Earticle

본 연구는 중국 전통 현악기 가운데 가장 대표적인 악기 중 하나인 얼후가 현대 대중음악 속에서 어떻게 통합되고 기능하는지를 탐구한다. 사례로는 Khalil Fong의 2005년 작품인 <남음>을 중심에 두었다. 이를 분석하기 위해 기존 민족음악학적 연구와 음색 연구를 토대로 체계 적인 분석 틀을 마련하였으며, 그 틀은 음색적 기능, 동기·구조적 통합, 상징·문화적 공명이라는 세 가지 상호 연계된 차원으로 구성되었다. 연구 방법은 질적 사례 연구로, 악곡 분석과 가사·텍 스트 분석을 결합하고, 동시에 음색 지각과 음악 혼성(hybridity)에 관한 심리학·문화학적 논의 를 참조하였다. 연구 결과 <남음> 속 얼후는 여러 층위에서 작동하는 것으로 드러났다. 음색적 차원에서는 특유의 비브라토와 글리산도 기법을 통해 깊은 감정적 울림을 형성하며, 이는 전통 적으로 아빙(華彥鈞)의 대표작 <이천영월>에 담긴 애상적 정서를 환기한다. 구조적 차원에서 는 완전5도의 이중음(double-stop)이나 지역적 특성을 지닌 활강음(slide) 같은 전통적 어법이 R&B의 리듬과 화성 진행 안으로 편입되어 단순 장식이 아닌 주제적 전개를 이끄는 동력으로 기능한다. 상징적 차원에서는 곡명이 지닌 이중적 의미, 즉 복건의 전통 음악 장르인 남음과 아빙 의 전기적 서사를 동시에 가리킴으로써, 작품 전체가 시간과 공간을 가로지르는 문화적 대화의 장으로 변모한다.

This study investigates the integration of the erhu, one of the most emblematic Chinese bowed string instruments, into contemporary popular music, using Khalil Fong’s Nanyin (2005) as a central case. To establish a rigorous foundation, the study develops an analytical framework derived from prior ethnomusicological and timbre-centered research. The framework is structured around three interrelated dimensions: timbral function, motivic/structural integration, and symbolic/cultural resonance. A qualitative case study method was adopted, combining textual and musical analysis with reference to existing psychological and cultural literature on timbre perception and musical hybridity. Findings demonstrate that the erhu in Nanyin operates at multiple levels. At the timbral level, its characteristic vibrato and glissando techniques generate affective depth, evoking the lamenting quality historically associated with Abing’s The Moon Reflected on the Second Spring. At the structural level, idiomatic gestures such as double-stop sonorities and culturally distinct sliding techniques are embedded into an R&B rhythmic and harmonic environment, showing that the instrument can function as a motivic agent rather than a surface ornament. At the symbolic level, the dual reference of the title Nanyin—to both the Fujian Nanyin tradition and Abing’s biography—transforms the song into a cultural dialogue across temporal and geographic boundaries.

본 연구는 중국 전통 현악기 가운데 가장 대표적인 악기 중 하나인 얼후가 현대 대중음악 속 에서 어떻게 통합되고 기능하는지를 탐구한다. 사례로는 Khalil Fong의 2005년 작품인 <남음>을 중심에 두었다. 이를 분석하기 위해 기존 민족음악학적 연구와 음색 연구를 토대로 체계 적인 분석 틀을 마련하였으며, 그 틀은 음색적 기능, 동기·구조적 통합, 상징·문화적 공명이라는 세 가지 상호 연계된 차원으로 구성되었다. 연구 방법은 질적 사례 연구로, 악곡 분석과 가사·텍 스트 분석을 결합하고, 동시에 음색 지각과 음악 혼성(hybridity)에 관한 심리학·문화학적 논의 를 참조하였다. 연구 결과 <남음> 속 얼후는 여러 층위에서 작동하는 것으로 드러났다. 음색적 차원에서는 특유의 비브라토와 글리산도 기법을 통해 깊은 감정적 울림을 형성하며, 이는 전통 적으로 아빙(華彥鈞)의 대표작 <이천영월>에 담긴 애상적 정서를 환기한다. 구조적 차원에서 는 완전5도의 이중음(double-stop)이나 지역적 특성을 지닌 활강음(slide) 같은 전통적 어법이 R&B의 리듬과 화성 진행 안으로 편입되어 단순 장식이 아닌 주제적 전개를 이끄는 동력으로 기 능한다. 상징적 차원에서는 곡명이 지닌 이중적 의미, 즉 복건의 전통 음악 장르인 남음과 아빙 의 전기적 서사를 동시에 가리킴으로써, 작품 전체가 시간과 공간을 가로지르는 문화적 대화의 장으로 변모한다.

This study investigates the integration of the erhu, one of the most emblematic Chinese bowed string instruments, into contemporary popular music, using Khalil Fong’s Nanyin (2005) as a central case. To establish a rigorous foundation, the study develops an analytical framework derived from prior ethnomusicological and timbre-centered research. The framework is structured around three interrelated dimensions: timbral function, motivic/structural integration, and symbolic/cultural resonance. A qualitative case study method was adopted, combining textual and musical analysis with reference to existing psychological and cultural literature on timbre perception and musical hybridity. Findings demonstrate that the erhu in Nanyin operates at multiple levels. At the timbral level, its characteristic vibrato and glissando techniques generate affective depth, evoking the lamenting quality historically associated with Abing’s The Moon Reflected on the Second Spring. At the structural level, idiomatic gestures such as double-stop sonorities and culturally distinct sliding techniques are embedded into an R&B rhythmic and harmonic environment, showing that the instrument can function as a motivic agent rather than a surface ornament. At the symbolic level, the dual reference of the title Nanyin—to both the Fujian Nanyin tradition and Abing’s biography—transforms the song into a cultural dialogue across temporal and geographic boundaries.

본 연구는 2022 개정 음악과 교육과정에서 대중음악의 의미와 교육적 가치를 분석 하고, 미국과 영국의 초등학교 대중음악 교육 사례를 고찰하여 우리나라 초등 음악교 육에서의 수용 방안을 모색하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 대중음악의 정의와 교 육적 의의를 검토하고, 교육과정 문서에 명시된 대중음악 관련 내용을 분석하였다. 이 어 미국 Modern Band 프로그램과 영국 Musical Futures 프로젝트를 선정하여 대상 학 년, 주요 장르, 교수·학습 방식, 교사 지원, 교육과정 연계 측면에서 비교·분석하였다. 연구 결과, 대중음악은 학습자의 실제 음악 경험과 교과 내용을 연결하여 흥미·몰입도, 자율성, 창의성, 다문화 감수성 함양에 긍정적인 영향을 미쳤다. 해외 사례 분석을 통 해 안정적 초등 대중음악교육을 위해 제도적 기반과 물적 지원, 유연한 교수·학습 방법, 학생 주도성과 비형식 학습의 강조 등이 주요 특징으로 확인되었다. 이에 따라 국내 초 등 음악교육에서는 교육과정 내 구체적 성취기준과 활동 예시 제시, 악기·디지털 장비 지원, 교사 전문성 강화, 비형식 학습 요소 도입, 다문화 음악 경험 확대, 지역·학교 상황에 맞춘 유연한 수업 설계가 필요하다. 본 연구는 우리나라 초등학교 음악교육에서 대중음악 수용 방안 모색을 위한 기초로서 의의를 지닌다.

This study aims to analyze the meaning and educational value of popular music in the 2022 Revised Music Curriculum and to explore ways to incorporate it into elementary music education in Korea by examining cases from the United States and the United Kingdom. The definition and educational significance of popular music, as well as its representation in the curriculum, were examined. The U.S. *Modern Band* and the U.K. *Musical Futures* programs were compared in terms of target grades, genres, teachinglearning approaches, teacher support, and curriculum linkage. Results indicate that popular music, by connecting learners’ real-life musical experiences with curriculum content, enhances engagement, autonomy, creativity, and multicultural awareness. Key features identified include institutional and material support, flexible teachinglearning methods, emphasis on student initiative and informal learning, and diverse cultural music experiences. To adopt popular music in Korean elementary schools, specific achievement standards, activity examples, equipment provision, teacher training, and flexible, context-based lesson designs are recommended. This study provides a foundation for developing strategies to integrate popular music into Korean elementary music education.

본 연구는 2022 개정 음악과 교육과정에서 대중음악의 의미와 교육적 가치를 분석 하고, 미국과 영국의 초등학교 대중음악 교육 사례를 고찰하여 우리나라 초등 음악교 육에서의 수용 방안을 모색하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 대중음악의 정의와 교 육적 의의를 검토하고, 교육과정 문서에 명시된 대중음악 관련 내용을 분석하였다. 이 어 미국 Modern Band 프로그램과 영국 Musical Futures 프로젝트를 선정하여 대상 학 년, 주요 장르, 교수·학습 방식, 교사 지원, 교육과정 연계 측면에서 비교·분석하였다. 연구 결과, 대중음악은 학습자의 실제 음악 경험과 교과 내용을 연결하여 흥미·몰입도, 자율성, 창의성, 다문화 감수성 함양에 긍정적인 영향을 미쳤다. 해외 사례 분석을 통 해 안정적 초등 대중음악교육을 위해 제도적 기반과 물적 지원, 유연한 교수·학습 방법, 학생 주도성과 비형식 학습의 강조 등이 주요 특징으로 확인되었다. 이에 따라 국내 초 등 음악교육에서는 교육과정 내 구체적 성취기준과 활동 예시 제시, 악기·디지털 장비 지원, 교사 전문성 강화, 비형식 학습 요소 도입, 다문화 음악 경험 확대, 지역·학교 상 황에 맞춘 유연한 수업 설계가 필요하다. 본 연구는 우리나라 초등학교 음악교육에서 대중음악 수용 방안 모색을 위한 기초로서 의의를 지닌다.

This study aims to analyze the meaning and educational value of popular music in the 2022 Revised Music Curriculum and to explore ways to incorporate it into elementary music education in Korea by examining cases from the United States and the United Kingdom. The definition and educational significance of popular music, as well as its representation in the curriculum, were examined. The U.S. *Modern Band* and the U.K. *Musical Futures* programs were compared in terms of target grades, genres, teachinglearning approaches, teacher support, and curriculum linkage. Results indicate that popular music, by connecting learners’ real-life musical experiences with curriculum content, enhances engagement, autonomy, creativity, and multicultural awareness. Key features identified include institutional and material support, flexible teachinglearning methods, emphasis on student initiative and informal learning, and diverse cultural music experiences. To adopt popular music in Korean elementary schools, specific achievement standards, activity examples, equipment provision, teacher training, and flexible, context-based lesson designs are recommended. This study provides a foundation for developing strategies to integrate popular music into Korean elementary music education.

본 시안은 현재 교회에서 전혀 사용되지 않았던 대중가요와 그 가사를 설교에 활용할 수 있는 방안을 제시하기 위하여 기획되었다. 현 시대를 종교의 시대, 영성의 시대, 성령의 시대라고들 하며 세계적으로 꾸준히 종교인구가 증가하고 있다. 그럼에도 불구하고 개신교 인구는 오히려 감소하는 추세이다. 이는 개신교가 현 시대의 영적인 요구에 부응하지 못하고 있는 이유이기도 하다. 필자는 그런 이유 중에 개신교회가 현대의 문화를 보다 적극적으로 수용 및 활용하지 못하고 있다고 진단하며 보다 효과적인 선교적 전략을 위하여 대중가요를 활용한 설교를 제시하고 있다. 대중가요를 활용한 설교의 가장 중요한 두 축은 가사를 본문으로 적극 활용한다는 것이며 또한 설교 중 대중가요를 감상한다는 것이다. 자칫 잘못하면 상업적인 저속한 문화를 신성한 교회의 현장과 거룩한 말씀 속으로 끌어들일 수도 있는 위험한 시도를 필자는 매우 조심스럽고 세밀하게 실험하고 있다. 그리고 이러한 실험의 뒤에는 ‘복음’과 ‘선교’라는 최종적인 목적을 가지고 있다. 감성과 소통의 시대에 이러한 최종 목적을 달성하기 위하여 노래설교는 교회가 활용할 수 있는 하나의 문화적 선교전략임을 필자는 주장한다.

This study has suggested an experimental proposal for popular-music preaching, more specifically, the preaching which used lyrics of popular music. Recently, people has said that this century will be the age of religion, of spirituality, or of Holy Spirit. In the worldwide, the religious population has been increasing up to now. Nevertheless, the population of protestant churches has declined. There are a varieties of scholarly notions about the reasons according to which church and society has related. Among many reason, some has pointed out that the protestant churches demonstrated very exclusive stances against popular culture. For this reason, the church has not communicated with the society and popular culture, in particular, the emerging generation. Hence, this study was designed for suggesting a methodological solution for status quo of church. Methodologically, there are several points for preparing popular music preaching. First of all, preachers have to choose the song which will be presented at the sermon. It must be careful to select the music because all popular musics are not appropriate to preach. Second, preachers and ministers have to research the information about artist and the history of the selected song for the sake of making story. Since Fred Craddock has published As One without Authority, the storytelling sermon has been suggested as one of the effective and impressive preaching. Craddock and E. Lowry have found the prototype of storytelling sermon from the Jesus preaching in the Gospels. To make a story, the preacher can weave the fabrics of lyrics, artist's information such as life story, and the history of the song. Finally, for the effective popular music sermon, the preacher had better accustom him/herself to the Hi-Fi audio system. Conclusively, the most important aspect for the popular music preaching will be the proclamation of the gospel. To doing so, the preachers should be careful to deal with popular music and culture in their preachings.

음악은 순수함을 추구하고 정치, 경제 등에서 자유로워야 한다는 미학관을 가지고 있다. 하지만 일제 강점기 시대의 정권의 지배세력들은 이러한 음악의 기본적인 본질을 무시한 채 이를 정치적으로 다루기 시작하였다. 본 연구는 일제강점기의 시대별 분류를 통해 음악검열이 나타나게 된 당시의 상황과 음악관 련 검열 제도에 대해 살펴보고 그 제도적 통제 장치의 특징을 고찰하는데 목적이 있다. 우선 시대별 분 류는 일제강점기 이전 시기와 제1기인 1910년도에서 1919년까지의 무단통치시기, 제2기인 1919년부터 1931년까지의 문화통치시기, 제3기인 1931년부터 1945년까지의 민족말살통치시기로 분류하였다. 일제강 점기 이전 시기를 살펴보면 통감부의 설치와 함께 항일운동창가와 음악교과서, 창가책, 노래책과 노래 등을 검열하여 금서를 양산하였고, 제1기 무단통치시기부터 제3기 민족말살통치시기까지는 금지된 노래 와 공연행위에 대해 헌병경찰력을 활용한 강압적이고 폭력적인 제재와 함께 조선총독부의 일본 신민화 를 위한 음악교과서 검열, 식민지 지배정책을 보다 강화시키는 음반검열의 시행, 군국가요의 권장 및 보 급, 종교음악의 검열, 황국신민화를 위한 학교의 교가 검열, 미국과 영국음악을 추방하는 적성음반 일소 운동 그리고 악극단과 공연단의 공연 전 실연을 통한 사전검열 등을 실시하였다. 이 연구는 일제강점기 시대의 대중음악 검열을 통해 대중음악 속에 숨어 있는 정치성과 시대에 관련된 총체적인 관점, 지배이 데올로기가 반영된 당시 지배양식의 성격을 규명해 보고자 한다. 더불어 본 연구에서는 일제강점기를 일 제강점기 이전시기, 제1기 무단통치시기, 제2기 문화정치시기, 제3기 민족말살통치시기의 4단계로 나누 어 검열이 나타나게 된 그 당시의 상황과 음악관련 검열 제도에 대해 알아보고 그 특징들을 면밀히 살펴 볼 것이다. 그리고 당시 음악검열에 적용된 법률을 연구자가 모두 수집하고 정리하여 일제강점기 지배이 데올로기가 반영된 음악검열의 개념과 상황, 규모에 대해 알아보고 시대별 전개를 통한 음악검열의 특징 들을 살펴보고자 한다.

The aesthetic view is that music should pursue purity and be free in politics, economy, etc. However, the ruling forces of the Japanese colonial era era ignored the basic nature of music and began to deal with it politically. The purpose of this study is to learn about the situation at which music control emerged through the period classification of Japanese colonial era and the music-related censorship system and to examine the characteristics of its institutional controls. First of all, the classification by period was classified as the period before Japanese colonial era, the period of unauthorized rule from 1910 to 1919, the period of cultural rule from 1919 to 1931, and the period of national extermination from 1931 to 1945. Before Japanese colonial era, anti-Japanese movement songs, music textbooks, singing books, and songs were controlled along with the establishment of the Ministry of Unification. During the Japanese colonial era, forced and violent sanctions by military polices on banned songs and performances took place, as well as the Chosun Government-General's control of music textbooks for the colonial policy, the promotion and dissemination of military songs, the control of religious music, and the censorship of schools songs, campaign to expel American and British music, and pre-screening through performances by musical bands and performers. The study aims to identify the political nature of popular music, the overall perspective related to the times, and the nature of the ruling style that reflects the ruling ideology through the Japanese colonial era popular music control policy.

이 연구는 현재 진행되고 있는 공공부문에서의 대중음악 지원정책에 대하여 분석하고, 해외 선진 사례를 비교 하여 살펴봄으로써 한국대중음악의 발전 방안을 제안하는데 목적을 두고 있다. 그리고 다른 예술장르와 마찬가지로 우수한 콘텐츠를 지속적으로 시장에 공급하여 소비자인 대중들에게 선택 을 받도록 하는 것이 한국대중음악의 지속적인 발전을 담보하는 최선의 방안이며, 그것이 가능하기 위해서는 우수 한 콘텐츠가 만들어질 수 있는 창작기반을 강화할 수 있도록 지원해야 한다는 전제를 가지고 연구를 진행하였다. 또한 문화산업적인 효용성과 함께 동시대인들의 압도적 지지를 받고 있는 예술의 한 장르로서의 대중음악의 창작 기반 강화는 공공부문에서의 보다 적극적인 정책적 지원을 통해 이뤄져야 한다는 입장을 가지고 연구에 임 하였다. 문화산업은 이제 개인이나 기업 차원에 한정하여 논의할 대상이 아니다. 문화산업은 국가 핵심 산업의 하나로 정부 차원에서 전략을 수립하고 체계적으로 지원하여야 하는 부분이다. 그리고 K-pop을 필두로 한국대중문화가 전 세계적으로 확산 움직임을 보이는 지금이 한국대중음악에 대한 정책적 관심과 지원이 집중되어야 할 때이다. 다만 이번 연구는 대중음악을 문화산업적인 측면에서 접근하는데 그치고 있어, 대중음악이 가지고 있는 본질 적인 요소인 예술적･사회적 가치와 효용성에 대하여 깊이 있게 논의를 전개하지 못한 미흡함이 있어 이후의 연 구에서 이를 보완하여야 할 것이다.

This study focuses on the support for popular music in public sector policy. In addition, it suggests development strategies for Korean popular music based on a comparative case study of the overseas popular music support policy. It explores how it is pivotal to continuously provide qualified content to be selected from the public, sustaining development of Korean popular music as is the case with other art genres. To perform this, it is the presupposition that there should be support to reinforce the creative foundation in order to create qualified content. Furthermore, this study states the perspective that it is necessary to have positive supporting policies in the public sector about the reinforcement of creative foundations for popular music, as popular music is considered an art form that has strong public interests and utility in the cultural industry. The cultural industry is not a subject to be discussed separately on the individual level or organizational level. It should be discussed as one of the national core industries establishing strategies and having systematic support on a government level. Furthermore, it is time to focus on political interest and support of Korean popular music as it globally expands from K-pop to Korean culture. The limitation of this study is only discussing popular music as the perspective of the cultural industry and not covering popular music’s artistic and social value and utility. Therefore, further research can be performed on these topics.

부산국제록페스티벌은 18년 이상 부산에서 진행되어온 국내 대표 록페스티벌이다. 현재 부산국제록페스티벌은 경쟁력하락, 장소이전 등의 현안들을 지니고 있다. 최근 국내에서 진행되는 다수의 록페스티벌 역시 유사한 문제로 고민하고 있는 실정이다. 연구자는 본 연구를 통해 부산국제록페스티벌을 중심으로 국내 록페스티벌의 발전방안을 모색하고자 이에 대한 논의와 방안들을 제안하였다. 연구방법으로 현장설문조사를 실시하여 보다 실증적인 자료를 제시하였다. 그 결과 다수의 부산국제록페스티벌 관람객이 유료화에 대해 부정적임을 발견하였다. 유료화도입은 전면유료화와 부분유료화로 구분하여 생각할 수 있을 것이다. 하지만 록페스티벌에서 출연진강화 등 경쟁력을 위한 유료화 도입은 신중히 검토되어야 한다. 더불어 장소이전문제와 교류사업확대 역시 함께 고민해야 한다. 이러한 정책들은 시민, 전문가평가단 등 피드백시스템을 통해 참여자들이 공동으로 만들어가는 구조 하에 진행될 수 있을 것이다. 본 연구를 통해 국내 록페스티벌과 음악시장의 발전을 기대한다.

The Busan International Rock Festival has been the leading music festival in Korea for more than eighteen years. Currently, the Busan International Rock Festival is experiencing a few issues with regards to its decreased competitiveness and venue discovery. Other rock festivals taking place in Korea these days have similar issues as well. Therefore, this study discusses and suggests a growth plan for rock festivals in Korea, focusing on the Busan International Rock Festival to serve as a model for the industry at large. For this purpose, the researcher has conducted on-site surveys to provide empirical data. As a result, it has been proven that the majority of audiences of the Busan International Rock Festival oppose the idea of the festival starting charging an admission fee, which could be either full or partial. If the purpose of charging for admission is to attract well-known performers in order to increase its competitiveness, this should be regarded with caution and systemically analyzed before any decision is finalized. In addition, there are other issues to consider, including identifying potential venue locations and expanding exchange programs. One possible method to resolve these additional issues is through a dynamic feedback system by which expert and citizen evaluators will work with the public in order to find equilibrium. Through this study, the researcher hopes to provide solutions to these pressing matters in order to stimulate not only the growth of rock festivals, but also the music industry in Korea.

故김현식(1958-1990)은 1980년대 한국 언더그라운드 음악의 대표적인 가수이다. 그가 죽은 지 거의 30년이 지나도록 그의 음악은 세대를 초월하여 여전히 대중의 가슴에 깊은 울림을 주고 있다. 그러나 그의 음악에 기독교적인 요소와 가치가 나타남에도 그의 비극적이고 자기 파괴적인 삶과죽음으로 인해 그의 음악과 그것이 대중에게 끼치는 문화적 영향은 기독교와 관련하여 이해되지 않고 있다. 본 논문의 목적은 김현식의 음악을 문화텍스트로 간주하고 문화 선교적 관점에서 그것을 이해하고 재구성하여 대중음악을 매개로 하는 문화선교를 추동하는 것이다. 이를 위해 본 논문은다음 세 가지 과제를 실행한다. 첫째, 보편적으로 소통될 수 있는 수준에서김현식의 음악세계를 설명한다. 둘째, 설명된 그의 음악세계를, 하나님 나라의 문화적 구현과 변혁을 향하여, 그 안의 기독교적 요소와 가치를 평가하고 그것들의 한계를 극복시키는 방식으로 재구성한다. 마지막으로 재구성된 그의 음악세계에 기독교적 이미지를 부여한다. 결과적으로 부여된 이미지는 세례 요한을 지칭하는 ‘광야에서 외치는 자의 소리’이다.

The late Kim Hyun-Sik(1958-1990) is a representative singer of the Korean underground music of the 1980s. Almost 30 years after his death, his music transcends generations and still gives a deep resonance to the hearts of the masses. Despite some Christian elements and values appearing in his music, the music and its cultural influence on the masses are not understood with regard to Christianity because of his tragic, self-destructive life and death. The purpose of this study is to treat Kim Hyun-Sik’s music as a cultural text and to understand and reconstruct it from the perspective of cultural mission in order to promote cultural mission through popular music. To this end, this paper performs the following three tasks. First, it explains Kim Hyun-Sik's music world at a level that can be universally communicated. Second, it reconstructs the explained music world in a way that evaluates the elements and values of Christianity in it and overcomes their limitations, towards the cultural embodiment and transformation of God’s kingdom. Lastly, it gives a Christian image to the reconstructed music world. As a result, the given image is ‘a voice of one calling in the desert,’ which refers to John the Baptist

오늘날 사회에서 대중음악은 사람들의 생활 속 깊이 자리하고 있다. 대중음악에 대한 관심은 특히 청소년들에게서 두드러지게 나타난다. 청소년문화에서 대중음악은 매우 중요한 위치를 차지하고 있다. 청소년들은 급격히 발달한 대중매체를 통하여 음악에 쉽게 노출되어있으며, 그들이 실생활에서 접하는 음악문화가 학교음악수업에 영향을 주고 있다. 이러한 상황 속에서 더 이상 학교음악교육은 대중음악의 필요성을 인식하지 않을 수 없다. 본 연구에서는 대중음악의 이론적 배경을 살펴보고, 청소년과 대중문화의 관계성을 통하여 학교음악수업에서 대중음악을 활용한 수업지도방안을 모색해 보았다. 대중음악에 대한 청소년들의 인식을 설문지를 통하여 조사한 결과, 어느 음악장르보다 압도적으로 대중가요를 가장 선호하며 대중음악은 청소년생활에서 꼭 필요한 음악이라고 답하였다. 또한 학교음악수업에서 대중음악의 교육을 많은 청소년들이 원하고 있다. 입시위주의 교육흐름 때문에 음악수업은 외적인 수단인 수행평가의 목적으로 치중되고 있다. 이로 인해 음악의 본질인 심미적 음악경험은 점차 사라져 가고, 학생들과의 음악적 공감대형성 조차도 어려운 실정이다. 즉, 대중음악은 학생의 음악적 관심을 유도하며 음악적 개념을 이해하는 데에 긍정적으로 생각해 볼만하다. 따라서 대중음악이 가지는 음악적 가치를 활용하여 학교음악수업에서 보다 흥미 있고, 다양한 음악적 경험과 풍성한 음악문화를 체험할 수 있도록 기회를 제공하여야 할 것이다. 또한 대중음악의 올바른 이해로 학교음악수업에 적극적인 도입을 통해 학생들의 음악적인 만족과 학교교육 목표의 큰 효과를 거둘 수 있도록 더욱 연구되어야 할 것이다.

Popular music is growing deeply inside today's every day lives. Especially, the interest in popular music is shown outstandingly among teenagers. Popular music takes a very important part in the teenage culture. Teenagers are easily exposed to popular music due to the rapidly grown mass medias. As they get along with the popular music it gives effect in the school music class. In these cases the school music education can not help indicate the need of popular music. The current research is based on the popular music's theoretical backgrounds. Also through the relationship between the teenagers and the popular culture searched for the teaching method by using popular music in school music class. By questioning about the popular music to the teenagers, popular music was chosen their favorite genre surpassingly higher than others and answered that music is invariably needed in their lives. Also they were willing to learn about the popular music in school music class. The education is based on entrance exam that music class is about examination grade which is external side of studying. There for the true meaning of music education which is essential experience in music is slowly vanishing. Even the musical sympathy between the student is hard to find. By using popular music can bring the student's interest in music and help understand the meaning of music there for it can be considerate affirming. There for by using the musical value that popular music has in class can make much more interest to the students. It can also help do various experience in music and have plentiful knowledge about music culture to the students. The induction of upright knowledge about popular music has to effect in class and for the student's satisfaction in school music class this study must continue.

본 연구는 2010년대 대중가요에서 특징적 양상을 보였던 시즌 송을 분석하여 대중들의 계절적 공감 정서를 기록하고자 했다. 계 절을 주제와 소재로 삼은 대중가요는 이전에도 존재했었으나 2012년 발매된 버스커 버스커 의 성공적인 사례 이후 특정 계절을 대상화하는 시즌송이 증가하는 양상을 보였다. 음반 시장에서 디지털 음원 시장으로 재편된 음악 산업계에서는 세대 구분 없이 많은 이들이 공감할 수 있고, 계절의 순환에 따라 음원차트에 재진입했던 시즌송을 적극 활용하였다. 시즌송은 계절 의 형상화 방식과 함께 그 음악을 수용하는 대중들의 계절적 공감 요소를 도출함으로 시대적 의미를 부여한다는 특징을 지닌다. 연구를 위해 의 등장 시기이자 시즌송의 특징적 양 상이 보였던 2012년 3월부터 2017년 2월까지, 만 5년의 기간을 연구범위로 삼았다. 본 논문은 음원차트 월별 순위 100위까지를 기준으로 하고, 3 ․ 4 ․ 5월은 봄, 6 ․ 7 ․ 8월은 여름, 9 ․ 10 ․ 11월은 가을, 12 ․ 1 ․ 2월은 겨울로 사분화하여 계절별 선호 양상을 도출하 였다. 가사 내 계절적 주제와 소재 표현이 시즌송 선정의 기준이 되었으며, 음악 장르 ․ 악기 편성 ․ 가창 형태 등의 항목을 통해 음악 의 표현적 양상을 고찰하였다. 2010년대 시즌송은 특정 계절의 변화와 관련된 자연적 소재와 계절 상징 소재를 적극적으로 활용하면서 주제를 형상화하였고, 음악적 표현을 위해 악기편성 및 구성의 변화를 주었다. 또한 계절 별 주제 양상과 음악적 특징은 시즌송의 가창 형태에도 영향을 주 었음을 확인할 수 있었다. 시즌송에서 나타나는 계절 특유의 감성 과 시간 예술인 음악의 필연적 반복은 대중가요의 음악적 저변을 넓힘과 동시에 시대적 의미를 기록했다는 의의가 있다.

This study aims to record the public’s seasonal empathy by analyzing seasonal songs that showed characteristic aspects in popular songs in the 2010s. Although popular songs with seasonal themes and subjects have existed before, the number of seasonal songs targeting specific seasons increased after the success of Busker Busker’s “Cherry Blossom Ending” released in 2012.The music industry, which has reorganized from the record market to the digital music market, has actively utilized seasonal songs that many people can relate to regardless of generation and have re-entered the music charts according to the cycle of the seasons. Seasonal songs are characterized by the way the seasons are represented and the seasonal sympathies of the public who embrace them, giving them a sense of the times. For the study, a period of five years from March 2012 to February 2017, the period when appeared and characteristic aspects of seasonal songs were seen, was taken as the scope of the study. This paper is based on the monthly ranking of the music charts up to the 100th position, and the seasonal preference patterns were derived by dividing March, April, and May into spring, June, July, and August into summer, September, October, and November into fall, and December, January, and February into winter. The expression of seasonal themes and materials in the lyrics became the criteria for selecting seasonal songs, and the expressive aspects of music were examined through items such as music genre, instrumentation, and types of singers.Seasonal songs in the 2010s actively utilized natural materials and seasonal symbols related to the changes of specific seasons to shape their themes, and made changes in instrumentation and composition for musical expression. We also found that seasonal thematic patterns and musical features influenced the types of singers in seasonal songs. The inevitable repetition of seasonal emotions and music as a time art in seasonal songs is significant in that it broadened the musical base of popular songs and recorded the meaning of the times.

본 연구는 창작 스트레스를 겪는 대중음악 작곡가의 미술치료 체험의 본질적 의미가 무엇인지 알아보는 것이다. 연구 참여자는 대중음악 작곡가 4인으로 본 연구자는 자료 수집을 위해 2021년 7월 31일부터 2021년 12월 7일까지 개인 미술치료 8회기 및 미술치료 전후 두 번의 개별 인터뷰를 시행하였다. 수집된 자료는 van Manen의 해석학적 현상학 연구 방법으로 분석하였으며 주제 분석 결과 6개의 본질적 주제와 22개의 하위 주제가 도출되었다. 연구 결과를 토대로 한 결론은 다음과 같다. 창작 스트레스를 겪는 대중음악 작곡가에게 미술치료는 첫째, 자신에 대해 깊이 집중하면서 진정한 자신의 모습이 드러나는 경험을 하게 되었다. 둘째, 자기 안의 틀을 깨고 자신에 대해 탐색하는 계기가 되었다. 셋째, 혼란스러웠던 내면이 정리되고 재정비되면서 정신적 안정감을 경험하게 되었다. 넷째, 있는 그대로의 자신의 모습을 인정하고 받아들이면서 창작자로서 성장하는 계기가 되었다. 본 연구자는 미술치료라는 학문을 통해 대중음악의 현실과 창작자의 어려움을 공감하고 이들의 내적 성장 과정을 살펴볼 수 있었으며, 본 연구는 대중음악 작곡가를 위한 심리․정서적인 지원을 효율적으로 할 수 있도록 향후 추가적인 연구나 치료적 개입에 질적인 정보를 제공할 수 있을 것으로 기대된다. 이러한 연구 결과를 바탕으로 본 연구의 의의와 제한점에 대하여 논의하였다.

This study examined the essential meaning of art therapy for young composers to experience self-exploration. The research participants were four music composers. The research consisted of eight individual art therapy sessions from July 31, 2021 to December 7, 2021 with two individual interview before and after the sessions. The collected data was analyzed by the van Manen hermeneutic phenomenology research method. As a result, 6 essential themes and 22 sub-themes were identified. The conclusions based on the results were as follows. Art therapy for popular music composers under stress showed: First, the patients experienced deeply concentrated self-reflection; second, they broke the barriers within their mind to self-exploration; third, experienced mental stability through recollecting fragmented inner state; and fourth, accepted themselves as there were and grew up further with a creative mind. Thus, this study empathized with the hardship of young composers and looked into their inner-growth. The expected outcome in this study was providing information for future research on therapeutic intervention for their psychological and emotional support. Based on the result of this study, the researcher discussed about purpose and limitations of its research scope.

기록학계에 있어서 대중문화 기록에 관한 관심은 기존 공공영역에 치우쳐있던 기록관리 체계가 민간영역의 기록관리에 관한 관심으로의 변화하면서 시작되었다. 최근 K-POP은 대중문화의 부흥을 주도하고 있으며대중이 자발적으로 수용하여 유지되는 문화로 자리매김하고 있다. 또한‘팬덤’이란 독특한 집단문화를 통해 다양한 콘텐츠들이 생산, 소비되고 있다. K-POP 팬덤은 자발적으로 K-POP과 관련된 다양한 정보를 수집함과동시에 새로운 문화와 자료를 재생산하기도 한다. 특히 수집한 자료는 수집의 규모 및 범위가 넓어 팬덤이 추종하는 대상 및 수집 시점의 시대적모습을 다양하게 반영할 수 있다. 이러한 팬덤의 자본축적 특성은 대중음악 아카이브 활성화의 단서가 될 수 있는 특성이다. 본 연구는 K-POP 팬덤의 특성을 바탕으로 팬덤들이 수집·생산하는 기록의 특성과 현황을 분석하고자 한다. 이를 위해 국내 최대 규모의 팬덤을 보유하고 있는 방탄소년단(BTS)의 아미(A.R.M.Y)를 선정, 설문조사를 수행하였다. 분석 결과를 통해 대중음악 아카이브 구축을 위한 팬덤 기록 활용 방안을 연구하고자 한다.

In modern society, popular music is becoming a reflection of public consciousness, and due to advances in technology, pop music culture is gradually spreading both quantitative and qualitatively as it provides access to popular music in a variety of different ways. K-pop has become more important to society as it reflects the social status of the day, showing the most active activities and influences at home and abroad. In this study, we revealed the definitions and characteristics of K-POP and K-POP fandom. Then, a survey was conducted on the fandom of BTS, A.R.M.Y, which can represent K-POP fandom. The survey looked at the general perception of K-pop fandom’s archives, the current status of its collection and production records, the perception of popular music archives, and the donation and commission of their records. At the results, we proposed utilization plans of K-POP fandom records, for developing popular music archives.

이 연구는 현대 예배음악에 사용된 대중음악적 표현양식을 음악미학과 음악사회학 으로 해석하고 그 이해를 제시하는 것에 목적을 가진다. 1980년대 한국교회는 경배와 찬양(Praise & Worsip) 운동을 시작으로 예배음악에 리듬악기인 드럼과 기타를 사용 하기 시작했다. 이는 전통적인 예배 예전의 틀에서 수용되기 어려운 면이 있어 세대 간의 갈등을 일으켰다. 1990년 이후 교회는 새로운 악기를 자연스럽게 수용했지만, 그 에 따른 거부감과 불편함도 공존한 시기였다. 당시 현대 예배음악에 나타난 음악 현 상에 대한 적절한 평가와 해석은 이루어지지 못했다. 그리고 이 갈등의 중심에는 예 술음악과 대중음악을 이분법적으로 바라보는 사고가 깔려있었다. 새롭게 생겨난 경향을 연구하기 위해서는 기존에 있던 유사 대상을 통해 연구하는 것이 바람직하다. 이에 현대 예배음악에 사용된 대중음악적 표현양식을 객관적으로 이해하기 위해 20세기 대중음악사에 나타난 유사 현상을 살펴보려 한다. 1960년 이후 등장한 록 음악(Rock Music)을 시작으로 음악비평가들은 대중음악의 예술적 가치에 대한 의구심과 논란을 제기했다. 이후 대중음악이 독립된 음악학적 해석이 가능한지 를 연구하게 되었는데 그 중심에 아도르노(Theodor Ludwig Wiesengrund Adorno), 달하우스(Carl Dahlhaus), 티보르 크나이프(Tibor Kneif)등이 있었다. 이 논문에서는 예술음악과 대중음악 사이에 일어난 미학적 논쟁 중 크나이프의 이론인 ‘제2의 미학’ 을 통해 수용자 중심으로 현대 예배음악을 해석하게 된다. 포스트모더니즘 이후 사회는 근대사회와 달리 무엇을 기준화하고 판단하는 것을 거부하기에 현대 예배음악을 기존의 예배 예전의 측면에서 해석하는 것은 음악학적으 로 바라볼 때 부족함이 있을 수 있다. 대중음악은 예술음악과 달리 퍼포먼스와 상품 성 등 상업적 아이디어를 그 미적 가치로 여기는 음악 현상이다. 현대 예배음악에 대 중음악적 표현양식이 사용될 때 바로 이러한 특성을 고려하여 그 가치와 의미를 평가 해야 한다. 최근 젊은이들 사이에는 E.D.M. (Electronic Dance Music)을 예배음악에 사용하는 등 그 음악적 시도가 다양화되고 있다. 이에 따라 현대 예배음악 현장에 새 롭게 시도되는 음악 현상을 음악학적, 사회학적 현상으로 관찰하여 차세대 예배에 사 용될 새로운 음악 형식에 대한 신학적 자리를 마련할 것을 제시하면서 본고를 마무리 하고자 한다.

This study aims to analyze the popular music based modes of expression used in contemporary worship music from the aesthetics of music and sociol ogy of music perspectives and present what were understood. In the 1980s, Korean churches began to use drum and guitar, rhythmic instruments for wo rship music, starting with the Praise & Worship campaign. But this caused conflict between generations because it was difficult to be accepted in the fra mework of traditional worship service. But since 1990, churches have accepted new instruments naturally. But subsequent repulsion and inconvenience co existed in this period. The evaluation and interpretation of the musical pheno menon in then-contemporary worship music had not been made properly. At the heart of the conflict was the dichotomous thinking against art music and popular music. So it would be desirable to study a newly emerging phenomenon throug h the existing similar targets. To understand the popular music based modes of expression used in contemporary worship music objectively, this study loo ks at the similar phenomenon in the history of the 20th century popular musi c. Music critics posed curiosity and controversy in terms of artistic value ag ainst‘rock music’and‘popular music’appeared after the 1960s. Since then, it ha d been studied whether popular music could be interpreted independently. At the center of this were Theodor Ludwig Wiesengrund Adorno, Carl Dahlhau s, and Tibor Kneif. Contemporary worship music came to be interpreted with audience-centered aesthetics of music through‘the second aesthetics,’Tibor K neif’s theory, among the aesthetic arguments happening between art music a nd popular music. The society after the postmodernism refused to standardize or judge unli ke modern society. Interpreting the contemporary worship music from the ex isting worship service perspective may not be enough from the musicological point of view. Popular music is the musical phenomenon that sees commerci al ideas such as performance and merchantability as aesthetic value unlike ar t music. When popular music based modes of expression are used in contem porary worship music, the very characteristics must be considered for evalua ting the value and meaning. Recently, musical attempts such as using EDM (Electronic Dance Music) for worship music have been varied among young people. Accordingly this study concludes with observing the musical phenom enon newly attempted in contemporary worship music fields as musicological and sociological phenomenon and proposing to lay a place for theology to the new forms of music used in the next-generation worship.

이 연구는 음악 한류로 인식되는 K-pop을 중심으로 대한민국의 대중음악이 지속할 방안을 마련하는 탐색 차원에서 이루어진 것이다. 교육적 차원에서 본다면, 현재 학교교육과 비형식교육에서 이루어지는 과정을 좀 더 보완하여 체계적인 지원시스템을 구축하려는 방안을 탐색한 것이다. 이 연구는 문헌연구로 이루어졌다. 이 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 대중가수 양성 교육시스템 차원에서 본다면, 학교교육 에서도 변화를 줄 필요가 있다. 다시 말하면, 학교교육에서 동아리 중심의 개인 취미활동 중심에서 벗어 나 더 체계적인 재능발굴을 위한 시스템이 보완되어야 한다. 둘째, 비형식교육에서는 지역 단위의 전문 교육프로그램이 확대되어야 한다. 이러한 교육시스템은 개인의 비용투자를 통한 전문교육보다 지자체 차 원의 전문 프로그램을 운영할 필요가 있다. 즉, 지자체와 대학이 연계된 전문교육 프로그램을 통해 운영 할 필요가 있다는 것이다. 셋째, 지자체는 지역의 상황에 맞는 엔터테인먼트 기업이나 단체, 사설학원을 지원하여 전문 프로그램을 운영할 수 있는 지원시스템을 구축할 필요가 있다.

This study was conducted to explore ways to sustain popular music in Korea, focusing on K-pop, which is recognized as the Korean wave of music. From an educational point of view, it is an exploration of ways to establish a systematic support system by supplementing the current process of school education and non-formal education. This study was conducted as a literature study. The results of this study are as follows. First, from the viewpoint of the education system for cultivating popular singers, it is necessary to make changes in school education. In other words, in school education, a system for more systematic talent discovery should be supplemented, away from the center of individual hobbies centered on clubs. Second, in non-formal education, regional professional education programs should be expanded. This education system needs to operate specialized programs at the local government level rather than professional education through individual investment. In other words, it is necessary to operate through professional education programs linked with local governments and universities. Third, local governments need to establish a support system that can operate professional education programs by supporting entertainment companies, organizations, and private academies suitable for the local situation.

This study aims to compare and analyze the roles of Chinese popular music education and traditional music education in the personal development of university students. Selecting students from comprehensive universities in China as research subjects, this study employs surveys and interviews to investigate differences in curriculum content, teaching methods, and educational goals between the two educational models. Popular music education has gained recognition in higher education for its flexibility and innovation, while traditional music education is renowned for its cultural depth and technical rigor. Through comparative analysis, this study reveals the strengths and weaknesses of each method in cultivating students’ creativity, technical skills, cultural inclusivity, and critical thinking. The research adopts Gardner’ s multiple intelligences theory, focusing on creativity, technical skills, emotional expression, social abilities, and cultural identity as core indicators. Results show that popular music education enhances creativity and social engagement, while traditional music education excels in developing technical skills and cultural appreciation. The study proposes integrating both approaches through course design, modern music technology, and diverse evaluation methods to foster students’ multidimensional growth. This integration offers educators new perspectives and tools, emphasizing the importance of technical training and creative development in music education. Unlike previous studies focusing on a single educational model, this research provides practical strategies for advancing music education innovation and development.

本研究旨在从大学生的视角出发, 比较分析中国流行音乐教育与传统音乐教育在大学 生个人发展中的作用, 选取中国综合类院校的大学生作为研究对象, 通过问卷调查和个别 访谈, 对两种教育模式在课程内容、教学方法和教育目标上的差异进行了深入探讨. 流行 音乐教育因其灵活性和创新性而逐渐在高等教育中获得认可, 与此同时, 传统音乐教育代 表着其深厚文化底蕴和严格的技术训练. 本文通过比较这两种教育方式, 揭示它们各自在 培养学生的创新思维、技术技能、文化包容性和批判性思维方面的优势和不足. 在研究过程中, 笔者设计并实施了一套综合问卷, 涵盖了关于课程设计、教学方法、学 生参与度和学习效果等多个方面的问题. 问卷的设计依据Gardner的多元智能理论, 选择 了创造力、技术技能、情感表达、社交能力和文化认同作为核心指标. 通过这五个指标 帮助评估两种教育模式如何分别影响学生的多维度智能发展. 研究结果表明, 流行音乐教育在促进学生创造力和社会参与方面表现突出, 学生能够在 轻松愉快的学习氛围中探索创新的音乐元素. 这种教育模式强调学生的自主学习和互动 能力, 尤其是在现代音乐制作技术的应用和现代乐器的使用上, 学生表现出了较高的兴趣 和掌握能力. 另一方面, 传统音乐教育则在提升学生的专业技术技能和文化传承方面具有 显著效果. 学生通过学习传统乐器和民族音乐表演, 能够深刻体会到文化传承的价值, 并 且提高对音乐作品的鉴赏力和艺术表现力. 然而, 本研究发现这两种教育模式各有其局限性. 接受流行音乐教育的学生有时会因过 于关注现代元素而忽视对基础音乐理论的扎实理解, 而传统音乐教育则可能在创新和实践 方面略显不足. 基于这种情况, 本研究提出了整合两种音乐教育模式的建议, 以实现更全 面的教育效果. 通过学科课程设计、现代音乐制作技术的应用以及多样化的评估方式, 研 究探索了促进学生多维度发展的可能性. 这种结合不仅能够提升学生对不同音乐文化的包 容性, 还能使学生在掌握传统音乐与流行音乐元素的同时, 形成独特的艺术表达风格. 本研究的创新之处在于通过比较分析, 为音乐教育的教学实践提供了新的视角, 强调在教育过程中技术训练与创造性发展的重要性. 与以往侧重于单一音乐教育模式的研究不 同, 本文所提出的综合教育实施建议, 不仅为教育者提供了切实可行的教学策略, 还为未 来的研究和实践提供了方向, 旨在促进音乐教育的创新和发展.