Earticle

21세기 문화의 시대에 한국은 정보통신강국이라는 장점을 활용하면 문화산업을 성장산업의 핵심으로 설정할 수 있는 절호의 기회를 맞게 되었다. 지식정보화시대에는 기존의 관점과 사고에서 벗어나 새로운 문화정책의 패러다임을 구축해야 하는데 지식정보화사회에서 경제환경의 변화현상을 미시적이고 거시적으로 분석할 수 있는 안목이 필요하다. 한․중․일 3국을 중심으로 한 동북아 문화공동체는 세계적 메이저(Global Major)로 한국이 성장하기 위한 중요한 기반이다. 이러한 비전의 실현을 위해 문화콘텐츠, 문화기술(Culture Technology), 해외문화산업협력, 문화행정과 제도, 문화산업투자분야에 정보화시대에 걸 맞는 전략이 필요하다.

In the 21st century, so called, the era of culture, Korea faced favorable chances to bolster cultural industries as the kernel of growth industries through utilizing the vantage of a front-runner in IT sector. In the age of intellect and information, it is cardinal not only to establish fresh paradigms of cultural policies beyond extant perspectives and considerations,but also to possess novel insights for analyzing fluctuating economic conditions from microscopic views as well asfrom macroscopic views. Besides, North-Eastern Asian cultural community consisting of Korea, China, Japan and other Asian countries would become a cornerstone to promote Korea as a "Global Major". To realize this vision, Korea is required to work out diverse strategies on the aspects of cultural contents, cultural technology, industrial cooperation with other countries, cultural administrations, cultural institutions and the investment on cultural sector for the "The Era of Culture".

한국출판문화산업진흥원(원장 이재호)는 지난 6월 27일 오후 2시 가톨릭청년회관 대강당에서 '제3회 지역서점 육성 포럼'을 개최했다. 이번 포럼은 지난해 연말부터 서점 종사자, 출판사 대표, 지방자치단체와 소비자단체 관계자 등이 지역 서점의 위기에 대해 공감하고 해법을 논의한 것을 정리하고, 그동안의 성과를 나누는 마지막 지역서점 포럼이다.

김윤덕 최재천 국회의원은 지난 4월 17일 국회 입법조사처 대회의실에서 '출판문화산업 진흥을 위한 도서정가제 법제화 공청회'를 개최했다. 200여명의 출판 서점인이 참가한 가운데 진행된 이날 공청회에서는 부길만 한국출판학회 회장이 '출판문화산업 진흥을 위한 도서정가제 법제화'라는 주제로 발제를 진행했다. 본지에서는 부길만 회장의 발제를 요약 게재한다.

Creation village is to house diverse programs to complete the master plan which was established 13 years ago. The project was asked to envision the second stage leap of the college and also house programs related to the specialized creative activities with dormitory. The site is located right next to the main gate, so the project has very strong and symbolic image by its location. Therefore, the project is to carry out the college philosophy in education and also work with ideas of connection and separation with required diverse programs.

이 연구는 도시에서 개최되는 문화산업 페스티벌 공모전과 지역문화산업의 연계성 증진을 위한 모델을 개발하는데 초점을 두었다. 이 연구에서는 특히 애니메이션 페스티벌 공모전을 중심으로 모델을 탐색하였다. 이를 위하여 2004년부터 광주에서 개최되고 있는 웹애니메이션 페스티벌 공모전(WAF)에 대한 사례를 분석하였다. 사업화 사례는 창작집단 중심형, 기업제작 중심형, 지역문화산업정책사업과의 연계성을 중심으로 분석되었다. 분석결과, 공모전을 활용한 우수 프로젝트 발굴사업과 선정 작품에 대한 사업화 지원사업의 연계 가능성을 확인하였으며, 이 과정에서 공모전사업 주관기관과 담당자의 사업화 의지와 산업계의 공모전 참여구조가 중요한 요인으로 작용한 것으로 나타났다. 그러나 이러한 사업모델은 공공부문의 지원만으로는 한계가 있으며, 민간부문의 자발적인 투자와 협업이 이루어질 수 있는 기반이 구축될 필요가 있다. 이와 관련하여 이 논문에서는 WAF를 우수프로젝트 발굴을 위한 Showcase로 특성화하는 방법을 제시하였다.

The article concerns the relationship between the animation festival and the regional cultural industries. In particular, the article studies the WAF(Web Animation Festival) case, in which has hold since 2004 by the Gwangju Information & Culture industry Promotion Agency in the city of Gwangju. The WAF case will be examined in terms of the promotion of the selected web cartoons and animations in the festival competition. As a result, the competion festival has been managed in connection with the support programs for the promotion of the regional cultural industries. In the process, the Gwangju Information & Culture industry Promotion Agency has sought to connect the selected arts works with the CEOs in the field of content business and media business. The article concludes the WAF need to be reestablished in the context of the development of the Gwangu cultural industries cluster and the reinforcement of the international exchange and networking through the grand project of Asian Cultural Capital Gwangu.

한국에서 문화산업 부문이 지역경제를 이끄는 동력으로 인식되기 시작한 것은 비교적 최근의 일이다. 이러한 인식은 현 정부의 국가균형발전 정책과 맞물려 주요 도시에 문화산업단지를 조성하고 투자를 유도하는 전략으로 구체화되고 있다. 문화산업단지 조성사업은 각 도시의 개발전략을 변화시키는 계기로 작용한다. 그러나 이러한 공공부문 주도의 문화경제 육성에 대한 비판도 다양하게 제기되고 있다. 이 논문에서는 최근 전개되고 있는 문화산업단지 조성정책의 배경, 제도적 기반, 그간의 성과를 정리하고, 몇 가지 평가에 근거하여 향후 과제를 제시하고자 한다. 문화산업단지 육성정책의 성공을 위해서는 문화산업 자체의 발전에 초점을 둘 것, 문화산업 고유의 특성에 맞는 클러스터정책을 개발할 것, 각 지역에서 기업과 인력을 육성할 수 있는 실질적인 수단을 강구할 것, 그리고 지방이 주도하고 중앙이 지원하는 체제를 형성할 것 등이 제안된다.

It is not so long that the cultural industrial sector has been noted as one of the major engines of regional economy in Korea. In parallel with balanced development strategies recently emphasized in the Korean regional policy, there has been a wide range of investment to formulate cultural industrial districts in major cities. This trend of investment focus has changed the development strategies of each city. There are criticisms, however, to this public sector-dominated nurturing of cultural economy. This paper overviews the recent policy of cultural industrial districts in Korea, in terms of its background, institutional basis, performances, and some evaluations. Some suggestions are provided in order to make the policy successful; emphasize developing the culture industry itself, develop clusters specifically focused on the characteristics of the culture industry, deliberate substantial measures for nurturing companies and human resources in the local regions, and formulate a system in which the local dominates and the center supports.

Now the one of problems of digital culture contents industry in korean region is to focus only on small company in the related industry. So a plan for overcoming this is a cultivation of leading company in this industry. Thus, in this paper, we tried to make an importance level between the related industries including this leading company by the AHP analysis. For achieving the objective of this paper, first of all, this study yielded the relative importance between the industries as the quantitative values. As the result of this analysis, the important factor in this leading company is 'creation' factor and this paper proposed the basic results for cultivating the leading companies for the future time.

지리적 표시제란 농산물 등 상품 및 그 가공품의 명성 품질 기타 특징이 본질적으로 특정 지역의 지리적 특성에 기인하는 경우 당해 상품 및 그 가공품이 그 특정지역에서 생산된 특산물임을 표시하는 제도를 의미한다. 우리나라에서는 1999년에 제정된 농산물품질관리법을 통해 지리적 표시제가 본격적으로 시행되고 있다. 본 연구에서는 우리나라에서 지리적 표시제가 공식적으로 도입된 이후 최초로 인증을 얻은 보성녹차의 사례를 중심으로 지리적 표시제가 지역 문화산업 진흥에 미치는 영향 및 시사점을 분석한다. 연구결과 지리적 표시제 도입 이후 지리적 표시품인 보성녹차의 제품이미지 상승과 품질향상이 이루어짐으로써 지역 특산품인 보성녹차의 재배와 생산이 증가하였을 뿐만 아니라 녹차연계 관광산업의 개발 등을 통해 지리적 표시제가 지역 문화산업의 진흥에 전반적으로 긍정적인 기여를 하고 있는 것으로 나타났다. 이러한 연구결과는 지리적 표시제의 도입이 지역 특산의 국산 명품 브랜드를 육성함으로써 향후 수입자유화에 대비한 우리니라 통상정책 측면에서 유효한 대응책이 될 수 있음을 시사한다. 또한, 지리적 표시제가 지역문화 정체성 제고와 장소마케팅을 위한 효과적인 수단을 제공할 수 있음을 시사한다.

Geographical indications are signs which identify a good as originating in the territory of a specific country, region, or locality, where the quality, reputation or other characteristics of the product is essentially attributable to its geographical origin. Korea has implemented geographical indication system through its Agricultural Product Quality Control Act since 1999. This research analyzes the impacts and implications of geographical indications on a particular cultural industry in a region using a case study of Boseong green tea which is the first product that was officially registered as a geographical indication in Korea. The results show that the geographical indication has contributed to the promotion of green tea industry in Boseong not only through increase of production but also through development of tourism. The implication is that a geographical indication can be used as an effective method to cope with trade liberalization in terms of agricultural policy. Another implication is that a geographical indication provides an efficient tool for place marketing.

The purpose of this study is to grasp the meanings of retro-fashion, to research the design characteristics and background on the birth of repro-fashion. It can help to confirm the importance of aesthetic marketing which is based on human feelings, the roles and cultural and industrial meanings. Reto-fashion Is one of the mediums between the expression of Post-modern fashion and emotional sympath of human beings as consumer and fashion creators. So this inspiration is the way of fashion creativities. The backgrounds of appearance repro-fashion are reflection about materialism and technique and 20th century, the sense of instability and finding new ideas from the past. The characteristics of retro-fashion designs are as follows : First, the styles have been come from 50's. 60's, 70's, and 80\`s. It means that the styles not just expressed to return to the past simply but an expression the emotional state for missing the past. Second, the colors and materials are various also as like styles. Third, the decorations of repro-fashion are more crafts by human. The roles of retro-fashion are for creation of high valued product in fashion design, expression of individuality with disharmonized coordination and application as a fusion style. The cultural and industrial meaning of repro-fashion are endowment of aesthetic marketing using human feeling in fashion marketing area and pursuing of the Renaissance of fashion culture and industry. Therefore it is needed that design critics and analysis going side by culture and industry condition for fashion study with human feelings in 21th century.

1995년 케이블TV가 개국하고 약간의 정체기를 거치면서 규모를 키웠고, 그 이후로 신규 플랫폼들이 진입하면서 경쟁이 심화하는 양상을 보여왔다. 전통적 강자였던 지상파가 크게 위축되었고, 케이블TV 가입자들은 IPTV로 이탈하는 추세도 강화되었다. 또한 넷플릭스 등장 이후로 콘텐츠 이용이 OTT 중심으로 재편되는 상황이다. 이러한 변화가 미디어 산업에 어떠한 영향력을 미치게 될지 예의주시할 필요가 있다. 이러한 맥락에서 본 연구는 넷플릭스의 국내시장 진입 이후 기존 방송사업자들의 수익성에 미친 영향을 정량적으로 분석하고자 하였다. 이를 위해 방송사업자들의 재무자료를 수집하여 동적 패널분석을 수행하였다. 주요 분석결과는 다음과 같다. 첫째, 넷플릭스 진입 이후 ROE는 지속적으로 감소하는 경향을 보였다. 다만 통계적으로 유의하게 해석하긴 어렵다. 둘째, ROA에 대한 추정결과, ROE와 마찬가지로 통계적으로 유의한 수준으로 추정되지는 않았지만 부정적인 관계가 일관되게 나타났다. 셋째, VOD 매출액 추정결과, 통계적으로 유의한 감소를 보여주었다. 넷플릭스는 VOD 서비스를 제공하기 때문에 유료방송사업자들의 VOD 매출액이 넷플릭스 진입에 보다 민감하게 반응한 것으로 보인다. 넷째, 사업자별 고정효과 추정결과, ROA와 VOD 매출액에 있어서 IPTV 사업자들의 고정효과가 상대적으로 높은 것으로 나타났다. 이는 최근 몇 년간 지상파와 MSO들의 침체상황이 반영된 결과라고 할 수 있다.

When cable TV launched in 1995, it initially experienced a period of stagnation before eventually expanding in scale. Since then, the landscape has become increasingly competitive as new platforms have entered the market. Traditional terrestrial broadcasting, once the dominant force, has seen a significant decline, and there has been a noticeable trend of subscribers moving from cable TV to IPTV. Furthermore, the emergence of Netflix has reorganized content consumption around OTT services. It’s important to closely monitor how these shifts will impact the media industry. In this context, this study aimed to quantitatively analyze the impact of Netflix's entry into the South Korean market on the profitability of existing broadcasters. For this purpose, I collected financial data from these broadcasters and conducted a dynamic panel analysis. The main findings are as follows: Firstly, there was a consistent downward trend in ROE following Netflix's entry, though this trend wasn't statistically significant. Secondly, the ROA showed a consistent negative correlation, similar to ROE, but this also wasn't statistically significant. Thirdly, the analysis of VOD revenues indicated a statistically significant decline. This suggests that the VOD revenues of pay-TV operators were particularly impacted by Netflix's entry, as Netflix offers VOD services. Lastly, the estimation of fixed effects for individual operators showed that IPTV operators experienced relatively higher fixed effects on both ROA and VOD revenues, likely reflecting the recent downturns faced by terrestrial broadcasters and MSOs.

코로나-19 이후 디지털 전환과 혁신이 강조되는 상황 속에서 교육 역시 이러한 변화에 유연하게 대처할 수 있도록 첨단 기술을 활용한 융합 수업을 진행할 필요성이 제기되었고, 이미 여러 학문에서 인공지능, 빅데이터, 블록체인 등을 활용한 새로운 교육법이 활용되고 있다. 음악에서는 도제식 교육이라는 교육적 특수성으로 인해 첨단 기술을 접목하기 위한 시도가 많이 이루어지지는 않았지만, 급변하는 교육 환경, 디지털 교육이 강조되는 추세 속에서 새로운 교육법을 연구할 필요성이 꾸준히 제기되고 있다. 이에 본 논문은 첨단 기술을 접목한 새로운 교육법이라 할 수 있는 에듀테크를 음악교육에 활용하는 방법과 이를 통한 음악교육 콘텐츠의 개발 가능성에 대해 제언하고자 하였다. 이를 위하여 현재 진행되고 있는 온라인 음악교육의 현황과 문제점을 살펴본 후 4차 산업혁명에 맞는 교육 시스템으로써 에듀테크의 개념, 특징, 그리고 전망에 대해 알아보았다. 마지막으로, 에듀테크를 활용한 음악교육의 발전 가능성을 확인한 후 에듀테크가 적용된 음악교육 콘텐츠의 개발을 제안하였다. 이번 연구를 통해 음악교육도 디지털 기술을 활용한 혁신적인 수업으로 변화할 가능성이 높고, 특히 음악교육에 에듀테크의 여러 디지털 콘텐츠를 적용한다면 높은 학습 효과가 기대된다는 결론에 도달하였다. 그러나 이러한 음악교육 콘텐츠가 상용화되기 위해서는 많은 비용과 시간이 필요할 것으로 예상된다. 따라서 저자를 비롯하여 음악교육에 참여하고 있는 관계자 모두 계속 발전하는 기술이나 새롭게 등장하는 기술에 많은 관심을 기울이고, 이를 음악교육에 연계하기 위한 노력을 할 필요가 있다.

In a situation where digital transformation and innovation are emphasized after COVID-19, the need for convergence classes using advanced technology in education has also been raised to be flexible in responding to these changes. New education methods using Artificial Intelligence, Big Data, and Blockchain are already being used in various disciplines. In music, due to the educational specificity of apprenticeship education, not many attempts have been made to incorporate cutting-edge technology, but the need to study new education methods is constantly being raised amid the rapidly changing educational environment and the trend of emphasizing digital education. Therefore this thesis is intended to suggest a method of using Edutech, which can be called a new educational method that incorporates cutting-edge technology, in music education, and to suggest the possibility of developing music education contents through this. To this end, I examined the current status and problems of online music education, and then looked into the concept, characteristics, and prospects of Edutech as an education system suitable for the Fourth Industrial Revolution. Finally, after confirming the development potential of music education using Edutech, I proposed the development of music education contents applied with Edutech. Through this study, I came to the conclusion that music education is highly likely to change to an innovative class using digital technology, and in particular, high learning effects are expected if various digital contents of Edutech are applied to music education. However, it is expected that a lot of money and time will be required to commercialize these music education contents. Therefore, it is necessary for both the author and those involved in music education to pay much attention to continuously developing or emerging technologies, and to make efforts to connect them to music education.

이 논문은 국가가 선도적인 입장에서 문화산업 발전과 디지털 전환을 추진하는 중국의 현실을 고려해, 관련 정책문건을 통해 ‘14·5’시기 문화산업 정층설계의 특징과 방향성을 확인하고자 하였다. 이를 위해 ‘10·5’시기부터 시기별 「문화산업발전규획」을 대략적으로 살펴보고 ‘14·5’시기의 계승과 변화발전의 차원을 파악하였다. ‘10·5’ 및 ‘11·5’는 문화산업을 공식화하고 발전시키기 위한 체제개혁 및 성장점 육성하는 시기였다면, ‘12·5’는 이를 기반으로 ‘배증계획’을 통해 양적 발전을 도모하며 주력산업으로 자리매김하는 시기였다. 그리고 ‘4차 산업 혁명’ 및 디지털 전환을 맞아 ‘13·5’부터 질적 발전의 단계에 진입하며 업종 및 산업 간 융합 발전을 도모했으며, 그것이 큰 틀에서 ‘14·5’까지 이어짐과 동시에 새로운 혁신 또한 시도되고 있음을 확인할 수 있다. 특히 문화산업의 ‘디지털화, 네트워크화, 스마트화’를 통해 산업구조를 혁신하고 우수한 상품 공급을 강화하며 공간기획을 확대하고 관광산업과의 융합 발전을 추진하는 것이 핵심적이었다. 중국 문화산업의 이러한 양적 및 질적 발전은 우리와의 문화콘텐츠 생산 경쟁 및 소비 갈등으로 이어질 가능성이 매우 크다. 양국의 MZ세대들 간에 반감이 고조된 상황에서, 중국 문화산업 정층설계에 대한 이해가 공통의 문화적 토대를 형성할 최적점을 발견하기 위한 기초적인 모색이 되기를 희망한다.

This paper attempted to analyze the characteristics and directions of the Top-level Design of cultural industry during the ‘14·5’ period in consideration of the party-state’s leading position of China. To this end, the “Cultural Industry Development Regulations” for each period from the ‘10·5’ was roughly examined, and the succession and change development of the ‘14·5’ were identified. First ten years was times to reform the system and foster ‘growth pole’, while during ‘12·5’ period quantitative development was promoted through the “multiplication plan” and establish itself as a major industry. In the wake of the ‘4th Industrial Revolution’ and digitalization, it entered the stage of qualitative development from ‘13·5’ and started to promote convergence development between business fields and industries, and it can be seen that new innovation is also being attempted. In particular, it was essential to innovate the industrial structure, strengthen the supply of high-quality products, expand spatial plans, and promote convergence development with the tourism industry, all through ‘digitalisation, networking, and smartization’ of the cultural industry. This quantitative and qualitative development of the Chinese cultural industry is highly likely to lead to competition in production and conflicts in consumption with other countries including Korea. In the face of heightened antipathy between the MZ generations of the two countries, it is hoped that understanding of the Chinese cultural industry's Top-Level Design will be a basic search for finding the best point to form a constructive and common cultural foundation.

본 연구는 오늘날 문화콘텐츠를 비롯하여 근대 문화산업이 형성될 수 있었던 정서적 배경을 되짚어보려는 계보학적 고민으로, 지금까지 계급 변화, 경제 구조의 변동이나 또는 노동-여가의 이원화와 같은 맥락 속에서 나타난 것으로 설명되어져 왔던 문화산업의 등장을 근대의 정서적 변동이라는 관점으로 바라보려 한다는 데에서 의의가 있다. 그에 따라 본고는 ‘지루함’의 형성 배경을 물적 토대와 심적 토대의 층위로 분할하여 각각의 영역에서 근대화가 어떠한 변화를 야기했는지를 살펴보고, 실제 지루함의 현상적 징후들을 다방면으로 살펴보았다. 물적 토대에서는 시계-시간의 등장과 그것의 내면화 과정을 거치면서 익숙성과 지루함이 부쩍 강화되었으며, 한편으로 심적 토대에서는 근대성이 야기한 기존 질서의 붕괴와 니힐리즘이 지루함 즉 시대적 권태로 표상되었다. 문화산업의 급속한 성장은 이 같은 근대적 일상의 변동과 근대적 주체의 요구에 대응한 결과로 이해될 수 있다. 이러한 맥락에서 나아가 본고는 근대적 주체와 문화상품 사이에서 나타나는 관계맺음의 양상을 ‘지루함-낯설음의 변증법적 순환 구조’로 설정하고 그것의 대응원리와 역학을 살펴보고자 했다. 이로써 문화산업은 근대적 주체에게 감각적으로나 의미적으로 ‘낯설음’을 제공했으며, 그로부터 충분히 문화산업과 문화콘텐츠의 긍정론적 함의를 생성할 수 있음을 논하고자 했다.

This study is a genealogical study to look at the emotional background in which the modern cultural industry was formed. Until now, the emergence of the cultural industry has been explained by class changes, changes in the economic structure, or dualization of labor-leisure, which I would like to view as an emotional change of modern times. This study divided how modernity established "boredom" into physical and mental foundations, and looked at the actual phenomenon of "boredom" in many ways. Familiarity and boredom were strengthened through the emergence of "watch-time" and internalization process on the physical foundation, while the collapse of the existing order and nihilism appeared on the mental foundation due to modernity. The rapid growth of the cultural industry is the result of this change in modern daily life and the demands of modern subjects. In this context, the paper established the relationship between modern subjects and cultural products as a "Boredom-Unfamiliarity dialectical circulation structure" and examined its dynamics. As a result, the cultural industry has provided modern subjects with "Unfamiliarity" sensibly and meaningfully, and furthermore.

이 글은 대중문화의 범주에서 디지털 사회를 배경으로 다양한 정체성을 전환하며 살아가는디지털 존재의 오리지널리티와 문화산업 측면의 경제적 가치 창출에 대한 논의이다. 이를 위해가상과 복제, 문화산업 개념을 바탕으로 복면 래퍼 마미손 등장과 활동을 단서로 분석한다. 마미손은 동시대 대중적 페르소나(Persona)의 전형성을 포함하고 있다. 디지털 사회의 플랫폼은직접 콘텐츠를 생산하기보다는 공유와 전유, 매개를 통해 경제적 이익을 창출한다. 디지털 존재와 플랫폼의 네트워크 효과, 그에 따른 문화 산업적 가치를 연결해보면 가상과 복제의 소비형태, 그리고 경제적 이익을 창출하는 방식의 변화에 대해 다각적으로 분석할 수 있는 실마리를 찾을 수 있을 것이다.

This article is a discussion on the originality of digital existence and the creation of economic value in terms of cultural industry, living by changing various identities from the category of popular culture to the background of digital society. To this end, we would like to analyze the emergence and activities of masked rapper Mamison based on the concepts of virtual, cloning and cultural industries. Mamison includes the typicality of contemporary popular Persona. Instead of producing content directly, the platform of digital society generates economic benefits through sharing, whole milk and medium. Connecting the digital existence with the network effect of the platform and the resulting cultural and industrial value will provide a clue to a diverse analysis of the changes in the consumption patterns of virtual and cloning, and the way in which economic benefits are generated.

The main purpose for China to combine culture and industry is to choose a neo-liberal economic system and figuring out ways to operate it. Also, China’s economic flow, which expands capitalism in the form of a combination of culture and industry, has a connection with the purpose of establishing a new empire in the 21st century following the trend of “Globalization”. Currently, in 2020, China’s move to counter US-centered New Imperialism is wrapped in a Chinese ideology called ‘Neo- Tianxiaism’. The important thing here would be the securing of legitimacy in China’s world domination. Here are the two possible directions. One is capital occupation and the other would be cultural occupation. The keynote in this direction would be ‘crossing the border (or removing the border)’, and it can be expressed in the word ‘Kua(跨)’ in Chinese. These border crossings are mainly made in the form of disseminating content with the modifier “Chinese” around the world through networks such as electronic and communication devices, TV, and computers. Furthermore, the theme parks for movie filming sites built in mainland China serve as both material conditions and spaces for producing and consuming content at the same time. And Hengdian World Studios was the first of these platforms to be built. Hengdian World Studios is a real movie studio, theme park, and imitation of architectural space. New attractions and entertainments with different characteristics are built in one city at a 1:1 (original: reproduced) ratio and are gradually spread across the city. The important aspect is that these three spaces with different temporality and spatiality are arranged throughout the city. This makes the whole functionality of the city mix with the site of the simulation and the space that is unsuitable. This is a part that can be evaluated as a key component that establishes itself as very ‘Chinese’. Each space where the simulation takes place is laid out throughout the city, and these spaces have a structure that crosses the real and the unreal part while having a connection to each other. In this way, the whole city becomes a space where the boundaries of fictional time are made, and powerfully, the Chinese ideology of the “Chinese dream” will not stay as a dream but soon, could be encountered in real life. As people could see, the simulation scene of Hengdian World Studios could be featured “Chinese” from all of these three aspects. First of all, the Hengdian World Studios is a production core of desire that focuses on ‘production’, that is, the nature of the national “industry,” without the separation of production and consumption. Secondly, by proving that the simulation which occurs in the Chinese cultural industry is materialistic, it indicates that the “dream” that China dreams of is in reality. Lastly, since the Hengdian World Studios does not have an accurate understanding of cultural capitalism, it creates a scene where desires collide, and consequently, it does not constitute a perfect entertainment. Therefore, each place in Hengdian functions as a space of Chinese simulation and can be seen as one facet of the softest way to realize the dream of China.

본 논문은 문화산업 분야의 보조금에 대한 국제통상법적 의미와 그 합치성 여부를 다루었다. 그러나 현재 서비스보조금에 대한 다자규범이 존재하지 않고, WTO 서비스무역작업반에서의 논의도 교착상태인 와중에 문화산업에 지원되는 서비스보조금에 대한 통상법적 논의는 한계를 가질 수밖에 없다. 그럼에도 불구하고 동 논의가 의미를 갖는 것은 현재 문화산업에 지원되는 각종 지원정책들이 기존 통상규범에 따라 평가될 때 나타날 수 있는 문제점들을 사전에 검토하고, 향후 분쟁의 가능성을 줄이는 정책을 마련하기 위하여 필요한 작업이기 때문이다. 이러한 차원에서 본 연구는 제2장에서는 서비스보조금에 대한 전반적인 분석을 하였고, 이를 토대로 제3장에서는 문화산업과 연관된 보조금에 대한 국제통상규범의 합치성 여부를 다루었다. 이러한 분석을 통해 문화산업 분야에서 서비스보조금 관련한 논의에서 유의해야 할 점은 다음과 같다. 첫째, 문화산업에 제공되는 보조금 및 각종 지원정책에 현 WTO 보조금협정이 적용됨을 전제로 ‘보조금’ 요건과 ‘특정성’ 여부에 대한 면밀한 검토가 요구된다. 둘째, 현재 서비스무역규범작업반에서의 서비스보조금 논의와 더불어 일반적인 보조금협정에 대한 개선 논의 역시 함께 고려할 필요성이 있다. 마지막으로 다자규범의 부재를 보완할 수 있는 양자 및 지역규범에서의 서비스보조금 논의도 함께 고려할 필요가 있다.

This study attempted to review the meaning of international trade law on subsidies being made in the field of cultural industries. However, with no multilateral rules on service subsidies currently in existence, and discussions through the Working Party on GATS’s Rules being blocked, the discussion on service subsidies provided to cultural industries is bound to be limited. Nevertheless, the discussion is meaningful because it is necessary to review problems that may arise when various policies currently supported to the cultural industries are evaluated in accordance with existing trade laws and to prepare policies to reduce the possibility of future conflicts. At this level, this study conducted an overall analysis of service subsidies in Chapter 2, and based on this, Chapter 3 addressed the conformity of international trade law on subsidies related to the cultural industries. Through this analysis, the following points should be noted in the discussion of service subsidies in the cultural industries. First, the multilateral trade law that directly deals with subsidies and various support policies provided to cultural industries do not yet exist, so close consideration is required on whether they fall under the “subsidy” and whether they are “specific” under the premise of applying the current SCM agreement. Second, it is also necessary to consider the improvement of existing SCM agreements as well as the discussion of service subsidies in the WPGR currently being held through the WTO. Finally, it is also necessary to consider discussing service subsidies in bilateral and regional trade agreements that can complement the absence of multilateral rules in the reality that most of the service subsidies are related to cultural industries such as audiovisual services. As such, discipline through bilateral and regional trade agreements will serve as a practical criterion to more directly determine the conformity with international trade law on subsidies and support policies in the cultural industry until multilateral trade laws governing future service subsidies emerge.

이 논문은 소설 『토지』의 주요 무대이자 작중인물들의 삶에 새겨진 원체험 공간인 평사리의 의미를 진단하고 <토지> 콘텐츠 플랫폼으로서의 평사리의 방향성을 제안한다. 소설 속 가상공간인 평사리는 원작의 배경지에서 출발하여 하동군의 대표 문화 공간으로 현재 자리매김하고 있다. 그런데 이 공간의 방문자들이 자기만의 장소성을 체험하기 위해서는 문화체험형 콘텐츠로 재탄생할 필요가 있다. 원작에서 평사리는 이상적 공동체이자, 수난과 개척이라는 한국 근대사의 축도로 존재한다. 그러므로 이러한 의미를 살려 유교문화, 여성의 노동문화, 무속문화를 보여주는 문화체험공간을 마련하여 방문자들의 체험을 이끌어내야 한다. 아울러, 평사리 재편의 동력이 된 변용작품들과 연계하여 앱을 개발하고, 증강현실을 이용한 교육과 체험 공간을 웹에 마련한다. 디지털과 현실의 이러한 교호작용은 원작이나 변용작품들의 의미를 사유하게 하는 동시에 방문자들이 저만의 장소성을 확보하는데 기여한다. 또한 이를 통해 평사리는 한국문화와 삶의 의미를 사유하는 문화체험 콘텐츠 플랫폼으로의 진화가 가능하다. 이 글은 ‘의미 있는 장소들의 지리’를 위한 평사리의 공간 기획 방향성을 제언한다는 점에 그 의미가 있다. 또한 문학 작품 원작의 상상 공간이 현실의 공간을 어떻게 재편해 왔는지를 보여줌과 동시에 문학작품의 미디어 콘텐츠화와 문화예술산업 지형 구축에도 시사점이 있다.

This paper examines the meaning of Pyeongsari, the main stage of the novel ‘Toji (Land)’ and the original experience space engraved in the lives of the characters and suggests the direction of Pyeongsari as a ‘Toji (Land)’ content platform. Pyeongsa-ri, an imaginary space in the novel, starts from the background of the original work and turns into a representative tourist space for Ha Dong-gun. However, it is necessary to provide cultural experience-type contents that visitors can experience in person. In the original work, Pyeongsari is an ideal community and a symbol of the Korean modern history of suffering and pioneering. Therefore, taking advantage of this meaning, it is necessary to prepare a cultural experience space that shows Confucian culture, women’s labor culture, and shamanic culture to draw on visitors’ experiences. In addition, the app should be developed in connection with transformed works that have been the driving force behind the reorganization of Pyeongsari, and education and experience spaces using augmented reality are provided on the web. This interaction between digital and reality makes the meaning of the original or transformed works contemporaneous, while contributing to the visitor’s own experience. In addition, through this, Pyeongsari can evolve into a cultural experience content platform that reflects the meaning of Korean culture and life. This paper is significant in that it suggests the direction of Pyeongsari’s space planning for the ‘geography of meaningful places’. In addition, while showing how the imaginary space of the original literary work has reorganized the space of reality, there are implications for the media content of the literary work and the terrain of the culture and arts industry.

한국 대중음악산업을 이끌어 온 아이돌 음악은 한류의 첨병 역할을 하며 해외에서 K팝이라는 장르로 카테고리화되는 수준에 이르렀다. K팝의 주 인기 요소인 ‘보는 음악’ 구현 등을 목적으로 SM엔터테인먼트 이수만이 고안한 아이돌 제작시스템은 제조업과 같이 전문화, 분업화된 기획-캐스팅-트레이닝-프로듀싱-매니지먼트의 5단계 공정으로 구성된다. 그중 트레이닝 과정은 연습생 제도와 장기간의 훈련을 통해 ‘보는 음악’을 완벽하게 구현할 수 있는 아이돌을 양성하는 인큐베이터 역할을 한다. 그럼에도 그간 국내외 미디어와 학계로부터 몇 가지 이유로 인해 주로 부정적인 평가를 받아온 아이돌 시스템은 경제적, 문화산업적 효용 가치를 분명 내포하고 있다. 경제적 가치의 경우 지난 15년간 한국의 세계 음악산업 순위와 수출액 변화, 아이돌 기획사의 매출액 증가 폭을 통해서 직접적으로 증명된다. 문화산업적 효용은 콘텐츠 흥행 및 지속가능성에 대한 불확실성 제거와 집단창의성 발현에 있다. 또, 전문화와 분업화를 통해 결과물의 품질에 대한 통제가 가능하고, 개인의 창조성에 의존하기보다는 전문가 집단 속 개개인의 창의력이 합쳐져 시너지 효과가 발생하게끔 장려한다. 제작시스템으로부터 파생된 연습생과 가수 인권침해를 비롯한 불공정 계약 등의 문제가 발생해왔지만, 상황 개선을 위한 업계의 자구책 마련과 정부 차원의 노력 역시 계속되고 있다. 시스템의 기본 골조를 유지한 채 단점을 끊임없이 개선하는 방식을 통해 장기적 운용이 가능하리라 판단된다.

Scenes involving idols who have dominated popular songs in Korea and are at the forefront of Hallyu (the Korean wave) are now categorized as an independent, internationally acclaimed genre called “K-Pop.” The popularity of K-Pop is attributable to its unique feature of “visible music,” which is created by an idol production system. The K-Pop system developed by Lee Soo-man, the chief executive officer of SM Entertainment, aimed at producing “music for viewing”. Similar to the process structure followed in the manufacturing industry, the K-Pop system has five distinct specialization phases: planning, casting, training, production, and management. In particular, its training phase serves as an incubator for idols who can perfectly perform visible music after enrolling in a trainee system and undergoing long periods of training. Despite such unique functions, the K-Pop production system has often been negatively perceived by media both at home and abroad and by scholars. Undoubtedly, the system generates economic value and creates utility for the culture industry. First, the economic value of K-Pop increased since the introduction of the idol production system, and this value can be estimated by the changes in ranking of the Korean music industry in the world music chart, the amount of Korean music exports and also the growth of sales at idol agencies. The utility of the idol production system for the cultural industry arises from the system’s capability to eliminate uncertainty and express collective creativity. In the idol production system, the quality of products can be controlled through specialization and division of labor and a synergy is created among the creativity of various individuals, rather than highlighting any single person’s creativity. Although the system has created some problems, such as infringements of the human rights of trainees and singers under the K-Pop production system and enforcement of unfair contracts, the industry and government are attempting to improve the situation and the benefits of the system outweigh its defects. Hence, the problems can probably be solved by continuously improving the existing frameworks of the idol production system.