Earticle

본 연구는 한국 문화산업 내 대중음악 연주자들의 불안정한 노동환경과 제도적 보호 부재 문제를 조명하고, 이를 개선하기 위한 실질적 방안으로서 한국형 뮤지션 유니온의 필요성과 제도적 구축 방향을 제시하고자 한다. 현재 국내 음악산업 속에서 다수의 대중음악 연주자들이 프리랜서 형태로 활동하며, 불투명한 계약 관행과 낮은 보수, 복지 사각지대에 놓여 있는 실정이다. 이를 위해 본 연구는 문헌 연구와 사례 분석을 중심으로 한국 대중음악 연주자의 노동 실태를 검토하고, 영국 Musicians’ Union의 제도적 구조와 운영 방식을 분석하였다. 분석 결과, 영국은 고용권리법을 통해 전형적 고용관계 밖의 노동자에게도 법적 보호를 제공하고 있으며, 연주자 수당 가이드라인 제시, 계약 자문, 복지 서비스, 정부 및 방송사와의 단체 협약 등을 통해 음악인의 권익 보호와 함께 노동권을 제도적으로 보장하고 있었다. 반면 한국은 전형적 근로자 중심의 법체계로 인해 프리랜서 연주자들이 제도적 보호에서 배제되어 있는 것으로 나타났다. 본 연구는 이러한 분석을 토대로, 한국형 뮤지션 유니온이 음악인과 민간 주체의 자발적 참여를 기반으로 설립·운영되어야 하며, 정부는 해당 조직이 안정적으로 기능할 수 있도록 법적·제도적 기반과 재정적 지원을 제공하는 조력자 역할을 수행해야 함을 제안한다. 또한 출연료 기준 마련, 보험·경력 지원, 법률 자문 등 실질적 서비스를 포함하는 운영 체계와 더불어 정부·민간·산업을 연결하는 플랫폼형 네트워크의 구심적 구조가 필요함을 강조하였다. 본 연구는 대중음악 연주자의 노동권 보호와 예술노동의 공공성 강화를 위한 정책적 제도화 논의를 위한 기초 자료로서 의의를 지닌다.

This study examines the precarious working conditions of freelance popular music performers in Korea and the lack of institutional protections within the cultural industries. Through literature review and case analysis, it compares the Korean context with the UK Musicians’ Union, which provides non-standard workers with support such as minimum fee guidelines, contract advice, welfare services, and collective agreements under the Employment Rights Act. In contrast, Korea’s employee-centered labor law framework leaves most freelance performers outside formal protection. Based on these findings, the study proposes establishing a Korean-style Musicians’ Union grounded in the voluntary participation of performers and private actors, with the government serving as a facilitator by offering legal and financial support. It further highlights the need for practical services including standardized fee systems, insurance and career support, and legal consultation and a platform-based network linking government, industry, and artists. This research offers foundational insights for strengthening performers’ labor rights and enhancing the public value of artistic labor.

Trot and enka, widely regarded as traditional popular music genres in Korea and Japan respectively, are often viewed as culturally and nationally distinct. However, this paper argues that the two genres share a common origin as “twin genres” that emerged within the same cultural-industrial system of imperial Japan during the late 1920s to 1930s. They evolved in parallel, sharing emotional modalities, musical formats, and distribution channels. By exploring their historical formation and transformation, this study highlights the complex interplay between cultural production and political contexts in East Asia. After 1945, the two genres underwent divergent processes of national representation and institutionalization, reflecting each countryʼs media policies and identity politics. This paper adopts a discursive and comparative framework, viewing genre not as a fixed category but as a fluid construct shaped by historical and social conditions. Based on this perspective, it proposes the term “kayō (歌謠)” as a shared analytical category to examine the mutual influences and differences between trot and enka. In doing so, the study challenges the conventional bifurcation that defines them solely through national boundaries. Reframing these musical forms as part of a shared East Asian cultural history, the paper contributes to a more inclusive understanding of their legacy as global cultural heritage.

본 연구는 2020년 5월 25일 발생한 조지 플로이드 사건을 기점으로 흑인 인권 메시지가 대중음악에서 어떻게 변화했는지를 분석하였다. 이를 위해 1939년부터 2020년 5월 25일까지 발표된 음악 30곡과 그 이후 발표된 30곡의 가사를 비교 분석하였다. 분석 결과 사건 이후 두 가지 주요 변화가 확인되었다. 첫째, 3개의 변별된 메시지로 조지 플로이드 사건과 “I Can’t Breathe”를 중심으로 한 추모와 비판의 메시지가 두드러졌으며 코로나19 팬데믹과 연계된 차별과 불평등에 대한 내용도 포함되었다. 사건 이전에는 희망과 연대가 주를 이뤘으나 이후에는 반복되는 희생과 변화 없는 현실에 대한 비판이 강조되었다. 둘째, 2개의 공통된 메시지로 사건 이전과 이후 모두 흑인 문화의 자부심과 지속되는 인종차별에 대한 문제 제기가 꾸준히 이어졌다. 특히 ‘BLM’ 슬로건은 사건 이후 음악에서 더욱 빈번히 활용되었다. 본 연구는 현대 흑인 인권 메시지와 대중음악의 관계를 분석하여 1960년대 중심의 기존 연구와 차별화된 시각을 제시하며 흑인 인권 운동과 대중음악의 메시지 변화를 이해하는 데 기초 자료를 제공한다.

This study analyzed how the message of black human rights changed in popular music starting with the George Floyd incident that occurred on May 25, 2020. To this end, 30 songs released from 1939 to May 25, 2020 and 30 lyrics released thereafter were compared and analyzed. As a result of the analysis two major changes were identified after the incident. First, with three differentiated messages, messages of remembrance and criticism centered on the George Floyd incident and “I Can’t Breathe” stood out and included content on discrimination and inequality related to the COVID-19 pandemic. Prior to the incident hope and solidarity were dominant but after that repeated sacrifices and criticism of the unchanging reality were emphasized. Second, with two common messages questions about the pride of black culture and continued racism continued steadily before and after the incident. In particular, the slogan ‘BLM’ was used more frequently in music after the incident. This study analyzes the relationship between modern black human rights messages and popular music presents a different perspective from previous studies centered on the 1960s and provides basic data for understanding the changes in messages between the black human rights movement and popular music.

In 1932, Nie Er published the article called “A Short Opinion on the Chinese Song and Dance” and publicly criticized Li Jinhui, the best selling popular song writer of the time. This article can be viewed in a broader perspective of history rather than being recognized as a clash between Nie Er and Li Jinhui. In this study, I argue this case mainly is a process of differentiation of existing popular music initiated by the Left Wing art which was newly formed and actively expanded. The Chinese pop music, which was initially led by Li Jinhui’s so called ‘Shidaiqu’, the popular music, was divided by the acceptance of leftist literary influence on ideology, material and form. This ultimately brings competition within the pop music market, boosting the development of Chinese pop music in the future. Through this process, various elements of Chinese pop music coexist. It reflected the tendency of the city's petit bourgeoisie and also equipped with a revolutionary music that can represent the difficulties and anger felt by people under Japanese aggression and social issues facing China. The style of jazz was also accepted through a contemporary song, and the style of new Soviet music was adapted to China through revolutionary songs.

본 연구는 발터 벤야민의 미학적 관점을 통해 인디음악씬의 작가주의적 음악인들의 예술적 세계관을 검토하려는 것이다. 주지하다시피 발터 벤야민의 멜랑콜리적 사유는 꿈 혹은 잠재적인 메시아적 가능성을 인식하는 것이 핵심이다. 대상과 세계, 텍스트의 존재를 새로운 ‘원천’으로 다르게 읽어내는 이러한 알레고리적 방법론은 파국적인 일상의 보편성과 자명성을 넘어서서 인식가능한 새로운 ‘메시아적 현재의 시간’을 추구하는 것으로 파악된다. 대상이 된 텍스트인 자우림의 「꿈」과 장기하와 얼굴들의 「TV를 봤네」, 그리고 브로콜리 너마저의 「졸업」은 모두 현실을 파국으로 인지하고 이와 거리를 두는 멜랑콜리적 세계관에 기반해 있다. 이들은 모두 세계를 파국적이고 무가치한 것으로 인지하는 동시에 멜랑콜리커(Melancholiker)로서 어떻게 현실을 인식하고 넘어설 수 있는 가능성을 추구할 수 있는가라는 철학적 질문을 보여준다. 이들의 텍스트는 미학적인 것과 정치적인 것의 동일시를 통해 대중예술이 가질 수 있는 인식론적 가능성과 사유를 증명하고 있는 것이다.

The goal of this study is to review the artistic world view of creative indie musicians through Walter Benjamin’s aesthetic theories. As it is widely known, the core element of Benjamin’s melancholic contemplativeness acknowledges the significant roles of our dreams or a subconscious messiah. Such an allegorical methodology of interpreting the world and its subjects and texts as original concepts enables going beyond the universality and obviousness of daily destruction for the search of ‘messianic present time.’ The subject matters include Jaurim’s “Dream,” Kiha and the Faces,’ “I Watched TV” and Broccoli, You Too’s “Graduation.” The lyrics contain the melancholic worldview of distancing themselves from the catastrophic reality. By identifying the aesthetical nature with political characteristics, their lyrics demonstrate the potential of philosophical contemplation through pop culture.

This study especially tries to look into the flow and interrelationship of Korean popular music industry through socio-cultural method. In fact, music appeals to the general people through being commercialized whether it is a record or sound. To outline the main research trend, the expansion of the popular music and record industry which originally had started as a way of modernity under Japanese rule-era occurred in a full swing after Korean liberation and 1960s when industrialization started. Especially after 1970s until 1990s, Korean record culture and market made powerful impact, but after 2000 the music market turned into the new phase with the emergence of music download industry.

본 논문은 이태원 클럽 문화의 역사적 형성과정을 통해 한국 대중음악(사)의 국면적 변화를 탐구하고자 한다. 구체적으로는 해방 이후부터 1990년대 초반까지 이태원에 위치한 다양한 ‘클럽’들이 어떻게 당대의 대중음악의 경향 및 주체들과 상호작용했는지를 한국의 사회 및 역사적 변동 속에서 살펴보고, 이를 통해 탈/식민지적 공간인 이태원의 변화를 문화사라는 측면에서 분석하고자 한다. 이태원은 단지 미군들에 의해 점유된 미국화된 식민적 공간이나, 소비문화에 잠식된 젊은이들의 향락의 공간, 혹은 이종적인 문화들이 자유롭게 만나는 혼종성의 공간이 아니라, 당대의 대중음악 및 하위문화의 문화적 코드들과 주체들이 한국 사회의 역사적, 문화적, 정치적 계기들과의 교차 속에서 만나고, (재)구성되며 (재)의미화 되는 역동적인 공간이었다. 특히 이태원의 클럽들은 식민/탈식민, 미국/한국, 이국적/민족적이라는 상이한 코드들이 접합되고 탈구되며, 재생산되는 장으로서 한국의 대중음악사에서의 몇 차례의 순환을 견인하는 역할을 수행했다. 이 과정에서 식민지 타자에서 분열적 청년으로, 다시 탈식민의 가능성을 내장한 신세대들로 변모하는 문화적 주체성의 양상은 식민성과 혼종성의 사이에 지속되던 모순과 균열의 지점들을 드러내 준다. 결론적으로 이태원은 식민성의 모순으로 등장했지만, 식민과 탈식민, ‘미국’과 ‘한국’의 경계가 겹쳐지거나 경합하는 지점이자 경계 해체를 통한 탈식민의 가능성을 보여주는 공간이 된다.

Itaewon, located at the center of Seoul city is an intersectional space where various cultural, social and political forces were encountered throughout Korean modern history (e.g. U.S. occupation and camptown prostitution, Korean modernization and military government, gentrification and gay culture, globalization, migration, and tourism). This paper analyses how Itaewon was constructed in the context of Korean history of popular music, particularly focused on the ‘clubs’ which actively interacted with sub-cultures of different generations. Itaewon cannot be reduced to an ‘Americanized’ colonial space, a pleasure-seeking youth place in consumer society, or a space of cultural hybridity where different cultures meet each other freely. Rather, it could be understood as a dynamic space where heterogeneous cultural codes (e.g. cultures of U.S. army in the 1950~1960s, Go-Go culture in the 1970s, Disco culture in the 1980s, and Hip-hop culture around the 1990s) and different subjectivities (including colonized ‘others,’ fragmented ‘youths,’ and decolonized ‘new generation’) are encountered, (re)construcated, (re)signified, and transformed at a specific historical stage. Throughout this research, we can reconsider Itaewon as a site to lead Korean popular music and sub-culture, which has been rarely grasped by a uni-dimensional concept of cultural coloniality or hybridity, and show the possibility of decolonization that had already been in it, Itaewon.

대만 대중음악은 중국에서 매우 높은 인기를 누리고 있다. 그러나 이러한 현상과 그 원인에 대한 연구는 기존 문헌에서 간과되어 왔다. 본 논문은 적대적인 정치 관계가 지속되는 상황 속에서도 대만 대중음악이 성공을 거둔 이유를 탐구한다. 본 연구는 중국 팬들의 대만 대중음악에 대한 인식을 외래 문화와 민족 문화 사이의 역설로 위치 지운다. 대만 대중음악을 청취하는 방식은 청중들이 대만을 상상하는 전략과 밀접하게 연관되어 있으며, 이는 ʻ의미 중심ʼ의 문화사회학적 이해(Alexander, 2003)를 필요로 한다. 본 연구는 민족 정체성, 인간-음악 상호작용, 문화적 의미를 결합하는 새로운 이론적 관점을 제안함으로써, 음악적 경험이 민족적 경험과 어떻게 얽혀 있는지를 설명하고자 한다. 오늘날 중국과 대만 간의 모호하고 해결되지 않은 관계는 일부 중국 청취자들 사이에서 대만 및 대만 문화 상품에 대한 양가감정을 불러일으키고 있다. 한편으로, 일부 청취자들은 대만 대중음악을 ʻ중국 대중음악의 더 나은 버전ʼ으로 이상화하며, 이를 통해 대만과 중국을 사고하는 데 필요한 반성적 자원을 생성한다. 다른 한편으로는, 대만 대중음악이 애국심과 충돌할 때 소비주의적 감정, 협상, 갈등과 같은 다양한 반응을 표출하며, 이 과정에서 민족주의의 중요성을 부각시킨다. 본 연구는 음악적 경험을 지탱하는 두 가지 체험적 동인을 규명하였다. 하나는 민족적 경험이고, 다른 하나는 음악적 소통이다. 본 연구는 2013년부터 2022년까지 장기간에 걸쳐 수행되었으며, 주된 조사지는 베이징이고, 심천과 광저우가 보조 조사지로 설정되었다. 팬데믹 상황으로 인해 대만에 체류 중인 중국인 유학생들을 대상으로 타이베이에서도 일부 인터뷰가 진행되었다. 본 연구는 음악 애호가들과의 인터뷰 및 ʻ포스트-80(1980–1989년생)ʼ, ʻ포스트-90(1990–1999년생)ʼ, 그리고 소수의 ʻ포스트-00(2000년 이후 출생)ʼ 세대에 속하는 50명을 대상으로 한 참여 관찰을 포함한다. 이들은 모두 덩샤오핑의 ʻ개혁개방ʼ(1978-) 이후 성장한 세대로, 대만 대중음악의 ʻ샤오칭신(小清新)ʼ 장르를 선호하는 특징을 지닌다. 여기에 1950~ 1970년대 출생자 중 언론인 및 음악 전문가 9명이 추가되어, 전체 참여자는 59명이다. 본 연구는 대만 대중음악이 중국에서 성장할 수 있었던 배경에 이러한 정치적 딜레마가 일정 부분 기여했음을 시사하며, 음악 경험이 민족 정체성과의 결합과 충돌을 통해 정치적 경험으로 전환되는 과정을 규명한다. 나아가 중국 내 대만 대중음악은 양안(兩岸) 간의 정치적 실천이 상호 얽히는 공동 산물임을 보여준다.

Taiwanese pop music is hugely popular in China. However, this phenomenon and its causes have been largely overlooked in the literature. This article explores the reasons for the success of Taiwanese pop music despite ongoing hostile political relations. This study positions Chinese fans' perceptions of Taiwanese pop music as a paradox between foreign culture and national culture. How audiences listen to Taiwanese pop music is related to their imaginative strategies of Taiwan, which requires a ?meaning-centred? cultural sociological understanding (Alexander, 2003). This research proposes a new theoretical perspective that combines national identity, human-music interaction, and cultural meaning to explain how musical experiences are intertwined with national experiences. The ambiguous and unresolved relationship between China and Taiwan today has led to ambivalent feelings towards Taiwan and its cultural products among some Chinese listeners. On the one hand, some listeners idealise Taiwanese pop music as a ?better version? of ?Chinese pop music? and generate reflexive resources to feed their understanding when thinking about Taiwan and China; on the other hand, when Taiwanese pop music contradicts their patriotism, they may propose a variety of consumerist sentiments, negotiations and conflicts, highlighting the significance of nationalism. We find that there are two kinds of experiential pulls that together support the experience of music: one is the national experience, and the other is musical communication. This study is a long-term project, mainly conducted between 2013 and 2022, with Beijing as the main research site and Shenzhen and Guangzhou as secondary research sites. Due to the pandemic, interviews have also been conducted in Taipei with Chinese students studying in Taiwan. It includes interviews with music lovers and participant observation of 50 people from the ?post-80s? generation (born between 1980 and 1989), the ?post-90s? generation (born between 1990 and 1999) and a small number from the ?post-00s? generation (born after 2000). They all grew up after Deng Xiaoping's ?Reform and Opening Up? policy (1978-) and are enthusiasts of the ?Little Freshness? genre of Taiwanese pop music. In addition, there are 9 participants from the 1950-1970 generation (including media professionals and music experts), making a total of 59 participants. It suggests that the development of Taiwanese popular music in China may have benefited from this dilemma, and identifies the power of the connection and contradiction of national identity and identity with music to transform the musical experience into a political experience. It shows that Taiwanese popular music in China is a co-production intertwined with the political practices of both sides.

한국의 트로트와 일본의 엔카는 오늘날 양국을 대표하는 전통적 대중음악 장르인데, 알고 보면 일란성 쌍둥이와 같은 관계이다. 1910~20년대에 배태된 트로트와 엔카는 적어도 1945년까지는 ‘유행가’(流行歌)라는 이름으로 불리던 사실상의 같은 장르였기 때문이다. 1945년 이후에도 한국과 일본의 대중음악은 깊게 관련되었다. 양국 대중음악은 미국과 서유럽의 동시대적 영향을 자양분 삼아 비슷한 궤적을 그리며 함께 발전해왔다. 여기서는 엔카의 문화적 특징을 트로트와 비교하면서 파악해보았다. 그 결과 오늘날의 엔카는 많은 부분에서 트로트와 공통의 요소를 지니고 있으나 청중의 즉각적인 반응과 열광하는 분위기보다는 절제의 미학을 바탕으로 악곡 자체의 양식적 완성도를 중시하는 경향이 있음을 알게 되었다. 한류가 아시아를 넘어서 세계적으로 각광 받는 오늘날 문화에 대한 보다 심화된 인식이 필요하다. 국경을 단위로 한 문화적 일국주의(一國主義)에서 벗어나 엔카를 한일 대중음악 또는 광역의 동아시아 대중음악이라는 견지에서 볼 필요가 있다. 트로트와 엔카는 인류 문화자산의 일부이며, 오늘날의 K-문화도 한국인만의 것이 아닌, 바깥 세계와의 끊임없는 소통과 교류의 역사적 산물이다. 자문화와 타문화를 깊게 이해하고 공존을 위해 힘쓰며 인류의 삶을 더욱 풍요롭게 만드는 지혜로운 관점을 갖는 것이 중요하다. 이제 트로트와 엔카 모두 동아시아를 넘어 세계인의 사랑을 받을 때가 되었다.

Korean trot and Japanese enka are traditional popular music genres that represent both countries today. These two are similar identical twins. This is because trot and enka, which were originated in the 1910s and 1920s, were a genre called ‘ryuk?ka’ until at least 1945. Even after 1945, Korean and Japanese popular music was deeply related. The popular music of both countries has developed together along a similar trajectory, nourished by contemporary influences from West. Here, we tried to understand the cultural characteristics of Enka by comparing it with Trot. As a result, it was found that today's enka has many elements in common with trot, but it tends to value the stylistic amd formal perfection of the music itself based on the aesthetics of temperance rather than the immediate response and enthusiastic atmosphere of the audience. Today, when the Korean Wave is gaining global attention beyond Asia, a deeper awareness of culture is needed. It is necessary to break away from cultural nationalism based on national borders and view enka from the perspective of Korean-Japanese popular music or broader East Asian popular music. Trot and Enka are part of humanity's cultural assets, and today's K-culture is not just Korean, but a historical product of constant communication and exchange with the outside world. It is important to have a deep understanding of one's own culture and other cultures, strive for coexistence, and have a wise perspective to enrich human life. Now is the time for both Trot and Enka to receive love from people around the world beyond East Asia.

Under the Japanese colonialism the Incheon Army Arsenal was created in the Bupyeong area, and since Korea’s independence, this area was converted into a US military camp, forming a new modern urban landscape. The representative legacy created in this new modern urban landscape is Korean popular music that developed around the Samneung[三稜] and Sinchon[新村] in Bupyeong area. Although the popular music spaces of Bupyeong Samneung and Sinchon have a special and national meaning in the history of popular music in Korea, no full-scale research has been conducted. This study examines the formation process of Korean popular music space that appeared in the process of converting the Incheon Army Arsenal in the Bupyeong area into the US military camp since independence. The heritage value of the Incheon Army Arsenal can only be revealed when we look diachronically not only at the arsenal itself but also at the post-liberation landscape changes, and a plan to utilize it based on profound understanding can be sought.

이 연구는 1970년대와 1980년대 초 국제가요제가 어떻게 한국 대중음악가들의 세계 감각을 형성하게 했는가에 대해 살펴본다. 1970년 이봉조가 일본 야마하 세계가요제에서 입상한 이후, 한국의 작곡가와 가수들은 일본의 국제가요제에 참가하였다. 일본 국제가요제는 한국과 일본 간의 대중음악 교류를 활발하게 하였다. 단순히 교류에 그치지 않고, 일본 국제가요제의 자극을 받아, 1978년에는 문화방송이 MBC 서울국제가요제를 1979년에는 동양방송이 TBC 세계가요제를 개최하였다. MBC는 1978년과 1979년 가요제를 아시아 국가 중심으로 치렀다. 반면, TBC는 국제가요제연맹(FIDOF)의 도움으로 미주와 유럽, 특히 유고슬라비아의 가수들까지 참여시켰다. 이에 MBC도 1980년부터는 국제가요제연맹의 협력을 얻어 유럽의 유명 작곡가들을 유치했다. 이 논문은 한국 대중음악 연구의 공백이었던 국제가요제를 중심으로 냉전 시대 한국 대중음악과 세계 대중음악의 연결망을 재발견한다.

This study examines how international song festivals shaped Korean musicians’ sense of the world in the 1970s and early 1980s. After the Korean composer, Yi Pongjo, won a top-10 prize at the Yamaha World Popular Song Festival in 1970, an astonishing number of Korean musicians participated in international song festivals held in Japan. Meanwhile, Korean broadcasting companies strengthened their cooperative relationship with Japanese television stations and initiated their own international song festivals in the late 1970s: Munhwa Broadcasting Corporation (MBC)’s Seoul International Song Festival in 1978 and Tongyang Broadcasting Corporation (TBC)’s World Song Festival in 1979. During the first two years of its festival, MBC organized its song contest by collaborating with television stations in Hong Kong, Taiwan, Japan, and the ASEAN countries. However, the World Song Festival was more critically acclaimed because TBC invited renowned musicians from America and European countries, including Yugoslavia, in collaboration with the International Federation of Festival Organizations (FIDOF). Thus, from 1980, FIDOF helped MBC attract composers and singers from Europe and America to their Seoul International Song Festival. This paper sheds light on connections within the popular music arena between South Korea and the outside world during the Cold War?a subject that has been poorly examined.

이 연구는 지난 28년간 한국 대중음악 창작자들의 협업 연결망의 변화 양상을 검토한다. 유유상종과 복합 역할에 관한 사회 연결망 분석의 이론들을 바탕으로 이 연구에서는 포괄적 유유상종과 차별적 유유상종, 단일 역할 유유상종과 복합 역할 유유상종을 구별한 후, 대중음악사의 시기를 질적으로 나누고, 지수확률그래프모형을 사용하여 통계적 연결망 분석을 수행한다. 한국 대중음악사의 시기는 역사적 변화와 함께 창작자들이 협업하는 방식을 관찰하여 네 시기로 나뉜다. 분석 결과에 따르면 작사가, 작곡가, 편곡가, 가수로 이루어진 한국의 대중음악 창작자들의 협업은 고전적이고 단순한 방식에서 유연하고 복합적인 방식으로 변화하였다. 창작자들이 담당한 역할의 수와 역할 유유상종의 수가 꾸준히 증가한 가운데, 복합 역할을 담당한 창작자가 동일한 복합 역할을 담당한 하나 이상의 다른 창작자와 협업하는 복합 역할 유유상종 현상이 발견되었다. 결론에서는 사회 연결망 분석과 문화산업의 연구에 있어서 본 연구가 갖는 함의와 함께 한계를 보완하는 방법을 논한다.

This paper examines the changing pattern of collaboration networks among Korean popular music creators for the past 28 years. Drawing upon theoretical resources on homophily and multiple roles in social network analysis, this paper distinguishes uniform homophily vs. differential homophily as well as single role homophily vs. multiple role homophily. The paper draws its conclusions from a qualitative investigation of historical material and a series of statistical analyses based on the exponential random graph modeling method. By outlining a brief history of Korean popular music along with identifying the ways in which music creators collaborate with one another, the authors distinguish four periods. According to the analysis, lyricists, composers, arrangers and singers in the Korean popular music world have been changing their collaboration style from a classical and simple type to flexible and complex types. While it is notable that role homophily has taken place in an ever-increasing number of roles, it is surprising that a totally new phenomenon, defined as multiple role homophily, has emerged in which one person holds multiple roles in creating a popular song and collaborates with other persons who have exactly the same combination of multiple roles. Finally, the authors discuss major implications of the findings for social networks and the cultural industries as well as suggest ways to overcome the limitations in future research.

In 2012, Psy's music video 'Gangnam Style' spread through parodies, and gained explosive popularity. In 2016, there was a case so-called as 'baseball ground cheering song' in which a author(songwriters) claimed an infringement of the 'right of integrity' related to cheering songs used by professional baseball teams. In response, the court denied violating the right of integrity in 2019. These cases have different effects depending on whether or not the 'right of integrity' is claimed. This study attempted an economic analysis in addition to a legal analysis of the right of integrity. Korean copyright law regards even simple changes that go against the author's will as a infringement of the 'right of integrity' even if they do not harm honor or reputation. Such legislation is one of the most strongly protected forms in the world, so it cause many problems. Meanwhile, we analyzed the cost-benefit analysis of Psy's 'Gangnam Style' case and the 'baseball ground cheering song' case. As a result of the analysis, the right to integrity is inefficient in quantitative and qualitative aspects. Therefore, the right of integrity should be reconsidered with the focus on 'popular music'. In particular, considering the development of information communication technology and changes, a revision direction is needed to meet the purpose of the copyright act. Furthermore, in order to solve the legal issues under the Copyright Act, the requirement for infringement of the right of integrity should be relaxed. Then, we proposed the establishment of a proviso clause on the right of integrity.

본 연구는 한국과 미국의 대중음악 시장을 대상으로 앨범커버 디자인과 곡 제목 표현의 차이를 비교 분석함으로써, 국가별 문화적 특성이 음악 파라텍스트(Paratext)에 어떠한 방식으로 반영되는지를 규명하고자 하였다. 이를 기반으로 대중문화 분야 크리에이티브 전략 수립에 실천적인 시사점을 제시하는 데에 목적이 있다. 이를 위해 리처드 니스벳의 종합적 사고경향(Holistic Thinking)-분석적 사고경향(Analytic Thinking)을 이론적 틀로 적용하였다. 연구 대상은 2024년 기준 멜론 차트 상위 100곡과 빌보드 차트 상위 100곡으로 선정하였으며, 앨범커버의 시각적 요소와 곡 제목의 언어 표현을 중심으로 내용분석 방법을 2인의 코더가 수행하였다. 수집된 자료는 SPSS 26.0 프로그램을 활용해 빈도분석, 교차분석, 다변량 판별분석을 수행하여 국가 간 차이를 검증하였다. 분석 결과, 한국 앨범커버는 미국에 비해 보다 추상적인 시각적 표현을 활용하는 경향이 나타났으며, 앨범커버 내 등장인물 수에서는 통계적으로 유의미한 차이는 확인되지 않았으나 한국에서 상대적으로 높은 빈도가 관찰되었다. 색채 사용에 있어서는 한국 앨범커버에서 파란색 계열의 활용이 두드러졌고 미국에서는 검정색 계열의 사용 빈도가 높게 나타났으며, 양국 모두에서 파란색의 비중이 공통적으로 높게 나타났다. 또한 사용된 색상의 수를 비교한 결과, 한국은 미국보다 더 다양한 색채를 활용하여 시각적 조화를 추구하는 경향을 보였다. 곡 제목 표현 분석에서는 미국이 자기표현형 제목을, 한국이 관계지향적 표현을 상대적으로 더 많이 사용하는 것으로 나타났다. 이러한 연구 결과는 한국과 미국 간 사고 경향의 차이가 대중음악의 시각적 및 언어적 파라텍스트에 반영되고 있음을 시사하며, 문화 차이 연구에 대한 학문적 시사점과 함께 글로벌 대중음악 시장에서의 마케팅 커뮤니케이션 전략 수립에 실무적 시사점을 제공한다.

This study examines how national cultural characteristics are reflected in popular music paratexts by comparing differences in album cover design and song title expressions across the South Korean and U.S. popular music markets. Based on these analyses, the study seeks to offer practical implications for developing creative strategies in popular culture. To achieve this objective, Richard Nisbett’s framework of holistic versus analytic thinking was adopted as the theoretical foundation. The research sample consisted of the Top 100 songs from the Melon chart in South Korea and the Billboard chart in the U.S. as of 2024. A content analysis of the visual elements of album covers and the linguistic expressions of song titles was conducted by two independent coders. The collected data were analyzed using SPSS 26.0 through frequency analysis, cross-tabulation, and multiple discriminant analysis to examine cross-national differences. The results indicate that Korean album covers tend to employ more abstract visual expressions than those in the U.S. sample. Although no statistically significant difference was found in the number of people appearing on album covers, the Korean sample showed a relatively higher frequency of human figures. In terms of color usage, blue tones were particularly prominent in Korean album covers, whereas black tones appeared more frequently in U.S. album covers; nevertheless, blue was commonly used in both countries. Furthermore, Korean album covers utilized a greater variety of colors than U.S. album covers, suggesting a tendency toward visual harmony through more diverse color combinations. In the analysis of song title expressions, the U.S. sample showed a higher prevalence of self-expressive titles, whereas the Korean sample used relational expressions more frequently. These findings suggest that differences in cognitive tendencies between Korea and the U.S. are reflected in the visual and linguistic paratexts of popular music. This study contributes to the literature on cross-cultural communication and cultural cognition and provides practical implications for marketing communication strategies in the global popular music industry.

This article aim to study the birth of Chinese popular music from the perspective of urban cultural environment in the early 20’s Shanghai. To make this point clear, I chose gramophone industry and dance hall as the key elements new urban musical environment. A phonograph and dance halls are both introduced from the west, and lead an unprecedented modern pop culture industry in Shanghai. Shanghai dance hall and music industry, the results of these factors, played a big role to changing musical tastes of Chinese people, including the citizens of Shanghai. The initial form of Chinese pop music is a new urban cultural content that reflects the trend of the time and industry in the early 20th century. So formal features of Chinese initial pop music meet the features and demands of pop culture industry that formed through these media. It is helpful in explaining how the Chinese pop music ― first appeared in the late 20's ― quickly accepted by the public and developed, and continued to sustain its vitality.

본 연구는 한류의 경제적 파급효과 관점에서 중국 대학생들의 한국 대중음악 만족도가 한국 문화상품 구매의도에 미치는 영향을 살펴보고 있다. 여기서 한국 문화상품이란 한국 대중음악과 직접 관련이 없는 한국 관광, 한국어, 한국 태권도를 의미한다. 결과에는 한국 대중음악에 대한 전반적 만족도가 한국 대중음악 선호도에 긍정적인 영향을 미치는 것으로 나타났으며, 한국 대중음악 선호도는 한류 호감도, 한국 호감도, 한국 문화상품 구매의도에 각각 긍정적인 영향을 미치는 것으로 나타났다. 또한 한류 호감도는 한국 호감도의 매개를 거쳐 한국 문화상품 구매의도에 긍정적인 영향을 미치는 것으로 나타났다. 그러나 한류 호감도가 한국 문화상품 구매의도에 미치는 직접 영향은 한계적으로만 유의하게 나타났다.

This study examines the economic ripple effect of Korean wave(Hallyu). Specifically, this study tries to investigate how the satisfaction of Korean popular music among Chinese college students affects the purchase intention for Korean culture products such as Korea tour, the Korean language, and Korean martial art(Taekwondo). These products are not directly related to the Korean popular music. Results show that the overall satisfaction of Korean popular music leads to the preference for Korean popular music, which in turn improves the liking of Korean wave(Hallyu), the liking of Korea, and the purchase intention for Korean culture products. It is also found that the liking of Korean wave(Hallyu) affects the purchase intention for Korean culture products, which is mediated by the liking of Korea. However, the positive relationship between the liking of Korea and the purchase intention for Korean culture products is shown marginally significant.

제국일본의 붕괴 후 한국과 일본은 뒤얽힌 과거와 단절하고 별개의 국민국가로서 문화적 정체성을 만들어가야 한다는 과제에 부딪혔다. 한국에서는 유행가 비판을 포함한 왜색일소운동과 새로운 국민가요운동이, 일본에서는 군국주의 음악문화와 단절하려는 시도들이 일어났다. 두 나라 모두에서 미국 대중음악의 영향이 밀어닥쳤다. 하지만 1930년대 말 이후의 대중음악의 양상은 단절되지 않고 지속되었다. 애상조의 유행가 장르는 여전히 인기를 끌었고, 대중음악의 사회적 목적성도 계속 강조되었으며, 노래는 전쟁에 봉사하거나 전쟁을 추억하는 매개로 기능했다. 제국일본의 팽창과 동반했던 이국 취향 노래도 여전히 유행했다. 1930년대 후반에서 1950 년대의 한국과 일본 대중음악에는 통시적 연속성과 공시적 동형성이 존재했다. 애상조의 유행가와 이국 환상의 노래들은 아시아태평양전쟁기에 시작되어 한국에서는 분단과 내전으로, 일본에서는 패전과 점령으로 이어진 비극적 현실에 대한두 국민의 자기 연민과 현실 도피 욕구에 부응했다. 하지만 그 의미에는 차이가보인다. 한국인의 자기 연민과 이국 환상이 압도적이고 가혹한 현실 앞에서의 무기력의 표현에 가까웠다면, 일본인의 그것은 가해자가 아니라 피해자로 자처하는 전략적 선택의 표현으로 보인다.

After the collapse of imperial Japan, Korea and Japan had to break with their shared pasts and tried to build cultural identities as separate nation-states. While Korea launched its Anti-Japanese Culture Movement and the National Song Movement, which criticized Japanese style popular song genres, e.g., Trot, Japan focused on breaking away from its militaristic music culture. Although American popular music influenced the musical trends of both countries, the impact of popular music since the late 1930s lingered on persistently in the two countries. Korean Trot and Japanese Enka, which share musical origins and sensitivities, were still at the heart of popular music. Songs served as the instruments of propaganda during the Korean War and as memory of Japanese experiences during the Asia-Pacific War. Exotic songs which had been accompanied by the expansion of imperial Japan were still in popularity. From the late 1930s to the 1950s, diachronic continuity and synchronic homomorphism characterize the music of both countries. In Korea, the popularity of sorrowful Trot songs reflected a type of self-pity Korean people experienced through severe wars and finally the division of their country. Exotic songs offered fantasy, providing a momentary amnesia of their tragic realities. Although similar tendencies existed in Japan, Japanese songs exhibit subtle differences in sensitivities aimed at representing Japanese people as sorrowful victims as opposed to brutal persecutors.

1987년 이전 한국이 국제저작권협약에 가입하지 않아 외국곡을 무단 사용하더라도 특별한 제제가 따르지 않았고, 외국 팝송에 대한 대중의 선호도가 국내 가요보다 높았다. 이러한 이유로 라디오 FM에서는 방송시간의 80-90%를 외국 팝송프로그램이 차지하게 되었다. 하지만 1990년대가 되면서 국내 가요는 외국의 팝송보다 선호도가 더 높게 나타났고 외국 팝송 중심의 방송 편성도 이전과 차이를보였다. 이러한 변화는 음악저작권과 깊은 관련이 있었다. 2013년 한국음악저작권협회의 음악저작권료 수입은 1,200억 원으로 발표되었다. 이러한 음악저작권료 수입은 1987년을 전후하여 커다란 차이를 보이고 있는데, 1987년은 음악저작권법이 30년 만에 개정되었고, 국제저작권협회에 가입한 해이다. 저작권법개정 이후 방송국으로부터의 징수권이 확대되어 작사․작곡가의 저작권료 수입은 폭발적으로 상승하였고 국제저작권협회 가입을 통해 외국 저작물의 무단사용이 금지되면서 국내 작곡가들에게 창작의 기회가 확대되었다. 이처럼 음악저작권은 매년 고속 성장을 하고 있는데, 인터넷의 사용으로 향후1조원대 이상의 성장이 예상된다. 하지만 이러한 변화과정을 정리한 연구는 찾기힘들며, 이러한 변화가 국내 대중음악에 어떠한 영향을 미쳤는지 진행과정을 정리하는 것은 매우 필요한 작업이다. 1987년 이후 ‘저작권법 개정’이 방송사용료 징수와 같은 수익확대의 역할을 하였다면, ‘국제저작권협회 가입’은 외국음원과 번안곡의 무단사용금지라는 일종의 규제의 역할을 하였다. 앞에서 다룬 두 사안은 대중음악 창작물의 증가와 함께 국내가요의 선호도를 높이는데 영향을 주었다.

Korean popular music since the 1990s has become a popular genre higher than foreign pop songs. It may be as a result of the domestic flexible gained more sympathy from the public than foreign songs, this change has been deeply involved in music copyright. Music Royalty income in 2013 Korea Music Copyright Association was announced as 120 billion won. This music copyright royalty income is a big difference between before and after 1987. 1987, Music copyright law has been amended in 30 years since its establishment in 1957, is the year of joining the international copyright associations. Copyright income of composers, while incomes increased from broadcasters after amendments were rising explosively and due to join the International Association, unauthorized use of foreign music was banned. So opportunities of composition were extended to domestic composers. Thus the music copyright, but every year, and rapid growth is hard to find studies that summarizes the change process. The role of the Copyright Act amendments expanded the income from broadcasters, the joining of International Association was the role of a kind of regulation that prohibits unauthorized use of a foreign sound and music. Both of which have resulted in an increase of creation. The one had influences on composition through the economic needs, the latter regulation for the unauthorized use influenced the creative activation.