Earticle

본 논문은 예술적 리더십의 개념을 정립하고, 예술경영의 특수성에서 제기되는 리더십의 방향을 제시하는 데 연구의 목적을 둔다. 이를 위해 기본적으로 비즈니스 차원에서 말하는 리더십의 개념과 역사적 변천을 개관하고, 그것의 개념과 논의적 수준을 문화예술 분야에 적용할 수 있는 부분을 살펴보고자 한다. 그리고 예술경영의 역사 를 되짚어 리더십의 양상이 어떻게 변화해 왔는지, 그리고 1960년대 이후 예술적 리더십이 목표하는 양 날개(예 술적 수월성 vs. 경영 효율성)를 놓고 그것의 충돌과 갈등 지점에서 얼마나 다양한 선택과 의사결정이 있었는지 를 살펴보도록 하겠다. 그 과정 속에서 결국 한국적 현실에서 가능한 이론과 모델에 대한 인사이트를 얻을 수 있 으리라는 기대를 해 본다.

The purpose of this study is to define a fundamental concept of artistic leadership and presents its direction in the part of Arts & Cultural Management. First of all, this research looks over general descriptions of concept and transition of leadership in the business level, and then examines if those definitions and arguments can be applied on cultural section. Secondly, author tries to figure out how leadership has been changed by reviewing on history of Arts and Cultural Management. Those reviews can also make to examine phenomenon after 1960s how many choices and decision-makings were given by the leaders in their conflict circumstances where they should choose ‘artistic excellence’ or ‘management efficiency’. During the process, it is expected to have some insights of suitable theory and models in Korean situations after all.

오늘날 예술은 사람들의 삶과 밀접하게 연결되어 있다. 그리고 예술을 향한 대중의 관심도가 높아질수록 이를 상업적으로 이용하는 사람과 단체의 수도 증가하고 있다. 그 이유는 예술에 대한 대중적 관심은 자유 시장경제 체제 속 경제적 이윤 창출로 연결되기 때문이다. 이러한 환경에서 예술은 갈수록 더 상업화되어가 는 경향을 보인다. 이처럼 예술이 상업화되어가는 과정에서 적지 않은 부작용이 발생하고 있다. 대표적으로 는 예술 속 상업적 가치가 예술적 가치보다 더 중요한 성공의 기준이 되어가는 경향을 볼 수 있다. 본 연구 는 성공적인 예술의 탈상업화 방안을 모색해보았다. 그리고 탈상업화된 예술의 대중적인 성공 가능성을 확 인했다. 이를 위해 미국의 버닝맨 축제를 연구했다. 버닝맨 축제는 탈상업화를 지향하는 축제다. 특히 1986 년부터 현재까지 진행되고 있고 성공적인 축제의 대표 사례 중 하나다. 연구 결과 예술의 탈상업화도 대중 적인 성공이 가능한 것으로 나타났다. 하지만 이 경영철학이 해당 예술 관련 행사의 전반적인 운영과정에 영향을 미쳐야 하는 것으로 나타났다. 또한, 지속할 수 있고 대중적으로 성공하기 위해서는 이러한 경영철학 과 사람들의 욕구가 연결되어야 한다는 점도 밝혔다. 결론 부분에서는 예술의 탈상업화의 대중적 성공을 위 한 방안과 연구 결과가 예술경영 분야에 관심을 두고 있는 개인과 단체들에 이바지할 수 있는 부분을 제시 하였다.

Today, art is closely associated with people's lives. While people's interest in art increased, the number of people and organizations that use this commercially has also increased because popular interest in art leads to profit in the free market economy. In this environment, art tends to become more commercialized, followed by a number of side effects. Typically, it can be seen that commercial value in art tends to become a more important criterion for success than artistic value. This study explored the possibilities for the successful decommercialization of art and confirmed the potential for popular success of decommercialized art. For this, the Burning Man Festival of America was examined. The Burning Man Festival is aimed at decommercialization. In Particular, it has been running from 1986 to the Present and is one of the representative examples of successful festivals. As a result, the decommercialization of art could turn into a popular success. However, this management philosophy had to influence the overall operation of the art-related events for the decommercialized art to be successful. It was also pointed out that this management philosophy and the needs of people must be connected to gain sustainability and popular success. In the conclusion, measures for the public success of the decommercialization of art and the research results that can contribute to individuals and organizations interested in the field of art management were proposed.

한국무용작품의 공연행사에서 기존의 공연형태에서 벗어나지 못하는 구태의연한 연출과 안무작품으로 인하여 관객들에게 호평받지 못하는 일회성 행사로 그치는 경우가 있다. 그러나 무용예술의 발전을 위해서, 그리고 관객들을 위해서 한국무용 연출가와 안무가 및 제작자는 새로운 변화의 모습을 보여야 하는 현실에 직면하고 있다. 한국무용예술을 접목하여 공연하는 모든 예술작품의 효과증진을 위하여 무용예술경영의 연구가 필요하다. 무대종합예술작품은 거의 대부분 무용예술을 활용한다. 그만큼 무용예술은 우리들의 일상생활과 밀접한 관계를 유지하고 있다. 무대종합예술의 일종으로 오페라작품, 뮤지컬작품, 연극작품, 음악극작품, 무용극작품, 마당극놀이와 창극도 이 범주에 포함된다. 이러한 모든 종합예술작품은 무용예술이 함께 연희되는 경우를 볼 수 있다. 여기에서 무용예술은 한국무용, 발레, 현대무용, 째즈댄스등 무용예술 전체가 포함된다. 이러한 종목중에서 특별히 한국무용을 활용하여 공연예술이 효과적으로 공연되기 위해서는 무용예술경영학을 과감하게 그리고 필수적으로 도입하여 무대공연예술효과를 극대화 하여야 한다. 온갖 예술작품 중에서 무용만큼 우리와 가까운 예술은 없다. 우리들이 작품속에 자신의 마음과 특별한 의미를 부여하여 움직인다면 무용작품이 될 수 있다. 때문에 한국무용은 어느새 우리 가까이에 항상 존재하고 있다. 그러나 이렇게 가까워졌다는 친근감이 어떤 의미에선 무용을 불행하게 만들었다고 볼 수도 있다. 한국무용작품의 존재를 잃어버리고 있었는지도 모른다. 무용예술의 공연현장에서 무용을 구하는 일, 이것이 새로운 한국무용 예술작품을 창출하는 길이다. 생동감 있고 변화있는 무용예술자품을 창작해야 하며 관객들에게 즐거움을 줄 수 있는 무용예술작품을 창작해야 한다. 한국무용작품이 관객과 만나게 되었을 때 작품속에 한국적 이미지를 포함하고 있어야 효과적이다. 한국무용작품의 공연효과를 극대화하기 위하여, 그리고 한국무용작품을 안무하고 연출하여 최종적으로 극장무대에서 관객들과 만나는 경우에 무용예술경영화 작업이 병행되어야 한다.

Some of Korean traditional dance performance are not acclaimed and can not be more than just a one time event due to trite directing and choreography that couldn't deviate from the custom. However, for the development of dance art, and for the audience, Korean dance director and choreographer, and producer are facing a reality that have to show the face of new challenges. Business Administration in Dance Arts is planned to be introduced for effective promotion of all works of art performing by combining the Korean dance art. Dance Arts in Business Administration may be used for various applications. Stage comprehensive art works almost take advantage of the dance art. So dance art has kept a close relationship with our daily lives. Stage comprehensive art is as follows. Opera, musical, theater, music drama, dance drama, Madangguk(One of traditional Korean performance) are also included in this category. In the Korean traditional Music field, Changgeuk should also be included(Korean traditional opera). All of these comprehensive art works include dance art. At this point, dance art includes the whole dance art : Korean dance, ballet, modern dance, jazz dance, etc. For this reason, for arts performances to be performed effectively by utilizing the Korean Dance especially among these events, should maximize the effect of the stage performing art by introducing Business Administration in Dance Arts boldly and essentially. nothing is closer to people than Dance among all art works. If we move by giving a special meaning and own mind in this work, this can be a dance work. For this reason, Korean Dance has always existed in close us imperceptibly. However, this familiarity by approaching may be seen to make the misfortune to dance in a sense. Perhaps lost the presence of Korean dance works. Dance and producer did not even try to look for self-reflection for too long. Saving the dance in the reality of dance art, this is a way to create new Korean dance art works. Should creative lively and changing dance art works, and that can give pleasure to the audience. When Korean dance work meet the audience, It is effective that contains Korean image in the work. In order to maximize the performance effectiveness of Korean dance work, And until finally lifting Korean dance works the theater to meet with the audience by choreographing and directing, arts management should be combined.

우리나라의 공연예술 조직은 정부 재정지원의 시설건립에 의한 기관조직구조로 운영되고 있으며, 공적기반의 국공립문화회관을 중심으로 지역 문화 보호와 창달, 국민에게 창의적 작품 생산과 보급을 통한 문화 향유의 활성 화를 목적으로 하고 있다. 그러나 시대의 변화와 함께 예술소비가 증대하고 그에 따라 공연예술에 대한 질적, 양 적, 수준 등에 대한 요구의 다양화로 국공립문화회관에 대한 경영합리화 요구가 사회적으로 확산되고 있다. 이는 공연예술 핵심기관인 국공립문화회관의 행정중심의 공적구조와 운영에 대한 문제로 과거의 일방적 운영체제 유 지와 경제적 안정화에 따른 삶의 질 등을 중시하는 다변화과정에서 막대한 재정지원에도 불구하고 실질적 효과 가 나타나지 않는 것에 대한 문제제기이다. 본 연구는 공적기반의 독점체제를 유지해 온 국공립문화회관의 조직 과 구조, 운영현황 비교분석을 통해 문제를 제기하고, 조직이론의 관계조건을 통한 공연예술 활성화를 위한 실행 과 실천적 방안제시로 예술경영 조직으로의 개혁방안을 제시하였다.

South Korea’s art performance organizations are operated based on governmental support for facility establishment for the purpose of regional cultural protection and development and production and supply of creative works of art to the national people for broader cultural enjoyment. But with the changing times, art consumption increases and the demand for art performance is diversified in terms of its quality, quantity, etc. In this situation, public cultural centers face broader demand for business management rationalization from across the society. Such a demand is related to the public administration-oriented structure and operation of public cultural centers. Public cultural centers, as a key organization in art performance, received enormous amount of financial support in the process of social diversification valuing quality of living in a more stabilized economic status. But, despite such a huge financial aid, they did not show practically effective performance mainly because of their adherence to the unilateral operational mechanism of the past. Hence the demand is to take issue with the centers in this respect. In this research, metropolitan public art centers that have maintained the monopoly of public structure were examined for their organization and structure and compared their situations to identify problems and present implementation and action plans for art performance stimulation as organizational reform measures through the condition of relation under the organization theory.

본 연구는 국내 영화 콘텐츠 큐레이션 연구에 나타난 메타데이터 연구들을 찾아서 연도별로 내용과 변화를 예술 경영의 관점에서 분석하는 것이다. 큐레이션과 추천시스템은 모두 그 바탕에 메타데이터의 기능이 작동하고 있다. 연구 의 목적은 디지털 콘텐츠에서 큐레이션과 추천시스템이 어떻게 다른가를 확인하는 것이다. 연구절차와 방법은 ‘영화’와 ‘메타데이터’를 키워드로 논문을 검색하고, 이를 연도별 연구경향, 연구내용의 목적, 용도별 분석, 추천 방식의 유형에 따른 변화의 4단계로 분석하는 과정을 거쳤다. 연구 결과는 영화 메타데이터 연구는 이용자 측면의 연구에 관심이 높고, 도입단계, 추천방식 진화단계, 공유와 참여 단계로 발전하고 있으며, 영화 큐레이션은 검색지원, 콘텐츠 기반, 협력필터 링, 하이브리드, 인공지능, 큐레이션의 6단계로 진화하였다는 결론을 얻은 것이다. 이 연구는 장르별 예술경영을 위한 메타데이터 개발에 기여할 것으로 기대한다.

This study analyzed the contents and changes by year of metadata research that appeared in the study of domestic movie curation from the viewpoint of art management. The research method used thesis search site to search 'movie' and 'metadata' as keywords, and analyzed them in 4 stages of change according to the research trend by year, purpose of research content, analysis by use, and type of recommendation method. As for research results, movie metadata research is highly interested in user-side research, and is developing from an introduction stage to an evolutionary stage of recommendation to a sharing and participation stage. It was concluded that movie curation evolved into 6 stages: search support, content-based, collaborative filtering, hybrid, artificial intelligence, and curation.

본 연구는 한국 C대학 예술경영 전공 중국인 박사 유학생들의 입학 동기 형성 과정 을 탐색하는 데 목적이 있다. 이를 위해 재학생 20명을 대상으로 심층 면담을 실시하 고, 계획된 행동 이론(Theory of Planned Behavior, TPB)을 분석틀로 활용하여 수집 된 자료를 고찰하였다. 연구 결과, 중국인 박사 유학생의 대학 선택 과정은 구조적 요 인과 개인적 목표가 복합적으로 작용한 결과임이 밝혀졌다. 구체적으로 행동에 대한 태도 측면에서는 직업적 발전 가능성과 학위의 가치가 핵심 동인이었으며, 주관적 규 범 측면에서는 주변인의 지지와 국내 취업 시장의 제약 요인이 공존하며 유학생들이 신중하고 위험 회피적인 전략적 선택을 하도록 유도했다. 지각된 행동 통제 측면에서 는 장학금 및 통역 지원 체계가 실행력을 높이는 촉진 요인이 된 반면, 언어 장벽과 모 국 내 고용 불확실성은 제약 요인으로 작용하였다. 결론적으로 유학 과정의 제약 요인 들은 동기를 저해하기보다 구체적인 전략적 대응으로 전환되어 대학 선택에 결정적 영 향을 미치는 것으로 확인되었다. 본 연구는 유학생을 환경에 수동적으로 반응하는 존 재가 아닌, 복합적 맥락에서 최적의 경로를 탐색하는 ‘전략적 행위자’로 재조명했다는 점에서 학술적 의의를 지닌다.

This study explores the formation of admission motivation among Chinese doctoral students in Arts Management at C University, Korea. Using the Theory of Planned Behavior(TPB), in-depth interviews were conducted with 20 students to analyze their university selection process. The findings indicate that their decisions result from a complex interplay between structural factors and personal goals. Specifically, regarding Attitudes, career advancement and degree value emerged as primary drivers. In terms of Subjective Norms, social reputation and labor market constraints led students to adopt cautious, risk-averse ‘strategic choices.’ For Perceived Behavioral Control, institutional support served as a facilitator, while language barriers and employment uncertainty acted as constraints. In conclusion, constraints in the study abroad process were transformed into proactive strategic responses, significantly influencing final university selection. This study holds academic significance by redefining international students not as passive subjects but as strategic actors seeking optimal pathways within complex socio-cultural contexts.

본 연구는 한국 C대학 예술경영 전공 중국인 박사 유학생들의 입학 동기 형성 과정 을 탐색하는 데 목적이 있다. 이를 위해 재학생 20명을 대상으로 심층 면담을 실시하 고, 계획된 행동 이론(Theory of Planned Behavior, TPB)을 분석틀로 활용하여 수집 된 자료를 고찰하였다. 연구 결과, 중국인 박사 유학생의 대학 선택 과정은 구조적 요 인과 개인적 목표가 복합적으로 작용한 결과임이 밝혀졌다. 구체적으로 행동에 대한 태도 측면에서는 직업적 발전 가능성과 학위의 가치가 핵심 동인이었으며, 주관적 규 범 측면에서는 주변인의 지지와 국내 취업 시장의 제약 요인이 공존하며 유학생들이 신중하고 위험 회피적인 전략적 선택을 하도록 유도했다. 지각된 행동 통제 측면에서 는 장학금 및 통역 지원 체계가 실행력을 높이는 촉진 요인이 된 반면, 언어 장벽과 모 국 내 고용 불확실성은 제약 요인으로 작용하였다. 결론적으로 유학 과정의 제약 요인 들은 동기를 저해하기보다 구체적인 전략적 대응으로 전환되어 대학 선택에 결정적 영 향을 미치는 것으로 확인되었다. 본 연구는 유학생을 환경에 수동적으로 반응하는 존 재가 아닌, 복합적 맥락에서 최적의 경로를 탐색하는 ‘전략적 행위자’로 재조명했다는 점에서 학술적 의의를 지닌다.

This study explores the formation of admission motivation among Chinese doctoral students in Arts Management at C University, Korea. Using the Theory of Planned Behavior(TPB), in-depth interviews were conducted with 20 students to analyze their university selection process. The findings indicate that their decisions result from a complex interplay between structural factors and personal goals. Specifically, regarding Attitudes, career advancement and degree value emerged as primary drivers. In terms of Subjective Norms, social reputation and labor market constraints led students to adopt cautious, risk-averse ‘strategic choices.’ For Perceived Behavioral Control, institutional support served as a facilitator, while language barriers and employment uncertainty acted as constraints. In conclusion, constraints in the study abroad process were transformed into proactive strategic responses, significantly influencing final university selection. This study holds academic significance by redefining international students not as passive subjects but as strategic actors seeking optimal pathways within complex socio-cultural contexts.

본 연구는 그동안 학계에서 예술경영이라는 영역이 경영보다는 예술에 중점적으로 초점을 두었다. 그러나 본 연구는 기업의 목표 달성에 초 점을 둔 예술경영을 연구하기 위해 기업특성에 따른 예술콘텐츠 활용이 기업의 목표 달성과 고객몰입에 미치는 영향을 규명하여 선행 연구들 을 보완하기 위한 연구를 진행하였다. 또한 본 연구에서는 폭넓은 예술의 영역에서 다양한 모든 영역을 규명하는 것의 한계를 이해하고 음악이 라는 영역으로 제한하여 기업경영에서 활용해 온 예술콘텐츠와 예술경영에서 활용해 온 경영기법을 통합하는 연구를 제안하고 규명하였다. 분석결과 제조업으로 인지되는 기업의 고객몰입보다 서비스업으로 인지되는 기업에 대한 고객몰입이 더 큰 것으로 나타났다. 그리고 저기 술로 인지되는 기업의 고객몰입보다 고기술로 인지되는 기업에 대한 고객몰입이 더 큰 것으로 나타났다. 또한 단일장르 공연을 활용한 기업의 고객몰입보다 복합장르 공연을 활용한 기업의 고객몰입이 더 높다는 것을 확인할 수 있었다. 복합장르 공연을 활용한 기업의 경우가 단일장르 공연을 활용한 기업의 경우보다 긍정적 고객몰입이 더 큰 것으로 나타났고, 복합장르 공연을 활용한 제조업 인지 기업의 경우가 단일장르 공연 을 활용한 제조업 인지 기업의 경우보다 고객몰입이 더 큰 것으로 나타났다. 복합장르 공연을 활용한 서비스업 인지 기업의 경우가 단일장르 공연을 활용한 서비스업 인지 기업의 경우보다 고객몰입이 더 큰 것으로 나타났다. 복합장르 공연을 활용한 저기술 인지 기업의 경우가 단일장 르 공연을 활용한 저기술 인지 기업의 경우보다 고객몰입이 더 큰 것으로 나타났다. 복합장르 공연을 활용한 고기술 인지 기업의 경우가 단일 장르 공연을 활용한 고기술 인지 기업의 경우보다 고객몰입이 더 큰 것으로 나타났다. 마지막으로 복합장르 공연을 활용한 경우, 저기술 서비 스업의 경우보다 고기술 제조업의 경우가 고객몰입이 더 큰 것으로 나타났다. 이러한 연구 결과는 예술경영의 학문적 의미와 실무적 의미의 확장에 있어, 기존 예술경영은 예술 자체의 소비에 초점을 두었으나 본 연구 에서는 예술을 활용한 기업목표달성과 예술경영의 개념적 확장을 검증하여 이론적으로 매우 큰 의미가 있다고 하겠다. 또한 경영학적 관점의 기업특성이 예술콘텐츠의 유형에 따라 고객몰입이라는 기업목표에 유의미한 영향을 미친다는 것을 검증하여, 전통적인 경영학 이론의 영역을 확장하였다는 점이 의미가 있다고 하겠다. 또한 이러한 결과를 바탕으로 기업의 실무 담당자들은 이점을 고려하여 예술콘텐츠 활용에 적용하 면 기업목표와 관련한 예술경영의 전략적 차원에서, 서로 양립 가능한 단일장르를 융합한 복합장르 공연을 개발(창작)하여 활용한다면 기업의 예술경영에도 도움이 될 수 있겠다. 따라서 관련 실무자는 향후 복합장르 공연(양립 가능한 장르의 융합)을 더 창작하여 예술경영의 실무적 활 용을 장려할 필요가 있겠다.

This study aimed to the impact of utilizing artistic content based on company characteristics, with a focus on arts management and its influence on customer engagement in achieving corporate goals. Recognizing the limitations of exploring various areas in the broad domain of art, this research limited the scope to the domain of music to propose and elucidate a study that integrates artistic content utilized in corporate management and management techniques employed in arts management. For this purpose, a research model was set and tested with a total of five hypotheses. The analysis result showed that customer engagement was greater for companies perceived to be in the service industry than for companies perceived to be in the manufacturing industry, and that customer engagement was greater for companies perceived as high-tech than for companies perceived as low-tech. We also found that customer engagement was higher for companies that used multi-genre performances than for companies that used single-genre performances. Positive customer engagement was found to be greater for companies that used multi-genre performances than for companies that used single-genre performances, and in the manufacturing sector, companies perceived as utilizing composite genre performances showed higher customer engagement than those perceived as utilizing single genre performances. Similarly, in the service sector, companies perceived as utilizing composite genre performances exhibited greater customer engagement than those perceived as utilizing single genre performances. For companies perceived as low-tech, those utilizing composite genre performances displayed higher customer engagement compared to those utilizing single genre performances. Similarly, for companies perceived as high-tech, those utilizing composite genre performances showed greater customer engagement than those utilizing single genre performances. Finally, when utilizing composite genre performances, it was observed that high-tech manufacturing companies had greater customer engagement than low-tech service-oriented companies. These findings are of great theoretical significance in expanding the academic and practical meaning of arts management, as existing arts management focuses on the consumption of art itself, but this study verifies the conceptual expansion of arts management and the achievement of corporate goals using art. Moreover, from a managerial perspective, the validation that corporate characteristics have a meaningful impact on customer engagement, influenced by the type of artistic content, expands the traditional realms of management theory. Furthermore, based on these results, practical implications suggest that industry practitioners, considering these benefits, could enhance strategic dimensions of arts management related to corporate objectives. Developing and utilizing composite genre performances that seamlessly integrate compatible single genres could prove beneficial in the strategic realm of arts management for companies. Therefore, practitioners in the field should consider encouraging the creation of more composite genre performances (fusion of compatible genres) in the future to promote practical applications of arts management.

본 연구는 국내 문화마케팅의 동향을 연구하기 위해 언어 네트워크 분석을 활용하였다. 기존 연구는 기업문화마케팅의 개념 규정과 유형화, 문화마케팅의 영향 및 성과 등을 살펴보았지만, 시간의 흐름에 따른 기업문화마케팅의 변화는 주목하지 않았다. 이에, 2001년부터 20018년까지로 시간적 범주를 설정하고, 현대자동차의 문화마케팅이 보도된 국내 일간지 기사 2450건을 분석대상으로 삼았다. 18년의 시간을 4개의 시기로 분류하고, 각 시기마다 빈출 단어 리스트를 추출하여 한국어 언어 분석 프로그램 Textom과 사회연결망 분석 프로그램 Ucinet으로 분석하였다. 연구 결과, 현대자동차의 문화마케팅은 판매와 영업을 뒷받침하기 위한 수단에서 브랜드와 기업 정체성을 차별화하기 위한 전략으로 발전하고 있었다. 2000년대 초반에는 ‘고객’, ‘공연’이 빈도 수가 높은 단어로 추출되었으며, 현대자동차가 공연 중심의 문화이벤트를 고객 대상으로 개최하여, 특정 소비자 그룹에게 혜택을 제공하는 방식으로 문화마케팅을 시작했음을 보여준다. 2000년대 후반에 상위 노출된 단어는 ‘예술의전당’, ‘서울시립교향악단’으로, 인지도 높은 문화예술기관의 주요 문화이벤트를 후원함으로써 사회적 관심과 이슈를 이끌어내는 전략을 구사하였다. 2010년대 초반에는 기존고객 중심에서 잠재고객으로 대상을 넓히고, 문화마케팅을 아우르는 브랜드와 공간(‘브릴리언트’와 ‘현대아트홀’)을 선보였다. 2010년대 중후반에는 ‘브랜드’와 ‘글로벌’이 가장 많이 노출되었으며, 문화마케팅의 초점이 고객에서 브랜드 구축으로, 국내에서 글로벌로 확장되고 있음을 보여준다.

예술분야는 여성의 활동비중이 큰 분야 중 하나이다. 그러나 직업진출의 이전 단계인 대학교육에서의 수적 우세와 그 이후 직업적으로 활동하는 비율이 타 분야에 비해 높다는 피상적인 인식 때문에 성평등에 대한 면밀한 분석 대상에서 간과되어왔다. 예술활동은 개인의 창의적 가치를 중심으로 1인 창작이나 소규모집단의 창작이 대규모 조직을 기반으로 하는 활동보다 비중이 높다. 또한 프리랜서형태로 일과 가정의 경계가 공간적으로나 심리적으로 느슨한 상황에서 활동이 이루어지는 경우가 많은 특성이 있다. 이것은 기존의 일-가정 양립제도가 전제로 하는 공사영역의 배타적인 구분이나 근대적 산업사회 모델이 적용되기 어려운 근거가 된다. 또한 이념적으로는 가부장제의 성별화된 ‘모성’의 가치를 실천할 것을 요구받으면서 실제 생활에서는 육아와 같은 돌봄노동에서 ‘모성적’ 행위는 사회적으로 징벌하는 상황에 놓여있다. 이 논문은 다양한 분야에서 일하는 여성예술창작자 및 여성예술기획자의 경험을 통해 이러한 현상이 어떻게 나타나고 있는가를 밝히고 예술직업의 성별화가 초래하는 문제점에 대해서도 논의할 것이다. 문화예술분야의 노동특성이 기존 여성학 연구에서 부딪치는 한계를 해결할 수 있는 새로운 가능성의 단초를 탐색한다.

부산국제록페스티벌은 18년 이상 부산에서 진행되어온 국내 대표 록페스티벌이다. 현재 부산국제록페스티벌은 경쟁력하락, 장소이전 등의 현안들을 지니고 있다. 최근 국내에서 진행되는 다수의 록페스티벌 역시 유사한 문제로 고민하고 있는 실정이다. 연구자는 본 연구를 통해 부산국제록페스티벌을 중심으로 국내 록페스티벌의 발전방안을 모색하고자 이에 대한 논의와 방안들을 제안하였다. 연구방법으로 현장설문조사를 실시하여 보다 실증적인 자료를 제시하였다. 그 결과 다수의 부산국제록페스티벌 관람객이 유료화에 대해 부정적임을 발견하였다. 유료화도입은 전면유료화와 부분유료화로 구분하여 생각할 수 있을 것이다. 하지만 록페스티벌에서 출연진강화 등 경쟁력을 위한 유료화 도입은 신중히 검토되어야 한다. 더불어 장소이전문제와 교류사업확대 역시 함께 고민해야 한다. 이러한 정책들은 시민, 전문가평가단 등 피드백시스템을 통해 참여자들이 공동으로 만들어가는 구조 하에 진행될 수 있을 것이다. 본 연구를 통해 국내 록페스티벌과 음악시장의 발전을 기대한다.

The Busan International Rock Festival has been the leading music festival in Korea for more than eighteen years. Currently, the Busan International Rock Festival is experiencing a few issues with regards to its decreased competitiveness and venue discovery. Other rock festivals taking place in Korea these days have similar issues as well. Therefore, this study discusses and suggests a growth plan for rock festivals in Korea, focusing on the Busan International Rock Festival to serve as a model for the industry at large. For this purpose, the researcher has conducted on-site surveys to provide empirical data. As a result, it has been proven that the majority of audiences of the Busan International Rock Festival oppose the idea of the festival starting charging an admission fee, which could be either full or partial. If the purpose of charging for admission is to attract well-known performers in order to increase its competitiveness, this should be regarded with caution and systemically analyzed before any decision is finalized. In addition, there are other issues to consider, including identifying potential venue locations and expanding exchange programs. One possible method to resolve these additional issues is through a dynamic feedback system by which expert and citizen evaluators will work with the public in order to find equilibrium. Through this study, the researcher hopes to provide solutions to these pressing matters in order to stimulate not only the growth of rock festivals, but also the music industry in Korea.

이 연구는 현재 진행되고 있는 공공부문에서의 대중음악 지원정책에 대하여 분석하고, 해외 선진 사례를 비교 하여 살펴봄으로써 한국대중음악의 발전 방안을 제안하는데 목적을 두고 있다. 그리고 다른 예술장르와 마찬가지로 우수한 콘텐츠를 지속적으로 시장에 공급하여 소비자인 대중들에게 선택 을 받도록 하는 것이 한국대중음악의 지속적인 발전을 담보하는 최선의 방안이며, 그것이 가능하기 위해서는 우수 한 콘텐츠가 만들어질 수 있는 창작기반을 강화할 수 있도록 지원해야 한다는 전제를 가지고 연구를 진행하였다. 또한 문화산업적인 효용성과 함께 동시대인들의 압도적 지지를 받고 있는 예술의 한 장르로서의 대중음악의 창작 기반 강화는 공공부문에서의 보다 적극적인 정책적 지원을 통해 이뤄져야 한다는 입장을 가지고 연구에 임 하였다. 문화산업은 이제 개인이나 기업 차원에 한정하여 논의할 대상이 아니다. 문화산업은 국가 핵심 산업의 하나로 정부 차원에서 전략을 수립하고 체계적으로 지원하여야 하는 부분이다. 그리고 K-pop을 필두로 한국대중문화가 전 세계적으로 확산 움직임을 보이는 지금이 한국대중음악에 대한 정책적 관심과 지원이 집중되어야 할 때이다. 다만 이번 연구는 대중음악을 문화산업적인 측면에서 접근하는데 그치고 있어, 대중음악이 가지고 있는 본질 적인 요소인 예술적･사회적 가치와 효용성에 대하여 깊이 있게 논의를 전개하지 못한 미흡함이 있어 이후의 연 구에서 이를 보완하여야 할 것이다.

This study focuses on the support for popular music in public sector policy. In addition, it suggests development strategies for Korean popular music based on a comparative case study of the overseas popular music support policy. It explores how it is pivotal to continuously provide qualified content to be selected from the public, sustaining development of Korean popular music as is the case with other art genres. To perform this, it is the presupposition that there should be support to reinforce the creative foundation in order to create qualified content. Furthermore, this study states the perspective that it is necessary to have positive supporting policies in the public sector about the reinforcement of creative foundations for popular music, as popular music is considered an art form that has strong public interests and utility in the cultural industry. The cultural industry is not a subject to be discussed separately on the individual level or organizational level. It should be discussed as one of the national core industries establishing strategies and having systematic support on a government level. Furthermore, it is time to focus on political interest and support of Korean popular music as it globally expands from K-pop to Korean culture. The limitation of this study is only discussing popular music as the perspective of the cultural industry and not covering popular music’s artistic and social value and utility. Therefore, further research can be performed on these topics.

The Journal of Arts Management, Law and Society는 40년 이상 예술과 관련된 거의 모든 분야와 관련하여 다양한 주제를 다루어 왔다. 이처럼 오랜 역사를 지닌 특정 저널의 아티클을 총체적으로 분석하는 것은 분명 한계가 있는 작업이지만 전체적인 흐름을 되짚어 봄으로써 시대별로 어떤 중요한 이슈가 있었고 어떤 주제어들이 연구 자들의 관심을 끌었는지 보는 것은 나름의 의미가 있다. 본 연구는 JAMLS의 전반적 흐름을 분석함으로써 다양한 주제에 대한 접근과 기존 연구에 대한 전반적 이해를 높이는 데 그 목적이 있다.

Over 40 years The Journal of Arts Management, Law and Society covered almost all aspects of arts and its relation to the world—politics, sociology, management and administration, society, institution and so on. This study aims to illustrate significant changes of the journal by chronological approach and categorized subject terms. Although it is difficult to place over 1,000 articles in a linear fashion, it is worth to review the whole journal just to have insights of arts and discover various related subjects.

전체 예술계에서 차지하는 다양하고도 중요한 역할에도 불구하고 소규모 예술단체의 경영 방법론과 이를 지원하는 각종 정책에 관한 연구들은 아직 기초단계에 머물러 있다. 소규모 예술단체에 대한 본격적인 연구의 일환으로 본 논문에서는 미국 지역의 13개 소규모 예술단체에 대한 다중 이야기 분석연구(Multiple Case Narrative method)와 하나의 소극단에 대한 심층사례연구 (Case study)를 교차분석하여 소규모 예술단체가 공유하는 구조, 운영방법, 그리고 재정의 공통분모를 도출한다. 그 공통분모는 소규모 예술단체의 유연성(Flexibility)으로 귀결되는데, 이러한 유연성은 소규모 예술단체의 경영에 있어 무엇보다 중요한 혁신성과 창조적 역동성을 지속시켜주고 있다.

Despite their high numbers and significant role in the cultural sector, small arts organizations (SAOs) have not received serious attention in the field of arts management and cultural policy. As part of a larger research (Chang, 2011) on how to support the creative vitality of small arts organizations, this paper examines their common ground. It applies the method of multiple case narratives to 13 selected local SAOs and cross-references it with an in-depth case study on an emerging theatre. Although even the 13 SAOs revealed much diversity among them, when we look at their structure, operation, and finances, an important common ground emerges, which is their flexibility. They are informally organized, their workers are not necessarily specialized to carry out only one task, and they are self-subsidized in a variety of creative ways. Their flexibility enables SAOs to be innovative and is crucial for their creative vitality. Perhaps SAOs’ common ground can be a good model that other businesses can follow. This paper calls for future research on arts management strategies and cultural policy initiatives for small arts organizations.

한류와 국악은 문화 수출 및 교류라는 공동 목표를 가지고 있고 한류는 어느 정도 가시화된 성과를 이루었다고 보여 진다. 이러한 한류는 한국문화의 세계화에 분명한 기회를 제공할 것이며 국가브랜드 창조와 문화 성장의 원동력이 될 것이다. 더불어 국악 세계화의 방법을 한류에서 찾을 수 있고 한류의 장기화에 필요한 콘텐츠 및 문화 가치를 국악이 제공할 수 있는 상호보완 관계도 가지고 있다. 본 연구는 한류와 국악의 목표 측면에서 ‘경제 이익과 문화 가치 창출’ 및 ‘대중성과 예술성’, 그리고 내용 측면에서 ‘동·서양 문화사조’ 및 ‘동질감과 이질감’이라는 특징을 역학(상호 작용) 관계로 규정하여 살펴보겠다. 첫째, 한류는 치밀하고 체계적인 문화 마케팅 전략을 통해 경제 이익 창출이라는 목표를 이루어 왔다. 이러한 한류의 마케팅 전략은 국악의 세계화에 큰 밑거름을 제공할 수 있고 전통예술인 국악의 문화 가치 창출 목표는 한류가 보다 다양하게 발전하는데 기여할 수 있다. 둘째, 한류는 보다 많은 소비자 확보를 위해 철저한 다문화적 대중성을 근간으로 하는 작품을 생산하고 있다. 특히 최근 한류 시장의 영역을 유럽과 미국으로 확대한 신한류(k-pop)의 대중성은 오랜 시행착오를 거쳐 형성된 것으로 국악의 세계화와 현지화를 위한 창작에 필요한 음악적 요소가 무엇인지를 보여준다. 국악의 역사성과 예술성은 k-pop을 한국적 개성을 가미한 작품으로 변화 발전시킬 수 있다. 셋째, 국악은 한국을 넘어 아시아 문화의 광범위한 수용을 통해 형성되었다. 국악의 동양 문화 사조 대표성은 아시아에서는 동질감으로 유럽에서는 이질감으로 받아 들여져 유대감과 신비감의 문화로 인식된다. 한류는 한국의 문화임에도 불구하고 장르나 구성에서 서구 문화 사조를 가지고 있어 국악과는 반대의 느낌을 소비자에게 제공한다. 이러한 문화 사조와 질감은 각 국가나 민족(소비시장)마다 다른 결과와 효과를 만들어내기 때문에 적절이 두 요인을 조화시켜 접근하면 문화 수출에 성공할 수 있다. 국악은 세계화를, 한류는 시장의 확대와 장기화를 필요로 한다. 두 현상이 가진 각 요인들을 조직적으로 활용하면 한류의 과거는 국악의 미래, 국악의 현재는 한류의 미래를 밝게 할 수 있다. 가장 중요한 것은 한국의 예술인, 기획자, 정책자들이 두 현상의 상호 보완적인 관계를 정확히 인식하고 문화의 생산에 적극 활용하는 것이다.

Both Gugak(the Korean traditional music and dance) and Hanryu(the Korean cultural wave) share a common goal of the international cultural export and exchange. Hanryu will provide a clear chance for the globalization of Korean culture and become the driving force for the cultural development and creation of Korean national brand. Also, Hanryu can guide the globalization of Gugak, while adapting the additional contents from Gugak for its long lasting in a complementary relationship. This study focuses on the characteristics of 'Economic gain and creation of cultural value' and 'Popularity and artistic value' as its target, and 'Cultural trend of the East and West' and 'Senses of the similarity and dissimilarity' as its contents, in their interactions. First, Hanryu has achieved economical success by applying detailed and systematical marketing strategies. Gugak may adapt this for its globalization and development while enriching the Hanryu contents by providing an additional diversity. Second, in the effort of securing more global consumers, Hanryu has thoroughly produced their contents based on the multi-cultural popularity. Specially, recent success of New Hanryu (K-pop ; new korean cultural wave : korean pop music) in Europe and North America was only possible through out the years of trials and errors. This may suggest a direction for Gugak composers what kind of elements should their music include for the globalization and localization. Also, the history and artistic value of Gugak may provide the K-pop an additional Korean characteristics in their contents. Third, Gugak was formed partially in the result of wide adapting of Asian culture. The cultural trend of Gugak presents a similarity in Asia, while does the opposite in Europe as a culture of mystique uniqueness. The origin of Hanryu is Korea for certain, but its genre and trend are mainly belong to the Western sense away from Gugak. This kind of cultural sense and trend requires the different approach for each nations and ethnic groups for the success. Gugak requires the world wide reorganization while Hanryu seeks the expansion and long run of its market. A mutual and systematic adapting between these two phenomenon suggests a promising future. Most importantly, the Korean artists, producers, and administrator must clearly recognize the situation and put their effort on this complementary relationship for their benefit.

예술경영 연구는 학문적으로 정립되는데 있어서 두 개의 대표적인 특성이자 과제를 안고 있다. 첫째는 이론적 차 원의 과제로서 현장에서 출발한 연구의 특성상 이론과 방법론의 독자성을 추구하기 보다는 기성의 다학문적 이론과 방법론의 활용한 연구가 주류를 이루고 있다는 점이다. 즉 예술경영학의 정체성 문제이다. 둘째는 실천적 차원의 과 제로서 예술경영 이론이 예술의 현장의 관점이나 문제제기와 관점을 어떻게 반영하고 수렴하고 있는가이다. 아직까 지도 예술가들에게는 예술경영의 목표들이 ‘예술적’ 활동을 상업적 혹은 물질적 가치로서 치환함으로써 세속화시킨 다는 선입견이 존재한다. 그 결과 예술경영적 실천이 예술가로 하여금 자기 예술의 자생성과 지속가능성을 실현할 수 있는 방법이 될 수 있음을 간과하게 만든다. 본 논문은 후자의 문제를 풀기 위한 시도로서 예술가의 관점에서 인 지되고 있는 예술경영의 개념을 찾는 것을 목적으로 한다. 현재 논의되고 있는 예술경영의 중요한 개념들이 한국의 근대화 시기에 예술의 현장에서 어떤 방식으로 발화 되었는가를 실증자료를 근거로 조사하여 ‘예술경영’이 어떤 의미 로 이해되었는지 분석한다. 예술가들의 사고 및 행동에서 예술경영의 단초들이 어떻게 존재하였는가를 분석하는 기 준으로는 예술경영학의 주요 원론서에 등장하는 공통적인 개념들을 추출하여 사용한다. 예술경영 개념 발화를 실증 할 수 있는 자료로는 아르코예술기록원(구 국립예술자료원)의 한국근현대예술가 구술채록집을 활용하였다. 연극과 무 용분야 19명의 예술가 구술채록(평론가 제외) 분석 결과 열 명의 예술가들에게서 예술경영의 관점을 추적할 수 있었 다. 이들에게 중요하게 인지되었던 예술경영 개념은 관객, 매표, 예술적 리더십, 후원임을 알 수 있었다.

Arts management research faces two major challenges in establishing itself as an independent academic discipline. Arts management study tends to adopt major theories and methodologies from other academic disciplines. This may be referred to the identity issue of arts management research. Another challenge pertains to how well arts management theories reflect realities of its field and are able to provide prescriptions on its pertinent problems. The latter has influenced to form a gulf between artists and arts managers in Korea on the role of arts management. In the past, many artists in Korea acknowledged arts management to flatter on whims of market rather than support artist and organization for sustainability. This paper traces the footage of arts management ideas and practices of modern Korean artists who were most active in the ages between 1940s~1980s especially in the fields of drama and dance. To analyze how modern artists adopted key ideas of arts management theory, we have scrutinized oral history archives of 19 artist that were produced by the Arts Council of Korea. We could trace narratives on the concepts of “audience development”, “patronage”, “arts entrepreneurship”, and “arts leadership” in ten out of 19 artists. This preliminary research leaves much room for discussion in the future about the specific environment and context of how these narrative might be interpreted.

이 글은 예술경영학의 학술적 글쓰기에 필요한 관점과 구성요소들을 구체적으로 설명하고 현실적 글쓰기에 도움 이 되려는 것을 목적으로 한다. 우선 예술경영학이 갖는 학제간 연구의 특성과 초학제적 연구의 특성을 설명하고 이 것이 복합학으로서의 예술경영학의 정체성을 구성함을 주장한다. 논문쓰기의 과정과 절차를 다음과 같은 세 단계로 구분하여 설명함으로써 보다 명확한 글쓰기의 방법을 익힐 수 있도록 제안한다. 첫 번째 단계에서는 연구문제의 도 출, 두 번째 단계에서는 선행연구와 이론의 탐색, 세 번째 단계에서는 연구방법론 활용의 유의점에 집중하여 설명한 다. 특히 연구주제로부터 연구문제를 구체화시키는 과정은 가상의 명제를 사례로 들어 분석함으로써 예술경영학이라 는 전공분야의 정체성을 드러날 수 있는 연구문제를 찾아가는 방법을 제시한다.

This article aims to provide specific perspectives and components essential for academic writing in the field of Arts Management, with a focus on being practically helpful for real-world writing. It first explains the interdisciplinary and transdisciplinary nature of Arts Management research, arguing that these characteristics shape the identity of Arts Management as a composite discipline. The process and procedure of writing an academic paper are then described, focusing on the derivation of research problems, exploration of prior studies and theories, and key considerations in utilizing methodologies. Among these, particular attention is given to the process of refining a research topic into a specific research problem through hypothetical propositions. Furthermore, it outlines the characteristics that research problems should possess to reflect the identity of Arts Management as an academic field.