Earticle

영화 등 영상저작물에서 음악을 사용하고자 할 경우 저작권에 대한 권리처리가 필요하다. 방송에서의 음악저작물에 대한 권리처리는 지상파방송사 등 플랫폼 사업자들이 한국음악저작권협회와의 포괄사용계약과 저작권법상 저작인접권에 대한 보상금 지급을 통해 비교적 간편하게 이루어지고 있다. 반면 영화에서의 권리처리는 영화제작자 등이 권리자(단체)와 개별적으로 협상하는 형태로 상대적으로 불편하게 이루어져 왔다. 나아가 2010년경부터 한국음악저작권협회 등 신탁단체들이 영화관에서의 영화상영에 대한 공연사용료를 징수하고자 했다. 영화계와의 협상과정에서 형사고소, 민사소송 등이 제기되기도 했지만, 문화체육관광부의 중재와 주요 쟁점에 대한 법원의 판단을 바탕으로 영화 음악의 사용에 대한 기준을 마련하였다. 핵심적인 내용은 영화에 음악저작물을 이용함에 있어서 복제‧배포‧공연 등을 일괄적으로 허락하는 경우의 곡당 사용료는 “300만원 + (스크린당 곡단가 × 개봉 첫날 스크린 수) × 지분율”로 계산한다는 것이다. 하지만 몇 가지 쟁점은 여전히 풀어야 할 숙제로 남아 있다. 예를 들면 해외 기성곡의 사용에 대한 저작권 처리 기준의 부재, 음반제작자의 권리에 관한 사용료 징수규정의 개정, 음저협과 음실련에 가입되어 있지 않은 저작권자와 실연자들에 대한 권리처리문제, 신탁단체를 탈퇴한 권리자의 권리 처리문제, 저작인격권 관련 쟁점, 2차 시장에서의 전송권 관련 문제 등이 대표적이다. 그럼에도 불구하고 영화산업에서 영화 음악의 이용에 관하여 이해관계자들의 논의를 통해 객관적인 기준을 마련한 것은 창작물의 보호와 이용에 관한 적절한 균형점을 찾아가고 있다는 점에서 매우 높이 평가할 수 있으며, 향후 시나리오 작가 등 다른 권리자들과의 관계에서도 적절한 균형점을 찾는 노력이 필요하다.

When a film producer wants to use music in their movie, they must process copyright. The handling of music copyright in films has been relatively difficult compared to the broadcasting industry in that film makers should negotiate directly with the rights holders. By 2010, furthermore, the Korean Music Copyright Association (KOMCA) sought to collect royalties on movie theaters. During the negotiations with the film industry, KOMCA filed criminal charges and civil lawsuits. However, through the intervention of the Ministry of Culture, Sports and Tourism, and based on the judicial judgement on major issues, the criteria for the payment of music copyright fees in film industry were established. However, some issues still remain to be solved ; the absence of a copyright process standard for the use of overseas music, the revision of terms of use for the rights of the music producers, the copyright issues of right holders who don't belong to collective organizations, the issues of handling rights of right holders who left collective organizations, authors' moral rights issues, and transmission rights issues in secondary markets. Nonetheless, it is highly appreciated that the objective criteria for the use of music in the film industry through discussion by stakeholders since it aims to find a suitable balance point for the protection and use of creative works. Efforts should be made to find appropriate balances in relation to other rights holders such as screenwriters.

지난날 민요를 비롯한 전통음악은 산업화의 흐름과의 대척점에 놓여 있었다. 오랜 세월동안 산업화, 도시화 과정에서 소외당했고 쇠퇴의 운명에 처해 있었기 때문이다. 하지만 비교적 최근부터 이러한 상황은 역전되기 시작했고 전통음악은 산업화의 주체로 호명되기 시작하였다. 그런데 이미 허약해진 공동체적 기반에서 산업화를 위한 노력은 불가피하게 공공 지원사업으로 기획되는 경우가 일반적이다. 주로 관광산업을 일으키기 위한 지자체의 정책으로 산업화가 기획되고 있다. 그래서 본 논문에서는 지자체 등에 의한 전통음악 산업화 추진의 현황을 분석하고 지난날의 민요부흥운동을 그와 함께 살펴보았다. 그 결과 직접적이고 사전적인 지원 유형보다는 간접적이고 사후적인 지원 유형이 전통음악의 산업화에 더욱 효과적이라는 잠정적 결론에 이르게 되었다. 또한 지난날 민요부흥운동의 사례를 통해 전통음악의 산업화는 공동체와의 긴밀한 연계 속에서 이루어져야 할 당위성도 확인하게 되었다. 하지만 사례를 충분히 수집, 검토하지 못한 한계를 남겼다. 따라서 향후에는 정성적 측면은 물론 충분한 사례 분석을 통한 정량적이고 객관적인 지표를 제시할 수 있는 후속 연구가 요구된다.

In the past times, traditional music, including folk songs were placed in the antipodes of the flow of industrialization. Over the years of industrialization and urbanization, the music were alienated from the process and sentenced to the fate of decline. However, relatively recently this situation started to be reversed and traditional music began to be called as the subject of industrialization. But in general, efforts for industrialization of traditional music are inevitably planned as administrative support business in the ground of fragile community condition. Mainly the industrialization policies of local governments have been planning to support the tourism industry. So, this paper analyzed both the current situation of traditional music industrialization promoted by local governments and folk songs revival movements of yesterday. In the analysis of the industrialization of traditional music, we came the conclusion that indirect types of government supports are more effective than direct and proactive types of supports. The industrialization of traditional music also was confirmed the necessity that should be done in close conjunction with the community through the practice in the past folk revival movement. However, this study left the limits of not examining closely the various cases. Therefore, future studies will need to be able to present a quantitative and objective indicators over the full case study.

K-POP 산업의 글로벌 성장과 함께 음원 저작권 관리의 복잡성 또한 증가하고 있다. 그러나 현행 저작권 관리 체계는 ISRC, ISWC 등 식별코드와 메타데이터 간 불일치로 인한 권리자 식별 오류, 스트리밍·방송·UGC 플랫폼 등 다양한 유통 채널에서 발생하는 사용 이력의 분절적 관리, 그리고 다층적 권리 구조와 중개 기관 중심의 정산 절차로 인한 비효율성이라는 구조적 한계에 직면해 있다. 본 연구는 이러한 문제를 완화하기 위한 통합적 대안으로, AI 기반 음원 식별 기술과 블록체인 기반 이력 관리 기술을 결합한 시스템 아키텍처를 제안한다. 제안 모델은 딥러닝 기반 오디오 핑거프린팅과 대규모 벡터 검색을 통해 음원 식별의 확장성을 고려하고, Hyperledger Fabric 기반 허가형 블록체인을 활용하여 사용 이력의 무결성과 접근 통제를 동시에 확보하도록 설계되었다. 또한 스마트 컨트랙트 구조를 통해 정산 규칙의 자동 실행 가능성을 탐색한다. 본 연구는 이론적 배경과 관련 연구 분석을 토대로 산업 적용을 고려한 통합 설계 프레임워크를 제시한다는 점에서 의의를 가진다. 이러한 설계는 K-POP 산업에서 창작자의 권리 보호와 정산 투명성 제고를 위한 후속 실증 연구와 기술 구현의 기초 모델로 활용될 수 있을 것으로 기대된다.

To address these challenges, this study proposes an integrated system architecture that combines AI-based music identification technologies with blockchain-based usage record management. The proposed model incorporates deep learning-based audio fingerprinting and large-scale vector search to enhance the scalability of music identification, while employing a permissioned blockchain built on Hyperledger Fabric to ensure the integrity and controlled accessibility of usage records. In addition, a smart contract framework is designed to explore the feasibility of automating settlement rules. Rather than providing empirical performance validation, this study presents a conceptual and architectural framework grounded in theoretical foundations and a review of related research, with consideration of practical industrial applicability. The proposed design offers a foundational model for future empirical studies and technological implementation aimed at strengthening creators’ rights protection and improving settlement transparency in the K-POP industry.

본 논문은 문헌 조사 연구방법을 통하여 정책 측면, 시장 측면, 음반 회사 측면, 디지털 음악 플랫폼 측면과 소비 측면을 나누어 중국 디지털 음악 산업의 발전 현황을 고찰하였다. 이 토대로 중국 디지털 음악 산업의 문제점을 발견하였다. 첫째, 플랫폼 측면에 높은 저작권 비용, 혁신 동력 부족, 인디뮤지션의 수입 부족 세 기가지 문제점이 있다. 둘째, 소비자 측면에 낮은 요금 지급률을 하고 소비자 선호의 변화 두 개 문제점이 존재하고 있다. 셋째, 정부 측면에 보호 정책 부족한 문제점도 있다. 이상 문제점을 해결하기 위하여 본 연구는 기업 측면, 정부 측면, 민간 측면을 나누어 발전전략을 제시하였다. 먼저 기업 측면에 자작권의 가치를 발굴해야 하고, 효율적인 이익 모델을 형성시켜야 한다. 또한, 소비자의 요금 지급 습관도 육성시켜야 한다. 둘째, 정부 측면에 감독 체계 개선하는 동시에 인디뮤지션의 육성에 대한 지원을 체공해야 하고 음악 인재도 활용해야 한다. 마지막으로 민간 측면에 산학협력을 활용하고 음악 예능 프로그램 개선하는 동시에 프로그램의 혁신도 요구된다.

The paper divided into policy, marketing, record company, digital music and consumption aspects for studying present situation of China's digital music industry by literature research. Based on this, the study found some problems of China's digital music industry. Firstly, in platform aspect, there are three problems including high cost for paying for copyright, lack of innovation and low income in independent musicians. Secondly, there are two problems in consumer aspect including low rate of paying for music and consumer's preference is changing. Thirdly, in government aspect, protecting policy for digital music is inadequate. To solve these problems, the essay put forward development strategies in three aspects. First, in corporation aspect, it is suggested that extract copyright's value and form efficient profit model. Second, it is advised that improve system's supervision, support cultivating independent musician and use music talents in government aspect. Finally, in public respect, it is suggested that ally industry with academic and improve music program, at the same time, it is need to innovate program's form.

The Korean music industry, which has the world's 12th largest music market and the world's 10th largest music market, is following the development trend of the recent world music industry, The growth of digital music sources in the music industry in both countries is attributed to the increase of streaming sound source service, the increase of the number of connection of digital sound source using smartphone caused by the development of internet, and the launch of various complex programs using streaming. The spread of smartphones and the resulting changes in the lifestyle of the Russian people, the convenience of connection, which allows anyone to easily access music and listen to music without a separate audio device or digital player. And a complete analysis of the propensity of the sound consumer through analysis of “Big Data” are considered as important factors leading to the historical rise of the digital sound source. The music industry in Russia and Korea is currently in a stable condition to grow. The following five complementary points analyzed in the specificity of the music industry of the two countries (First, utilizing big data in the digital music industry, Second, diversification of streaming service, Third, develop new types of streaming services, Fourth, to form a global market through online streaming, Fifth, diversification of profit model through platform) will work well in Russia and Korea, and the share of both countries in the world music market is very likely to expand.

Music Industry and Copyright Law in the Entertainment AgePark seongho

본 논문은 블록체인 시스템에 대한 이해와 동향 파악을 토대로 국내 음악 산업에의 적용 가능성과 관련성이 높다고 판단되는 디지털 뮤직 플랫폼의 변화와 저작권 및 디지털 유통수익 분배 이슈 등에 대해 분석적 고찰을 시도하는 것을 목적으로 한다. 이러한 시도와 노력은 앞으로 도래할 미래사회의 블록체인 시스템 활용의 성패를 논하기보다는 디지털시대에 많은 변화를 보이고 있는 음악 산업 분야에 있어서 블록체인의 본래적 기능이 어떻게 적용가능하며, 긍정적 가치를 높이기 위해 우리가 노력해야 할 실제적 요소는 무엇인지 고민하는 데 초점을 맞추고 있다. 이를 위해 먼저 블록체인과 암호(가상)화폐의 구조와 주요기능에 대해 간략히 살펴보고 음악 산업과의 연결고리가 무엇인지, 어떻게 적용가능한지 파악한다. 아울러 시스템을 적용한 몇 가지 사례를 중점적으로 분석해 국내 음악 산업에서의 적용 가능성을 타진해 볼 것이다. 이를 통해 본고는 테크놀로지의 고도화 과정에 의해 끊임없이 변화하고 있는 음악 산업 특히 국내 음악 산업계의 발전적 방향에 대한 토론의 장을 마련하는데 하나의 초석이 되길 기대한다.

The purpose of this paper is to analyze the changes of the digital music platforms and digital profit distribution issues which are considered to be the most important part of the application to the Global music industry based on the block chain system. This attempt is not to reveal the success of the block chain and the value judgment in the societies that will come in the future. How to apply the original function of the block chain in the field of the music industry, which has changed a lot in the digital era, this paper focused on what we need to work on. First, I will briefly review the structure and major functions of the block chain system and the crypto-currency, and examine the link between the blockchain and the music industry. In addition, I will focus on some overseas' cases that are actually applied, and examine the possibility of applying them in the domestic music industry. Through this, I expect that this article will become a cornerstone for discussing the development direction of the music industry, especially the Korean music industry, which is constantly changing due to the technological advancement process.

본 연구는 빠른 속도로 발전하는 생성형 인공지능 기술이 대중음악 산업에 활용된 사례를 통해 변화하고 있는 대중음악 산업구조를 알아보았다.  먼저 생성형 예술의 특징을 통해 생성형 인공지능 예술은 표현의 무한성과 다양성, 확장성을 기반으로 하며 물리적 제약의 극복과 시간과 비용 절감, 개인화의 특성이 드러나는 것을 파악하였다. 대중음악 분야에서 생성형 인공지능은 음악을 창작하고, 음악을 매개로 방송 프로그램의 소재로 활용하거나 개인 콘텐츠를 제작하기도 한다. 또한 버추얼 아이돌을 생성하여 음악과 이미지, 대화 등 다양한 생성 인공지능의 결과물과 함께 활용한다. 생성형 인공지능을 통해 변화된 대중음악 산업구조는 다음과 같다. 첫째, 누구나 손쉽게 음악 및 이미지, 콘텐츠를 생성하여 소유하고 공유한다. 이는 인간 고유의 창작 영역 방식을 깨뜨렸다. 둘째, 레이블, 유통사를 통하지 않고 다양한 플랫폼을 통해 직접 유통하며, 디지털 콘텐츠 간의 연결이 자유로운 만큼 플랫폼을 통해 새로운 생태계를 형성하기도 한다. 빠르게 발전하는 기술은 창작과 유통, 수용방식의 변화를 가져오고 이는 산업구조 전체의 변화를 가져올 것이다. 이에 창작자와 관계자, 대중의 공유와 협력 체계가 단단하게 이뤄질 수 있도록 노력해야 한다.

This study examines the changing structure of the popular music industry through the lens of applications of rapidly advancing generative artificial intelligence (AI) technology. By analyzing the characteristics of generative art, the study identifies that generative AI art is distinguished by its infinite expressive possibilities, diversity, scalability, ability to overcome physical limitations, reduction in time and cost, and capacity for personalization. In the field of popular music, generative AI is used to create music, serve as material for broadcast programs, and produce personalized content. Additionally, it is employed in the creation of virtual idols, integrating various outputs of generative AI, such as music, visuals, and conversations. The structural changes in the popular music industry brought about by generative AI are as follows; first, Anyone can easily create, own, and share music, images, and content. This has disrupted traditional modes of human-exclusive creativity. Second, Distribution can occur directly through various platforms, bypassing traditional labels and distributors. The seamless interconnection of digital content fosters the formation of new ecosystems within these platforms. Rapidly advancing technology is reshaping the methods of creation, distribution, and reception, which will ultimately transform the structure of the industry as a whole. Consequently, efforts must be made to establish robust systems of sharing and collaboration among creators, stakeholders, and the public to ensure a sustainable and cooperative ecosystem.

연구 목적: 본 연구는 메타버스와 NFT를 활용한 대중음악 산업의 사례를 분석하고 대중음악 산업의 발전 방안에 대해 제시하는 것을 목적으로 하였다. 연구 방법: 연구 방법은 문헌고찰 방식을 사용했다. 연구 내용: 연구 내용으로는 선행연구를 분석하고, 메타버스, NFT에 대해 알아보았으며, 메타버스와 NFT를 활용한 대중음악 산업 사례에 대해 고찰하였다. 결론 및 제언: 연구 결과 첫째, 메타버스 플랫폼을 활용한 대중음악 공연산업이 코로나19 이후 공연을 즐길 수 있는 대안책으로 떠오르고 있는 것으로 나타났다. 둘째, 뮤직 메타버스를 활용한 음악 정보 교류를 통해 가상공간에서도 커뮤니티를 자유롭게 형성할 수 있어 소통의 폭이 확장될 것으로 나타났다. 셋째, NFT로 인해 창작자 및 대중음악 산업이 더욱 발전할 수 있으며 창작자의 지적재산권 보호 및 수익 창출에 긍정적인 영향을 미칠 수 있음을 확인하였다. 이러한 연구 결과를 통해 한국의 대중음악 산업이 더욱 발전하고 창작자의 권리가 지켜질 수 있는 긍정적인 영향을 미칠 수 있을 것을 기대한다.

The purpose of this study is to analyze the case of the popular music industry using metaverse and NFT and to suggest the development plan of the popular music industry. The research method was a literature review method. As for the contents of the study, previous studies were analyzed, metaverse and NFT were investigated, and cases of the popular music industry using metaverse and NFT were considered. As a result of the study, it was found that the popular music performance industry using the metaverse platform is emerging as an alternative solution to enjoy performances after COVID-19. Second, through the exchange of music information using the music metaverse, a community can be formed freely even in a virtual space, which is expected to expand the scope of communication. Third, it was confirmed that the NFT can further develop creators and the popular music industry, and can have a positive effect on the protection of intellectual property rights and the creation of profits. It is expected that the results of this study will have a positive impact on the further development of the Korean pop music industry and the protection of creators' rights.

본 연구는 일렉트릭 기타 벤딩 기법의 실제 피치 변화를 정량적으로 분석하여, 현행 타브악보 표기의 정확성과 표현 한계를 검증하는 것을 목적으로 수행되었다. Sonic Visualiser의 pYin 알고리즘을 활용해 기타 솔로 트랙의 피치 변화를 추출하고, 국내외 출판 악보의 벤딩 표기와 실제 연주 간 오차를 비교·분석하였다. 또한 제안된 표기 체계의 실효성을 검증하기 위해 전문가 11인을 대상으로 심층 인터뷰를 수행하였다. 분석 결과, 현행 벤딩 표기법에서 미세 음정, 벤딩의 속도 변화 등 연주자의 표현적 특성을 충분히 반영하지 못하는 것으로 나타났다. 이러한 한계를 보완하기 위해 벤딩의 피치 변화와 시간적 흐름을 통합적으로 시각화할 수 있는 새로운 표기 체계를 제안하였다. 제안된 체계는 화살표의 곡률을 통해 벤딩의 도달 시간과 속도 변화를, 점선 표기를 통해 미세한 음정 변화를 시각적으로 표현함으로써, 연주의 표현적 특성을 악보 상에서 재현할 수 있도록 하였다. 전문가 검증 결과, 제안된 표기법은 기존 타브 악보 문법과의 호환성을 유지하면서 표현 정확성과 시각적 명료성을 동시에 향상시키는 것으로 평가되었다. 이 연구는 기존 악보 체계의 한계를 정량적으로 규명하고 벤딩의 시각화 가능성을 실증함으로써, 타브 악보 표기 체계 연구에 새로운 분석적 시각을 제시한다. 또한 제안된 표기법은 기타 교육, 디지털 악보 제작, 인공지능(AI) 기반 연주 분석 등 다양한 음악적·기술적 응용 영역에서 활용 가능하며, 향후 디지털 음악 산업 내 연주 데이터의 표준화에 기여할 기초 자료로서의 의의를 지닌다.

This study quantitatively analyzed the actual pitch variations of electric guitar bending techniques to evaluate the accuracy and expressive limitations of current tablature notation. Using the pYin algorithm in Sonic Visualiser, pitch data were extracted from guitar solo tracks and compared with bending notations in published scores. In-depth interviews with 11 experts were also conducted to assess the applicability of the proposed notation system. Results showed that conventional notation does not fully capture expressive factors such as microtonal variation and bending speed. To address this, a new notation system was proposed that visually integrates pitch trajectory and temporal flow, utilizing arrow curvature to represent bending speed and dotted lines for subtle pitch variations. Expert feedback confirmed that the system enhances accuracy and clarity while maintaining compatibility with existing tablature conventions. This study presents a new analytical perspective on guitar tablature notation and provides a foundation for its application in guitar education, digital score production, and AI-based performance analysis.

디지털화의 진전과 ICT산업의 발달로 인해 국내외 미디어콘텐츠 산업은 최근 10년간 5-6%의 연평균 성장률을 기록하고 있다. 본 연구는 자료포락분석법(DEA)을 활용하여 미디어콘텐츠 산업 내 방송, 음악, 영화분야의 기술 적 효율성과 순수 기술적 효율성 지수를 산출하고 산출된 효율성이 분야별로 차이가 있는지를 검정하였다. 또한 Malmquist모형을 활용하여 각 부문 내 기업의 총 요소생산성 및 효율성 지수가 장르별로 2013년부터 2018년까지 어떻게 변화되어 왔는지를 추적하였다. 마지막으로 토빗모형을 이용하여 효율성 지수에 영향을 미치는 요인을 확 인하였다. 분석결과 2018년 기준 기술적 효율성과 순수 기술적 효율성은 방송분야에 속한 기업이 가장 높은 것으 로 나타났고 방송기업군과 영화기업군 간에는 통계적으로 유의한 차이가 있음이 확인되었다. 기술적 효율성의 동 태적 변화를 추적한 결과 총 요소생산성은 5년간 꾸준히 증가하였고 세 개의 부문 중에서 영화부분의 요소생산성 증가가 두드러짐을 확인하였다. 또한 자산총액으로 측정된 기업규모가 클수록 기술적 효율성과 순수 기술적 효율 성이 높게 나타났다.

Thanks to the progress of digitalization and the development of ICT industry, domestic and foreign media contents industry has achieved remarkable growth in recent 10 years with annual average growth rate of 5-6%. This study examines whether there is a difference in technical efficiency and pure technical efficiency among media contents groups such as broadcasting, music and movie using DEA(Data Envelopment Analysis). We also tracked how the TFP(Total Factor Productivity) and efficiency index of media content companies have changed from 2013 to 2018 using the Malmquist model. Finally, the Tobit model was used to identify the factors affecting the efficiency index. As a result of the analysis, it was found that the technical efficiency and pure technical efficiency as of 2018 were the highest among the broadcasting companies and there was a statistically significant difference between broadcasting companies and movie companies. As a result of tracking the dynamic change of technical efficiency, it was revealed that TFP has steadily increased for 5 years, and especially the factor productivity of the movie companies has remarkably increased. In addition, it was found that the larger the size of the company measured by the total assets, the higher the technical efficiency.

본 연구의 목적은 첫째 무드를 효과적으로 조성하기 위한 장르와 템포를 제시할 수 있으며, 둘째, 호텔 내 레스토랑과 테마 레스토랑 유형별 적합한 배경음악의 장르와 템포를 제시하여 호텔과 레스토랑 경영자들이 활용할 수 있도록 하는 것이다. 본 연구의 결과로부터 음악의 장르와 템포에 의해 고객의 무드에 영향을 미치고 만족 및 재방문, 추천의사에 유의한 영향을 준다는 사실을 확인할 수 있었다. 예를 들어 업장 분위기에 변화를 주고 싶다면 시간적, 금전적인 감수가 필요한 리모델링을 보다는 배경음악의 변화가 훨씬 용이할 것이며, 업장의 컨셉이 확정되었다면 그 컨셉을 더 표출해 줄 수 있는 것이 음악이며, 고객의 특정 감정에 호소하기 위해서는 본 연구에서 제시하고 있는 장르와 템포대로 곡을 선정할 수 있을 것이다. 예를 들어 편안하고 긍정적인 감정을 유발하기 위해서는 느린 템포를, 친숙하고 행복한 감정을 위해서는 중간 템포를, 기쁨과 호감을 위해서는 빠른 템포가 적합하다는 것이다. 편안함을 유발시킨 느린 템포는 고객의 업장 내에서의 체류시간 길게 할 것이며, 반대로 빠른 템포는 체류시간을 감소시킬 것이다. 이를 활용하여 좌석회전율을 높이기 위해선 빠른 템포의 음악 선정할 수 있을 것이다. 고객의 감정을 음악으로 조율하여 고객 만족과 재무성과의 목표를 동시에 달성할 수 있을 것이라는 사실을 제안한다.

The purpose of this study is the suggestion of tempos and genres to make a effective mood in a hotel and restaurant. As a result of this study, it was verified which genre and tempo is the most effective at each case of various restaurant. The result of this study shows that the genres and tempos of background music effect to a mood of customer, and a satisfaction related to a return visit and a recommendation. This paper offer a useful method when a manager want to change a ambience of business place. For example, a manager will be able to choose a change of background music instead of remodeling requiring much money. At the other case, a manager will be able to maximize a expression effect of business concept as following the suggestion of this study. This thesis suggests how a managers can simultaneously achieve a customer's satisfaction and a financial benefit by selection of music.

본 연구의 목적은 첫째 무드를 효과적으로 조성하기 위한 장르와 템포를 제시할 수 있으며, 둘째, 호텔 내 레스토랑과 테마 레스토랑 유형별 적합한 배경음악의 장르와 템포를 제시하여 호텔과 레스토랑 경영자들이 활용할 수 있도록 하는 것이다. 본 연구의 결과로부터 음악의 장르와 템포에 의해 고객의 무드에 영향을 미치고 만족 및 재방문, 추천의사에 유의한 영향을 준다는 사실을 확인할 수 있었다. 예를 들어 업장 분위기에 변화를 주고 싶다면 시간적, 금전적인 감수가 필요한 리모델링을 보다는 배경음악의 변화가 훨씬 용이할 것이며, 업장의 컨셉이 확정되었다면 그 컨셉을 더 표출해 줄 수 있는 것이 음악이며, 고객의 특정 감정에 호소하기 위해서는 본 연구에서 제시하고 있는 장르와 템포대로 곡을 선정할 수 있을 것이다. 예를 들어 편안하고 긍정적인 감정을 유발하기 위해서는 느린 템포를, 친숙하고 행복한 감정을 위해서는 중간 템포를, 기쁨과 호감을 위해서는 빠른 템포가 적합하다는 것이다. 편안함을 유발시킨 느린 템포는 고객의 업장 내에서의 체류시간 길게 할 것이며, 반대로 빠른 템포는 체류시간을 감소시킬 것이다. 이를 활용하여 좌석회전율을 높이기 위해선 빠른 템포의 음악 선정할 수 있을 것이다. 고객의 감정을 음악으로 조율하여 고객 만족과 재무성과의 목표를 동시에 달성할 수 있을 것이라는 사실을 제안한다.

The purpose of this study is the suggestion of tempos and genres to make a effective mood in a hotel and restaurant. As a result of this study, it was verified which genre and tempo is the most effective at each case of various restaurant. The result of this study shows that the genres and tempos of background music effect to a mood of customer, and a satisfaction related to a return visit and a recommendation. This paper offer a useful method when a manager want to change a ambience of business place. For example, a manager will be able to choose a change of background music instead of remodeling requiring much money. At the other case, a manager will be able to maximize a expression effect of business concept as following the suggestion of this study. This thesis suggests how a managers can simultaneously achieve a customer's satisfaction and a financial benefit by selection of music.

본 연구에서는 레스토랑 실내음악효과를 실증하는 다양한 연구의 필요성은 물론, 일반 레스토랑과 고객층, 객단가 등이 다른 호텔 내 레스토랑의 실내음악효과도 실증하여 두 업장에는 어떠한 차이가 있는 지 살펴보고 각각 레스토랑의 운영전략과 관련하여 음악이 유발하는 순기능과 역기능을 보다 심도 있게 정리하는 것이 필요하다는 것을 제시하였으며, 본 연구의 목적은 첫째, 무드를 효과적으로 조성하기 위한 장르와 템포를 제시할 수 있으며, 둘째, 호텔 내 레스토랑과 테마 레스토랑 유형별 적합한 배경음악의 템포와 볼륨을 제시하여 호텔과 레스토랑 경영자들이 활용할 수 있도록 할 것이다. 본 연구는 호텔의 레스토랑과 일반 레스토랑을 이용하는 고객들을 대상으로 현장실험을 실시하였다. 실험 장소는 대전 ‘Y'호텔 내 레스토랑과 대전 둔산동의 ‘O’라는 이탈리안 레스토랑에서 2006년 9월 2일～9월 25일까지 총 24일간 실시한 결과 편안하고 긍정적인 감정을 유발하기 위해서는 느린 템포를, 친숙하고 행복한 감정을 위해서는 중간 템포를, 기쁨과 호감을 위해서는 빠른 템포가 적합하다는 것이다. 편안함을 유발시킨 느린 템포는 고객의 업장 내에서의 체류시간을 길게 할 것이며, 반대로 빠른 템포는 체류시간을 감소시킬 것이다. 이를 활용하여 좌석회전율을 높이기 위해선 빠른 템포의 음악 선정할 수 있을 것이다. 결과적으로 음악의 효과에 관한 연구가 실무적 측면에서 의미를 갖기 위해서는 연구결과의 현장 활용이 가능해야 한다. 예를 들어 업장 분위기에 변화를 주고 싶다면 시간적, 금전적인 감수가 필요한 리모델링을 보다는 배경음악의 변화가 훨씬 용이할 것이며, 업장의 컨셉이 확정 되었다면 그 컨셉을 더 표출 해 줄 수 있는 것이 음악이며, 고객의 특정 감정에 호소하기 위해서는 본 연구에서 제시하고 있는 장르와 템포대로 곡을 선정할 수 있을 것이다. 고객의 감정을 음악으로 조율하여 고객만족과 재무성과의 목표를 동시에 달성할 수 있을 것이라는 사실을 제안한다.

This thesis groved for the necessity of various studies to prove indoor music effects in a restaurant and made an effort to find the difference of indoor music effect between a general restaurant and other restaurants in the hotels, centering on other-level customers and room service price. In addition, this thesis suggested that it be necessary to deeply arrange eu-function and dis-function aroused by music in managing restaurants. This thesis has an aim first to point out the genres and tempos favorable to give an effective mood, and second to also present the tempos and volumes suitable to the restaurants classified with a theme, so that the managers of hotels and restaurants could put into practical use them. This author performed a field experiment, targeting on the customers who had a meal at hotel restaurants and general restaurants, and selected a restaurant at Y hotel located in DAEJEON and an Italian restaurant named ‘O' located in DUNSAN-DONG, DAEJEON from SEPTEMBER 2 to SEPTEMBER 25, for total 24 days. The conclusion is as followings. Responders expressed themselves that slow tempos were appropriate to inducing comfortable and affirmative feelings, that medium tempo was appropriate to inducing familiar and happy feelings, and that fast tempo was appropriate to inducing pleasing feelings and favorable impression. Slow tempo, inducing comfortable feelings, will make customers stay in the business site for long time, but on the contrary, fast tempo, inducing heated feelings will make them stay for a short time. So it's reasonable to select fast-tempo music to increase fast seat circulation rate. Putting into practical use of the findings in the field is available to a study on music effects so that it can be meaningful in the practical affair aspects. For example, in case a manager wanted to change business place mood, a background music so that it could easily be changed into great effects. In case the business place confirmed a concept of a business place, a selected music would highlight the concept. In case a manager wanted to appeal to customers' emotion, the manager would be able to select some musics as genres and tempos presented by this thesis. This thesis suggests that managers satisfy customers and complete the financial results and aims with customers' emotion arranged by the musics at the same time.

이 논문은 2000년 즈음부터 한국 영화와 드라마에 삽입된 음악의 다수를 작업한 일군의 작곡가가 인디음악 활동을 통해 음악적 토대를 구축한 인물이었다는 사실에 주목하고, 이것이 함의하는 사회문화적 의미와 경제적 맥락을 함께 밝히는 데 목적이 있다. 여전히 한국 영상 콘텐츠의 음악 작업의 상당수는 전문 영화음악 작곡가가 담당하고 있다. 그러나 국내외에서 주목받았던 한국 영화와 드라마 음악 다수가 인디음악가의 작품이라는 사실은 흥미롭다. 인디음악가는 주류 대중음악 산업의 통제에서 벗어나 실험적 음악 작업을 지속하기 위해 새로운 음악 기술을 적극적으로 활용해 왔다. 음악 제작 비용을 줄이면서 추구하는 음악적 완성도를 높이기 위한 자구책이었다. 이들이 내면화한 새로운 기술 습득과 유연한 활용은 필요에 의한 것이었지만, 이 과정에서 인디음악인의 사고방식도 유연하게 변화했다. 규모는 커졌지만, 노동환경이나 처우, 안전장치는 개선되지 않은 한국 영화 산업에서 적은 비용으로 완성도 높은 음악을 만들어 온 인디음악 작업 방식은 파편화된 노동으로 비용을 줄이는 신자유주의 영화산업과 아이러니하게도 맞물리게 되었다. 인디음악가 다수는 전업 영화음악가가 아니라 다양한 음악 활동을 병행하며 이 같은 상황을 활용하는 전략을 구사하고 있다.

This paper highlights the indie-music origins of the composers who are responsible for the majority of music scores of post-2000 South Korean films and dramas, and explores the sociocultural and economic implications of this phenomenon. It is interesting that all globally successful South Korean works contain music by indie musicians despite the availability of professional film music composers. Indie musicians have been actively using new music technologies for their experimental music without being constrained by the control of the music industry. For indie musicians, this is a way to reduce music production costs while simultaneously elevating the level of musical perfection. The flexibility of quickly acquiring and using new technologies, which they have internalized, has changed the mindset of indie musicians. Contrasting with the fact that working conditions, treatment, and safety measures in the South Korean film industry have not improved to keep pace with the expanding scale of the industry, the indie music industry’s ingenuity in creating high-quality music at a low cost, has ironically aligned it with the neoliberal film industry that reduces costs through fragmented labor. Many indie musicians avoid becoming full-time film composers. Rather, their strategy is to take advantage of their freedom by parallelly engaging in multiple kinds of musical activities.

본 연구에서는 음악 제작 분야의 1차, 2차, 3차, 4차 산업혁명을 규정하고 다가올 4차 산업 혁명에서 음악 제작 분야에 어떤 변화가 있을지에 대한 예견과 이를 위한 대안을 제시하였다. 증기기관을 이용한 1차 산업 혁명이 기계 혁명을 불러일으켰듯이 음악분야에서도 기계 혁명이 악기 제작과 악보 인쇄를 바탕으로 엄청난 음악의 발전을 일으켰다. 전기 동력을 이용한 2차 산업혁명이 대량생산을 가능하게 하였듯이 전기를 이용한 악기 개발과 녹음 기술은 음악의 제작과 감상의 패러다임을 획기적으로 바꾸어 놓았다. 이후 컴퓨터와 인터넷, 정보 통신 기술의 발달이 생산성을 대폭적으로 향상시키는 3차 산업혁명을 가져왔고 이러한 요소가 음악 제작에도 동일하게 나타나 컴퓨터를 기반으로 음악 제작의 보편화와 생산성의 극대화를 이루었다. 1차, 2차 , 3차 산업혁명을 거쳐 4차 산업 혁명은 빅데이터, 인공지능, 로봇공학, 사물 인터넷, 3D 프린팅 등 다양한 혁신 기술을 기반으로 인간을 중심으로 하는 online과 offline을 연결하는 산업의 혁신을 예고하고 있다. 음악 분야에서도 이러한 현상은 비슷하다. 음악분야에서도 4차 산업혁명은 제작과정에 많은 혁신을 일으켜 생산성의 향상을 가지고 올 것으로 예견되나 필연적으로 인공지능에 의해 대체될 수밖에 없는 영역이 상대적으로 많기에 대량 실업의 위험성도 높다. 이로 인해 A.I 기반의 아티스들과 저작물을 관리하는 새로운 형태의 직업군도 등장할 것이다. 4차 산업 혁명을 대비하여 음악인들도 영역간의 경계를 허무는 융합의 자세를 취해야 할 것이며 기술과 플랫폼을 가진 경영자들은 음악가들을 부품이 아닌 자산이나 가족으로 생각해야 할 것이다. 결국 4차 산업 혁명 시대에는 단순한 작업은 기계에 의해 대체될 것이나 영감과 창의성을 가진 창작인은 앞으로도 환영받을 것이다. 이를 위해 예술 교육의 형태도 창의적인 인재를 양성하는 방향으로 발전하여야 할 것이다.

This study prescribes the first, second, third, and fourth industrial revolutions in the field of music production and predicts what changes will be made in the field of music production in the forth industrial revolution. Just as the first Industrial Revolution triggered the mechanical revolution utilizing the steam engine, the mechanical revolution led to the development of music based on musical instrument production and music printing. . As the secondary industrial revolution using electric power made mass production possible, the development and recording technology using electricity drastically changed the paradigm of music production and appreciation. Since then, the development of computers, the Internet, and information and communication technology has brought about a third industrial revolution that greatly improves productivity. In the field of music production, computer-based music production has become universal and productivity has been maximized. After the first, second, and third industrial revolutions, the fourth industrial revolution has arrived based on a variety of innovative technologies such as Big Data, Artificial Intelligence, Robotics, Internet of Objects, and 3D Printing. In the field of music, this phenomenon is similar. The fourth industrial revolution is expected to bring about a lot of innovations in the production process to improve productivity, but the danger of mass unemployment is also high because there are relatively many areas that are inevitably replaced by artificial intelligence. This will result in the emergence of a new type of occupation to manage copyrighted works that A.I based artists produce. In preparation for the Fourth Industrial Revolution, musicians should also take a convergence attitude that breaks the boundaries between areas, and managers with technology and platforms should think of musicians as assets or families rather than as parts. After all, in the era of the Fourth Industrial Revolution, simple works will be replaced by machines, but creators with inspiration and creativity will be welcome in the future. To this end, the form of art education should be developed in the direction of nurturing creative talents.

본 연구는 한중 대학의 대중음악 전공 교육과 산업 현장 요구 간 적합성에 대한 학생 및 교수의 인식을 비교·분석하였다. 이를 위해 한국(126명)과 중국(130명) 대학의 대중음악 전공 학생 및 교수 256명을 대상으로 설문조사를 실시하고, 기술통계, t-검정, 회귀분석을 수행하였다. 분석 결과, 한국 응답자들이 교육 효과성(전문 기술·창의성·음악적 소양)과 산업 적합성(실무 적용성·트렌드 반영) 측면에서 중국보다 높게 평가하였다. 또한 교수와 학생 간에도 인식 차이가 존재하여, 학생은 실습·인턴십 등 산업 경험을, 교수는 교육 내용의 산업 반영성을 더 높게 평가하였다. 회귀분석에서는 교육–산업 적합성이 교육 만족도에 유의한 정(+)의 영향을 미쳤으며, 이는 산업 요구를 반영한 교육이 학습자의 긍정적 인식을 강화함을 의미한다. 본 연구는 한중 대중음악 교육의 체계적 비교를 통해 교육과 산업 간 연계성 강화, 커리큘럼 개선, 산학 협력 확대의 방향을 제시하였다.

This study examined and compared the perceptions of Korean and Chinese university students and professors regarding the alignment between popular music education and industry demands. A total of 256 participants (126 from Korea, 130 from China) completed a structured questionnaire, and the data were analyzed using descriptive statistics, t-tests, and regression analysis. The results showed that Korean respondents rated both the educational effectiveness (musical skills, creativity, professionalism) and industry alignment (practical applicability, trend reflection) significantly higher than their Chinese counterparts. Differences were also found between students and professors: students perceived greater industrial experience and internship opportunities, while professors emphasized curricular reflection of industry trends. Regression results indicated that education?industry alignment had a significant positive effect on overall satisfaction, confirming that curricula reflecting real-world demands enhance learners’ positive attitudes. This study provides empirical evidence for strengthening the linkage between education and the music industry in both countries, suggesting directions for curriculum reform, field training expansion, and institutional collaboration.

본 연구에서는 온라인 음악산업과 오프라인 음반산업의 산업적 특성을 비교하여 살펴보았다. 구체적으로는 첫째 인기 순위별로 스트리밍 음악과 음반의 판매량을 비교하여 두 산업의 판매 집중도를 비교하였고, 둘째 오프라인에서 인기를 얻은 음반이 여전히 온라인에서 인기를 얻고 있는지를 살펴보았다. 연구결과에 의하면, 몇몇 음반에 인기가 집중되는 현상은 온라인과 오프라인 음반산업이 다름이 없었다. 그러나 오프라인 음반 산업에서는 출시 첫 달에 판매량의 대부분이 판매되는 반면, 스트리밍 싸이트에서는 상대적으로 오랜 기간 동안에 걸쳐 소비량이 늘어나는 추세를 보였다. 이 연구에서는 또한 온라인 에서 인기를 얻는 음반과 오프라인에서 인기를 얻는 음반이 서로 다를 수 있다는 점을 밝혔다. 이를 통해 이 연구는 불모지나 다름없는 국내 음악산업에 관한 연구에 중요한 시사점과 다양한 후속연구 방향을 제시하였다.

This article aims to compare the concentration trends and the determinants of popularity of on line music industry and off line music industry. To achieve this purpose, an empirical analysis is conducted. The result indicates that the concentration ratios of the two industries is all but same, however the determinants of popularity are different depending on industries. These imply that the adoption of new technology could change the music industry into a different shape.

제 4차 산업혁명(Industry 4.0), 제 4의 물결이 우리에게 다가왔다. 이와 함께 인공지능(Artificial Intelligence), 가상현실(Virtual Reality), 증강현실(Augmented Reality) 기술 등을 활용한 음악교육 현장의 다양한 변화가 예측되고 있다. 본 연구에서는 제 4차 산업혁명 시대의 음악과 교육 방향에 대한 고찰을 하고자 첫째, 산업혁명과 함께한 음악과 교육의 변화를 살펴본다. 이는 제 1차 산업혁명에서 제 4차 산업혁명에 해당하며 각 시대의 산업혁명과 함께 한 음악과 교육혁명들을 소개한다. 둘째, 제 4차 산업혁명과 교육의 변화를 전망한다. 전통적 학교중심 교육의 변화, 인공지능 로봇교사와 다양한 최첨단 교육매체의 등장들을 살펴보고, 변화할 교육의 모습을 알아본다. 셋째, 제 4차 산업혁명과 음악교육사례를 통하여 음악교육의 방향을 탐색한다. 본 연구를 통하여 제 4차 산업혁명 시대의 음악과 교육 방향에 대한 고찰을 하고자 한다.

The 4th industrial revolution, 4th wave the has approached us and various changes are taking place in music education field with application of AI, virtual reality, and augmented reality technologies. For analysis, this study analyzes from 1st industrial revolution to the 4th industrial revolution and introduces music and education innovation for each generation. Secondly, I predict the Fourth Industrial Revolution and changes in education. We look at the changes in traditional school-centered education, the emergence of artificial intelligence teachers and a variety of state-of-the-art educational media, and see what education will change. Third, this study considers about music education through the 4th industrial revolution and music education examples. Through the analysis on the relation, this study aims to consider about the music in the age of 4th industrial revolution and music education.