Earticle

Purpose Korean pop music and movies have attracted a vast audience across the world, resulting in a rapid increase in the export of cultural products in the 21st century. This phenomenon is often called as the Korean Wave. The Korean music industry has played a pivotal role in the export of cultural goods and services, as well as the general Korean Wave phenomenon. This research was performed to examine the growth pattern and competitiveness of the Korean music industry by region. Design/Methodology/Approach This study collected data on the seven sub-industries of the music industry of Seoul, seven Cities and nine Provinces for the period from 2013 to 2018. The data are regrouped for four regions: Seoul Metropolitan Region (Seoul, Incheon, and Kyunggi-do), Central Region (Daejeon, Sejong, Kangwon-do, Chungcheongnam-do, and Chungcheongbuk-do), Honam Region (Kwangju, Cheonranam-do, Cheonrabuk-do, and Jeju-do), and Yeongnam Region (Busan, Daegu, Wulsan, Kyungsangnam-do, and Kyungsangbuk-do). The paper then examined the data by applying shift-share analysis and regional growth differential analysis. Findings The Korean music industry has experienced rapid growth, while the metropolitan region leads the Korean music industry in sales. However, the metropolitan region lacks competitiveness in some sub-industries. Such sub-industries in other regions will be able to compete with leading regions and increase their competitiveness over capital regions. Research Implications The Korean music industry plays a central role in the export of culture related services, products and goods. Moreover, the Korean music industry can improve images of Korean goods and services of international consumers. For a sustained growth of the Korean music industry, it is pivotal to find effective methods to correct the regional imbalances within the Korean music industry.

본 연구는 프랑스의 초기 음악산업에서 스타가 만들어지는 과정을 매개개념을 중심으로 구체적으로 분석하는 스타시스템의 역사 연구이자, 샹송가수 샤를 트레네의 사례를 분석하는 사례 연구이다. 샤를 트레네는 앨범재킷, 사진, 영화에서 전례 없는 방랑 가객의 이미지로 재현되었고, 언론매체는 그를 ‘노래하는 광인’이라는 별칭으로 언급하였다. 라디오는 스윙리듬의 샹송과 그의 목소리를 실시간으로 송출하며 그를 대중과 가장 가깝게 소통하도록 만들었다. 또한, 샤를 트레네는 인터뷰를 통해 인민전선 정부의 정치적 유토피아를 전달하는 대변인으로 대중에게 각인되었다. 초기음악산업의 스타시스템은 이론적 차원에서 몇 가지 시사점을 남긴다. 첫째, 샤를 트레네가 대중의 스타로 형성되는 과정에 그가 기존 고급예술가 네트워크에 연결되는 것이 중요했다. 둘째, 라디오는 유일하게 실시간으로 스타의 음성과 노래를 송출하는 매체였고, 샤를 트레네는 라디오 시테(Radio-Cité)의 최초의 청취자 오디션 프로그램 전후에 배치되면서 대중의 스타가 될 수 있었다. 셋째, 초기 음악산업의 스타시스템은 전문적인 업무의 분업화가 아직 이루어지지 않았다. 따라서 샤를 트레네처럼 다방면의예술적 재능을 가진 싱어송라이터가 창작, 실연, 예술가의 정체성 구축에관하여 더 많은 자율성을 가지며 활동할 수 있었다.

Cette etude est a la fois une etude historique du star systeme qui recherche specifiquement la starisation a l’aube de l'industrie musicale en France, en se concentrant sur le concept de mediation, et une etude de cas qui analyse le cas de Charles Trenet. Charles Trenet a ete represente en tant qu’image d'un vagabond sans precedent sur les couvertures d'albums, les photographies et les films. Les journaux l'ont qualifie de ≪ fou chantant ≫. Gra?ce a la radio qui avait transmis en temps reel ses chansons rythmees ‘swing’ et sa voix, il a pu communiquer au plus pres du public. Aussi, a travers ses propres interviews, Charles Trenet s'est imprime dans l'opinion publique comme un porte-parole qui a vehicule l'utopie politique du gouvernement du Front populaire. La recherche du star systeme a l’aube de l’industrie musicale nous donne plusieurs implications au niveau theorique. Premierement, il etait important pour Charles Trenet d'etre connecte au reseau d'artistes de l’art savant dans la starisation. Deuxiemement, la radio etait le seul media qui transmettait la voix et les chansons de la star en temps reel, et Charles Trenet a pu devenir une star en etant place avant et apres la premiere emission d'audition des auditeurs, <Radio-Cite>. Troisiemement, dans le star systeme a l’aube de l’industrie musicale, Les travaux de creation, les travaux de mediation n’ont pas encore ete clairement divises. Ainsi, l’auteur-compositeur-interprete muni d’un talent a multiples facettes comme Charles Trenet avait pu travailler avec plus d'autonomie en termes de creation, d'interpretation et de construction de l'identite d'un artiste.

본 연구의 목적은 인공지능을 중심으로 한 미래의 음악산업은 어떤 변화 과정을 거치면서 성장해 나갈지를 예측하는 것이다. 이를 위해 역사 연구 방법으로 음악산업의 역사가 플랫폼을 중심으로 음악산업의 환경변화, 이로 인한 위기, 그리고 극복과 성장의 과정을 겪는 단계를 밟아 왔음을 밝힌다. 20세기 이후 음악산업의 역사를 변화된 플랫폼 형태인 바이닐, 테이프, 콤팩트 디스크, 다운로드, 스트리밍 서비스를 기준으로 구분하여 기술 측면, 소비자 측면(주체), 콘텐츠 측면(결과물), 비즈니스 모델 측면(가치), 그리고 저작권 측면으로 분석하였다. 연구 결과, 기술 측면은 플랫폼 자체의 성능 향상 및 휴대용 전자기기 개발로 진행되었음을 확인하였다. 소비자 측면에서 점차 다양하게, 개인화된 취향에 맞추어, 공간의 제약을 벗어난 음악 감상이 가능해졌으며, 근래에 이를수록 소비자를 넘어 창작자로서도 기능하게 되었다. 콘텐츠 측면에서 소유의 개념에서 점차 공유 및 경험의 개념이 강조되었다. 이러한 변화에 따라 곡의 형식 및 앨범의 유형 등도 적응하였다. 비즈니스 모델 측면에서 음악시장은 제작업에서 유통업으로 큰 흐름이 변화하였다. 주도 기업 역시 음반 제작업에서 IT 기업으로, 또 여기서 인공지능 관련 기업으로 변화하고 있다. 마지막으로 저작권 측면에서 저작권 이슈는 저작권의 보장에서 저작권 소유 주체가 대두되었다. 본 연구는 음악산업이 인공지능의 시대에 적응하고 대응할 수 있는 기반을 마련하고자 한다는 시사점을 갖는다.

The purpose of this study is to predict what kind of change the future music industry, centered on artificial intelligence, will undergo. To this end, it is revealed that the history of the music industry has taken steps through environmental changes in the music industry, crises, and overcoming and growing, centering on the platform as a historical research. The history of the music industry since the 20th century has been analyzed in terms of technology, consumer (subject), content (results), business model (value), and copyright by classifying the music industry's history based on the platform form of vinyl, tape, compact disk, download, and streaming service. As a result of the study, it was confirmed that the technological aspect proceeded to improve the performance of the platform itself and develop portable electronic devices. From the consumer's point of view, it has become possible to listen to music outside the constraints of space in a variety of ways according to personalized tastes, and in recent years, the more it has become possible to function as a creator beyond the consumer. In terms of content, the concept of sharing and experience was gradually emphasized in the concept of ownership. According to these changes, the form of the song and the type of the album were also adapted. In terms of business model, the music market has changed a large trend from the production industry to the distribution industry. Leading companies are also changing from record production to IT companies and here to artificial intelligence-related companies. Finally, in terms of copyright, copyright issues emerged as the subject of copyright ownership in the guarantee of copyright. This study has implications for laying the foundation for the music industry to adapt and respond to the era of artificial intelligence.

본 연구는 온⋅오프라인이 융합된 대중음악 공연 생태계를 분석하고 발전 방안을 탐색하는 것에 목적이 있다. 이를 위해 대중음악 공연산업 현황과 특성을 도출하고, 대중음악 공연산업계 및 학계의 전문가 15명의 심층 인터뷰를 진행하였다. 인터뷰 결과를 서비스 가치 네트워크 모형에 적용하여 오프라인 기반 공연산업 생태계(As-Is)와 온⋅오프라인 융합 공연 생태계(To-Be)를 도식화하였으며, 이를 토대로 구체적인 발전방안을 제언하였다. 연구결과, 대중음악산업에는 온라인 공연계의 새로운 가치행위자가 창작원천 단계를 제외한 모든 가치사슬에 새롭게 유입될 것으로 나타났으며, 오프라인 관람객 위주로 구성되었던 소비자의 범위가 온오프라인으로 세분화될 것으로 예측되었다.

The purpose of this study is to analyze the online and offline popular music performance ecosystem and explore development plans. To this end, the current status and characteristics of the pop music performance industry were derived, and in-depth interviews were conducted with 15 experts from the pop music performance industry and academia. By applying the interview results to the service value network model, the offline-based performance industry ecosystem(As-Is) and the online and offline convergence performance ecosystem(To-Be) were schematized, and specific development plans were proposed based on this. As a result of the study, it was found that in the popular music industry, new value actors in the online performance industry will flow into all value chains except for the creative source stage, and the range of consumers, which consisted mainly of offline visitors, will be subdivided online and offline.

본 연구는 문화생산론을 적용하여 한국대중음악산업의 수직계열화 구조를 기업집중과 생산시스템을 중심으로 분석하였다. 분석대상은 국내 디지털 음원유통 1위인 멜론 가요음악차트의 2000-2013년의 주간 톱텐을 사용하여 양적연구를 하였다. 연구결과 한국대중음악시장의 수직계열화 구조는 미국의 그것과는 다른 형태를 보였다. 미국의 메이저가 취하였던 수직 계열화는 음반시장의 불확실성에 대처하기 위하여 독립 레이블의 인수, 합병 등을 통하여 홍보와 유통만을 책임지고 음악의 생산은 독립 레이블에 맡기는 오픈 시스템인 반면 한국은 디지털 음원환경으로의 변화에 전통적인 가치사슬이 붕괴되어 디지털 음원유통사가 단순하게 유통만 책임지는 변형된 수직 구조를 나타내었다. 특히 대기업 계열의 유통사가 시장의 과점현상을 보이는 심각성을 발견하였으며, 이는 창조경제시대의 건전한 산업생태계 구축에도 어긋나는 것으로 선진사례의 연구를 통한 오픈시스템으로의 개선이 요구된다.

This study seeks to analyze vertical integration structure of Korean popular music market focused on corporation concentration and production system by applying production of culture perspective of Peterson, Subject of analysis is Melon weekly music chart(2000-2013), which is No.1 digital music distributor. The result showed vertical integration structure of Korean popular music industry was different from America. Vertical integration of American major was based on open system to be responsible for promotion and distribution by M&A of independent label but entrusted them-with total production to cope-with uncertainty of music market. On the other hand, Korean system was in charge of pure distribution only as digital service provider and it showed modified vertical structure because traditional value chain was destroyed by changing digital music environment. Especially found seriousness of oligopoly by distribution company of conglomerate affiliation. and this is harm against building healthy industry ecosystem in creative economy era and it needs improvement through study of advanced case, open system.

This study especially tries to look into the flow and interrelationship of Korean popular music industry through socio-cultural method. In fact, music appeals to the general people through being commercialized whether it is a record or sound. To outline the main research trend, the expansion of the popular music and record industry which originally had started as a way of modernity under Japanese rule-era occurred in a full swing after Korean liberation and 1960s when industrialization started. Especially after 1970s until 1990s, Korean record culture and market made powerful impact, but after 2000 the music market turned into the new phase with the emergence of music download industry.

본 연구는 피에르 부르디외의 문화자본론과 장(場) 이론을 이론적 분석틀로 활용하여 저스틴 비버 사례를 통해 온라인 공유 플랫폼에서 시작된 문화적 헤게모니의 형성과 확장 과정을 분석하였다. 내용분석 방법을 기반한 분석 결과는 다음과 같다. 비버의 초기 문화자본은 비제도적 정통성, 디지털 가시성, 정서적 진정성, 세대적 연결성이라는 특성을 가졌으며, 이것이 음악산업 장에서 인정받기 위해서는 전략적 중개자의 역할, 온·오프라인을 결합한 하이브리드 프로모션, 제도적 인정을 통한 정당화라는 메커니즘이 필요했다. 결과적으로 비버는 발굴 경로의 다원화, 정당성 부여 방식의 변화, 수익 모델의 다변화, 미디어 환경과의 관계 재편 등 음악산업의 기존 규칙과 권력 구조를 근본적으로 변화시키고 있음을 상징적으로 보여준다. 특히 비버의 위기와 재기 과정은 디지털 시대 문화자본의 취약성과 복원력을 동시에 보여주었으며, 그의 헤게모니 구축은 여러 플랫폼을 가로지르는 통합적 전략을 통해 이루어졌다. 본 연구는 디지털 시대 문화자본이 여전히 기존 산업 구조와의 접속과 전환이 중요하다는 점, 문화산업의 가치 창출 모델이 다변화되고 있다는 점, 그리고 디지털 환경에서 문화적 영향력 구축을 위해서는 다양한 플랫폼과 채널을 가로지르는 통합적 접근이 필요하다는 점을 시사한다.

This study examines Justin Bieber's case to analyze how cultural hegemony forms through online platforms, using Bourdieu's theories. The analysis revealed that Bieber's initial cultural capital was characterized by non-institutional legitimacy, digital visibility, emotional authenticity, and generational connectivity. His recognition in the music industry required strategic intermediaries, hybrid online-offline promotion, and institutional legitimization. Bieber symbolically represents fundamental changes in the music industry including diversified discovery pathways, altered legitimization processes, multiple revenue streams, and restructured media relationships. His career trajectory demonstrates both vulnerability and resilience of digital cultural capital. The research concludes that digital cultural capital still requires connection to traditional industry structures, cultural industry value models are diversifying, and building cultural influence in digital environments necessitates an integrated multi-platform approach.

본 연구는 음악산업의 경쟁력과 글로벌 시장에서의 경쟁력 유지를 위한 마케팅전략을 제시하는데있다. 이를 위해서는 크게 두 가지 점을 고려하였다. 첫째, 해외시장에서 K-POP은 시장초기단계인 수요자들에게는 호기심(attention) 단계이다. 문제는 이 과정에서 반드시 겪게 되는 위기(chasm)를 어떻게 극복하여, 라이프사이클 상의 성장 및 성숙단계로 진입하는가 하는 점이다. 둘째 음악과 같은 문화콘텐츠의 최대 장점인 OSMU 효과를 어떻게 극대화 할 것인가 이다. 이를 위해서는 우선 콘텐츠의 질적우수성이 뒷받침되어야 한다. 셋째, K-POP이 세계시장을 진출을 목표로 한다면 시장세분화(segmentation)와 표적시장(targeting) 및 포지셔닝(positioning)을 명확히 해야 할 것이다. 이를 위해 본 연구는 음악산업의 대내외적인 환경분석(SWOT)과 이를 토대로 한 마케팅전략을 수립, 제시하였다. 특히 세계음악시장에서의 음악콘텐츠의 라이프사이클을 지속가능한 성장의 단계로 이끌어 나가기 위한 전략인 공격적 전략, 조정적 전략, 혁신적 전략, 생존적 전략을 각각 제시함으로써 한국음악산업 및 신한류의 확대발전에 시사점을 제시하고자 하였다.

This paper aims to provide global marketing strategies for Korean music industry, looking into its current status of international competition. To do so, it takes into account the following. In the foreign market, K-pop is at the beginning stage of drawing the demander's attention. The problem is how the inevitable risks can be taken care of appropriately during the period to enter the growth and the maturity stage of the life cycle. It is how to maximize the OSMU effect, the greatest strength of cultural content like music. For this, excellence in quality of the contents must exist more than anything else. If K-Pop aims to find its way to the world market, it should clearly identify segmentation and targeting, as well as positioning. This paper has established SWOT analysis in music industry and marketing strategy. Especially, this suggests aggressive strategy, control strategy, innovative strategy and survival strategy. These are, in world-music-market, strategies that lead a life-cycle of music contents into sustainable growth-phase. So the purpose of this paper wanted tries to preview Korean music industry and New Korean Waves.

최근 전국적으로 성행하고 있는 뮤비방은 「음악산업진흥에 관한 법률」(이하 “음악산업법”)에 별도의 법적 근거 및 규정이 존재하지 않는 신종 영업이다. 뮤비방은 음악산업법의 해석상 음반·음악영상물제작업(이하 “영상물제작업”)과 노래연습장업에 모두 해당할 수 있지만 많은 뮤비방 영업자들은 음악산업법의 허점과 규제의 공백을 악용하여 뮤비방을 형식적으로는 영상물제작업으로 신고하고 실제로는 사실상의 노래연습장업으로 편법·변칙 운영하고 있다. 이러한 뮤비방의 유사 노래연습장 영업 행위가 사회적으로 많은 문제를 야기하고 있지만 행정당국은 이에 대해 마땅한 규제 방안을 내놓지 못하고 있는 실정이다. 이에 본 논문에서는 법적 흠결과 여러 행정절차 상의 난제, 해석론의 한계 등으로 인해 사실상 규제의 사각지대에 놓여 있는 뮤비방을 실질적이고 합리적으로 규제하기 위한 방안으로서 ⅰ) 뮤비방을 노래연습장업으로 포섭하는 방안, ⅱ) 뮤비방을 영상물제작업으로 포섭하고 영상물제작업을 등록제로 전환하는 방안, ⅲ) 음악산업법에 뮤비방을 별도 업종으로 규정하여 규제하는 방안, ⅳ) 영상물제작업의 정의 규정을 명확히 하는 방안 등을 제언하였다. 뮤비방에 대한 규제의 실효성을 높일 수 있는 가장 바람직한 방안은 뮤비방을 음악산업법 내에 별도 업종으로 규정하여 규제하는 동시에 영상물제작업의 정의 규정을 명확히 하는 방안으로 판단된다.

‘Music Video Room(M/V room)’, which have recently been prevalent nationwide, are new businesses that does not have separate legal grounds and regulations in the Music Industry Promotion Act. According to the interpretation of the Music Industry Promotion Act, the M/V room is applied to both Record and Music Video Production Business and Singing Practice Place Business. However, many operators notify their M/V room as Record and Music Video Production Business, and actually operate it as a de facto Singing Practice Place Business. Although similar Singing Practice Place Business of M/V room are causing a lot of social problems, the administrative authorities have not come up with a proper regulatory measures. Thus, I proposed a practical and rational way to regulate M/V room that are virtually in the blind spots of regulation due to legal flaws, difficulties in various administrative procedures, and limitations of interpretation theory in this paper. The most desirable way to increase the effectiveness of the regulation on M/V room is to define M/V room as a separate business within the Music Industry Promotion Act while at the same time clarifying the definition of Record and Music Video Production Business.

본 연구는 K팝의 해외 시장 진출 확대를 위해 K팝의 경쟁력, 특히 인기 요인과 장애 요인을 분석하고, K팝의 글로벌화를 위한 정책적 방안을 도출하고자 한다. 이를 위해 음악산업계 전문가를 대상으로 심층인터뷰와 설문조사를 실시했다. 연구결과, K팝의 인기 요인은 K팝 가수들의 외적 매력과 뛰어난 퍼포먼스 등 개인적 역량과 기획사의 노력으로 나타났다. 다음으로 K팝의 장애 요인의 경우, 혐한류 및 한한령 등 국가 간 부정적인 정서와 해외 공연 시 운영비용 대비 수익이 높지 않은 문제가 확인되었다. 셋째, K팝의 인기 시장은 동남아시아, 일본 순이었으며, K팝의 경제적 전략시장은 일본으로 확인되었다. 그리고 비경제적 전략시장은 북미로 나타났다. 마지막으로 전문가가 인식하는 K팝 글로벌화를 위한 정부의 지원 방안의 경우, 해외 진출국에 대한 현지 사전 조사 시 지원 서비스에 대해서 정부의 지원이 필요하다는 응답이 가장 많았다.

The study conducted in-depth interviews and surveys of music industry experts to expand K-pop in overseas markets. Studies have shown that K-pop's popular factors include the external appeal of K-pop singers and their outstanding performances, as well as the agency's efforts. Next, in the case of K-pop's barrier factors, negative sentiments such as anti-Korean Wave, and problems with low profits compared to operating costs when performing overseas have been identified. Third, K-pop's popular markets were in Southeast Asia and Japan, while K-pop's economic strategic market was identified as Japan. And non-economic strategic markets have emerged in North America. Finally, when it comes to the government's support for K-pop globalization recognized by experts, the majority of respondents said that the government's support for support services is needed in advance of the local survey of foreign countries.

본 연구는 조직이론의 두 핵심이론인 환경결정론과 전략적 선택론에 대한 역사적논쟁을 재 점화하기 위한 의도로 사례연구를 수행하였다. 사례대상은 한국의 아이돌음악산업이었다. 이곳의 대표적 제작사인 SM, YG, JYP가 관찰되었다. 본 연구는 다음의결론에 도달하게 되었다. 한국의 아이돌 음악산업에서는 환경결정론과 전략적 선택론에의해 설명 가능한 현상이 동시에 존재한다는 것이다. 이는 기존의 두 이론의 긴장또는 충돌 관점에서는 해석하기 어려운 것이다. 이에 대한 해석을 위해 환경결정론과전략적 선택론은 양립 가능하다는 주장이 활용되었다. 하지만 논리적 설명을 위한이론은 경영학의 조직이론이 아닌 생물학에서 빌려왔다. 이들 분야에서는 공통적 진화,중심진화 또는 수렴진화에 대한 논의와 진화 다양성, 주변진화 또는 확산진화에 대한논의가 진행되고 있었다. 이들의 주장을 빌리자면 한국의 아이돌 음악산업에서 나타나는동질성은 공통적 진화, 중심진화 또는 수렴진화의 산물이고, 이질성은 진화 다양성,주변진화 또는 확산진화의 산물이다. 본 연구는 연구행위와 관련된 시사점에 대하여도논의하였다. 첫 번째는 경영학에서 다루는 기저에 깔린 가정을 잊어서는 안 된다는것이다. 두 번째는 경영학과 관련된 연구는 다양한 해석이 가능하다는 것이다.

This study was performed with the object of re-stimulating historical discussions of environmental determinism vs. strategic choice in the case of Korean idol music industry. Historically these two theories were understood in a conflict or tensional relationship in that environmental determinism created organizational similarities and strategic choice produced organizational dissimilarities. SM,YG, JYP Entertainment, the big three entertainment companies in this industry and under quite similar environments, were observed. It was found that these three companies had homogeneous and heterogeneous traits at the same time. The three companies shared the exactly same systems of ‘casting-training-production- management’which was not observed in the US and Japan. However,their strategies and managerial orientation of how they trained singers, produced songs and launched them to market were quite different. SM employed a strict bureaucratic type system, YG used community-based system and JYP preferred one man show type system. SM and JYP were adventurous to explore foreign music market compared to YG. To reconcile what were found in the Korean music idol industry, this study borrowed logic from a compatibility perspective on environmental determinism and strategic choice (Hrebiniak and Joyce, 1985) as well as logic from bioecology. To explain, in bioecology homogeneity/heterogeneity topics include common traits vs. diversity, central vs. peripheral evolution, and convergent and divergent evolution. Common traits evolution, central and convergent evolution explain similar traits or behaviors of organisms, which are the result of environmental selection. Environmental selection falls in line with environmental determinism in organization theory. Diversities in evolution,and peripheral and divergent evolution explains differences in the same species, implying a possibility of an organism’s active adaption, which falls in line with strategic choice in organization theory. Taken together, homogeneity observed in the three entertainment companies can be explained as a result of common traits, central or convergent evolution, and heterogeneity can be explained as a result of the influence of diversity, peripheral or divergent evolution. Implications of the study are suggested. First, it was emphasized that researchers should not forget where their arguments were based on. The main streams of organization theories stand on the environmental determinism or strategic choice theory. Without clear recognition of root theories where researchers stand on it is likely that they make a mistake to interpret what they observe. Second, it was urged that an attention should be paid on the possibilities of interpretable diversity when researchers explain organizational phenomena. Researchers’ mistakes ignoring competitive theories often happen when hypotheses or research questions were supported by an empirical or case study in the context of one theory. It was also pointed out that explanations of this study should be interpreted in cautions. First,the evolutionary theories of bioecology used to explain homogeneity and heterogeneity of organisms in this study are not yet accepted in organization theory. However, the possibility exists that they do bear relevance. Organization literature already uses many conceptual models from bioecology. The biology concept of fit which is a core part of contingency theory is a well known example. Terms of variation, selection and retention, repeatedly used in the study of organizational ecology,are another examples. These imply that theories employed from bioecology for the current study could be relevant to organization theory. Secondly, the Korean idol music industry is relatively young and could still be considered in its introduction or growth stage. According to evolution theory of ‘variation → selection → retention’, this time frame could be interpreted at most as the time of variation...

Added value of music industry in Korea is not distributed and calculated properly, and this obstacle brings various problems in a creative environment. Meanwhile, a new business model such as Open Collaboration, Crowdsourcing and platform that makes decisions and innovation from external resources has been appeared in commercial area. This new model like a composer delivers to consumers directly through Youtube.com, and multi collaboration is applied to the music industry, and it enables a new type of mechanism for creation, distribution, division, and calculation of music. However there are not enough empirical study of the music market because existing relative researches has been centered around fundamental concepts and application methodologies. This research defines Open Collaboration Platform in the music industry, and studies affecting factors of Participation Intention for example Justice, Information System Quality and Perceived Value. For a survey we apply PLS(Partial Least Square) to analyse Equity, Information System Quality and structural equation between Perceived Value and Participation Intention. Analysis results show Distributive Justice and Procedural Justice affects Platform Trust, and Service Quality, Economical Value and Emotional Value affects Platform Usefulness. Also Platform Trust and Platform Usefulness affects Platform Participation Intention. We discussed academic and practical implication based on research results.

본 연구는 한국의 특수한 사회적, 문화적 환경을 반영한 한국 클래식 음악대학의 운영 전략에 대하여 분석하는데 연구 목적을 두었다. 서양 음악에 뿌리를 둔 클래식 음악은 지속적인 한국 음악가들 연주 실력의 발전으로 현재 세계적으로 인정받고 있다. 또한 디지털 미디어 패러다임의 전환으로 인하여 전통적인 방법 이외에도 다양한 방법으로 자신의 길을 개척하는 클래식 전공자 성공사례들이 많아지고 있다. 정부에서는 국가경쟁력의 근본이 되는 교육 기관인 대학의 미래를 위하여전체적인 평가와 융복합 교육의 필요성을 요구하고 실행하고 있지만, 국내 클래식 전공 음악대학은 아직까지 전통적인 교육프로그램만 고수하고 있어서 순수예술대학의 전통성을 유지하는 동시에 사회 변화에 선제적 역할을 할 실용성을 도입한 새로운 교육 발전 방향에 대한 고찰이 활발하게 이루어져 최종적으로 학생들의사회적 활동에 실질적인 도움을 줄 수 있는 교육을 도입하여 고등교육 생태계의 전반적인 전환을 모색해야한다. 이 연구는 대학의 궁극적인 목적이 인재 배출에 있다는 점을 기준으로 국내 음악 산업과 국내 클래식 음악 산업을 비교 및 대조하여 분석하고, 그에 따른 한국 사회의 특수성을 반영한 클래식 음악대학의 혁신과 경쟁력 있는 운영 방안 및 전략에 대하여 고찰하였다. 객관화와 시각화된 분석을 위하여 경영학적 비즈니스 모델을 도입하여 분석함으로써 클래식 음악대학이 운영 및 교육 방식의 전통성을 유지하면서도 시대의 흐름을 선도하는 교육 기관으로써의 혁신을 통하여 한 명이 아닌다수 학생들의 미래를 열어줄 수 있는 시스템을 갖고, 음악대학의 목적과 가치를 재확인하고 방향성을 제시하는 것에 연구의 의의를 두었다.

This study attempts to analyze the operation strategy of the Korean classical music university that reflects the special social and cultural environment of Korea. Classical music is based in theWest, and although Korea is barren, it is recognizedworldwide for its propaganda by Koreanmusicians. In addition, due to the new paradigm shift, there are more successful cases in which artists themselves can pioneer their own paths in various ways other than traditional methods. On the other hand, the government requires evaluation and convergence education in all fields for the future of universities, but Korean classical music colleges still remain in traditional educational programs, so they should actively consider new educational development directions that introduce tradition and practicality of pure art universities. This study analyzed the domesticmusic industry based on the fact that the ultimate purpose of the university is to produce talent, and examined the innovation and competitive operation plans and strategies of classical music universities that reflect the specificity of Korean society. For objectification and visualization of this analysis, a business model was introduced to identify the purpose and value of the music university that can open the future of many students through innovation as an educational institutionwhilemaintaining the tradition of classicalmusic university operation and education.

본 연구의 목적은 북미에서 질적 연구의 논리적 사고 개념으로 확립된 브리콜라주의 다중방법론에 입각하여 미국 흑인음악이 케이팝 음악과 산업에서 재맥락하는 양상을 고찰하는 것이다. 본 연구의 다중방법론은 브리콜라주의 주요 개념인 다중관점, 상호텍스트성, 변증법을 삼각검증법과 결부시켜 동일 구조화한 것에 기초한다. 이를 미국 흑인음악의 복잡성과 엄밀성에 따른 실재와 내장질서가 케이팝 음악과 산업에서 상호하는 교집합의 관계와 입각하였다. 연구 결과의 내용은 다음과 같다. 첫째, 재즈와 랩 음악에서 해석, 이론, 방법론적 브리콜라주의 원리에 따라 서로 연관된 상호텍스트들은 케이팝 음악의 중추가 되었다. 둘째, 케이팝 산업은 백인의 산업성을 차용한 미국 흑인음악 산업의 분업적인 제작체계화, 하위문화와 상위문화의 재구조화, 로컬과 글로벌의 동일화를 재맥락하였다. 이를 통해 케이팝은 그 특유의 세계관을 구축하고 글로컬 팬덤을 형성하고 있다. 셋째, 케이팝은 디지털 브리콜라주 방식과 바이럴 마케팅을 통해 관객의 재생산을 유도하며, Gen Z 세대는 이를 바탕으로 케이팝을 다각적인 하이퍼미디어 형태로 재수용하고 있다. 넷째, 초대형 케이팝 기획사들은 내외수의 취향을 충족하기 위해 글로컬 멀티레이블 제작시스템을 도입하고, 청자의 재맥락과 능동적 참여를 유도하는 감정공명 기법을 사용하고 있다. 다섯째, 근래의 미국 흑인음악과 케이팝은 하이퍼 팝의 디지털 브리콜라주 방식을 통해 하위음악과 상위음악의 재역치와 인간의 감정을 상호매체성에 의해 미디어와 혼용한 하이퍼맥락성의 음악을 선보이고 있다. 결론적으로 현재 케이팝은 가상과 현실의 동시각적 요소들을 통합해 최신 트렌드를 반영하는 재매개체이며, 엄밀하고 복합적인 초-정의 형태로 동일화되어 다원개별적인 하이퍼맥락성의 브리콜라주적 특성을 지닌다.

This study explores the recontextualization of African-American music within K-pop, employing a bricolage multi-methodology that emphasizes logic, multi-perspectivity, intertextuality, and dialectics. It finds that the growth of K-pop has been significantly influenced by the interconnectedness of jazz and rap, redefining production roles and cultural norms to create a unique K-pop worldview and a global-local fandom. Additionally, K-pop's adaptation of digital bricolage and viral marketing has made it appealing to Gen Z, leading to the development of innovative hypermedia. Major K-pop agencies have responded by establishing transnational production systems and using emotional resonance to foster recontextualization and active audience engagement. The study also highlights the emergence of hyper pop music, blending different musical styles and emotions through digital techniques. Conclusively, K-pop serves as a dynamic intermediary between virtuality and reality, reflecting modern trends in a detailed, hyper-contextual manner that showcases the diversity and complexity of bricolage.

2009년 개정 교육과정은 진로의 탐색을 강하게 부각시키는 정부의 의지에 따라 고등학교에 새로운 선택과목 ‘음악과 진로’라는 과목을 포함시키고, 2014년도 고등학교 1학년부터 가르치도록 하고 있다. 특히, 고등학교 시기 청소년들의 인지적 발달의 특성을 고려할 때 고등학생의 수준에는 음악적 현상이나 가치에 대한 비판적․분석적 사고의 과정이 필요하다. 따라서 이시기에 ‘음악 산업’에 관한 효과적인 학습을 통하여 청소년들의 비판적․분석적 사고와 음악 산업에 대한 폭 넓은 안목을 이끌어 내는 것은 매우 의미 있다고 본다. 이러한 국면에서 이 연구는 여러 학자들의 이론과 2009 개정 교육과정을 바탕으로 고등학교 선택과목 ‘음악과 진로’의 수용적 타당성을 알아보고, ‘음악과 진로’의 수업에서 음악 산업과 관련한 내용들, 즉 음악 산업의 변천과정․음악 산업과 관련된 직업의 종류․음반 산업의 구조와 특성 등을 살펴보며, 이와 관련한 효과적인 교수․학습 방법들에 대하여 논의하였다. 이러한 음악 산업에 관한 수업은 학생들이 음악 산업과 관련하여 다양한 정보를 습득하고, 더 나아가 음악 산업과 연관된 다양한 직업을 탐색해 보는 데에 도움을 줄 것이다.

The revised education curriculum in 2009 included a new elective subject 'Music and Career', according to the strong will by the government to emphasize career searching, and made it to be taught to freshmen in high schools since 2014. Especially, considering cognitive developmental characteristics of teenagers in the high school level, critical and analytical process of thinking about musical events or values are necessary in the level of high school students. Hence, inducing to youths critical and analytical thinking and extensive eyes for music industry through effective study about 'music industry' may be very meaningful. In this aspect, this study examined accepting validity of the elective subjective 'Music and Career' based on the revised curriculum by 2009 and the contents related to music industry in the classes of 'Music and Career', which mean the changing processes, the kinds of jobs regarding to music industry, and the structure and characteristics of phonographic industry, and discussed the effective teaching and learning methods about them. These classes about music industry will help students gain different information about music, and also help them search various kinds of jobs related to music industry.

기술의 발달로 인해 비트, 밀크뮤직 등 스트리밍 서비스 중심으로 음악 산업이 변화하고 있다. 더불어 저작물의 이용형태도 다양해짐에 따라 저작물의 이용에 대해 허락을 받을 사람들을 안정적으로 보호함으로써 관련 산업을 진흥시킬 필요성도 증가하게 되어 2011년 배타적발행권이 도입되었다. 이는 미국의 ‘배타적이용허락제도(exclusive license)’와 유사한 제도라는 점을 고려하면 배타적발행권제도에 대해 ‘발행권’이라는 용어를 사용하는 것은 발행의 대상인 저작물에 대한 배타적 이용권을 배타적 이용권자에게만 부여하기 위한 것으로 생각된다. 따라서 배타적발행권자가 저작재산권자를 의미하는지 아니면 배타적발행권을 이용허락받은 자를 의미하는지와 관련하여 혼동이 발생할 여지가 있으므로 ‘제한된 의미에서의 배타적이용권’이란 표현을 사용하는 것이 타당하다. 현재 배타적발행권은 음악 산업에 있어 실질적으로 계약을 통해 활용하고 있는 사례가 없다. 우리나라 음악 산업 구조는 저작권자가 스스로 음악저작물을 유통·판매할 수 없도록 되어 있어 온라인 음악 서비스를 하기 위해서는 음저협(또는 함저협), 음실연, 음산협과 각각 이용허락계약을 체결해야 한다. 특히 각 단체의 신탁계약 규정에 의하면 배타적발행권자도 신탁을 할 수 있으나 효율성 면에서 잘 활용되지 않고 있다. 또한, 기체결된 신탁계약 해지 관련 규정은 존재하지만 해지가 용이하지 않아 음악 산업에서 배타적발행권이 활용되기 어렵다. 일본은 개정 저작권법에서 전자서적에 있어서 출판권이 적용될 수 있도록 하였으나 음악저작물은 전자서적에 해당하지 않아 보호대상이 아니다. 즉, 일본 저작권법은 음악 산업에 있어 우리 저작권법상 배타적발행권자에 대해 준물권적인 권리를 부여하는 것과는 상이하다. 한편 미국의 배타적이용허락제도는 모든 저작물을 대상으로 한다는 점에서 배타적발행권 제도와 그 대상이 동일하며, 배타적이용허락의 법적 성격을 ‘저작권의 이전’으로 보고 있다. 배타적발행권은 준물권적 성격을 가진 권리로서 저작권자의 동의 없이 권리를 행사하는 등의 부작용도 발생할 수 있다. 그러나 배타적발행권의 법적 성격은 저작권 양도로 보아야 하며, 그 기간 동안 이용허락이 가능한 것으로 보아야 한다.

With the development of science and technology, music industry has been changed while focusing more on streaming service. In 2011, exclusive license was introduced in Korea to protect exclusive licensees from copyright use as usages of copyrighted works also became various. In this regard, exclusive license is expected to promote the exploitation of copyrighted works. In Korea, there were no actual cases where exclusive license agreements were used in music industry. The holders of copyright and neighboring right usually entrust their right to collective management organizations such as KOMCA(or KSCAP), FKMP, and RIAK. Especially, each organization’s rules can be interpreted to allow trust of exclusively licensed rights. However, it is doubtful that the exclusive license can be actively exploited in music industry as rescission of the license is not easy. From the perspective of comparativists, publication right is also applicable to e-book under the revised Japanese copyright law. However, the publication right is not extended to musical works, so that quasi real property right can not be applied to them. Meanwhile, exclusive license system in the U.S.A. is similar to that of Korea as the scope of exclusive license covers all forms of copyrighted works. Under the US Copyright Act, the exclusive license is considered as assignment of copyright. Hence, the exclusive license should be characterized as ‘transfer of copyright' in Korea. This Article examines the meaning and characteristics of exclusive license, and then it suggests how to improve exclusive license system in music industry.

2004년 11월 16일 출시된 세계 최초의 유비쿼터스 음악 서비스인 SK Telecom의 멜론은 국내 음악 산업에서 새로운 비즈니스 모델로 성공을 거두었다. 멜론의 성공 배경에는 차별적인 서비스 특징 뿐만 아니라 기술적 측면과 고객 지향적 측면에서 핵심 역량을 갖추고자 한 노력이 있다. 또한, 경쟁사 대비 비교 우위의 마케팅 믹스 활동도 간과할 수 없다. 본 사례에서는 멜론이 출시되기까지의 과정과 많은 사람들이 아직까지 생소해 하는 온라인 음악 서비스에 대해 소개하고, 성공을 향한 멜론의 노력과 이를 통해 달성된 가시적 성과를 설명하였다. 그리고 지금보다 발전된 성과를 도출시키기 위해서 해결해야 할 전략적 과제를 제시하였다.

On November 16th 2004, SK Telecom Co., Ltd. launched ‘MelOn' , an ubiquitous music service, into the first time in the world. It, new business model in Korea, was a great success in domestic music industry. Its key success factors are not only differential features of service but also the superiority of technical know-how, customer-oriented spirit, and marketing mix activities compared to many competitors. The case shows how MelOn developed and then introduces what on-line music service is identifying the key success factors and presenting visible outcomes. Furthermore discussing its business implications and future challenges.

캄보디아의 대중음악은 크메르 루즈 정권 기간 동안 예술가의 90 %가 사망 한 이래로 완전히 잊혀졌다. 1979 년부터 전쟁에서 회복 한 후 1990 년 음악은 다시 성장하기 시작했다. 그러나 캄보디아 대중 음악의 역 동성과 흐름은 다면적 사회 경제적, 정치적, 창조적 세력에 의해 관찰 되고 있지만, 표절과 불법 복제로 수년간 대중음악산업에서 널리 퍼져 많은 문제가 되어왔다. 최근에는 크메르(캄보디아언어) 전통 음악을 팬과 아티스트 모두에게 보존해야 할 필요성에 대한 의식이 높아져 캄보디아 젊은 인구의 새로운 트렌드가 되었으나, 음악 품질은 여전히 한계상태에 봉착해 있고, 전통 대중 음악의 전문성을 높이기 위해서는 대중의 드백과 영감이 필요하다. 이 연구는 캄보디아에서 가장 많은 대중음악 관련 사이트인 페이스 북 페이지의 게시물과 코멘트에서 수집 된 문장들을 감정분석을 사용하여 음악 순위 차트(웹 사이트)를 구현하였다. 크메르어에서 영어로 번역하고 감정 분석을 수행하고 순위를 생성하는 알고리즘 개발하였다. 그 결과로 제안 된 시스템에서 번역 및 감정분석의 정확도가 80 %임을 보여주었다. 순위에서 높이 평가된 노래는 크메르(캄보디아언어)로 된 전통대중음악으로 이 논문의 취지와 부합이 되었다. 캄보디아 전통대중음악을 다시 부활하기 위해서 제안 된 시스템과 순위 알고리즘을 사용하여 음악제작의 경쟁 우위를 높이고 제작자가 특정 활동 및 이벤트에 맞는 새 노래를 작곡하는 데 도움이 될것으로 사료된다.

During Khmer Rouge Regime, Cambodian pop music was completely forgotten since 90% of artists were killed. After recovering from war since 1979, the music started to grow again in 1990. However, Cambodian popular music dynamic and flows are observably directed by the multifaceted socioeconomic, political and creative forces. The major problems are the plagiarism and piracy which have been prevailing for years in the industry. Recently, the consciousness of the need to preserve Khmer original songs from both fans and artist have been increased and become a new trend for Cambodia young population. Still, the music quality is in the limit state. To increase the mind-set, the feedbacks and inspiration are needed. The study suggested a music ranking website using sentiment analysis which data were collected from Production Companies Facebook Pages' posts and comments. The study proposed an algorithm which translates from Khmer to English, doing sentiment analysis and generate the ranking. The result showed 80% accuracy of translation and sentiment analysis on the proposed system. The songs that rank high in the system are the songs which are original and fit the occasion in Cambodia. With the proposed ranking algorithm, it would help to increase the competitive advantage of the musical productions as well as to encourage the producers to compose the new songs which fit the particular activities and event.

이 논문은 최근 디지털 음원 분야에서 주목할 만한 성장을 이루고 있는 러시아 음악시장의 현재적 상황과 그 배경에 대해 살펴보는 것을 목적으로 한다. 현재 세계 10위권의 시장 규모를 가진 러시아 음악 산업은, 스트리밍 접속을 통한 디지털 음원 시장을 중심으로 빠르게 성장하는 세계 음악 산업의 최근 흐름을 따르고 있다. 러시아의 음악 산업에서 디지털 음원의 성장 배경으로는 다운로드 및 스트리밍 음원 서비스 증가, 인터넷 발전으로 인하여 모바일을 이용한 디지털 음원 접속 회수의 증가, 정부의 저작권법 개정 등이 주요 원인으로 거론된다. 특히 스트리밍 음원 매출은 2020년에 디지털 음원 전체 매출의 85%이상 점유율을 예상할 만큼 폭발적인 성장이 기대된다. 스마트폰의 보급, 이로 인한 러시아 국민들의 라이프 스타일 변화, 즉 별도의 오디오 기기나 디지털 플레이어가 없어도 누구나 쉽게 디지털 음원에 접근하고 음악을 들을 수 있는 ‘연결/접속’의 편리함과 4차 산업혁명의 ‘빅데이터’ 해석을 통한 음원소비자의 성향 분석 등이 이러한 변화를 전위에서 이끌고 있다. 또한 러시아 정부의 ‘저작권법’ 개정과 더불어 불법 복제 음원물의 유통 근절에 대한 강력한 정책이 효과를 발휘하고 있다는 것도 디지털 음원의 가파른 상승을 이끄는 중요한 요소로 꼽힌다. 음악은 문화적 자산 가운데 가장 중요한 요소이면서, 디지털 경제의 전반적인 성장을 견인하는 효자 콘텐츠이다. 현재 러시아 음악 산업은 과거와 비교했을 때 안정적으로 지속 가능한 성장을 도모할 수 있는 환경이 구축되고 있으며, 여기에 다음과 같은 다섯 가지 개선안(저작권 보호에 대한 러시아인들의 의식 강화, 디지털 음원 산업에 빅데이터 활용, 디지털 음원 유통자들의 독과점 개선, 적정한 음원 수익 분배율 제시, 러시아 음악 산업에 대한 투자 활성화)이 효과적이고 생산적으로 잘 작동되면 세계 음악시장에서 러시아의 역할과 입지가 확장될 가능성은 매우 크다. 이럴 경우 러시아 음악 산업은 디지털 음원 시대에 단순히 적응하는 단계를 지나 4차 산업혁명의 수혜업종인 ‘스트리밍’에 접속하여 음악을 소비하는 패턴이 시장의 중심이 되는 세계 음악 산업을 선도적으로 이끌어 갈 것이다.

The purpose of this paper is to examine the current situation and background of the Russian consumer music market, where digital music sources are making great strides in the noted recent years. In addition, music storage technology, media and change are considered together in this report. Moreover, Russia is the 12th largest music market in the world. The Russian music industry is following the recent trend of the global music industry, where the digital music market is growing rapidly on many different levels. The explosive growth of the digital sound sources in Russia's music industry is attributed to the explosive increase in available consumer downloads, streaming sound source service, and the increase in the number of digital sound sources using mobile technologies due to the development of the Internet. In particular, the sales of the available and accessible streaming sound sources are expected to grow explosively by the year 2020, which is expected to account for more than 85% of total digital music sales. In other words, the spread of smartphones and the resulting changes in the lifestyle of the Russians have created these changes for the global consumer of music. In other words, the time has come for anyone to easily access music and listen to music without a separate audio or digital player. And the fact that the Russian government's strong policy on the eradication of illegal copying of music is becoming an effective deterrent, as is also the factor that led to the increase of the share of the digital sound source to increase sales in Russia. Today, the Russian music industry is leading this change through the age and process of simply adapting to the digital age. Music is the most important element of cultural assets, and it is the beneficial content, which drives the overall growth of the digital economy. In addition, if the following five improvements(First, strengthen the consciousness of the Russian people about copyright protection; Second, utilizing the Big Data Internet resources in the digital music industry; Third, to improve the monopoly situation of digital music distributors; Fourth, distribution of fair music revenues; and Fifth, revitalization of a re-investment in the current Russian music industry) are effective and productive, Russia's role and position in the world music market is likely to expand.

영화 등 영상저작물에서 음악을 사용하고자 할 경우 저작권에 대한 권리처리가 필요하다. 방송에서의 음악저작물에 대한 권리처리는 지상파방송사 등 플랫폼 사업자들이 한국음악저작권협회와의 포괄사용계약과 저작권법상 저작인접권에 대한 보상금 지급을 통해 비교적 간편하게 이루어지고 있다. 반면 영화에서의 권리처리는 영화제작자 등이 권리자(단체)와 개별적으로 협상하는 형태로 상대적으로 불편하게 이루어져 왔다. 나아가 2010년경부터 한국음악저작권협회 등 신탁단체들이 영화관에서의 영화상영에 대한 공연사용료를 징수하고자 했다. 영화계와의 협상과정에서 형사고소, 민사소송 등이 제기되기도 했지만, 문화체육관광부의 중재와 주요 쟁점에 대한 법원의 판단을 바탕으로 영화 음악의 사용에 대한 기준을 마련하였다. 핵심적인 내용은 영화에 음악저작물을 이용함에 있어서 복제‧배포‧공연 등을 일괄적으로 허락하는 경우의 곡당 사용료는 “300만원 + (스크린당 곡단가 × 개봉 첫날 스크린 수) × 지분율”로 계산한다는 것이다. 하지만 몇 가지 쟁점은 여전히 풀어야 할 숙제로 남아 있다. 예를 들면 해외 기성곡의 사용에 대한 저작권 처리 기준의 부재, 음반제작자의 권리에 관한 사용료 징수규정의 개정, 음저협과 음실련에 가입되어 있지 않은 저작권자와 실연자들에 대한 권리처리문제, 신탁단체를 탈퇴한 권리자의 권리 처리문제, 저작인격권 관련 쟁점, 2차 시장에서의 전송권 관련 문제 등이 대표적이다. 그럼에도 불구하고 영화산업에서 영화 음악의 이용에 관하여 이해관계자들의 논의를 통해 객관적인 기준을 마련한 것은 창작물의 보호와 이용에 관한 적절한 균형점을 찾아가고 있다는 점에서 매우 높이 평가할 수 있으며, 향후 시나리오 작가 등 다른 권리자들과의 관계에서도 적절한 균형점을 찾는 노력이 필요하다.

When a film producer wants to use music in their movie, they must process copyright. The handling of music copyright in films has been relatively difficult compared to the broadcasting industry in that film makers should negotiate directly with the rights holders. By 2010, furthermore, the Korean Music Copyright Association (KOMCA) sought to collect royalties on movie theaters. During the negotiations with the film industry, KOMCA filed criminal charges and civil lawsuits. However, through the intervention of the Ministry of Culture, Sports and Tourism, and based on the judicial judgement on major issues, the criteria for the payment of music copyright fees in film industry were established. However, some issues still remain to be solved ; the absence of a copyright process standard for the use of overseas music, the revision of terms of use for the rights of the music producers, the copyright issues of right holders who don't belong to collective organizations, the issues of handling rights of right holders who left collective organizations, authors' moral rights issues, and transmission rights issues in secondary markets. Nonetheless, it is highly appreciated that the objective criteria for the use of music in the film industry through discussion by stakeholders since it aims to find a suitable balance point for the protection and use of creative works. Efforts should be made to find appropriate balances in relation to other rights holders such as screenwriters.