Earticle

본 연구는 한국 대중음악산업 내 아이돌산업을 중심으로 문화산업의 과점모델이 해당 문화 생태계에 어떠한 영향을 미치고 있는지 확인하는 것을 목적으로 한다. 최근 다각에서는 아이돌산업에서의 성공과 실패가 아티스트의 실력이나 생산물의 경쟁력이 아닌, 소속사의 시장 내 규모와 지위, 또한 그로 인한 미디어 노출의 차이에 기인하고 있는 것이 아닌지 우려의 목소리를 내고 있다. 본 연구는 이러한 현상에 주목하여 한국 아이돌산업 내 과점화 현상을 사례분석을 통해 확인하고, 또한 이러한 과점구조가 실제로 산업 내 생산물들의 성패에 영향을 미치는지를 실증적 자료를 통해 검증하였다. 연구결과에 따르면, 현재 국내 대중음악산업은 상위 9개 기업을 중심으로 하는 과점 모델을 형성하고 있으며 특히 이 중 일부 기업은 배급망과 방송사, 온라인 플랫폼 등을 소유함으로써 수직적 통합 구조를 구축해 나가고 있어, 한국 아이돌산업의 다이아몬드 내 주체들이 수평적 관계성을 갖기 어려운 구조가 되고 있다. 또한 실제 과점기업들의 기업 규모와 미디어에의 노출 여부가 아이돌 스스로가 보유하는 작사·작곡 능력과 같은 요인보다 아이돌의 성과에 더 큰 영향을 미치고 있음을 확인하였다. 이는 한국 아이돌산업 내 산업 구조의 변화가 음악의 다양성, 혁신과 같은 문화 생태계의 자원에 영향을 미칠 수 있음 의미한다는 점에서 중요하다. 그러나 시장 내 주체들은 서로 상호작용하며 행동하기 때문에 현재의 과점화가 곧 한국대중음악의 단일화 또는 산업 내 주체들 간의 위계관계로 인한 갈등을 가져올 것으로 단언할 수는 없다. 따라서 우리는 한국 아이돌산업 및 대중음악산업 전반을 주지하면서 향후의 시기적 변화에 대해서도 지속적 연구가 필요함을 제언한다.

The study aims to identify how the oligopoly model of the cultural industry, centered on the idol industry in the Korean pop music industry, is affecting the cultural ecology. In recent years, success and failure in the idol industry are not due to the difference in the artist's skills or competitiveness, but to the size and status of the company and the resulting media exposure. This study focused on this phenomenon to confirm the oligopoly in the Korean idol industry through case analysis, and also confirmed whether this oligopoly structure actually affects the success or failure of products in the industry. According to the study, the domestic pop music industry is currently forming an oligopolistic model centered around the top nine companies, some of which are vertically owned by distribution networks, broadcasters and online platforms. It also confirmed that the size of the oligopoly and whether or not they are exposed to the media are having a greater impact on the performance of the idol rather than the ability of the idol themselves. This is important in that changes in the industrial structure in the Korean idol industry can affect the resources of cultural ecosystems such as diversity and innovation. However, since the actors in the market interact each other, the current oligopoly can not be guaranteed to bring about the unification of Korean pop music or conflicts among actors. Therefore, we recommend continuous research on the changing timing of the future, while paying attention to the entire Korean idol industry and pop music industry.

본 연구는 카리브의 대중음악 칼립소를 그들의 역사와 관련해서 살펴보고 있다. 먼저 2 장에서는 칼립소의 기원과 형성과정을 플랜테이션 노예노동 및 노예해방의 역사와 관련지어살펴보고 있는데, 그것은 한마디로 노예선을 타고 전파된 아프리카의 음악 카이소가 칼린다를거쳐 칼립소로 정착되는 과정에 대한 분석이다. 플랜테이션 농장 및 노예해방 이후까지 지속된백인 엘리트계층의 다양한 억압과 규제를 극복하고 살아남아, 카리브 하위주체의 목소리를 대변하는 음악으로 정착한 과정에 대한 연구이다. 3장에서는 20세기 그중에서도 특히 1930년부터 64년까지 발표된 칼립소 음악들을 중심으로, 특히 대표적인 노래들의 가사에 나타난 카리브통합의 꿈과 좌절에 대해 고찰해 보았다. 그 기간은 바로 1933년 로조회담에서부터 트리니다드토바고 독립 직후까지로, 카리브연방공화국이 구체적으로 논의됐다가 실패했던 시기이기 때문이다. 본 논문에서는 그로울링 타이거의 노래에서부터 아틸라, 로드 비기너, 로드 키치너, 루이스 베넷, 마이티 스패로우 등의 노래를 중심으로, 카리브 민중들이 꿈꿨던 카리브 통합과 그좌절 등을 간략하게 분석해 보았다.

This present work examines the Trinidadian Popular Music Calypso from two historical perspectives: the origin and the times of the Caribbean Unity Movement. The origin and formation process of Calypso related to the Trinidadian black history is first demonstrated. It is the process in which the African music Kaiso, known throughout the slave-ship, turns into Calypso throughout Kalinda. During the process, Calypso represents the voice of the public, getting over the diverse oppression and restriction of the white ruling elite class. Then it examines the dreaming and breakdown of Caribbean Unity in the Calypso music between 1930 and 1964. That is to say, it examines the calypso lyrics released between Roseau conference and Trinidadian Independence: Atilla, Growling Tiger, Lord Beginner, Lord Kitchener Mighty Sparrow Louise Bennett.

본 논문은 20세기 전반의 동아시아 대중음악, 특히 한국과 일본의 대중음악 형성 과정과 함께 이와 관련하여 근대 일본이 식민지 조선에 대해 가졌던 문화적 관심의 양상과 정도를 살펴보려는 시도이다.우선 일본의 ‘엔카’와 한국의 ‘트로트’장르를 중심으로 20세기 전반기에 한국과 일본의 대중음악이 어떠한 과정을 통해 성립되었는지를 알아본다. 이 두 가지는 19세기 말부터의 서양 음악 수용 과정을 거쳐 1920년대 말과 30년대 초에 레코드와 라디오의 미디어 혁명과 함께 일본과 한국에서 확립된 동아시아의 대중음악 장르라고 할 수 있다. 이들은 동아시아적 관점에서 볼 때 동일한 하나의 장르를 지칭한다고 보아도 무방하다. 따라서 일본의 ‘엔카’가 한국에서 공감을 얻고 한국의 가수가 일본에서 인기를 얻는 현상은 충분히 가능하다. 그것은 동아시아 공통의 전통 음악적 기반과 정서공동체가 형성되어 있기 때문이다. 실제로 조선의 대중음악이 ‘조선악극단’이라는 형태의 공연회를 통해 1930년대의 일본에서 많은 사람들의 호응을 얻었다. 이는 단순한 이그조시티즘의 차원을 넘어서 조선 예술가들의 노력과 기량도 작용했고 무엇보다 한일 양국의 정서적 기반이 유사하기 때문이었다.

일본에 진출해 성공적인 활동을 한 <보아>와 <동방신기> 노래의 작사·작곡·편곡을 분석한 결과, 이들의 노래는 대부분 현지 일본인에 의해 이루진 것을 알 수 있었다. 또한 전문가 심층 인터뷰 결과, 일본인에 의해 현지 일본어로 된 가사는 한국적 정서를 반영한다고 보기 힘들다는 관점이 제시됐다. 또한 대부분 응답자들은 한국인이 아닌 현지 외국인에 의해 작곡과 편곡이 이루어지고 가사가 현지어로 쓰여지는 지 여부는 중요하지 않다는 의견을 제시했다. 음악은 현지인의 필요에 맞게 현지인이 작사, 작곡, 편곡할 필요가 있는 것으로 나타났다. 한국인의 정서 반영 여부보다 세계인이 공감하는 것이 중요하다고 보는 셈이다. 이 같은 맥락에서 보면 해외에 진출한 한국 대중음악이 현지 외국인에 의해 작사·작곡·편곡된다고 해서 이를 부정적으로 볼 사안은 아니라는 생각이다. 해외 현지인의 정서에 맞게 세계화하는 전략이 바람직할 것으로 생각된다.

According to the music analysis, it was found that the lyrics making, composition, and arrangement of <Boa> and <Dongbangsingi>’s songs were mostly conducted by Japanese musicians. According to the analysis of focus group interview, while some of the respondents said lyrics of Korean popular songs made by Japanese musicians might be considered Korean-emotion-included, others objected to that view. Mostly, they responded that it was not so important that composition and arrangement are conducted by foreigners and lyrics are written in Japanese. This meant that lyrics, composition, and arrangement could be conducted by local musicians to be adjusted to the needs of local fans. To evoke global fans’ sympathy is more important than to adhere to Korean fans’ emotion. In this sense, we don’t need to think Korean popular songs abroad should be made only by Korean musicians. Globalization strategy adjusting to local fans abroad might be desirable.

오늘날 소위 ‘7080 음악’으로 불리는 포크 송 계열의 한국 대중음악이 있다. 이 글은 그 음악이 미국 대중음악의 영향을 받아 형성된 것이라는 전제 아래 그 전달과 수용, 향유 및 그 과정에 대해 고찰하려는 시도다. 여기서 다루는 미국 대중음악은 1950년대 전후 미군의 진주와 더불어 ‘미8군 무대’로부터 전달되어 1960년대 말 이후 본격적으로 한국 대중음악에 영향을 미쳤다. 근대화 일변도의 사회적 변화를 주도하면서 대중음악을 사회분위기 진작의 도구로 삼으려는 정부는 금지곡 지정과 건전가요 보급 등으로 대중음악을 통제했다. 그런 상황에서 대중음악의 향유 주체인 대중은 미국 대중음악을 재해석하고 그에 자신의 의식을 투사하여 한국화하였다. 특히 1970년대 중반, 사회를 억압적으로 이끌어가는 정부에 맞선 대중은 대중음악의 향유를 통한 우회적 저항을 통해 문화적 주체성을 갖추었다. 이처럼 사회적, 국가적 틀을 뛰어넘은 ‘문화적 위치감각’을 갖게 된 대중은 서구 대중음악의 자발적이고 주체적인 향유를 통해 억압에 저항하고 문화제국주의를 극복하는 법, 즉 ‘문화적 식민 / 반식민’의 대립적 이분법을 초월하는 능동성을 갖추게 되었다. 결국 ‘미8군 무대’ 음악은 미국식 문화제국주의를 확산시키는 수단으로 도입되었으나 대중은 이를 주체적으로 재해석하여 문화적 정체성을 찾았다. 이는 “강대국 중심의 이식성을 추구한 결과” 아니라 나름대로 당대사회를 비판해가며 문화제국주의를 극복한 결과로 볼 수 있다. 이 글은 그런 미국 대중음악의 전달과 수용, 대중의 향유를 과정과 담당층을 추적하여 이를 민속예술로 볼 수 있음을 밝히려 한 시도이다.

This treatise aims at the explaining of the origin of ‘7080 music’ which is boomed in Korean society nowadays. The Korean modern popular music had been originated and affected by the American popular music which are standard pop song, jazz, folk songs, and rock music etc from the ages of the ages of Korean Empire. From then to today, the envious feeling about American culture had been related and evoked especially at the moment to meet ‘stage of U.S. army’ in the early 1950years. Korean people accepted American popular music as the part of colonialism culture in the beginning. However, as times go by, they became to enjoy it subjectively and use it as tools to resist to the pressure of government during society has been industrialized and modernized. The Korean people’s method of resistance was not to collide against government directly, but they tried to reanalyze Americanized popular music and project their hopeful consciousness for democracy and freedom to it. So ‘the folk song movement’ in the period from late 1960s to early 1970s was resulted as ‘7080 music’ nowadays. Now, Korean people became to be the real subject of their own culture and enjoying the Americanized Korean songs subjectively.

Authenticity is a vague concept which is changing and has been constructed in popular music history. This article focuses on the discourse about function of authenticity in popular music, especially in Rock Music. Authenticity in Popular Music Studies is related to the ethical and political value in popular music. It is claimed that authenticity is the opposite concept of 'the artificial' and 'the commercial'. So authenticity was used for the aim of legitimating of the popular music. Adorno thought that searching for authenticity in modern times shows the people's desire for real and unique experience in popular music. Authenticity in popular music is argued in two aspects. (1) authenticity which is related to community (2) authenticity as artistic expression. In (1), authenticity of Rock Music is advocated in relation to Youth Culture's resistance and Folk Music's characteristics such as reflection of community's experience. In (2), Rock Music is advocated as artistic expression and musician's authorship. But S. Frith criticized these aspects because authenticity is kind of ideology as sales promotion and legitimating the value judgement about Rock Music. In 1980s, Rock Music became successful musical item and musical mainstream, so Rock lost its authenticity and its difference from other popular music. But the pursuit of authenticity in Rock music is same as before. It shows that authenticity will keep its value in the capitalistic society. Authenticity does not come from musical structure but from audience who wants to find real experience. Audience feels enjoyment and finds meaning from popular music even if he knows music is produced for economic profit. People appreciate popular music for their purpose, and in that process they find their identity. Judgement on authenticity relies on relation between people, group, and music.

The purpose of this article is to study how the social change of Czechoslovakia, from the Prague Spring in 1968 to the Velvet Revolution in the 1980s, is reflected in Tom Stoppard’s Rock 'n' Roll. This play, set against the background of two cities, Cambridge in England and Prague in Czechoslovakia, is called “a kind of pseudo-autobiography” of Stoppard. It is based on his own supposition that he had gone back to the Czech Republic, where he was born, after World War II, rather than going to England. The primary concern of the play is the relationship between art and politics. Stoppard ponders whether it is possible to have a free society without complete freedom of expression. The aesthetic that Stoppard focuses on in this play is rock 'n' roll, from the historical fact that the Czech democratic movement started with the authoritative Communist regime’s suppression of an underground rock group named 'the Plastic People of the Universe’ and the Czech dissidents’ resistant movement against that suppression. Stoppard makes Jan’s change the main plot of the play, and shows how Jan, a rock 'n' roll maniac who was indifferent to politics, is changing into a dissident under the Czech Communist regime. The reason why the Plastic People kept playing rock 'n' roll, “a socially negative music,” in spite of the threat of the government originates from the basic idea of rock 'n' roll: ‘I wanna be me.’ In order to symbolize freedom and passion innate in rock 'n' roll, Stoppard evokes the image of Pan, the pagan god of music, as the muse of the music genre. He expresses rock 'n' roll as “the great god Pan” of modern times. He also opens each scene with the iconic rock music of, for example, Pink Floyd, Rolling Stones, and U2, presenting a proper atmosphere for the scene. Rock music is such a powerful presence in the play that it is virtually another character. Stoppard originally developed a situation in which a British Communist, a classical Marxist, argues with a man living in the Czech Republic under the communist regime. He tries to create a tension between the theory and the actuality taking place in the play. It is a very dramatic moment, when Max's Marxism is confronted with the reality of his family life, just as we see Marxism in theory confronted with real-socialism in post-invasion Czechoslovakia. Jan’s change of attitude represents the conscious change of the Czech intellectuals who led the Czech democratic movement. The Czech people’s ardent desire to protect the freedom and passion of the human soul, symbolized as rock 'n' roll, finally established one of the greatest political results, the Velvet Revolution. It shows “the potency of art in general and its ability to alter society.”

Le rai est un genre musical apparu au debut du XXe siecle en Algerie, autour d’Oran. L’origine du mot rai signifie ‘opinion’, ‘avis’ ou ‘point de vue’. Comme le chanteur donne sa propre opinion, le chant commence souvent par ‘Ya rai’. Le rai derive du Melhoun et se developpe contre ce chant populaire traditionnel. A l’epoque colonial, le rai accuse de certains de ses aspects collaborationnistes, de son embourgeoisement, et le transforme librement pour exprimer le sentiment de la classe inferieure, composee essentiellement des paysans deracines par la poussee des colons. Le Melhoun, lui, critique le rai d’avoir deforme la tradition et ainsi d'avoir contribue au colonialisme. En depit de cette opposition, chacun lutte a sa maniere contre le colonialisme. Cheikha Rimitti represente le rai de cette epoque. Femme marginalisee elle-meme, la reine du rai chante ses propres miseres, tristesses et joies, et lutte contre l’oppression imposee aux Algeriennes. Apres l’independance, le rai a connu la gloire, mais celle-ci ne dure pas longtemps. Le gouvernement le bannit officiellement des medias en le considerant comme une musique malsaine. Mais le rai se developpe vite grace aux casettes et lecteur portable parmi les jeunes gens, qui representent environ 45 % de la population a la fin des annees 1980. Les nouveaux chanteurs, qui se nomment ‘cheb’, c’est-a-dire 'jeunes', expriment le sentiment de l’impuissance et de la revolte de la jeune generation par leur musique et surtout par leur ‘style’. C’est ‘El harba wine (Fuir mais ou?)’ de Khaled que les jeunes gens chantent dans la rue en 1988 pour protester contre le gouvernement algerien. La situation economique s’aggrave, les islamistes gagnent de plus en plus l’Algerie. Dans ce contexte, le gouvernement enterine le rai et le promet comme une musique nationale. Il s’agit de le recuperer pour faire barrage contre l’islamisme radical qui attire les jeunes gens. Les musiciens de rai critiquent la violence et demandent la paix et la democratie. Mais la guerre civile s’eclate. Ils quittent leur pays et s’installent en France ou les algeriens ont immigre depuis l’epoque coloniale. C’est dans le rai que la jeune generation issue de l’immigration, trouve le moyen d’exprimer son identite divisee entre deux cultures et deux langues, et la revolte contre le racisme. Comme le rai exerce une influence sur les jeunes gens de la cite, Nicolas Sarkozy l’utilise lors de la campagne presidentielle de l'annee 2007. Il obtient le soutien de Faudel et affiche ‘Mon pays’ comme le chanson qui incarne l'histoire de sa vie. On tente de recuperer le rai d’une maniere politique et commerciale. Les musiciens de rai y resistent par le moyen du cross-over avec d’autres genres de la sub-culture, notamment le rap. Il est difficile de predire l’avenir du rai. Mais ce qui est sur, quand un Algerien exprime son opinion par la musique, ce sera son rai.

본 논문은 최근 세계적으로 문화산업을 국가의 성장동력원과 지역개발의 수단으로 활용하고자 하는 움직임이 활발한 가운데, 우리나라에서도 큰 관심을 보이고 있는 문화산업과 지역개발에 관한 정책적 쟁점을 해외사례 분석을 통해 파악함으로써 그 시사점을 도출하고자 하였다. 연구과정에서는 소비자 서비스로서 문화산업에 대한 이론적 이해와 산업적 고유특성을 검토하였고, 다음으로 이러한 시각을 토대로 세계적으로 가장 일찍이 문화산업의 지역개발 가능성을 모색하고 있는 영국의 두 지방자치단체가 추진하고 있는 대중음악의 지역개발 사업들을 중심으로 공공의 역할에 관해 논의하였다. 본 연구를 통해 지역의 일자리 창출과 같은 단기적 목표달성에는 생산자 지향적 개발전략이 효과적이나, 장기적인 지속 가능한 발전을 위해서는 개발초기에 소비자 지향적 개발전략에 보다 주목할 필요가 있고 아울러, 역내 구성원 간 지식과 정보가 자연스럽게 순환되도록 하는 비공식적 네트워크 형성을 포함한 소프트 인프라 구축에서 공공의 역할이 적어도 대중음악산업에서는 매우 중요한 요소임을 제시하였다. 본 논문이 지방의 중소도시 차원에서 그리고 제조업과 구별된 문화산업 고유의 관점에서 공공의 역할을 개괄적으로 논의했다는 점에서 기여를 한 것으로 보이지만, 향후 정량적 방법과 추가적인 자료 보완을 통해 연구가 이루어진다면 좀 더 세밀한 정책 방안이 도출될 수 있을 것으로 판단된다.

This paper studies the regional development of cultural industries which has been the important issue among many countries as well as for Korea. The research reports and theoretical papers are surveyed and analysed to know the main characteristics of cultural industries and their regional effects. Based on this information, some policy implications are reduced by discussing the role of public administrations between the two U.K. cities of Sheffield and Manchester and their development experiences, centering on development strategies and the services to establish social networks in their industry areas. This studies implies that a producer-oriented approach may be more effective to reach the goals of employment temporarily, but a consumer-oriented approach could be necessary on the initial stage to sustain the long-term potential development regionally. As an important role of public services, social networking needs to be promoted among the workers at least popular music industry including residents in regional areas. This study has taken a little step in developing policy implications for cultual industries in small- and medium-sized cities of Korea, but still needs further research to get rich implications by using sufficient and statistical data.

김 용 호.

No hay claridad alguna en relacio??n con la definicio?n del te??rmino cultura. A partir de las muchas concepciones de esta palabra es que surgen las grandes diferencias del rol que supuestamente cumple en las diferentes sociedades. Pero, desde el Romanticismo los colonialistas europeos dividen la conceptualizacio??n de la cultura en dos: la cultura elevada y la popular. Si hay la superioridad o inferioridad entre ambas culturas, la popular tiene que acoger y aprender la elevada. Pero, la verdadera causa de la diferencia entre dos, no se relaciona con la calidad, sino el poder. Es que el proceso de la instruccio??n sobre la cultura elevada es un mecanismo que los elites exigen al subalterno la ideologi??a dominante. Por eso, hay que cambiar la concepcio??n de la cultura para superar la represio??n colonialista. El presente arti?culo se trata de las culturas populares caribeñas, que los europeos menosprecian como las hibridas. Especialmente, se trata de la heterogeneidad y del espiritu resistente en la mu??sica popular caribeña. Este artículo consta de cinco capítulos. En el primero y último capítulos tratamos la introducción y la conclusión. En el segundo trabajamos la caracteristi??ca de la cultura caribeña como lo heterogéneo y lo resistente. En el tercero, investigamos lo heterogeneo y lo resistente en las mu??sicas populares caribeñas. En el cuarto, trabajamos la mu??sica reggae como el ejemplo más notable de esta caracteri?stica. En conclusio??n, la caracteri?stica heterogenea de la cultura caribeña, no es vergu??enza sino me??rito porque la cultura heterogenea so??lo puede tener su propia vitalidad

최근 청소년들을 중심으로 기독교 대중문화에 대한 관심이 매우 높다. 특히 CCM으로 불려지는 기독교대중음악은 교회에서 뿐만 아니라 인터넷과 라이브공연장에서 사랑을 받고 있다. 이런 상황에서 이 글은 CCM문화에 대한 비판적 이해를 통해 새로운 종교교육의 가능성을 탐색하는 것이다. 따라서 이 글은 세가지의 주제를 중심으로 연구된다. 첫째, 대중문화로서 기독교대중음악은 어떻게 정의되고 또 분류될 수 있는가? 둘째, 문화란 의미를 만드는 실천이라고 할 때, 기독교문화적 실천으로서의 기독교대중음악은 신학적으로 어떻게 해석될 수 있을까? 셋째, 앞의 논의를 통해, 향후 종교교육의 방향은 무엇인가? 이상의 탐구주제를 통해, 연구자는 기독교 종교교육이 기독교적 문화교육으로 재개념화될 필요성이 있음을 주장하고, CCM이 문화적 실천으로써 적어도 해방적 실천, 해석학적 실천, 그리고 영성적 실천으로 해석되어야 한다는 점을 지적한다. 그리고 빠른 시일 내에 기독교문화를 실천할 수 있는 종교교육과정 개발을 제안하고 있다.

The purpose of this article is to analyses the popular culture which is focused on "Contemporary Christian Music"(CCM), and to explore some possibilities for Christian religious education. For more details, this paper follows three issues about CCM which are in debates. First of all, the researcher tries to clarify the definitions of popular culture as well as contemporary Christian music in terms of what culture means by "signifying practices." Based on such definitions of popular culture, CCM would be categorized into three models: worship and praise model, communio sanctorum model, and neighborhood mission model. Secondly, this paper argues that CCM could be theologically interpreted by three-folded theological praxes, i.e., liberating praxis, hermeneutical praxis, and spiritual praxis. Thirdly, following the above results, researcher tries to reconstruct the Christian religious education. Thus, this paper suggests to re-conceptualize Christian religious education as "Christian cultural education" rather than evangelization in postmodern cultural society, and to develop the new religious curriculum based on Christian popular cultures as soon as possible.

본 논문에서는 수사법을 이용한 대중가요 분석법을 제시한다. 분석목표는 가사와 악곡의 수사구조 파악이다. 그 결과 가요의 가사와 곡이 어떻게 대응하여 전개되는지 확인해 볼 수 있었다. 이를 바탕으로 (1) 가요의 주제 가사와 선율을 빠른 시간 안에 찾아낼 수 있고 (2) 가요의 효과적인 분류와 검색, 또한 (3) 곡의 충실성 또는 유행가능성을 예측해보는 데에도 활용될 수 있을 것이다.

본 연구는 21세기 중앙아시아에서 대중음악이 젠더 문제를 표현하고, 수용자들에게 젠더 문제에 관련된 반응을 불러일으키는 양상을 이해한다. 그럼에 따라 이번 연구는 페미니스트 사회구성주의 이론에 의한 페미니스트 문학 비평을 토대로, 역내 아티스트의 작품에서 젠더 문제 관련 모티프가 어떻게 투영되는지를 탐구하며, 역내 대중음악이 현지의 청자들에게 어떻게 젠더적인 맥락을 띤 채로 수용되는가를 파악한다. 한편 본 연구는 위의 현상을 포스트소비에트 이후 성장한 세대의 사회 진출에 따른 기존 중앙아시아 사회의 권위주의적·가부장적 가치관의 변동 과정의 일부분으로 이해한다. 해당 배경에서 여기서는 가부장제와도 결합된 권위주의 문화―그리고 그 역―에 대한 비판 활동이 제한적이지만 가장 활발히 전개되는 사례로서, 카자흐스탄과 키르기스스탄을 연구 대상으로 선정한다. 이 같은 바탕에서 본 연구는 카자흐스탄 및 키르기스스탄 대중음악에서의 젠더 문제 표현 양상을 크게 “가부장적 규범에서 탈피한 젠더 이미지 제시,” “가부장적 폭력에 대한 고발,” 그리고 “권위주의적 정치 부조리에 대한 저항의 연대” 사례로 유형화했다. 중앙아시아 현지에서 각각의 유형은 전통주의적 젠더 규범에서 벗어난 개개인에게 자긍심을 부여하고, 가정폭력이나 납치혼 등 젠더 기반 폭력의 고통에 공감할 수 있도록 하며, 가부장제와 권위주의로부터의 탈피 사이의 불가분성을 강조한다는 성격을 띤다. 대중음악을 통한 이 같은 시도는 가부장적인 사회로부터 윤리·종교적 규범으로부터의 일탈이면서, 민족·국가 정체성에 대한 위협으로 인식되며 공격받는다. 그러면서도 작품의 메시지에 공감하는 현지의 수용자들은 SNS상에서 직접 작품 관련 콘텐츠를 생산하면서, 본인이 작품을 통해 느낀 자긍심을 공유하고 이들 작품의 창작자와의 연대를 추구한다.

This research analyzes how popular music in 21st-century Central Asia represents gender issues and provokes gender-related responses among its audiences. Using feminist literary criticism grounded in feminist social constructionist theory, the study explores how gender issues are projected in the works of local artists and how local audiences perceive these works within gendered contexts. It further situates these cultural phenomena within the broader transformation of authoritarian and patriarchal values in Central Asian societies as the post-Soviet generation comes of age. Accordingly, this paper focuses on Kazakhstan and Kyrgyzstan?countries that provide the most active, though still limited, examples of public criticism of authoritarian governance often intertwined with patriarchal norms, and vice versa. Based on this approach, the study categorizes the representation of gender issues in the popular music of Kazakhstan and Kyrgyzstan into three main types: the presentation of gender images that deviate from patriarchal norms; the denunciation of patriarchal violence; and the expression of solidarity in resisting authoritarian political injustice. Each category highlights distinct functions: empowering individuals whose identities or behaviors depart from traditional gender norms; fostering empathy for victims of gender-based violence such as domestic abuse or bride kidnapping; and underscoring the inseparability of gender emancipation from political emancipation. These attempts within popular music are often condemned by patriarchal society as deviations from ethical and religious norms and threats to ethnic or national identity. Nevertheless, local audiences who resonate with these messages produce their own social-media content, expressing pride in these works and seeking solidarity with their creators.

본 연구는 AI 기반 대중음악 서비스 이용자들의 소비동기와 소비행동 간의 관계를 실증적으로 분석하고, 이 과정에서 이용만족도의 매개효과와 기술수용태도의조절효과를 함께 검토함으로써, AI 음악 서비스에 대한 소비자 행동의 심리적·행동적 메커니즘을 구체적으로 규명하고자 하였다. 연구 결과, 정보 탐색, 오락, 사회적 상호작용, 현실도피 및 기분전환 등 다양한 소비동기가 기술적·심리적 만족에 유의미한 영향을 미치는 것으로 나타났으며, 이는 AI 음악 서비스를 통해 소비자들이 다양한 목적을 충족하고 있음을 보여준다. 반면, 자기표현 동기는 만족도에 유의미한 영향을 미치지 않는 것으로 나타나, AI 기반 환경에서는 감정적 안정이나기능적 효용이 자아표현보다 더 중요한 역할을 함을 시사한다. 또한, 모든 소비동기 요인들이 소비행동에 긍정적인 영향을 미쳤으며, 특히 감정적 안정 및 사회적 연결을 추구하는 동기의 영향력이 두드러졌다. 이는 AI 기반 대중음악 서비스의 기획 및 콘텐츠 개발 시 감성적 요소와 상호작용 설계의 중요성을 강조하는 결과로 해석된다. 아울러 PROCESS 모형 분석 결과, 이용만족도는 소비동기와 소비행동 간 관계를 부분적으로 매개하고 있으며, 기술수용태도는 이 매개 관계를 조절하는 변수로 작용하였다. 특히 기술수용 수준이 높은 소비자일수록 이용만족도가 소비행동으로 이어지는 경향이 더욱 강하게 나타났는데, 이는 향후 AI 음악 서비스의타겟 마케팅 전략 수립 시 기술수용 수준을 고려한 이용자 세분화의 필요성을 제기한다. 본 연구 결과는 AI 기반 대중음악 서비스가 감정적 안정과 사회적 연결욕구를 충족할 수 있는 감성적·상호작용적 콘텐츠 개발과 함께, 이용자의 기술수용 수준에 따른 세분화된 마케팅 전략 수립이 효과적임을 시사한다.

This study empirically analyzed the relationship between consumers’ motivations for using AI-based popular music services and their consumption behaviors. It further examined the mediating effect of user satisfaction and the moderating effect of technology acceptance attitude to elucidate the psychological and behavioral mechanisms underlying consumer behavior in the context of AI music services. The results revealed that various consumption motivations?such as information seeking, entertainment, social interaction, escapism, and mood enhancement?had significant effects on both technical and psychological satisfaction. This suggests that consumers fulfill diverse objectives through AI music services. In contrast, self-expression motivation did not significantly impact satisfaction, implying that in AI-based environments, the fulfillment of emotional stability and functional needs may take precedence over self-expression. Moreover, all sub-factors of consumption motivation positively influenced consumption behavior, with emotional stability and social connection emerging as particularly strong drivers. These findings highlight the importance of incorporating emotional and interactive elements in the planning and development of AI-based music services. The PROCESS model analysis further confirmed that user satisfaction partially mediated the relationship between consumption motivation and behavior, and that technology acceptance attitude moderated this mediating effect. Specifically, users with higher levels of technology acceptance were more likely to translate their satisfaction into active consumption behaviors, emphasizing the necessity of consumer segmentation strategies based on technology acceptance levels. The findings of this study suggest that developing emotionally engaging and interactive content that fulfills users’ needs for emotional stability and social connection, along with implementing segmented marketing strategies based on users’ levels of technology acceptance, will be effective for AI-based popular music services

본 연구는 AI 기반 대중음악 공연에서 기술적 혁신 요인이 관객몰입에 미치는 영향을 실증적으로 규명하고, 이 과정에서 지각된 신체표현능력과 지각된 연기몰입이 매개 역할을 수행하는지를 분석하였다. 연구 결과, 혁신성, 신뢰성, UI 편의성 등 AI 기반 공연의 주요 혁신 요인은 전반적으로 관객몰입에 유의한 긍정적 영향을 미쳤으며, 이는 기술적 혁신이 단순한 감상을 넘어 관객의 몰입 경험을 심화시킬 수 있음을 시사한다. 특히, 이러한 혁신 요인들이 관객이 지각하는 신체표현능력과 연기몰입 수준에도 유의미한 영향을 미친다는 점은, AI 기반 공연이 수동적 감상에서 벗어나 능동적 참여를 유도하는 감각적·행위적 경험으로 확장될 수 있음을 보여준다. 지각된 신체표현능력의 하위 요인인 표현성, 의미성, 개성은 관객몰입에 대해 유의한 부분 매개효과를 나타내어, 기술적 요소가 관객이 인식하는 공연자의 신체 반응과 표현을 유도하고 이를 통해 몰입을 증진시킬 수 있음을 시사하였다. 반면, 다양성은 매개효과를 나타내지 않아 단순한 표현의 다양성보다는 정서적 의미 부여가 더중요한 요인임을 보여주었다. 또한, 지각된 연기몰입의 하위 요인 중 사고와 행동의 일치성, 정신적 몰두 정도, 시간 개념의 상실은 일부 경로에서 유의미한 매개효과를나타내, 기술적 혁신이 관객이 인식하는 공연자의 내적 몰입을 유도하고 이를 통해 몰입 상태를 심화시킬 수 있음을 확인하였다. 그러나 UI 편의성은 대부분의 경로에서 유의미한 매개효과를 보이지 않아, 단순한 조작성 향상만으로는 심층적 몰입을 유도하는 데 한계가 있음을 시사한다. 본 연구는 AI 기반 공연 환경에서 관객몰입을구성하는 심리적·신체적 요인의 지각된 매개 역할을 규명함으로써, 기술 중심의 공연 연구를 관객 중심의 참여와 몰입 중심 연구로 확장하였다는 점에서 학문적·실무적 의의를 가진다.

This study empirically examined the effects of technological innovation factors on audience immersion in AI-based popular music performances and analyzed the mediating roles of perceived bodily expressiveness and perceived acting immersion in this process. The results showed that key innovation factors in AI-based performances, such as innovativeness, reliability, and UI convenience, generally had significant positive effects on audience immersion, suggesting that technological innovation can deepen the audience’s immersive experience beyond mere observation. Notably, these innovation factors also significantly influenced the levels of perceived bodily expressiveness and acting immersion, indicating that AI-based performances can extend beyond passive viewing to foster active, sensory, and participatory experiences. Sub-factors of perceived bodily expressiveness?expressivity, meaningfulness, and individuality?demonstrated significant partial mediating effects on audience immersion, implying that technological elements can guide audiences’ perception of performers’ bodily responses and expressions, thereby enhancing immersion. In contrast, diversity did not show a mediating effect, suggesting that the emotional significance of expressions may be more critical than mere variety. Regarding perceived acting immersion, sub-factors such as alignment of thought and action, degree of mental engagement, and loss of time perception showed significant mediating effects in some pathways, confirming that technological innovation can elicit audiences’ perception of performers’ internal immersion, thereby deepening the overall immersive state. However, UI convenience did not exhibit significant mediating effects in most pathways, indicating that improving operability alone may be insufficient to induce deep immersion. Overall, this study contributes both academically and practically by clarifying the perceived mediating roles of psychological and bodily factors in audience immersion within AI-based performance environments, thereby extending technology-centered performance research to a more audience-centered, participation- and immersion-focused perspective.

본 연구는 가상현실(Virtual Reality, VR) 기술이 뮤지컬 공연에 적용될 때 나타나는 특성과 그에 따른 관객의 만족도 간의 관계를 분석하고, 이 과정에서 MZ세대의 소비 가치와 사회적 실재감이 어떤 영향을 미치는지를 규명하고자 하였다. 연구 결과, VR 대중음악 공연의 편의성, 실시간 상호작용성, 표현의 자유성, 비용적 효율성이 모두 사회적 실재감과 공연 만족도에 유의미한 영향을 미치는 것으로 나타났다. 특히, 실시간 상호작용성과 표현의 자유성은 공연에 대한 몰입감과 정서적 연결을 강화시켜 관객의 만족도를 높이는 중요한 요인으로 작용하였다. 또한, 비용적 측면 역시 VR 공연의 접근성과 효율성을 높임으로써 사회적 실재감 및 공연 만족도에 긍정적인 영향을 주는 것으로 확인되었다. 또한 VR 뮤지컬 공연 특성과 공연 만족도 사이에서 사회적 실재감이 유의미한 매개 역할을 하는 것으로 나타났다. 더불어, MZ세대의 소비 가치는 이 관계에 있어 조절 변수로 작용하는 것으로 나타났다. 특히 환경 의식이 높은 관객은 VR 공연의 비대면성과 자원 절감 효과를 긍정적으로 평가하였고, 가치 의식과 지위 의식 역시 VR 기술을 활용한 차별화된 공연 경험에 대해 높은 만족도를 보였다. 본 연구는 VR 기술을 공연 예술에 적용함으로써 발생하는 새로운 예술적 경험의 가치와 가능성을 실증적으로 제시하였으며, 공연 기획자 및 제작자에게는 VR 기술을 적극적으로 활용한 콘텐츠 기획의 방향성과 전략적 시사점을 제공한다.

This study aims to analyze the characteristics of Virtual Reality (VR) when applied to musical performances and examine how these characteristics influence audience satisfaction. Furthermore, the study investigates the mediating effect of social presence and the moderating role of MZ generation consumers' value orientations. The research findings indicate that convenience, real-time interactivity, freedom of expression, and cost-effectiveness?key characteristics of VR pop music performances?all significantly impact social presence and audience satisfaction. Moreover, the cost-effective nature of VR performances contributed positively to accessibility and efficiency, further boosting social presence and satisfaction. Social presence serves as a significant mediating variable between the characteristics of VR musical performances and audience satisfaction. This suggests that the immersive environment enabled by VR technology promotes emotional connection and social perception among audiences, ultimately enhancing the overall quality of the performance experience. Additionally, the consumption values of the MZ generation were found to play a moderating role in these relationships. Environmentally conscious audience members responded positively to the non-contact and resource-saving nature of VR performances, while those with strong value-consciousness and status-consciousness showed high satisfaction with the differentiated experiences made possible through VR technology.

이 연구는 1970년대 한국 대중음악역사 서술을 더 두텁게 할 목적을 지니고 있다. 해당 시기에 대한 기존 연구를 살펴본 후 두 개의 결론을 내렸다. 첫째, 방송에 대한 논의가 더 이뤄져야 할 필요가 있다. 둘째, 서술을 위한 인식론적 기반을 마련하는 일도 시급해 보였다. 그에 답하기 위해 노르베르트 엘리아스의 결합태 개념을 빌려 왔다. 결합태(figuration) 논의를 기반으로 1970년대 초반 형성되었을 방송 결합태를 도출하였다. 그 결합태는 적어도 세 개의 사건에 기반하고 있었다. 첫째, 방송은 젊고 새로우며 위생성을 강조하며 도덕적 리더십을 유지하려 애쓰고 있었다, 둘째, 대중음악계의 의미있는 행위자 역할을 수행하고 있었다. 셋째, 음악적 이벤트를 방송으로 전유하는 능력을 보여주고 있었다. 그 같은 방송의 힘을 경험하며 새로운 방송 결합태가 형성되고 있었다. 구체적으로 1970년대 후반에 등장한 <대학가요제>와 트로트고고에 그 결합태가 고스란히 드러난다. 가요제에 등장한 경연자들은 방송결합태에 맞춘 의상, 스타일, 율동, 노래를 연출하고 있었다. 트로트고고 또한 방송 결합태에 부합하는 노래, 매너, 용모, 분위기를 유지하고 있었다. 대중음악계가 눈치를 봐야 하고, 입맛을 맞춰야 할 만큼 1970년대 들어 방송은 대중음악에 권력을 행사하고 있었다. 대중음악이 방송 결합태에 맞추는 이른바 대중음악의 방송화가 본격적으로 이뤄질 준비를 하던 시기였다.

This study examines the interplay between broadcasting and popular music in Korea during the 1970s, aiming to provide a richer understanding of this transformative period in Korean cultural history. Existing research highlights the need for deeper engagement with broadcasting’s role and a robust epistemological framework to analyze its influence. To address these gaps, this study adopts Norbert Elias’ concept of figuration, revealing how broadcasting shaped the development of Korean popular music during this era. In the 1970s, broadcasting emerged as a dominant cultural institution with three key characteristics. First, it positioned itself as a moral leader, emphasizing youth, novelty, and wholesome and uplifting modernity. Second, it functioned as a powerful gatekeeper, controlling access to audiences and shaping the direction of the popular music industry. Third, it demonstrated its ability to appropriate musical events, integrating them into its own institutional and cultural logic. These attributes gave rise to a broadcasting figuration?a network of interdependencies between broadcasters, musicians, and audiences that redefined cultural production and consumption. This broadcasting figuration is vividly illustrated through the emergence of Campus Song Festival and Trot-Go-Go in the late 1970s. The Campus Song Festival exemplified how contestants aligned their performances, from costumes to choreography, with the expectations set by broadcasting institutions. Similarly, Trot-Go-Go adhered to the broadcasting figuration’s aesthetic and behavioral norms, showcasing how deeply broadcasting shaped artistic expression. By the 1970s, broadcasting had established itself as a hegemonic force, exerting significant power over popular music. The industry’s increasing alignment with broadcasting’s norms signaled the beginning of the “broadcasting-ization” of popular music?a process in which music production, performance, and cultural significance became intertwined with broadcasting’s logic. This study contributes to the historiography of Korean popular music by demonstrating how broadcasting, as a central node of cultural power, not only influenced the music industry but also reflected broader socio-cultural shifts. Through Elias’ concept of figuration, it illuminates the complex interdependencies that underpinned the cultural transformations of 1970s Korea, providing a theoretical framework for understanding the institutional and relational dynamics of this pivotal period.

본 연구에서는 VR을 통한 대중음악 공연 특성이 관객몰입을 통한 관람의도에 미치는 영향 그리고 관여도의 조절효과에 대해 살펴보고자 한다. 전통적인 문화산업과 신기술의 결합을 통하여 더욱 혁신적인 문화산업 형성 및 발전을 조성하고 소비자의 성향에 대해 파악하고자 한다. 이를 위해 중국의 1선 도시 10곳을 선정하여 해당 지역의 소비자를 대상으로 설문조사를 실시하였다. 설문조사를 통해 분석한 결과 VR을 통한 대중음악 공연 특성은 관객몰입에 긍정적인 영향을 미치는 것으로 나타났으며 이는 대중음악 공연의 특성에 따라 관객몰입이 더욱 강해 지는 것을 알 수 있다. 또한 이러한 특성은 소비자의 관람의도에 모두 유의한 영향을 미치는 것으로 나타났으며, 관객몰입은 이들 간의 관계에서 유의한 매개효과를 일으키는 것으로 나타났다. 마지막으로 VR을 통한 대중음악 공연 특성이 관람의도에 미치는 영향에 있어 관여도는 유의한 조절효과를 가지는 것으로 나타났다. 본 연구는 음악 산업 및 이벤트 기획 분야에서 가상현실 기술을 활용한 공연의 중요성과 잠재력을 강조하며, 관객의 참여와 몰입을 촉진하기 위한 전략을 개발하는 데 중요한 지침을 제공할 것이다.

This study aims to examine the effect of the characteristics of popular music performances through VR on the intention to watch through audience commitment and the moderating effect of involvement. By combining the traditional cultural industry and new technologies, we intend to create and develop a more innovative cultural industry and understand consumer tendencies. To this end, 10 first-tier cities in China were selected and a survey was conducted for consumers in the region. As a result of analysis through the survey, it was found that the characteristics of popular music performances through VR have a positive effect on audience commitment, which shows that audience commitment becomes stronger according to the characteristics of popular music performances. In addition, these characteristics were found to have a significant effect on all of the consumers' viewing intentions, and audience commitment was found to have a significant mediating effect in the relationship between them. Finally, it was found that the degree of involvement has a significant moderating effect on the effect of the characteristics of popular music performances through VR on the intention to watch. This study emphasizes the importance and potential of performances using virtual reality technology in the music industry and event planning fields, and will provide important guidelines for developing strategies to promote audience participation and immersion.audience participation and immersion.

본 연구는 뉴미디어가 한국 대중음악의 제작에 미치는 영향 및 활성화 방안을 제안하는데 목적을 두었다. 이를 위해 문헌 고찰 방식을 사용하여 한국 대중음악 산업과 뉴미디어의 현황, 뉴미디어가 한국 대중음악 제작에 미치는 영향, 한국 대중음악 제작에 뉴미디어를 활용한 활성화 방안에 대해 분석하였다. 연구결과 첫째, 한국의 대중음악 산업은 음악스트리밍 확대로 개인의 취향을 반영한 플레이리스트가 비주류 장르 음악 제작자에게도 다양한 기회를 제공한 것으로 나타났다. 둘째, 뉴미디어의 신규 플랫폼을 활용하면 변화하고 있는 음악 제작 환경에서 한국의 뮤지션들이 발전할 수 있는 순기능을 할 수 있을 것을 시사했다. 셋째, 뉴미디어를 활용한 한국 대중음악의 균형적 발전을 위해서는 다양한 플랫폼으로 소통창구를 늘리고, 블록체인 기술 등을 적용하여 음악 산업의 균형적인 발전과 알고리즘 분석으로 음악 창작자의 홍보방안과 마케팅 전략에 대한 접근이 필요한 것으로 나타났다. 이러한 연구결과를 종합하면 한국 대중음악 제작을 위해서 뉴미어를 활용한 다각도적인 접근과 이를 위한 환경과 전략이 필요한 것으로 나타났다.

The purpose of this study was to suggest the influence of new media on the production of Korean popular music and ways to revitalize it. To this end, the literature review method was used to analyze the current status of the Korean pop music industry and new media, the effect of new media on the production of Korean popular music, and ways to revitalize the use of new media in the production of Korean popular music. As a result of the study, it was found that the Korean popular music industry provided various opportunities to non-mainstream genre music producers through playlists reflecting individual tastes due to the expansion of music streaming. Second, the use of new media platforms suggested that Korean musicians could play a positive role in the changing music production environment. Third, for the balanced development of Korean popular music using new media, increase communication channels through various platforms and apply block chain technology, etc. access was found to be necessary. Combining these research results, it was found that a multi-faceted approach using new mere language and environment and strategies for producing Korean popular music are needed.