in Korea, and confirms the tourism strategy currently led by the government. In addition, it investigated the possibility of success of cultural art tourism and performing arts festivals linked with cultural contents. After that, it presented storytelling as a strategy to effectively show cultural contents. And after examining the cases of Salzburg Festival, Bregenz Festival, and Montreal International Jazz Festival as differentiated music festivals through a detailed storytelling strategy, I studied specific ways to apply storytelling to domestic music festival. Finally, I presented the various festivals and concerts in Korea and Russia that I had hosted as successful cases of festivals that applied storytelling, and revealed the prospects for future music festivals.

본 연구는 죄르지 리게티 (György Ligeti, 1923-2006)의 《현악 4중주 제 2번》(1968) 제3악장을 중심으로, 음악적 시간과 음향 구조 속에 내재된 황금비율(Golden Ratio) 및 프랙탈 구조(Fractal Structure)의 작동 원리를 분석했다. 리게티의 후기 작곡 양식은 미시적 리듬 조직과 거시적 시긴 비례가 교차하는 구조적 긴장을 특징으로 하며, 본 논문은 이를 수학적 비례와 자기 유사성의 관점에서 조명하였다. 연구 방법으로는 악보 기반의 음역 분포 분석과, 정규화된 시간(Normalized Time)을 축으로 한 시각적 음향 도식화(Visual Graphing)을 병행하였다. 이를 통해 리게티가 각 구간의 확장(Expansion)과 수축(Contraction)을 황금비 φ = 0.618에 따라 설계했음을 규명할 수 있었다. 특히 제 3악장 A-B-A’구조에서 나타나는 음역의 상하 대칭과 반복적 패턴은 프랙탈 이론에서 말하는 자기 유사성(Self-Similarity)의 원리를 직접적으로 반영한다. 이러한 구조적 유사성은 리게티 음악의 핵심 미학인 ‘정밀한 질서 속의 유기적 생성’을 시각적, 청각적으로 동시에 구현한다. 분석 결과, 리게티의 음악은 단순한 황금비 적용을 넘어 시간 전개와 음향 밀도의 조직화를 통해 비례 기반의 패턴이 반복·확장되는 프랙탈적 형식미를 드러낸다. 이는 구조적 질서와 표면적 복잡성이 비례와 반복의 원리 안에서 통합적으로 작동함을 보여주며, 이러한 황금비·프랙탈 전략은 20세기 후반 음악의 수학적 미학과 ‘질서와 혼돈의 공존’이라는 담론을 해석하는 유효한 틀을 제공한다. 더 나아가 본 연구에서 확인된 비례 구조는 알고리즘 음악, 영상·게임 사운드 디자인 등 현대 문화산업의 창작 시스템에서도 감정 곡선 설계와 장면 전환 조절 등 구조적 모델로 활용될 수 있는 가능성을 제시한다.

This study analyses the operational principles of the Golden Ratio( φ = 0.618) and fractal structure embedded in the musical time and sonic organization of Gyorgy Ligeti’s String Quratet no.2 (1968), 3rd Movement. Ligeti’s late compositional style is characterized by a structural tension between micro-level rhythmic precision and macro-level proportional balance. This paper approaches such a duality through the lens of mathematical proportion and self-similarity, aiming to reveal the logic of order and organic generation that underlies Ligeti’s musical architecture. The research combines score-based register distribution analysis with visual graphing on a normalized time axis, demonstration that the expansion and contraction of pitch ranges are designed according to the Golden Ratio as a temporal pivot. Particularly, the symmetrical distribution and recursive patterning of pitch in the A-B-A’ formal structure of the third movement correspond closely to the principle of self-similarity defined in fractal theory. Such a configuration transforms proportional relationships into perceptible auditory form, simultaneously manifesting precision and organic continuity within a single structural framework. The analysis shows that Ligeti’s music employs proportional and fractal patterns that integrate structural order with surface complexity, extending beyond a simple use of the golden ratio. These proportional principles also offer potential applications in contemporary cultural-industry practices, including algorithmic composition and audiovisual sound design.

본 연구의 목적은 아도르노 문화산업론에 입각해 아이돌음악에 대한 청소년의 경험 및 인식을 살펴보는데 있다. 먼저 아도르노의 핵심사유를 고찰하고, 이를 전제로 초점집단 인터뷰를 실시하였다. 구체적으로 국내 음악산업이 아이돌음악 중심으로 편재되어 표준화되는 현상에 대한 인식은 어떠한지, 대형 엔터테인먼트 기획사에 의한 산업적 논리에 어떻게 순응하는지, 아이돌음악에 잠재되어 있는 동일성의 원리를 어떻게 견지하는지에 대한 의미가 도출되었다. 첫째, 아이돌음악의 표준화에 대해 고유색이 사라지고 비슷한 멜로디가 강조된다는 맥락에서 비판적 시각을 견지했지만, 산업적 기여도는 높게 평가했다. 둘째, 대형 엔터테인먼트 기획사의 주도에 대해서는 이익의 크기로 영향력이 결정되는 현실을 인정하면서도, 그들에 의해 음악산업 전체가 좌우되는 점은 우려를 표했다. 셋째, 과반수이상의 참여자들은 아이돌음악의 지속적 청취가 음악적 취향을 동질화시킴으로써 올바른 사고에 방해됨을 밝혔다. 이렇듯 본 연구는 그동안 지나치게 낙관론의 입장에서 비춰져왔던 아이돌음악을 아도르노의 비판적 시각을 통해 새롭게 조명함으로써 다양한 논의를 이끌었다는 차원에서 의의를 갖는다. 또한 그동안 아이돌음악의 가장 큰 소비층임에도 불구하고 간과되어 왔던 청소년을 대상으로 그들의 인식을 분석했다는 점에서 의미를 부여하는 바이다.

This study explored the adolescents understanding of Korean Idol music focusing on Adorno’s theory of Culture Industry. This study was aimed to investigate from what perspective adolescents interpreted the phenomena that domestic music industry has become standardized based on Idol musicians or groups, how they conformed to the industrial logic of Idol music by large-scale entertainment agencies, how they consumed idol music, and how they evaluated the principles of homogeneity embedded in its consumption, thus deducting concrete meaning from the said investigation. Qualitative analysis is performed based Focus Group interview. While keeping this in mind that it is expected that music should be created with great responsibilities from various perspectives for the creative thinking of adolescents, and the adolescents also should approach the idol music with their own standards.

코로나-19 이후 디지털 전환과 혁신이 강조되는 상황 속에서 교육 역시 이러한 변화에 유연하게 대처할 수 있도록 첨단 기술을 활용한 융합 수업을 진행할 필요성이 제기되었고, 이미 여러 학문에서 인공지능, 빅데이터, 블록체인 등을 활용한 새로운 교육법이 활용되고 있다. 음악에서는 도제식 교육이라는 교육적 특수성으로 인해 첨단 기술을 접목하기 위한 시도가 많이 이루어지지는 않았지만, 급변하는 교육 환경, 디지털 교육이 강조되는 추세 속에서 새로운 교육법을 연구할 필요성이 꾸준히 제기되고 있다. 이에 본 논문은 첨단 기술을 접목한 새로운 교육법이라 할 수 있는 에듀테크를 음악교육에 활용하는 방법과 이를 통한 음악교육 콘텐츠의 개발 가능성에 대해 제언하고자 하였다. 이를 위하여 현재 진행되고 있는 온라인 음악교육의 현황과 문제점을 살펴본 후 4차 산업혁명에 맞는 교육 시스템으로써 에듀테크의 개념, 특징, 그리고 전망에 대해 알아보았다. 마지막으로, 에듀테크를 활용한 음악교육의 발전 가능성을 확인한 후 에듀테크가 적용된 음악교육 콘텐츠의 개발을 제안하였다. 이번 연구를 통해 음악교육도 디지털 기술을 활용한 혁신적인 수업으로 변화할 가능성이 높고, 특히 음악교육에 에듀테크의 여러 디지털 콘텐츠를 적용한다면 높은 학습 효과가 기대된다는 결론에 도달하였다. 그러나 이러한 음악교육 콘텐츠가 상용화되기 위해서는 많은 비용과 시간이 필요할 것으로 예상된다. 따라서 저자를 비롯하여 음악교육에 참여하고 있는 관계자 모두 계속 발전하는 기술이나 새롭게 등장하는 기술에 많은 관심을 기울이고, 이를 음악교육에 연계하기 위한 노력을 할 필요가 있다.

In a situation where digital transformation and innovation are emphasized after COVID-19, the need for convergence classes using advanced technology in education has also been raised to be flexible in responding to these changes. New education methods using Artificial Intelligence, Big Data, and Blockchain are already being used in various disciplines. In music, due to the educational specificity of apprenticeship education, not many attempts have been made to incorporate cutting-edge technology, but the need to study new education methods is constantly being raised amid the rapidly changing educational environment and the trend of emphasizing digital education. Therefore this thesis is intended to suggest a method of using Edutech, which can be called a new educational method that incorporates cutting-edge technology, in music education, and to suggest the possibility of developing music education contents through this. To this end, I examined the current status and problems of online music education, and then looked into the concept, characteristics, and prospects of Edutech as an education system suitable for the Fourth Industrial Revolution. Finally, after confirming the development potential of music education using Edutech, I proposed the development of music education contents applied with Edutech. Through this study, I came to the conclusion that music education is highly likely to change to an innovative class using digital technology, and in particular, high learning effects are expected if various digital contents of Edutech are applied to music education. However, it is expected that a lot of money and time will be required to commercialize these music education contents. Therefore, it is necessary for both the author and those involved in music education to pay much attention to continuously developing or emerging technologies, and to make efforts to connect them to music education.

본 연구는 감정인식 기반 AI 기술을 활용한 영상 음악 제작 프레임워크를 제안한다. 기존 AI 영상 음악 연구는 주로 영상의 시각적 특징과 오디오를 동기화하는 방식에 집중해 왔으나, 이러한 접근은 영상 음악의 감정적 기능을 충분히 반영하는 데 한계가 있다. 예를 들어, 동일한 시각적 분위기의 장면이라도 등장인물의 내적 감정이나 서사적 맥락에 따라 음악적 표현이 달라질 수 있으나 시각 정보만으로는 이를 포착하기 어렵다. 한편, 시나리오와 같은 텍스트 데이터에는 서사 전개, 인물의 심리나 의도 등 화면에 직접 드러나지 않는 정보가 포함되어 있으며, 이는 실제 영상 음악 제작 과정의 초기 단계에서 음악의 방향성을 설정하는 핵심 자료로 활용된다. 이에 본 연구는 시나리오 텍스트에 내재된 감정 정보를 활용하여 기존 연구의 한계를 보완하기 위한 접근을 제시한다. 제안된 프레임워크는 세 단계로 구성된다. 먼저 자연어 처리(NLP)를 통해 시나리오 텍스트에서 Valence–Arousal 기반 감정 좌표를 시계열적으로 추출하고, 이를 음악 감정인식(MER) 기반 감정-음악 인코딩 시스템(EMES)을 통해 템포·조성·음색 등의 음악 파라미터로 변환한 뒤 해당 파라미터를 프롬프트로 확장하여 T2M(Text-to-Music) 모델을 통해 음원을 생성한다. 프레임워크의 효용성을 검증하기 위해 3편의 한국 드라마 시나리오를 대상으로 사례 연구를 수행하였다. 실험 결과, 텍스트 분석 모델은 CCC 0.86의 높은 일치도를 보였으며 전문가 평가(평균 3.92/5.0)를 통해 최종 생성 음원이 장면의 감정적 의도 및 변화 양상을 전반적으로 반영하고 있음이 확인되었다.

This study proposes a film and drama music production framework utilizing emotion recognition-based AI. Existing visual-centric AI music generation often fails to capture the emotional depth of music, as identical visual scenes may require different musical expressions depending on characters' inner emotions and narrative contexts. To address this, we focus on scenario texts, which contain crucial unobservable cues?such as narrative progression and psychological intent?essential for establishing early-stage musical direction. The proposed framework operates in three steps: (1) extracting time-series Valence-Arousal emotion coordinates from scripts using Natural Language Processing (NLP); (2) converting these coordinates into musical parameters (tempo, key, timbre) via an Emotion-Music Encoding System (EMES) based on Music Emotion Recognition (MER); and (3) utilizing these parameters as prompts to generate audio through a Text-to-Music (T2M) model. A case study on three Korean drama scenarios validated the framework. The text analysis model achieved high agreement (CCC = 0.86), and expert evaluations (3.92/5.0) confirmed that the generated music effectively reflected the scenes' emotional intentions and transitions.