Earticle

이 연구의 목적은 지체장애 특수학교에서 대중음악을 활용한 음악수업을 순환적으로 실시한 후 얻게 된 교사의 실천적 지식을 탐색하는데 있었다. 연구 목적을 달성하기 위하여 실행연구방법을 적용하였으며, 연구 참여자는 수업을 실행한 연구자, 수업 참여 학생 8명, 수업관찰자인 동료교사 5명이었다. 연구 결과, 수집된 자료에 대한 포괄적 분석절차를 통하여 4개의 상위 범주, 10개의 하위 범주, 31개의 의미단위가 도출되었다. 4개의 상위범주는 ‘대중음악, 수업 속으로 들어오다’, ‘합창과 합주가 가능해진 수업’, ‘음학(學)에서 음악(樂)으로’, ‘지정의(知情意)갖춘 교사되기’이다. 대중음악을 활용한 음악 수업은 장애 학생의 수업 참여와 흥미 유발에 효과적이었고 몰입 경험을 제공하였으며, 교사의 대중음악의 선별작업이 중요함을 알 수 있었다. 또한 중도ㆍ중복장애가 있는 지체장애학생의 의사소통 방식을 파악하기 위한 관찰, 협동학습의 사용, 악기 수정 및 연주법 수정은 합창과 합주를 가능하게 하였으며, 음악수업의 방향은 지식 전달보다 즐겁고 행복한 경험을 제공하는 것이어야 함을 알 수 있었다. 마지막으로 특수교사는 악기 연주에 관한 지식 뿐 아니라 인화적인 품성을 지녀야 하며 훌륭한 음악 수업의 지휘자가 되기 위하여 끊임없이 노력해야 함을 알 수 있었다.

The purpose of this study, applying an action research method, is to examine a special education teacher’s practical knowledge in music instruction that uses the popular music. The participants included a special education teacher as a researcher, five peer teachers who observed the classes and provided feedback, and eight students with physical disabilities. The data collected from five classes based on five reflective circles was analyzed by an inductive method. The practical knowledge of a special education teacher who provided students with physical disabilities with music instruction was categorized by four upper themes: (a) using popular music in classes, (b) music class that enabled chorus and ensemble, (c) different purposes of music education: from learning music to enjoying music, and (d) special education teachers with music knowledge, affection, and will. The conclusions based on study results were follows. First, the instruction using the popular music supported students to pay more attention to class instructions. Second, special education teachers need to be multi-talented professionals to increase students’ participation in the class. Third, music instruction needs to be a vehicle to support students’ happy lives, not to be a content area to increase the knowledge. Fourth, special education teachers should be experts who possess teaching skills, performance skills, and warm heart.

대중음악이 ‘민중의 음악’이라는 뜻으로 해석될 여지가 있다면, 그 이유는 무엇보다 대중음악 속에 청각을 매개로 한 ‘구술성’의 요소가 내포되어 있기 때문일 것이다. 이러한 대중음악의 구술성에 대한 관심은 필연적으로 음향 복제기술과 대중매체에 대한 관심으로 전환될 수밖에 없다. 그런데 이러한 매체나 음향기술 자체가 문자를 통한 소통･과학적 방법론･합리성 등을 바탕으로 하는 고도의 ‘문자성’의 산물이라는 점이 대중음악을 논하는 데 있어서 피할 수 없는 아이러니이다. 따라서, 대중음악에 대한 논의가 구술성에 입각한 민중의 정치적 힘과 관련된 논의로 연결되는 순간, 대중음악의 정치적 목표 지점 가운데 하나는 대중음악의 구술성 그 자체를 가능케 하는 음향기술과 대중매체에 대한 긍정과 함께 다른 한편 문자성에 기반한 대중매체의 합리적 시스템에 대한 부정을 동시에 함의하게 된다는 역설에 맞닥뜨리게 된다. 이 논문에서 나는 대중음악에 함축되어 있는 구술성의 이러한 변증법적 성격에 주목하면서, ‘공장의 불빛’이라는 제목으로 1978년에 발표된 독특한 음악적 실험 한 가지를 조명한다. 대중음악과 음향기술에 입각한 대중매체의 관계에 초점을 맞추면서, 대중음악이 갖는 ‘민중음악’으로서의 가치, 다시 말해 민중의 구술성을 담보할 수 있는 정치적 잠재력을 점검할 것이다.

If there is any room for 20th century ‘popular music’ to be interpreted as ‘people’s music’, the grounds for such an interpretation would be the oral practices embedded in popular music. But we cannot discuss the orality of popular music without considering sound reproduction technologies or the mass media connecting the individual members of an modern industrialized society to one other. And it is an inevitable irony that this mechanical reproduction and the mass media are products of a highly developed ‘literacy’ marked by scientific method, ‘rationality’, literate communication, and so forth. Therefore, at the very moment when our discussion of popular music turns to the question of a people’s political power exerted through orality, we end up with the following contradiction: that one of the main political ends of popular music is found in the affirmation of sound technologies that give popular music a ‘secondary orality’ and thus negate the ‘literate’ mass-mediated musical systems. Focussing on this dialectic character of orality implied in music in the age of mechanical reproduction, I examine a unique musical experiment, a musical play titled ‘Light of a Factory’ that was in 1978. I consider the value of popular music as ‘people’s music’, or its political potential to suggest a kind of musical orality focused on the relationship between popular music and mass-mediated reproduction.

한국 대중음악 산업이 비약적인 성장을 기록하면서 대중음악 시장의 흥행 요인에 대한 이론적, 실무적 관심이 증대되고 있다. 그러나 대중음악의 흥행요인을 다룬 연구들은 소수에 불과하고, 그마저도 음악 외적 요인 위주로 진행되어 왔다. 또한, 대중음악은 발매 직후에 소비가 집중되는 경향이 있으며 엔터테인먼트 산업의 특성상 시기에 따라소비자 선호가 다름에도, 시기에 따른 흥행요인의 가변성을 다룬 연구는 드물다. 이에 따라 본 연구는 국내 대중음악시장에서의 흥행요인으로 음악 외적 및 내적 요인을 종합적으로 분석하고, 발매 계절에 따른 흥행요인의 가변성을탐색함으로써 소비자들의 선호와 음악 특성을 고려하여 신곡을 발매하는 전략적 의사결정에 기여하고자 하였다. 본 연구는 2019년 1주차~2023년 20주차의 총 229주의 기간 중 국내 공인 음악차트의 디지털 음원 주간차트에등재된 2,009곡을 분석하였다. 이때 스타 파워 등 음악의 외적 특성을 수집하는 한편, 머신러닝 기법으로 도출한내적 특성 자료도 수집하였다. 두 가지 성과 변수를 활용하여 음원의 최고 등수에 대해서는 다중회귀분석을, 차트인기간에 대해서는 생존분석 모형 중 가속 고장시간 모형을 적용하였다. 분석 결과, 최고 등수에 영향을 미치는 흥행요인으로는 선정성, 소리 크기, 댄스 적합성, 대형 기획사 여부 등이 있었으며, 발매 계절에 따라 선정성, 활기, 어쿠스틱함, 라이브 공연성, 템포가 흥행에 미치는 영향이 상이하다는 사실을 발견하였다. 차트인 기간에 영향을 미치는 흥행요인으로는 소리 크기, 활기, 라이브 공연성, 가수의 스타파워 등이 있었으며, 발매 계절에 따라 댄스 적합성, 활기, 라이브 공연성, 분위기의 밝음, 템포가 흥행에 미치는 영향이 상이함을 규명하였다. 본 연구는 머신러닝 기법으로 도출된 음악의 내적 특성을 이용하여 한국 대중음악 시장의 성공 요인을 종합적으로 분석하였으며, 발매 계절에 따른 흥행요인의 가변성을 포착하였다는 점에서 의의가 있다. 또한, 발매 이전에 곡의 흥행 가능성을 가늠할 수 있는 계량적 근거를 제공하여 대중음악 산업 종사자들의 의사결정에 도움이 될 것으로기대한다.

As the Korean music industry has grown significantly, so too have theoretical and practicalinterests in understanding the determinants of musical success. Music consumption tends topeak shortly after release, and consumers' musical preferences vary over time, a commonphenomenon in the entertainment industry. However, few studies have examined the determinantsof music popularity, with most focusing on extrinsic attributes. The variability of these determinantsis rarely addressed. This study aims to analyze both extrinsic and intrinsic attributes assuccess factors in the South Korean music market and to explore the variability of popularitydeterminants based on the season of release. We analyzed 2,009 songs listed on the official weekly digital music chart from the 1st week of2019 to the 20th week of 2023. Linear regression was applied to examine a song's peak chartrank, and the accelerated failure time model, a type of survival analysis, was used to assess theduration of chart presence. Our analysis found that explicitness, loudness, danceability, and thesize of the production company significantly influence a song’s peak chart position. Furthermore,the effects of explicitness, energy, acousticness, liveness and tempo on peak rank varied dependingon the release season. Additionally, loudness, energy, liveness, and an artist's star power werefound to impact the duration of a song’s chart presence. The effects of danceability, energy,liveness, valence, and tempo on chart duration also varied by release season. This study offers a comprehensive analysis of the determinants of musical success in SouthKorea using acoustic features estimated by machine learning methods. It also highlights thevariability of popularity determinants across different release seasons. Our findings provideinsights for predicting a song’s potential success before its release and assist artists and productioncompanies in their decision-making processes.

本稿では、敗戦後に解体されたナショナル․アイデンティティーが再構築され始める日本の高度経済成長期を中心に、米軍という通路を通して受容されたアメリカ音楽(ジャズ)と韓国人密航音楽家、そして在日朝鮮人音楽家の文化横断について分析を試みた。 日韓は解放と敗戦という相反する形で戦後を迎えるが、米軍占領期(またはサンフランシスコ講和条約以降の米軍基地)と米軍軍政期(または朝鮮戦争以降の米8軍)によるアメリカ音楽の受容という共通の歴史的経験を共有している。 その結果、戦後アメリカ大衆音楽の受容のプロセスは、単に日本のレコード産業の撤退や米軍による一方的なジャズの受容だけではなく、戦前からの日本帝国が残した文化的影響はもとより、朝鮮戦争後の韓国音楽家の日本活動や在日韓国人の人的交流を通じて、韓米日の構図の中で形成されていくことになる。本稿では、このような重畳的な関係性の中で独自の位置を取り戻していく韓国大衆音楽の人的ネットワークを明らかにした。

This paper attempts to analyze the cultural crossings of American music (jazz), Korean stowaway musicians, and Korean-Japanese musicians accepted through the passage of the U.S. military, focusing on Japan’s rapid economic growth period, when the National Identity, which was dismantled after the defeat, emerged. South Korea and Japan face the postwar period in the opposite form of liberation and defeat, but share a common historical experience of accepting American music through the U.S. military occupation period (or the U.S. military base after the San Francisco Treaty) and the U.S. military regime (or the 8th Army after the Korean War). As a result, it was confirmed that the post-liberation US popular music acceptance process was not just the withdrawal of the Japanese music industry and unilateral jazz acceptance by the US military, but also the cultural influence left by the Japanese Empire after the Korean War.

본 연구는 신한류를 주도하고 있는 아이돌 음악의 대중화가 한국대중음악시장의 생태계 균형에 어떠한 영향을 주었는지를 연구하였다. 이는 많은 언론들이 아이돌 음악의 대중화로 인해 전체시장이 불균형을 이루고 있다는 보도에 문제를 제기하기 위함이다. 연구방법은 페터슨의 문화생산론을 차용하였고 분석대상은 국내 디지털 음원유통 1위인 멜론 가요음악차트의 2000-2014년 주간 Top10을 사용하여 이중 차트에 진입한 아이돌 음악만을 선별하여 양적연구를 하였다. 연구결과 아이돌 음악은 한국대중음악시장의 생태계 구성에 불균형을 초래하지는 않았으며, 오히려 다양한 음악 스타일을 선보이며 음악시장의 장르 다양성에 기여하고 있음을 발견하였다. 이러한 올바르지 않은 정보로 신한류를 주도하고 있는 아이돌 음악의 생산이 위축되어서는 안 될 것이며, 향후 정부 관련기관은 검증된 사실에 입각하여 정책을 수립하여야 할 것이다. 이것은 한류의 지속가능성과 확대 재생산을 위한 중요한 문제로 다루어져야 하기 때문이다.

This research studied how idol music popularity influences on equilibrium of ecosystem in Korean popular music market. Because most of media & press reported that idol music caused unbalance of whole market so this research issued it. Research method is borrowed production of cultural perspective of Peterson and subject of analysis is selected idol music from Melon weekly music chart(2000-2014), which is No. 1 digital music distributor. The result showed idol music did not bring unbalance of ecosystem structure in Korean polular music market and found it contributed diversity of music genre in music market by introducing various musical style all the more. This kind of untested information should not cause idol music production leading new Korean Wave to shrink. Government related organization has to do policy making based on verified fact in future and it should be handled as important matter for sustainable and expansive reproduction of Korean wave.

본 연구에서는 현재까지 국내에서 진행된 '저작권침해 소송', '손해배상청구 소송' 중에서 음악저작물에 관한 판례들을 통해 법적인 측면에서 판단의 근거를 기반으로 표절여부 판단에 대한 명확한 기준을 정립하여 소송 이전에 논란이 되는 두 곡의 유사성 여부를 판단할 수 있게 하는데 목적이 있다. 연구는 문헌연구와 판례(음악저작물의 요소에 의한 표절 판결 1건, 현재 항소심 진행중인 사건 1건)를 통해 이루어졌다. 연구결과 '음악저작물 표절 판단 기준'은 크게 (1) 창작성, (2) 의거성, (3) 실질적 유사성으로 나타났다. 창작성과 실질적 유사성의 판단방법은 거의 동일하다. 음악저작물의 구성요소인 가락, 화성, 리듬으로 비교분석을 하는 것이다. 하지만 창작성의 경우 원작자의 곡과 또 다른 비교대상물을 분석하고, 실질적 유사성은 사건에 해당하는 두 곡을 분석하는데 차이가 있다. 현재 창작성의 판단기준은 유사성이 인정된 비교대상물의 수를 설정하는 것이 필요하다. 또한 의거성은 객관적인 기준을 수립하는데 한계가 있다. 마지막으로 실질적 유사성은 과거 공연윤리위원회의 사전심의제도를 기반으로 수치화된 기준을 수립해야 한다.

This study deals with the precedents regarding music works among 'The suits to claim an infringement of copyright' and 'Suits to claim indemnification for damage' that have been filed in Korea up so far in order to establish clear criteria to judge plagiarism based on the ground of legal judgment and judge the similarity of two works that have been in controversy previously. The study has been performed through literature review and also precedents. According to the study result, 'criteria to judge music works on plagiarism' are largely classified into (1) creativity, (2) access, and (3) substantial similarity. It is almost the same to judge creativity and substantial similarity. With the components of music works, say, melody, harmony, and rhythm, comparative analysis is conducted. About creativity, the original composer's song is analyzed with another object to be compared whereas about substantial similarity, two songs in controversy get to be analyzed. Regarding the current criteria to judge creativity, it is needed to set the number of objects to be compared which have been regarded similar. And access has limitations in setting up objective criteria for it. Lastly, we should develop digitized criteria for substantial similarity based on the preliminary review system of the Committee on Performance Ethics in the past.

이 글은 대만이 어떻게 ‘중화권 대중음악 생산의 중심지’가 되었는가에 대한 물음에서 시작했다. 물음에 대한 답을 찾고자 1960~1990년대를 4시기로 나누어 시기별 음악산업 발전 과정을 살펴본 후, 타이베이시에 구축된 음악산업 클러스터 내부의 착근성과 음악 생산모델의 공진화 양상을 고찰했다. 1960~1970년대에는 네트워크 착근성에 기반하여 음악을 ‘수직통합 분업모델’로 생산했다. 정풍운동과 노래심의제도 운용이라는 국민당의 정치적 압력 속에서 음악인들은 타이베이시로 모여들어 산업 클러스터를 형성했다. 행위자들은 상호 간 암묵지를 활발히 교환했고, 음반사와는 전속 계약을 맺으며 네트워크의 결속력을 도모했다. 1980년대 이르러 네트워크 착근성이 이동하면서 음악 생산 방식은 ‘협력적 네트워크 분업모델’로 진화했다. 네트워크 착근성의 이동은 가수의 이직과 싱어송라이터로의 변모, 음반사 간부로의 업종 변환 등으로 표출되었다. 1990년대에는 네트워크 착근성의 이동과 탈착근성 두 가지 힘이 동시에 작용했고, 음악 생산은 ‘탄력적 프로젝트 경영모델’로 이루어졌다. 1990년대의 네트워크 착근성 이동은 한시적 프로젝트 조직을 구성하는 방식으로 표출되었다. 대형 로컬 음반사와 글로벌 음반사의 프로젝트 구성원은 가수가 추구하는 음악 스타일에 맞춰 이합집산을 거듭했으며, 이 과정에서 새로운 아이디어가 촉발되어 양질의 노래를 생산해 낼 수 있었다. 이윤 추구라는 강력한 힘은 탈착근을 유발했고, 이윤 추구는 시장의 제도화에 힘입어 극대화할 수 있었다. 시장 제도화의 일환으로 로컬 음반사는 각종 음악 경연대회나 TV 오디션 프로그램, 음악 페스티벌을 개최하여 인재를 발굴했다. 글로벌 음반사는 자사가 보유하고 있던 글로벌 네트워크를 적극 활용하여 중국, 홍콩, 동남아시아 출신의 가수를 대만에 상륙시켰다. 글로벌 음반사와 대형 로컬 음반사 모두 이미 스타였던 가수를 자신의 회사로 영입하는 전략으로 이윤 추구의 극대화를 도모하기도 했다.

This article started with the question of how Taiwan became a ‘center of Chinese pop music production’. In order to find the answer to the question, the music industry development process by period was divided into four periods in the 1960s to 1990s, and then the embeddedness inside the music industry cluster established in Taipei City and the co-evolution of the music production model were examined. In the 1960s and 1970s, music was produced as a ‘vertical integrated division of labor model’ based on network embeddedness. Under the political pressure of the Kuomintang, the musicians gathered in Taipei City to form an industrial cluster. The actors actively exchanged tacit knowledge with each other and signed exclusive contracts with record labels to promote network solidarity. In the 1980s, as network embeddedness shifted, the music production method evolved into a ‘cooperative network division of labor model’. The shift in network embeddedness was expressed through the change of singer, transformation into a singer-songwriter, and transformation into a record label executive. In the 1990s, both the movement of network embeddedness and disembeddedness worked at the same time, and music production was carried out as a ‘elastic project management model’. In the 1990s, the movement of network embeddedness was expressed in a temporary project organization. Project members of large local and global record labels repeatedly gathered and gathered according to the music style pursued by the singer, and in the process, new ideas were triggered and high-quality songs could be produced. The strong power of profit-seeking caused disembeddedness, and the pursuit of profit could be maximized thanks to the institutionalization of the market. As part of market institutionalization, local record companies discovered talent by holding various music contests, TV audition programs, and music festivals. Global record companies actively utilized their global networks to land singers from China, Hong Kong, and Southeast Asia in Taiwan. Both global and large local record companies tried to maximize the pursuit of profits by recruiting singers who were already stars to their companies.

본 연구의 목적은 아이돌 음악이 시장의 중심으로 떠오른 2000년부터 2010년 사이에 한국 대중가요가 동질성을 보였는지 아니면 다양성을 추구하였는지를 문화생산론적 조망에 따라 경험적으로 검증하는데 있다. 1970년대에 등장한 문화생산론은 문화와 사회 구조가 서로를 반영한다고 가정했던 네오마르크스적인 지배적 관점을 비판하며 산업 구조의 변동과 같은 사회적 요인이 문화의 형식과 내용의 다양성에 영향을 미친다고 주장한다. 이와 같은 관점에 따라 해당 시기의 기업집중과 생산 시스템을 분석하고, 아이돌 음악의 발전단계가 한국 대중음악의 다양성과 혁신에 미치는 영향과 전체 변수와 지표들 간의 상관관계에 대한 통계적 분석을 실시하였다. 분석 결과 시장불황의 시기에는 대중음악의 생산체계와 기업집중 간의 상관관계가 보이지 않지만, 개방형 체계와 한국형 개방체계 하에서는 높은 상관관계를 보였으며, 생산물의 다양성과 혁신 또는 동질성에도 영향을 미치며, 아이돌 음악의 증가가 대중음악 생산물의 동질성으로 이어지는 것은 아니라는 사실을 검증하였다.

The purpose of this study is to investigate empirically the organization of the music industry in Korea and its effect on innovation and diversity in Korean popular music from 2000 to 2010, the period when idol music expanded through the production of culture perspective. The production of culture perspective, emerged in the 1970s in response to the failure of the earlier dominant idea that culture and social structure reflect each other, insists that the diversity of cultural forms and contents is influenced by changing industry structure. Following this view, analyzed corporate concentration and production system, and compiled correlation of statistical analysis for diversity and homogeneity of the influence of Korean popular music by idol music development stage and for total variable and index. Based on the results, it has no correlations with firm concentration under the depression of the industry but showed high correlation under the open production system and the Koreanized open production system and has influences upon diversity and innovation or homogeneity, and verified the increase of idol music has no influence on homogeneity of products.

본고는 어린이의 취향에 맞는 동요가 무엇인지를 분석하고, 대중음악을 동요에 적용시키는 방안을 고찰하였다. 대중음악의 요소와 세계 각국의 음악적 특징을 수용한 ≪동시YO≫를 중심으로 작곡 기법을 살펴보았다. 그 결과, 아르페지오와 싱코페이션 기법을 통해 신나는 분위기를 표현했으며, 블루스와 R&B 음악을 수용해 기존 동요에서는 생각하지 못했던 대중적인 리듬멜로디를 적용시켰음을 알 수 있었다. 또한, 록(Rock)과 랩(Rap)은 물론 스윙 필과 반음계적 화성의 사용, 16분 음표 활용으로 새로운 동요 스타일을 만들어냈다. ≪동시YO≫는 형태적으로나 내용적인 면에서 꾸준한 발전과 확장을 거듭한 동시가 그에 적합한 곡과 어우러질 때 완전한 동요로 어린이에게 다가갈 수 있음을 보여준다. 동시작품을 기반으로 창작된 동요이기 때문에 ‘음악적인 면과 시적인 세계’(문학성과 예술성)를 동시에 추구한다. 무엇보다 대중음악의 요소를 접목시킨 파격적인 곡의 변화 등 동요의 정립을 위한 꾸준한 노력은 어린이와 동요의 간극을 좁히는 데 분명한 영향력과 발전을 가져올 것이라 기대한다.

This article analyzed children’s songs fit to their interests and trends, and suggested possibilities to apply popular songs appeared in music textbooks from middle and high schools as examples to create children’s songs. It is difficult to contain popular songs in elementary school music textbooks, and yet it is available to apply composing methods for popular songs to children’s songs. And so focusing on <Dongshi(Children’s Poem)YO> accepting elements from popular songs and musical characteristics from the world, composing methods are reviewed. As a result, through arpeggio and syncopation methods, fun atmosphere was expressed, and popular rhythms and melodies not available for thinking in the existing children’s songs were applied by applying blues and R&B Music. In addition, using rock, rap as well as swing feel and chromatic scale harmony, and utilization of sixteenth notes, new style of children’s song genre was made. <Dongshi(Children’s Poem)YO> was created based on children’s poems, and its lyrics are easily accepted for both children and adults, and it pursuits to 'musical perspective and poetic world. Therefore, experiencing directly poetic figuration through linguistic expressions, it is available to have educational effect for enjoying beauty of poetry, and children’s songs containing various virtues could affect considerably formation of children’s characters. First of all, continuous efforts to build children’s songs including dramatic change by trying to apply popular songs’ elements will have clear influences on and development for narrowing gap between children and children’s songs.

This paper is a follow-up study to “Non-circularity of Chinese Popular Music from the perspective of trend, I - Focusing on Music Charts and Broadcasting Platforms”, which was published in April 2024. In the previous study, the author argued that a virtuous cycle does not occur in the Chinese popular music industry due to the structural problems in each sector of ??planning, production, promotion, distribution, and consumption. In this study, I expanded sample areas to check to what degree the argument is verified through actual data. I analyzed Top 300 of QQ Music, China’s largest online music platform, and discovered the following facts. First, more than half of the charts are filled with old songs. It is confirmed that the structure of circulation from planning, production, promotion, distribution, and consumption of new songs has not been well established. Second, in the charts, songs from Greater China (including Taiwan, Hong Kong, Singapore, etc.) have a large advantage over mainland pop music. As far as commercial music is concerned, China has not yet reached the popularity (marketability) of songs from the capitalist camp in the Greater China region. Third, the flood of remakes, which is pointed out as a chronic problem in the Chinese pop music industry, is confirmed on the actual charts. Fourth, the higher the ranking, the greater the proportion of OST. Fifth, most of the charts are occupied by lyrical songs with a slow tempo. A variety of music does not coexist, and there is an overemphasis on certain genres. Sixth, most types of singers are solo, and the influence of bands or idol groups is rarely found. Among solo singers, the number of people who are active only online without face exposure has increased significantly. Rather than creating new songs, they mainly remake old songs and release them. Seventh, foreign songs in the Top 300 are mainly divided into American POP and K-POP.

록 음악은 1950년대에 로큰롤 음악으로 시작되어 1960년대를 거치며 성장하다가 1970년대에 들어서 세계 대중음악 시장에서 주류 장르중 하나로 자리매김했다. 이러한 문화적 영향은 한국과 일본의 음악문화에도 영향을 지속적으로 주고 있었으며, 양국의 당시 음악들을 통해 그 영향을 확인할 수 있다. 한국과 일본은 1945년 해방을 기점으로 1998년 일본문화개방이 있기까지 문화적으로 단절되어 있었다. 하지만 부분적, 단기적, 음성적 교류는 끊임없이 있어왔으며 양국은 서로 문화적 영향을 주고 받아왔다. 이 연구는 단기적, 부분적 교류가 상대적으로 적었던 시기인 1970년대의 한·일 음악, 그중에서도 록 음악의 비교·고찰을 통해 당시 양국의 문화적 차이를 조망해 보고자 하였다. 한국과 일본의 록 음악은 음악적으로 두가지면에서 큰 차이를 보이고 있었다. 1) 선법의 사용에서 양국의 음악이 차이를 보였는데 한국에 비해 일본의 록 음악이 보다 다양한 선법을 사용하는 경향이 있었다. 2) 기타 음향상에서 나타난 한국과 일본의 록 음악의 확연한 차이가 발견되었는데, 이는 당시로서는 새로운 기법이었던 오버드라이브 기타 사운드의 사용 빈도였다. 양국의 분석대상 곡들은 정반대의 결과를 보여주었다. 한국의 경우 오버드라이브 기타 사운드가 거의 사용되지 않았고 일본의 경우 사용되지 않은 경우를 찾기 힘들었다. 기타가 주요 사운드로 역할을 하는 록 음악의 특성상 이러한 차이는 양국의 음악적 차이를 가장 잘 보여주는 사례이다. 이러한 한·일 양국의 록 음악 수용양상의 차이는 양국의 음악인들이 기존 대중음악에서 벗어나 ‘록’이라는 신장르를 개척함에 있어 ‘보수성’과 어떻게 타협하였는가를 보여주고 있다고 정리될 수 있다. 일본의 록 음악은 동시대 영미권의 록 음악을 적극 수용하였고, 작,편곡적인 면에 있어서도 영미권의 록 음악을 충실히 재현하는 방향으로 전개되었다. 이런 현상은 영미권의 록 음악을 받아들이려 하는 당시 대중의 요구가 전제되어 있었기 때문이었다고 볼 수 있다. 반면 한국의 록 음악은 새로운 음악을 받아들이는 것에 있어 보수적이었다. 이는 당시 한국 대중음악계의 보수적 성향이 투영된 결과로 볼 수 있으며, 정치적, 경제적인 요인의 영향에도 그 원인을 찾을 수 있을 것이다.

Beginning in the 1950’s, rock music grew in the 60’s and set its roots as the main genre of music in the global pop music industry in the 70’s. Such cultural influences have continued to affect the music cultures in Korea and Japan, which can be further seen through both countries’ songs from the time. Partial, short termed and sound focused exchanges have been constant between the two countries in their sharing of cultures. This study looks to observe and analyze the cultural differences between Korea and Japan through a comparison of their music specifically in the rock genre. Korean and Japanese rock music largely showed notable differences in two musical aspects. First, both countries’ music had differences in the modes used in that Japanese rock used a wider variety of modes than Korean equivalents. Second, there were notable differences in the arrangement of songs between the two countries’ songs, which can be attributed to the overdrive guitar sound a new technique for the era and its usage. The results showed completely opposite data in that Korean songs used the overdrive guitar sound seldomly, while nearly all Japanese songs made use of the effect. Based on the characteristics of the guitar and the amount of importance the guitar has to the rock sound, such differences represent the musical differences between both countries very well. Such differences in the acceptance of rock music in Korea and Japan can best represent how musicians in both countries made peace with ‘conservatism’ when it came to deviating from the present popular music and establishing the new genre of ‘rock’. Japanese rock readily accepted rock music as exported by western countries, recreating their style in composition and arrangement perfectly. Such a phenomenon can be seen as attributable to the general populace in Japan at the time, which was ready to accept the new genre of music introduced by the west. On the other hand, Korea was conservative in its acceptance of new music such as rock. This can be seen as the result of the conservatism within Korean popular music at the time, further attributable to political and economic circumstances.

1970년대 뉴욕의 힙합에서부터 유행했던 음악 샘플링은 현재에 이르러 장르 및 국가와 관계없이 사용되는 음악 제작 방법이다. 이 연구에서는 음악 샘플링의 전반적인 제작 방법론을 제시하고자 하였으며, 이를 위해 샘플링을 내용과 기법의 관점으로 살펴보았다. 우선 음악 샘플링에서의 내용에 있어서는재사용 재료 및 길이, 완성곡의 샘플 기능으로 분류해보았다. 기법 종류로는 편집 기법 및 변형 기법을정리한 후 각각의 세부적인 관계를 살펴보았다. 이러한 사항들을 모두 종합하여 음악 샘플링의 제작 방법 및 완성된 곡에서의 특징까지 포함한 방법론을제시할 수 있었다. 이를 바탕으로 한국 유명 음악가의 샘플링 곡인 장기하와 얼굴들, 에픽하이, 더 콰이엇, 디제이 디오씨의 곡을 분석해보았다. 분석 과정을 통해 제시 방법론 내 요소들이 유기적인 관계로이루어져있음을 확인했으며, 분석 결과를 통해 제시방법론의 효용성을 확인할 수 있었다. 본 연구는 실제로 곡 제작을 하거나 기존의 샘플링 곡을 분석할때에 직접 적용해볼 수 있는 토대를 마련한데에 그의의를 둘 수 있다.

Music sampling, which has been popular since hip-hop DJs used it in the 1970s, is now one of methods of producing music that is used regardless of genre or country. In this study, an overall production methodology for music sampling was presented through in terms of content and techniques. First of all, in terms of the contents, we classified them into the reuse and length of materials, and the function of samples in the mixed songs. In terms of the techniques, editing and effecting techniques were classified. By combining these elements, the methodology of music sampling applicable to the productions as well as the analysis was presented. Based on this methodology, the sampled songs of Korean Popular musicians - Jang Ki-ha and Faces, Epik High, The Quiet, and DJ DOC - were successfully analysed. Through the analysis process, the organic relationship of elements within the methodology was investigated, and the results of the analysis showed the effectiveness of the proposed methodology. This study can be meaningful in laying the groundwork for applying music sampling directly when actually producing songs or analyzing sampled songs.

최근 우리나라의 대중문화산업은 빠른 속도로 성장하고 있다. 영화, 음악, 드라마 등 여러 분야에서 성장을 이어가고 있지만 그 중 단연 돋보이는 것은 한국의 대중음악이다. 케이팝(K-POP)으로 대표되는 한국의 대중음악은 인터넷의 발달로 전 세계에서 인기를 얻고 있다. 이렇게 양적으로 크게 성장한 음악시장에서는 음악저작물의 생산과 유통 과정에서 발생하는 법적분쟁의 증가 가능성이 높아진다. 저작권법은 저작권의 보호와 창작활동의 자유 보장이라는 관점에서 두 권리의 균형점을 모색하여야 한다. 음악저작자의 권리보호와 창작의 자유가 맞닿은 접점에서 가장 문제가 될 수 있는 것이 샘플링(sampling) 또는 리믹스(remix, 또는 매시업: mash up) 기법이다. 원저작물의 일부를 그대로 또는 조작·변형하여 새로운 창작물의 구성요소로 사용하는 샘플링 기법은 최근 디지털 기술의 발달로 음악 전문가뿐만 아니라 일반인도 프로그램을 이용해 손쉽게 자신의 창작물을 생산 및 유통할 수 있게 되면서 기법의 사용 정도에 따라 저작권 침해의 문제를 안고 있다. 본고에서는 샘플링 또는 리믹스 기법에 대해 살펴보고(II), 저작권 침해의 요건을 음악적 관점에서 살펴본 뒤, 샘플링의 특징과 함께 저작권 침해에 관하여 검토해본다(III). 결론(IV)에서는 샘플링을 사용한 음악저작물의 저작권 침해여부 판단에 있어서, 최근 미국의 판례에서 보여준 공정이용(fair use) 법리를 살펴보고 음악저작물의 특성인 창작성요소와 비창작성요소의 구분을 통해 접근할 수 있는 방안을 제시하고자 한다.

Recently, Korea's popular culture industry is growing rapidly. It is growing in various fields such as movies, music and drama, and the most outstanding among them is Korean popular music. Korean popular music, represented by K-POP, is gaining popularity around the world due to the development of the Internet. In this quantitatively large music market, the possibility of increasing legal disputes arising from the production and distribution of musical works increases. The copyright law should seek a balance between rights in terms of protection of copyright and freedom of creation. The most problematic point of contact between the music creator's rights protection and creative freedom is sampling or remix (or mash up) techniques. Sampling techniques that use a part of original work as it is or manipulate and modify it as a component of a new creation have copyright infringement problems depending on the usage of the technique. Because the recent development of digital technology, not only music professionals but also ordinary people can easily produce and distribute their own productions using programs. In this paper, I examine the sampling or remix technique (II), examine the requirements of copyright infringement from a musical point of view, and then examine the characteristics of sampling and copyright infringement (III). In conclusion (IV), I consider the fair use doctrine recently presented in the US case to judge the copyright infringement of musical works using sampling, and I would like to suggest a method of approaching through the distinction between the creativity element and the non-composing element, which are the characteristics of musical works.

이 연구는 청년 및 시니어 세대 간 대중음악 취향에 대한 상호 이해를 파악하기 위한 것이다. 세대별 대중음악 취향 차이를 확인하기 위해 두 계층 간 객관적 일치도, 주관적 일치도, 정확도 등을 분석했다. 주요 분석 결과는 다음과 같다. 첫째, 음악에 대한 선호도와 인지도 등 2개 차원 모두에서 청년 및 시니어 세대 응답자들 간에 통계적으로 유의미한 차이가 나타났다. 청년 세대는 선호도가 낮은 음악 장르가 없었으며 특히 아이돌 음악 선호도나 인지도가 높았다. 시니어 세대도 힙합을 제외하면 비교적 아이돌 음악 선호도와 인지도가 낮지 않았고 트로트 음악 장르 선호도가 가장 높았다. 둘째, 시니어 세대를 중심으로 인식 평가 차이를 살펴본 주관적 일치도 1에서 대중음악 선호도나 인지도 모든 항목들에서 통계적으로 유의미한 차이가 나타났다. 선호도에서는 힙합 장르에서 주관적 일치도 값 차이가 가장 크게 나타났다. 청년 세대를 중심으로 인식 평가 차이를 살펴본 주관적 일치도 2에서도 대중음악 선호도나 인지도 모든 항목들에서 통계적으로 유의미한 차이가 나타났다. 선호도에서는 여자 아이돌 장르에서 가장 크게 나타났다. 셋째, 시니어 세대를 중심으로 살펴볼 때, 시니어 세대들은 남자 및 여자 아이돌 음악에 있어서 실제 자신들의 평가한 선호도나 인지도에 비해 청년 세대들이 추정한 값에 과소 추정이 나타났다. 반면에 트로트 음악에서는 시니어 세대 본인들의 평가한 값보다 청년 세대들의 평가가 과대 추정되었다. 청년 세대를 중심으로 살펴볼 때, 남자 및 여자 아이돌, 힙합 장르에서 청년 세대들은 자신들이 평가한 것에 비해 시니어 세대들의 평가가 과대 추정된 것으로 나타났다. 한편, 힙합 음악은 시니어와 청년 세대 집단 간 차이가 가장 크게 나타난 반면에 트로트 음악은 두 집단 간에 유의미한 차이보다는 평가 일치가 나타났다.

Using the co-orientation model, this study examined differences of mutual perceptions in popular music preferences between in their 20s and 50s. More specifically, this research measured three concepts including objective agreement, perceived agreement and accuracy of popular music preferences between two age groups. The major results were following: firstly, there were significant differences between two age groups in terms of the degree of popular music preference and knowledge. Secondly, there were significant differences between two age groups in terms of perceived agreement 1 based on their 50s and 2 based on their 20s. More specifically, music preferences for Hip Hop between two age groups were the most different factor in terms of perceived agreement 1. However, music preferences for girl goup between two age groups were the most different factor in terms of perceived agreement 1 Thirdly, although the twenties group under-estimated music preferences for Trot in their 50s, they over-estimate music preferences for boy band or girl group in their 50s. There was only an agreement for Hip Hop between two age groups in terms of accuracy 1 based on their 50s. In addition, there was only an agreement for Trot between two age groups in terms of accuracy 2 based on their 20s.

현시대는 음반 중심이 아닌 음원을 기본으로 한 모바일 및 온라인 중심의 디지털 음악 산업과 음악공연산업이 매니지먼트 산업과 연계되어 집중되고 있다. 온라인 음악시장의 등장으로 인해 2000년대 초 온라인 음악 스트리밍 서비스가 개제 되면서 디지털 시장이 확대되었고 이는 1차는 드라마의 아시아 진입을 통해, 2차 K-POP 주류의 시대가 되었다. 대중음악의 산업 속에 실용음악교육 또한 함께 발전하고 있으나 연예인 양성과 상품의 판매로 수익을 목적으로 한 대중음악산업과 뮤지션을 육성하기 위한 대학의 실용음악 교육의 실질적인 교육방향의 개선이 필요한 실정이다. 이에 따라 본 연구는 K-POP 주류의 한국 대중음악산업의 변화된 과정을 통해 현 실용음악교육의 개선할 방향에 대해 살펴보고자 하였다. 그 배경을 살펴본 결과 K-POP의 운영 및 사업화 전략의 변화가 두드려졌고, K-POP 아티스트에 대한 사회적인 인식이 변화하였으며, K-POP과 SNS의 결합에 의한 대중음악시장의 유통망의 변화가 있었다. 이에 본 연구에서는 K-POP 주류의 한국 대중음악 산업과 대학의 실용음악교육이 함께 성장하기 위해서는 첫째, 진로방향에 따른 커리큘럼 개발, 둘째, 산학 프로그램의 활성화, 셋째, 실무경력 중심의 전문 강사의 채용의 세 가지 방안을 제시하였다.

Currently, there has been more emphasis on the mobile and online digital music and performance industry with a strong connection with music management industry based on the sound source rather than on the sound disc. With the emergence of the online music market, online music streaming services started in early 2000, which resulted in the expansion of the digital music market. This market was dominated by TV Drama in the first generation, followed by the next generation of Korean wave of the K-POP throughout the Asian market. Even though the practical music education is now under development in the pop music industry, it is necessary to improve the practical music education in the pop music industry which focuses on the training of entertainer and the sale of the goods, as well as developing the college education that gears toward the goals of training musicians. Therefore, in this study, the researcher examined Korean pop music industry and explored how to improve the practical music education. Findings of the study indicate that there were significant changes in the development of K-POP, its business strategies, and in the social recognition of K-Pop artists as well as the change in the distribution network of pop music due to the combination of K-POP and SNS. This study makes suggestions for the growth of the practical music education in the college as follows: First, the development of music educational curriculum for the two different careers; second, the promotion of the industrial-educational collaboration; third, the employment of lecturers with professional experiences in colleges.

오늘날 이란의 젊은이들은 이슬람공화국 이후의 세대이지만, 가장 이슬람에서 멀어진 세대라고 비판받을 정도로, 이란 젊은 세대들은 그들만의 독특한 문화지형도를 그려내고 있다. 이 글에서는 이란 젊은 세대들의 사회적 위치를 되짚어보고, 특히 이란 젊은 세대들이 대중 문화, 특히 대중 음악의 향유가 이슬람공화국의 젊은이로서의 국가 정체성과 어떻게 배치되는지를 살펴보고자 한다. 디아스포라 문화로서의 음악, 국내 지하음악, 그리고 한류현상 등을 분석하면서 이란 젊은 세대의 하위문화를 분석한다. 오늘날 이란의 젊은 세대에서 소셜 미디어와 대중문화 그리고 그것의 향유와 확산은 하나의 서브 컬쳐를 넘어 통제 속에서도 자신의 취향을 드러내는 의식적인 행위이자, 주체적인 정치 행위로 해석할 수 있다. 특히 2010년대 중반 이후 소셜 미디어플랫폼의 영향력과 인기가 급속도로 올라가면서, 온라인과 스마트폰을 통한 대중 문화 컨텐츠 확산은 더 이상 강경파들이 조절하고 막을 수 있는 한계보다 더욱 빠른 속도로 사회 전반적으로 퍼져나갔다. 엄격한 문화 검열과 제한에도 불구하고 이란의 청소년부터 청년세대들은 해외에서 활동하는 이란인 디아스포라 가수들 뿐 아니라, 서구의 유명한 가수 대해 열광하고 팬층 역시 두텁다. 이란의 10대, 20대들은 어려서부터 인터넷과 위성 채널을 통해 비보잉을 배우기도 하고 소셜 미디어 곳곳에서 팬 페이지를 만든다. 이와 같은 이란에서의 소셜 미디어 플랫폼을 통한 대중문화 향유는 이란 내 BTS를 비롯한 한류 열풍의 주된 경로가 되기도 한다. 이 연구는 이란에서의 2009년 1년간의 장기현지조사, 2016, 2017년의 각기 2주간의 현지조사를 기본으로 하고, 소셜 미디어 연구 등을 통해 인류학적으로 분석될 것이다.

Today, young people in Iran are portraying a unique cultural topography, such that they are being criticized as being the generation that is most distant to Islamism, despite being born in the post-Islamic Revolution era. This article examines the social position of young Iranians, in particular regarding their popular culture and especially popular music and explores how the young generations are aligned with their national identities as the youth of the Islamic Republic. This article analyses the subculture of the young Iranian generation through the music of the Iranian diaspora, ‘Teherangelesi music’, the domestic underground music and the Korean Wave phenomena. Today, the young generation’s enjoyment of social media and popular culture can be interpreted as going beyond a subculture, to becoming a conscious and autonomous act of revealing one’s preferences within a context of strict regulation. In particular, since the late 2010s, the influence and popularity of social media platforms have drastically increased, such that the expansion of popular cultural content online and through smartphones is spreading much faster than hardliner Islamists can control or stop. Despite the strict cultural censorship and regulations, Iranian teenagers and young adults are fans of not just diaspora Iranian singers, but also famous Western singers. The Iranian youth in their teens and twenties are learning to b-boy by watching internet satellite channels and they are opening numerous fan pages in different corners of social media. In this way, the enjoyment of popular culture through social media in Iran acts a key route for the Korean Wave through groups such as BTS to gain force in Iran. This research is based on a year-long field study in Iran that took place in 2009, and two-week field studies carried out in 2016 and 2017. The study will conduct an anthropological study of the results through social media research, etc.

본 연구의 목적은 현 대중음악시장에서 공연성과에 영향을 미치는 요인들을 탐색하고 규명하는 것이다. 따라서 본 연구에서는 공연성과에 영향을 주는 요인들을 탐색하기 위하여 가수의 대표적 성과지표인 음원차트와 공연 예매순위 차트의 분석을 통해 공연성과에 영향을 주는 요인들을 탐색하고자 하며, 연구의 신뢰도 및 타당성 확보를 위하여 국내 대표 음원차트인 가온차트와 가장 많은 예매현황을 보유하고 있는 인터파크의 6개년(2012-2017) 데이터를 수집하고 분석하였다. 공연성과에 영향을 주는 요인들을 이론적 배경에 근거하여 도출하였으며 이를 통해 음원차트 순위, 음악 장르, 방송 출연 여부, 가수 유형, 아이돌 여부, 가수 활동기간이 공연성과 순위에 미치는 영향을 살펴보기 위해 다중회귀분석을 실시하였다. 분석 결과, 음원차트, 음악 장르 중록/인디음악, 방송 출연 여부, 가수 활동기간이 공연성과 순위의 상승에 유의한 영향을 미쳤으며 가수 유형과 아이돌 여부는 유의한 영향을 미치지 않았다. 이 결과를 통해 대중문화 산업에 있어 공연성과와 관련해 영향을 주는 다양한 요인들을 규명함으로써, 현 대중음악 공연시장에 대한 이해에 기여하고 대중문화의 생산 및 소비자들에게 실천적 보탬이 되고자 한다.

The purpose of this research is to examine and identify the factors that influence the outcome of performances in the popular music market. Therefore, this research analyzes music and concert ticket revenue charts, which serve as the most representative success quotient for singers, to delve into the elements that affect concert performance. Also, to secure reliability and validity of this research, 6 years(2012-2017) worth of data from Gaon Chart, a representative domestic music chart, and Interpark, the largest ticket purchasing site, were collected and analyzed. Research model identified how music chart ranking, genre, tv music shows, type of singer (gender and idol), and career affect concert performance rank via multiple regression analysis. The results suggest that music charts, music bands, tv music shows, and career had a significant effect on concert performance and rise in ranking; and the type of singer (gender and idol) had no significant influence. Finally, the result of this research could contribute to the understanding of the market of popular music.

The purpose of this study is to find a solution to disputes in the process of producing digital music sources. At present, the center of the world music market including the domestic market has been completely transformed from the tangible musical record market to the intangible sound source market. Due to these environmental changes, the music production process becomes industrialized and specialized, causing conflicts of interest among the individuals in the process. First of all, this study examined changes in the music market which is the background of the dispute, identified the problems of the process and suggested solutions while summarizing the meaning and role of each process of producing a sound source that may arise during the sound production process. This study covers plagiarism between producers, copyright infringement of the creator against assistant creator caused by the industrialization and division of the production environment, issues related to the rights of sound engineers whose role and importance become bigger as acoustic technology develops and music genres become more diverse, and vertical hierarchy due to the formation of oligopoly by several distributors with huge capital. As a result of the study, it was concluded that Alternative Dispute Resolution (ADR) system is suitable for solving these problems. Specific methods of using ADR include activation of the dispute settlement system of the Korea Copyright Commission, active use of the arbitration clause specified in the standard contract, and recalculation of labor costs and earnings from copyright through mutual negotiations. This paper can be differentiated from previous studies in that it studied overall problems that might arise in the process of digital music source production and suggested ADR utilization as the solution.