Earticle

함세덕은 그에게 찍힌 ‘월북작가’라는 타이틀과 친일이라는 색채를 풍기는 그의 작품들로 인해 당대 다른 작가들에 비해 연구가 활발히 이루어지지 않았다. 그러나 다른 작가들과 다른 눈에 띄는 행보를 보 이는 것과 동시에 그의 작품에서 드러나는 차별점 또한 주목할 필요가 있다고 판단하여 그의 작품 <산허 구리>를 살펴보고자 한다. <산허구리>를 바라볼 ‘비극성’이라는 개념은 그 기준이 명확하지 않기에 테리 이글턴의 비극론을 빌어 비극적 상황과 내면적 갈등, 비극적 의식의 발현이라는 관점에서 접근하였다. 이에 <산허구리>는 근대화의 물결에 휩싸여 고통받던 어촌 주민들의 고통을 바다라는 자연적 요소와 사 회적 구조의 모순이라는 요소가 얽힌 시공간적 상황을 통해 묘사했음을 알 수 있었다. 나아가 그 안에서 살아가는 인물들의 내면적 갈등과 그에 부여된 비극적 결함에 의해 펼쳐지는 사건을 통해 비극적 양상을 드러내고 있음을 살펴보았다. 이것이 첫 번째 비극적 양상이라면 두 번째 양상은 처와 석이가 추구하는 삶에 대한 태도의 대비를 통해 마주한 상황 속에서 무너지는 것이 아닌 죽음과 고통에 의미를 부여하며 새로운 생명력을 추구하는 근대적 주체 의식을 드러내는 것이다. 이성과 개인적 자유를 추구하는 근대적 인 주체는 비극성을 동반할 수밖에 없는데 이는 스스로 확신하기 위해 세계가 필요하지만, 확신 이후의 실현은 세계 속에서의 자기소외를 동반하기 때문이다. 이러한 점에서 함세덕의 <산허구리>는 근대적 주 체가 동반하는 소외감과 앞서 언급한 변증법적 합리성을 기반으로 근대적 비극관에 대한 의식을 묘사하 는 것이라 볼 수 있다. 이에 본 연구는 비극 이론의 전통적인 쟁점에 대해 반박하며 우리 시대에 적절한 새로운 비극 개념을 제시한 영국의 문학 이론가 테리 이글턴의 비극론을 빌어 <산허구리>를 바라보고자 한다. 이를 위해 우선 이글턴의 비극론에 대해 살펴본 후 이를 바탕으로 <산허구리>에서 드러나는 비극 성의 양상을 파악해 볼 것이다. 또한, 작품분석에 대한 기준을 설정하기 위해 비극적 상황과 내면적 갈 등, 비극적 의식의 발현이라는 두 가지 측면을 통해 접근하고자 한다.

Ham Se-deok's research was not actively conducted compared to other artists of his time due to the title of a ‘Writer Who defected to North Korea’ and his works that exude the color of pro-Japanese. However, I would like to examine his work <Sanheoguri>, judging that it is necessary to pay attention to the differences revealed in his work at the same time as showing a remarkable move different from other artists. The concept of ‘tragedy’ to look at <Sanheoguri> was approached from the perspective of tragic situations, inner conflicts, and expressions of tragic consciousness using Terry Eagleton's theory of tragedy because the standards were not clear. Therefore, it can be seen that <Sanheoguri> describes the suffering of fishing villages in the wave of modernization through a spatio-temporal situation in which the natural element of the sea and the contradiction of social structure are intertwined. Furthermore, it was examined that the tragic aspect was revealed through the events unfolding by the inner conflicts of the characters living in it and the tragic defects assigned to it. If this is the first tragic aspect, the second aspect reveals a modern subjective consciousness that pursues a new life force by giving meaning to death and pain rather than collapsing in the situation faced by contrasting the attitudes toward life pursued by his wife and son. The modern subject pursuing reason and personal freedom is bound to be accompanied by tragedy because the world is needed to be sure of itself, but realization after conviction is accompanied by self-alienation in the world. In this respect, Ham Se-deok's <Sanheoguri> can be seen as a description of the consciousness of the modern view of tragedy based on the sense of alienation accompanied by the modern subject and the dialectical rationality mentioned above. Therefore, this study aims to look at "Sanheoguri" using the tragedy theory of Terry Eagleton, a British literary theorist who refuted the traditional issues of tragedy theory and suggested a new concept of tragedy appropriate for our time. To this end, we will first look at Eagleton's theory of tragedy, and based on this, we will grasp the aspect of tragedy revealed in "Sanheoguri". In addition, in order to set the standard for work analysis, we will approach it through two aspects: tragic situation, inner conflict, and expression of tragic consciousness.

본 논문의 목적은 쇼펜하우어와 니체의 비극에 대한 해석을 비교하는 것이다. 예술의 한 양식으로서 비극은 삶의 근본 조건에서 비롯된 끔찍함과 불안을 예술의 자양분으로 삼는다. 쇼펜하우어에서 비극은 여타의 예술과 마찬가지로 맹목적 의지에서 비롯된 고통을 잠시 저지시키는 ‘진정제’의 역할을 한다. 그에게 비극에 대한 평가 기준은 세계의 진상인 고통의 일반성과 깊이를 얼마나 객관화하고 효과적으로 재현하는가에 달려있다. 여기에 가장 합당한 비극은 인간관계에서 비롯된 고통의 일상화를 형상화한 근대의 비극이다. 비극은 고통을 대하는 최고의 지혜가 삶에 대한 체념임을 가르친다. 쇼펜하우어의 비극이해와 달리 니체에서 비극은 삶에 대한 체념의 지혜를 전달하는 예술이 아니다. 오히려 그에게 비극의 효과는 염세주의의 극복에 있다. 또한 그에게 비극은 쇼펜하우어가 분류하듯이 시문학의 일종이 아니라 음악, 정확히 말해 합창이 바탕이 되는 그리스 비극을 지칭한다. 비극의 효과적 측면에서도 니체는 쇼펜하우어와 달리 비극을 의지의 진정제가 아니라 삶의 자극제로 파악함으로써 쇼펜하우어의 의지의 형이상학을 비판하는 근거로 삼는다.

This article aims to discuss the concept of the tragedy of Schopenhauer and Nietzsche. The tragedy as a form of art is deeply rooted in life, in which fear and terror arise from living conditions. For Schopenhauer, tragedy plays the role quietly and, like other arts, calmly, at least temporarily, relieving suffering that results from blind will. For him, the evaluation of tragedies depends on how they can objectively and effectively represent the ordinariness and depth of suffering. A pattern for this is the tragedy of the modern age, in which misfortune is brought about by the mere position of the persons against each other and the conditions. For Schopenhauer, tragedy means that the best wisdom against suffering of life is contemplation. Nietzsche dissociates himself from Schopenhauer's conception of tragedy. For Nietzsche, tragedy is not an art that teaches contemplation of suffering from life. On the contrary, tragedy shows a way to overcome pessimism. Schopenhauer's talk of the 'Quietiv des Willens' sets Nietzsche's thesis of art as the 'great stimulant to life'. Nietzsche also distances himself from Schopenhauer's conception of tragedy in relation to the art form, that it belongs to poetry. Nietzsche, on the other hand, claims that tragedy is

본 연구는 위화의 장편소설 『원청(文城)』이 지닌 이중서사 구조를 분석하여, 작품 전 체에서 두드러지는 비극적 운명과 ‘원청(文城)’이라는 허구적 공간이 어떠한 의미를 지 니는지를 밝히는 데 목적이 있다. 제1장에서는 두 서사가 교차하면서 확장되는 비극적 운명의 양상을 고찰한다. 첫 번 째 서사, ‘원청’에서는 주인공 린샹푸 시점으로 이야기가 전개된다. 그가 사라진 아내 샤 오메이를 찾아 남방으로 내려가지만 결국 실체가 불분명한 원청에 닿지 못한 채 시진(溪 鎮)에서 비극적 결말을 맞는 과정을 그린다. 두 번째 서사, ‘또 하나의 이야기(文城补)’는 샤오메이 관점에서 동일 사건을 재구성한다. 샤오메이는 자신을 찾는 린샹푸를 알면서 도 자신을 드러내지 않는 이유, 즉 왜 린샹푸와 결합할 수 없었는가에 대한 서사이다. 당시 여성의 삶과 운명에 대한 것을 다루고 있다. 그리고 소설 전체적으로는 주인공의 비극 적인 사랑과 여성의 삶에 관해 이야기하지만, 그 이면에는 청말·민국 초의 격동기에서 인간의 생존과 운명, 시대적 혼란이 얽힌 복합적 구조를 이루고 있음을 규명하고 있다. 2장에서는 ‘원청’이라는 환상적 공간의 의미를 분석한다. 린샹푸가 길을 떠날 때마다 “여기가 원청인가요?”라며 헤매는 모습, 아창과 샤오메이조차 “원청이 어디인데?”라고 되묻는 장면을 통해, 원청이 현실과 대비되는 이상향이자 도달 불가능한 장소로 형상화 되었음을 밝힌다. 결론적으로 이러한 이중서사와 환상적 공간이 결합함으로써, 작품이 궁극적으로 제 기하는 “왜 인간은 결코 닿을 수 없는 이상을 추구하는가?”라는 근원적 질문에 주목한다. 특히 린샹푸와 샤오메이가 겪는 파국적 결말과 원청의 부재(不在)가 가져다주는 비극성 이 오히려 작품 전체를 완성하는 동력임을 밝혀내고 있다.

The purpose of this study is to analyze the double narrative structure of Yuhua's novel "Wencheng(文城)" to reveal the tragic fate that stands out throughout the work and what the fictional space of "Wencheng" means. Chapter 1 examines the aspect of tragic fate that expands as the two narratives intersect. In the first narrative, "wencheng", the story unfolds from the point of view of the protagonist, linxiangfu, and he goes south in search of his disappeared wife, xiaomei, but eventually meets a tragic ending in xizhen(溪镇) without reaching wencheng whose substance is unclear. The second narrative, 'wenchengbu(文城补),' explains why it could not be combined with linxiangfu by reconstructing the same event from the xiaomei perspective. On the surface, it seems to be a story of 'a husband looking for a wife', but in addition to this story, it is found that human desire, betrayal, and trustworthiness form a complex structure intertwined in the turbulent period of the late Qing Dynasty and the early days of the Republic of China. Chapter 2 analyzes the meaning of the fantastic space called 'wencheng'. Through the scene where linxiangfu wanders every time he leaves the road, "Is this wencheng?" and even aqing and xiaomei ask back, "Where is wencheng?" it is revealed that wencheng is embodied as an utopia and an unreachable place in contrast to reality. In addition, it explores the narrative techniques with biopic colors. In conclusion, by combining these double narratives and fantastic spaces, we pay attention to the fundamental question that the work ultimately raises: "Why do humans pursue an ideal that can never be reached?" In particular, it is revealed that the catastrophic ending experienced by linxiangfu and xiaomei and the tragedy caused by Wencheng's absence are the driving force behind the completion of the entire work.

본 연구는 허수경 시에 나타난 디아스포라 시공간과 동양 인식을 파악하고자 했다. 허수경의 시에서 장소는 중요한 의미를 지닌다. 고향 진주로부터 서울, 독일 등으로 이어지는 삶의 여정은 허수경 시의 공간성과 긴밀한 관계를 맺으 며 시 세계를 형성한다. 그리고 이것은 디아스포라를 근간으로 한 시적 사유로 이어진다. 뿐만 아니라 허수경 시의 디아스포라는 고고학 발굴 현장인 시리아, 이라크, 터키, 이집트 등에서의 체험을 통해 세계사 속 동양의 역사와 위치를 현재의 시선으로 바라본다. 또한 오리엔탈리즘의 시선 속에 타자로 남은, 동양 에 대한 현실 인식을 떠올리게 한다. 허수경 시의 공간은 장소만을 표상하지 않는다. 허수경의 시는 디아스포라와 오리엔탈리즘을 통해 타자에 대한 관심을 드러내며 세계 인식을 확장한다. 시인 의 삶으로부터 비롯된 디아스포라는 개인적 체험에 머물지 않고 사회적 문제로 확장된다. 허수경 시의 비극성으로 언급되는 전쟁과 난민의 문제는 디아스포라 의 비극성을 극명하게 보여주는 사례이다. 또한 현대인의 삶에 나타난 디아스포 라의 정처 없음과 타자성 역시 허수경 시의 주요한 소재이다. 이때 타자성은 오리엔탈리즘과 연관된 개념이기도 하다. 발굴 현장에서 마주 하게 되는 동양의 역사와 시간, 삶과 세계는 서양 중심으로 재편된 역사 속에 과거의 영광을 상실하고 말았다. 동양의 역사는 오리엔탈리즘의 가운데 열등한 세계로 폄훼되었다. 허수경 시인이 응시하고 있는 발굴 현장 역시 오늘날 오리 엔탈리즘의 관점에서 퇴락한 역사일 뿐이다. 허수경 시에 재현된 오리엔탈리즘 의 비극은 바로 여기에서 시작된다. 또한 난민을 통해 제시된 디아스포라의 문 제 역시 오리엔탈리즘과 무관하지 않다. 그런 점에서 허수경 시에 나타난 디아스포라와 오리엔탈리즘은 긴밀한 관계 에 놓인다. 허수경 시의 디아스포라와 오리엔탈리즘은 타자로 남은 이들에 대한 관심과 애정을 근간으로 한다. 그러나 시인은 동· 서양을 대립된 세계로 인식하 지 않는다. 허수경은 과거와 현대의 비극을 동시에 아우르고 있는데, 비극적 시 공간을 초월하는 방식으로 디아스포라와 오리엔탈리즘의 문제를 작품화한다. 그리하여 그는 타자성의 비애를 정치하게 포착해내며 타자와 같은 세계에 남으려 한다.

This study aims to understand the time and space of diaspora and perception of the Orient shown in Heo Su-kyeong’s poetry. ‘Space’ takes up an important position in Heo Su-kyeong’s poetry. The journey of life from her hometown Jinju to Seoul and Germany has a close relation with the spatiality of Heo Su-kyeong’s poetry. And this leads to poetic thinking based on diaspora. Moreover, Heo Su-kyeong’s diaspora presents the perception of the Orient in the viewpoint of Orientalism through her experiences in archeological sites such as Syria, Iraq, Turkey, and Egypt. Before modern times, the Orient was not the concept that only meant Asian region like the Near East, Middle East, and Far East from the West. At that time, the Orient was derogated as the world of barbarism and non-civilization as a contrasting concept that meant the region except the West. In this aspect, Heo Su-kyeong’s poetry is attention and affection for the non-mainstream and others. The space in Heo Su-kyeong’s poetry does not represent only the place. Nor does it simply mean the experience of residing abroad. The poetic space shown in Heo Su-kyeong’s poetry is expanded to the global perception through diaspora and Orientalism. Even though diaspora is originated from her own life, it is expanded to social problems without remaining as personal experience. The problems like refuge and war, which were frequently mentioned as the tragedy of Heo Su-kyeong’s poetry, are the examples that fully show the tragedy of diaspora. Also, the aimlessness of diaspora shown in modern people’s lives is a principal subject of poetry. At that point, the people who experience diaspora are placed in the position of others. Otherness is a concept shown in connection with Orientalism. In Heo Su-kyeong’s poetry, the West does not appear as a ruler of the Orient. However, the Oriental history, time, life, and world shown in excavation sites are the things that have disappeared or lost in the world history reorganized focusing on the West. It is connected to the global perception of Orientalism. Also, the issue of diaspora presented through refuge is not unrelated to Orientalism. Generally, this perception of the Orient has been naturally fixed in the flow of the West-centered world view. In this circumstance, the Orient was excluded from the world history. Heo Su-kyeong’s poetry presents the tragedy of Orientalism through the look of the Orient like this. In this aspect, diaspora and Orientalism shown in Heo Su-kyeong’s poetry have a close relation with each other. Of course, the poet does not perceive the Orient and West as the contrasting world but makes efforts to recall the place and people who got hurt and forgotten. Through this process, she aims to present the tragedy of Orientalism and diaspora, and also to delicately capture the grief of otherness.

<변강쇠가>는 강쇠의 죽음에 대한 처리의 모호성으로 인해 비극과 희극의 중간 지점에 놓인 작품으로 받아들여져 왔다. 앞선 연구에서는 비극적 측면과 희극적 측면으로 나누어 작품에 접근하여 각각의 시선으로 읽을 수 있는 작품 내 요소를 분석하였다. 본고는 <변강쇠가>가 강쇠의 죽음으로 끝난다는 점에서 <변강쇠가>를 비극에 한정하여 접근하였다. 비극이 카타르시스라는 감정의 정화를 가져온다는 점에 착안하여 난동 속의 카타르시스라는 해석으로 <변강쇠가>를 재독하였다. 강쇠의 죽음에 주목하여 비극을 중심에 두고 <변강쇠가>에 접근하고자 하는 시도가 드물었고, <변강쇠가>에서 두드러지는 무질서와 혼란이 가져오는 난동의 의미를 비극을 중심에 둔 감정의 정화로서의 카타르시스를 주제어로 새롭게 읽어내고자 한다는 점에서 앞선 연구와의 차이를 모색하고자 하였다. 주인공의 죽음으로 끝나는 변강쇠가는 아폴론 적인 질서와 디오니소스적인 무질서를 동시에 보여준다. 니체가 비극을 중심에 두고 카타르시스를 다시 살펴본바, 그에 기반하여 <변강쇠가>를 분석, 디오니소스적 무질서와 아폴론적 질서가 <변강쇠가>에서 어떻게 나타나는지를 살펴보았다. 이를 통해 <변강쇠가> 고유의 카타르시스 독해를 시도해 보았다. 서사적 측면에서 <변강쇠가>는 급작스러운 죽음 등의 사건으로 인해 무질서의 부정적(negative) 디오니스적 혼란이 두드러지는 듯 보인다. 실제로는 디오니소스적 혼란과 아폴론적 질서가 교차 되어 나타나는 지점을 발견할 수 있다. 부정적 디오니소스에 기반한다는 점에서 美보다는 醜의 측면이 두드러질 수 있으나, 부정적 디오니소스가 아폴론적 질서가 어우러져 나타나기도 한다는 점에서는 역동성과 교차의 긍정적(positive) 디오니소스의 독해 가능성을 남긴다. 이러한 교차를 <변강쇠가>에서 읽어낼 수 있는 고유의 카타르시스로서의 美感으로 해독할 수 있다. 등장인물 성격 측면에서 강쇠는 전반적으로 무질서와 난동의 부정적 디오니소스적 면모를 보인다. 죽음을 대면하는 옹녀는 음녀에 한정되어 있던 디오니소스적 이미지와 달리 아폴론적 질서를 보여준다. 부정적(negative) 디오니소스적 무질서와 아폴론적 질서의 전복은 부정적 디오니소스를 긍정적 디오니소스로 읽히게 하는 데 일조한다. 이는 비극 <변강쇠가>에서 긍정적 디오니소스에 기반한 고유의 카타르시스를 해독할 수 있을 가능성을 높여준다. 성애 묘사나 몸을 팔아 치상을 하려는 등의 모습을 보이므로 옹녀는 아폴론적 질서를 따르는 인물로 볼 수 없다. 하지만 옹녀에게서는 사회적 통념을 따르려는 등의 아폴론적 질서가 나타나기도 한다. 옹녀를 어떤 인물로 해석하고 죽음을 어떻게 보느냐에 따라 카타르시스가 부각되는 장면은 달라진다. 이러한 가능성은 <변강쇠가>의 미감을 형성하는 또 하나의 가능성으로 읽어낼 수 있다. <변강쇠가> 속 醜와 美의 교직 양상은 교차 자체로 긍정적 디오니소스로 읽힐 수 있다. <변강쇠가>는 디오니소스적 무질서와 아폴론적 질서를 교차시켜 둠으로써 디오니소스적 혼란과 충동을 긍정적 디오니스로 재독되게 할 가능성을 보인다. 이 연구에서는 아폴론적 질서와의 대별을 통해 충동과 자극적 측면이 강화되어 보이는 부정적 디오니소스에서 역동성과 생성성을 보여줄 수 있을 긍정적 디오니소스적 측면을 살려, <변강쇠가> 고유의 카타르시스를 읽어내고자 하는 시도를 하였다. 이를 통해 美와 醜의 교차에서 나타나는 역동성이 문학적 해소로서의 카타르시스, 즉 <변강쇠가> 고유의 美感을 보여줄 수 있음을 모색하고자 하였다.

This paper aims to explore the catharsis in Byeongangsoega. It is a tragedy in that it ends with the main character’s death. This tragedy holds both the Apolon order and the Dionysian disorder that Nietzsche mentioned while discussing the tragedy. Byeongangsoega reconstructs the Apolon order over the territory of Dionysian disorder, which leads to catharsis. Based on appearance, the Dionysian disorder looks prominent, but leaves room for interpretation of catharsis from the intersection of Dionysian confusion and Apolon order. Catharsis is more prominent as a result of the characters’ characteristics. Gangsoe shows negative Dionysian aspects. However, the Ongnyue who faced death and whose image was limited in a prostitute shows an apolitical order, unlike the Dionysus image. In terms of characters, the subversion of negative Dionysian disorder and Apolon order is what makes Dionysian disorder what it is, which increases the interpretation of catharsis in tragedy. As Ongnyeo sells her sexuality for the funeral of Gangsoe, it is not possible to interpret her Apolon character. As mentioned in the previous study, Byeongangsoega has a strong ecstasy character that is filled with negative Dionysian disorder. This stimulates irritation and impulses. The diversity of interpretation of Ongnyeo’s character in the middle of Dionysian disorder and Apolon order increases the possibility of being decoded by positive Dionysian disorder. This adds Apolon’s neatness to the negative Dionysian disorder. The character of Ongnyeo, who is in the middle of Dionysian disorder and Apolon order, would increase the catharsis of Byeongangsoega. Depending on the interpretation of Ongnyeo’s character, the scene where catharsis is highlighted may vary, and the interpretation of catharsis can change the position of Byeongangsoega as a tragedy.

시대가 흐를수록 변화하는 사회의 흐름에 사회의 구성원들은 점점 더 개인중심주의적으로 변모하고 있으며, 이에 기인한 가족 간의 소통의 부재는 심화되고 있으며, 이는 가족의 붕괴로까지 연결되어 사실 상 그 기능을 제대로 수행 하지 못하고 있다. 이와 더불어 산업화 시대를 거쳐 자본주의로 발생한 개인 주의의 팽배로 인하여 인간의 가치를 물질적으로 매도하는 문제점들도 부각되어지고 있다. 연극계에서는 이러한 사회 문제를 다루고자 하는 움직임이 있었으며 이를 소재로 다루는 연극들이 다 양하게 제작되어지고 있다. 연극은 시대적 정신 및 사회성을 반영하고 있으며, 이러한 연극의 특징은 관 객들에게 그 시대의 사회적 문제점과 삶을 되돌아 볼 수 있게 해주는 교육적, 사회적인 기능을 수행하게 만드는 매체가 될 수 있다. 연극의 기능 중 사회적 특성을 반영하는 본 논문의 텍스트인 아서 밀러의 《세일즈맨의 죽음》은 자 본주의 폐단인 물질만능주의 속 사회에서 살아가는 평범한 시민인 주인공 ‘윌리’가 겪는 갈등과 비극을 다룬 작품이다. 그는 자신이 겪는 갈등과 비극의 원인을 사회와 가정에서 찾는다. 아서 밀러는 《세일즈 맨의 죽음》에서 주인공 윌리가 겪는 사건을 중심으로 현대사회의 잘못된 가치관에 대한 비판과 더불어 가족 간의 갈등으로 인한 소통의 부재로 고통 받는 평범한 소시민인 현대인의 비극을 다루고 있다. 이에 작품 속 주인공 ‘윌리’를 통하여 아서 밀러의 비극 개념과 희곡의 시대적 배경을 고찰하고 그 인물의 성 격 구축 과정, 관계 및 갈등을 공연에 실제적으로 어떻게 반영할 수 있는지를 고찰해보고자 한다.

With civilizations developing rapidly, the modern world is confronted with diverse social problems such as an ageing population and environmental issues. As society is changing with the years members of society are also becoming more and more self-centered, and the lack of communication with family is getting worse; it has led to family breakdowns where it’s actually hard to expect a family to function. Along with this change, our society is overflowing with individualism that came with capitalism throughout the industrial age, and there has emerged a variety of problems where human values are decried materially. Given this reality, there were moves to deal with these social issues in the theatrical world, and many plays have been produced in various ways to tell of them. Plays reflect the spirit and the social aspects of the times, so this medium performs the educational and social functions allowing audiences to look back on social problems and lives of the age. Accordingly, directors are advised to appreciate the importance of such functions and have a correct understanding of social aspects the work talks about and what the author suggests. 《Death of a Salesman》, the focus of this paper, depicts conflicts and tragedies of ‘Willy’ who is an ordinary citizen living in the material world that came as the evil of capitalism. He found the reason of the conflicts and tragedies he had to suffer in the society and his family. Focusing on the events and troubles between the protagonist and his family, 《Death of a Salesman》 criticizes the wrong values of the modern society that the audience could catch and features the tragedy average citizens of modern times are undergoing due to the lack of communication based on family troubles. This study is aimed at studying the role of plays as a medium reflecting social problems by analyzing and examining directors’ approach method of 《Death of a Salesman》 while focusing on the process of staging and presenting the play. I hope this paper can be reference materials for directors who will give a production of 《Death of a Salesman》.

예이츠의 후기 작품은 니체의 아폴로와 디오니소스의 이중성이라는 관점에서 볼 때 보다 더 정확하게 이해될 수 있다. 아폴로의 가상은 개인의 삶을 창조하는 힘인데 이러한 생각은 예이츠의 마스크 개념에서 가장 잘 표현된다. 지속적으로 개인의 가상을 새롭게 창조하기 위해서는 아폴로적인 것은 가상을 산산이 부수는 디오니소스적인 힘이 필요하다. 디오니소스적이고 아폴로적인 비극의 개념은 예이츠의 비극적 삶과 예술에 대한 태도를 관통하는 주제이며 특히 “비극적 환희”에서 가장 강력하게 반영된다.

Yeats’s later work is more accurately understood in the light of Nietzsche's Apollonian/Dionysian duality. The creation of an individual life by the Apollonian semblance is expressed in Yeats forcefully through the idea of the mask. The Apollonian needs the Dionysian power that shatters the individual semblance in order to recreate it ever anew. The Apollonian and Dionysian tragic idea permeates Yeats’s attitude toward tragic life and art especially in his “tragic joy.”

This research attempts to identify how members of an online community collaboratively engaged with particular social information behaviors and accomplished a defined collective action. While responding to the Sewol Ferry tragedy, MissyUSA members quickly communicated and mobilized a collective action, a full-page ad campaign in The New York Times. As a follow up study, this secondary analysis quantitatively analyzes the primary data from a previous study to explore potential relationships or underlying factors among the various identified information behaviors. In this study, nineteen of the previously identified information behaviors were analyzed using exploratory factor analysis, yielding a total of eight factors. The two major factors of shared representation/collective identification and mobilizing resources verified the findings of the previous study and are in line with the findings typical of political science. The three factors of collaborative decision-making, reaction to tension, and brainstorming were factors that maximized communication and mobilization online, without any face-to-face communication or physical organization. Three emergent factors of outburst of dissent, boycott, and planning explained how members used negative emotions of anger, referential information for boycott, and incubated next collective actions. Through exploratory factor analysis, this study verifies and expands on the findings of the previous study by identifying several emergent factors that relate to the collaborative information behaviors of an online community engaged in a collective action.

예이츠는 아일랜드의 음유시적 전통과 당대 유럽의 지식사회에서 강한 영향력을 발휘한 부동의 미학을 연결지어 본인만의 독특한 비극론을 전개한다. 유럽 상징주의 드라마가 자신의 연극론 형성에 갖는 잠재력을 예리하게 간파한 예이츠는 특히 벨기에 극작가 모리스 마테를링크가 주창한 “정적 드라마”에 영향을 받는다. 동시에 그리스비극을 아폴로와 디오니소스적 욕망 사이에 존재하는 긴장의 산물로 바라보는 니체의 비극 철학에 매료된다. 본 연구는 예이츠의 비극 이론을 니체철학과 마테를링크의 극이론의 창의적 수용이라는 관점에서 바라보고 분석하며 그 장단점을 논의한다. 특히 ‘비극적 환희’라는 극적 효과가 극형식과 연계되는 지점에서 발생하는 문제들에 주시한다. 예이츠는 그가 가졌던 사실주의에 대한 강한 반감 때문에 마테를링크의 일상성과 니체의 아폴로적인 욕망에서 보이는 형식의 중요성을 간과하게 된다.

Intertwining bardic artistry with Bergson’s notion that “to perceive is to immobilise,” Yeats astutely discerned the potential of European Symbolist drama to inform his own theatrical venture. This resonance was notably apparent in the “static drama” championed by Belgian playwright Maurice Maeterlinck, a pivotal influence on Yeats during the 1890s, and one that would reverberate throughout his later years. Concurrently, Yeats found allure in Nietzschean philosophy’s exploration of tragedy, which highlighted the harmonious fusion of Apolline and Dionysiac impulses. This study delves into Yeats’s theory of tragedy, dissecting its merits and limitations by placing it in dialogue with Nietzsche’s philosophy of tragedy on one hand, and Maeterlinck’s conception of static drama on the other. Particular attention is devoted to the complex relationship between tragic effect and dramatic form in Yeats’s theory. While drawing profound inspiration from both sources, Yeats aspired to develop his distinctive theory of tragedy. In his vision, the essence of tragic elation arises from profound stillness, delving into the deepest corners of the human soul, ultimately striving for the transcendental.

이 논문은 윌리엄 버틀러 예이츠의 「조각상」 , 「델픽 오라클을 위한 소식」, 그리고 「긴다리 파리」의 순서에 대한 중요성을 탐구하려한다. 본 연구자는 이 세 시의 순서는 예이츠의 위대한 예술에 대한 견해를 반영한다고 주장한다. 즉 예이츠는 위대한 예술은 비극으로 시작해서 기쁨 더 정확히 표현하자면 섹스로 끝난다고 쓴 적이 있다. 예이츠는 예술을 신혼 첫날밤의 기쁨 같은 존재에 비유하기도 했다. 「조각상」은 비극적 인 시이고 「델픽 오라클을 위한 소식」은 섹스의 기쁨을 노래한 시인데 이 기쁨은 예이 츠에게는 천국이요 유토피아의 세계이다. 이 두 시 다음에 「긴다리 파리」가 위치한 점을 눈여겨보아야 하는데 이 시 역시 비극과 섹스라는 같은 주제를 다루어 앞서 제시된 같은 주제를 확장하고 강화하려는 의도를 보여준다. 시를 통해 기쁨을 추구하려는 예이 츠의 의도는 그의 정치적인 목적과 깊은 연관이 있다. 즉 아일랜드 국민을 유토피아로 이끄는 것이다. 여기서 시인이 꿈꾸는 유토피아는 고대 그리스보다 더 위대한 문명의 요람으로 세계에 우뚝 설 미래의 아일랜드이다.

The paper tries to explore the significance of the order of William Butler Yeats’s “The Statues,” “News for the Delphic Oracle,” and “The Long-legged Fly.” My argument is that the placement of three poems reflects Yeats’s views of great art: starting with tragedy and ending with joy, or to be more exact, sex. The bridal chambers of joy, as Yeats puts it, is what art is all about. “The Statues” is a tragic poem, whereas “News for...” accounts for the joy of bridal chambers, which represents Yeats’s heaven or Utopia. It is significant to notice that the two poems are followed by “The Long-legged Fly”; it also deals with a similar idea of tragedy and sex, reinforcing and expanding the same theme of looking for Utopia developed in the previous two poems. Yeats’s pursuit of joy through art stems from his political agenda: leading the Irish people to the land of joy or Utopia. The Utopia Yeats dreams are future Ireland which is soon destined to rise as a new cradle of even higher civilization than the one in ancient Greece.

Moby Dick, published in 1851, is one of the most famous novels in the world. This American maritime novel was inspired by Shakespeare's tragedies and the Bible as well as Cetatology based on writer's experience of the crew of the whaling ship for four years since 1841. It has long been discussed that Shakespeare's major tragedies reflecting a revenge tragedy of a white whale are Hamlet, Othello, King Lear, and Macbeth and some aspects of the tragedies in language, emotion effects, circumstances, and tragedic behaviours can also be found in many parts of Moby Dick (Rice 1970; Smith 1981; Heflin 2004; Yoo 2006; Lee 2011; Cooper 2012; Sharmin 2013). However, there are few studies related to Shakespeare's tragedies. Moreover, there are no previous studies on methodology of digital humanities. Therefore, Moby Dick reflecting Shakespearen influence needs to be revisited and re-examined by using digital analysis methodology such as sentiment analysis through text mining and visualization. In this paper, we will re-examine the influence of Four Great Tragedies of Shakespeare such as Hamlet, Othello, King Lear, and Macbeth on Moby Dick through sentiment analysis using a VADER sentiment word-list, focusing on comparison of a novel and these tragedy plays as well as comparison of two characters of Ishmael and Aahab versus four characters of Hamlet, Iago, Lear, and Macbeth. These results are expected to contribute to a case study of research and education of digital humanities and artificial intelligence for English literature in an era of the 4th industry revolution.

이 연구에서 우리는 Hardin(1968)의 ‘공유의 비극 현상’을 적용하여 동아시아의 한중일 3국의 원자력 에너지의 개발과 이용에 따른 위험을 분석하고자 한다. 우리는 특히 원전의 개발과 이용이 인접 국가에 미치는 ‘초국경 위험’에 주목한다. 분석을 위해 간단한 예시 모형을 설정하여 불완전한 재산권 (혹은 보상책임) 제도하에서는 한중일 3국 모두가 원자력 에너지를 과잉 개발하려는 전형적인 ‘공유의 비극’이 발생할 수 있음을 보여준다. 또한 동북아보다 앞서 원자력을 이용한 유럽에서는 공유의 비극 을 해결하기 위하여 어떻게 협력적으로 제도를 구축해 왔는지, 반면에 동북아에서는 왜 그런 협력이 잘 이루어지지 않는지를 비교한다. 이를 토대로 동북아 지역에서 원자 력 에너지의 안전을 위하여 어떻게 협력적 제도를 구축할 것인가를 제안한다.

We apply Hardin (1968) ideas of “commons” to the study of nuclear energy use in China, Korea, and Japan in Northeast Asia. In particular, we pay an attention to the transboundary risk externality that a country’s nuclear power plants bring to neighboring countries. We argue that under incomplete property rights (liability rules) for nuclear accidents, countries in the region tend to over-develop nuclear power or over-operate power plants. We investigate how European countries have cooperated in developing institutions as a solution to the nuclear tragedy of the commons and why Northeast Asian countries have failed to do so. Based on the findings, we suggest some cooperative institutions that China, Korea, and Japan can build up for nuclear energy safety in the region.

본 논문은 예이츠의 긴 시적 인생에서 작품의 미학인 비극과 비극적 기 쁨이 어떻게 궤적을 남기는지 추적하려는 시도이다. 그러나 이것은 복잡하고 큰 질문 이라서, 이 논문에서 다 다룰 수는 없고 미래의 이에 대한 연구의 가능성을 제시하려 한다. 이 주제에 대한 지금까지 간행된 것 중에서 가장 잘된 책은, 1900년대 초, 즉 1902년부터 10년까지 다룬 프란시스 네스빗 오펠의 『마스크와 비극􋺸(1987년 간행)과 예이츠의 비극을 초창기에 명확한 판단을 한 러처드 엘만의 『예이츠의 진면목』(1954년 간행)인데 이 후자의 책은 예이츠와 프리드리히 니체와 차이점을 지적한다. 그리고 헬 렌 벤들러의 『예이츠와 서정적 형식』(2007년 간행)과 마조리 퍼로프의 『예이츠 시의 라임과 의미』(1970년 간행)는 중요한 책이다. 그러나 벤들러와 퍼로프의 책은 비극을 다루지는 않지만, 비극과 시적 형식을 연결하고 예이츠의 서정시의 건축적 구조, 즉 예 이츠의 이상적 시형식을 가정하는 데 필요하다. 그리고 두 학자를 더 지명한다. 자한 라마자니는 예이츠의 만가를 다루고 테렌스 브라운은 예이츠의 『나의 작품세계에 대한 소개』를 소개하고 비극적 기쁨이 어떻게 예이츠의 새로운 미학이 되는지 설명한다.

This paper makes an attempt to trace the trajectory of how the aesthetics of Yeats’s poetic work, tragedy and tragic joy, has traveled in his long career. But, because it’s a complex and big question, it would not be possible to treat it here in full. Instead, I would point to a possibility of further studies on this subject. The best treatment that’s been published so far on this topic, though it covers the early 1900s, from 1902 to 10, is Frances Nesbitt Oppel’s Mask and Tragedy (1987) and Richard Ellmann’s Identity of Yeats (1954) that makes a brief yet early and clear judgment of Yeats’s tragedy, the latter book making a difference between Yeats and Friedrich Nietzsche. And Helen Vendler’s Yeats and Lyric Form (2007) and Majorie Perloff’s Rhyme and Meaning in the Poetry of Yeats (1970) are of great importance. But the last two books by Vendler and Perloff do not treat tragedy at all; I have chosen them to make an assumption of Yeats’s ideal form of work, or the architectonic structure of Yeats’s lyric poetry, connecting tragedy and poetic form. I call attention to two other scholars: Jahan Ramazani who reads Yeats’s elegies and Terence Brown who introduces Yeats’s “A General Introduction for My Work” and offers how tragic joy is to become Yeats’s new aesthetics.

예이츠는 코울리지를 1925년 이후에 읽었고, 그의 작품을 철학자의 이론과 조화시킬 수 있었다. 이 논문은, 두 시인들의 작품들을 비교하면서, 어떻게 코울리지와 예이츠가 그들이 처한 상황에서 비극을 수용하고 그들의 시 속에서 그 비극들을 승화시키는지를 연구한다. 예이츠는 인간은 비극을 이해할 때에만 삶을 진정으로 살아낼 수 있다고 생각한다. 따라서 예이츠의 시에서 중요한 주제들중의 하나는 비극이다. 예이츠와 코울리지는 비극적 순간들과 상황을 기쁨으로 변용시키기 위하여 그들의 작품 속에서 많은 시도를 한다. 두 시인들은 두 편의 훌륭한 시들 — 코울리지의 ｢절망의 송시｣와 예이츠의 ｢청금석｣을 썼다. 이 두 편의 시들을 읽으면, 이 작품들이 주제와 분위기에서 매우 유사하나는 점을 발견한다. 이와 동시에, 이 논문은 예이츠와 코울리지의 작품 속에서 자신들의 아이들을 바라보면서, 다음 세대에 대한 구원의 가능성을 모색한다. 비극적 상황속에서 각 시인은 인간의 유약함과 한계성을 발견하지만 미래 세대를 통해 희망과 비극적 기쁨을 상상하게 되는데, 코울리지의 ｢한밤의 서리｣와 예이츠의 ｢내 딸을 위한 기도｣의 작품 분석을 통하여 관련된 주제를 전개시켜 나간다.

Yeats read Coleridge after 1925 and could balance his work with the abstraction of the philosopher. This paper, by comparing their poems, studies how Coleridge and Yeats in their situations accept tragedies and sublimate them in their poems. Yeats thinks that man could understand life only when he understands tragedy: thus, one of the main elements in his poetry is tragedy. Both Yeats and Coleridge make attempts in their poems to turn tragic moments and situations into joy. The two poets wrote two great poems: Coleridge, “Dejection: An Ode” and Yeats, ”Lapis Lazuli.“ On reading these two poems, I find them strikingly similar in the subject matter and moods as well. On the subject of children, the paper discusses Yeats and Coleridge, by looking at their own child in their poems. In tragic situations, each poet could see human weakness but imagine the future with hopes, as exemplified by Coleridge’s “Frost at Midnight” and Yeats’s “A Prayer for My Daughter.”

지역의 원자력 사고 위험을 통제하기 위한 유럽연합의 협력 제도를 보기 위하여, 우리는 초국경 원자력 피해를 설명하는 간단한 불법공동행위 모형을 구축하였다. 이를 이용하여 유럽 연합의 다양한 원전 안전 제도 가운데, 특히 두 가지, 즉 사전적 안전 규제와 사후적 배상책임 규제에 초점을 맞추어 설명하였다. 이른바 코즈 정리(Coase Theorem)의 틀과 거래비용적 설명을 통하여 초국경 원자력 위험(외부효과)을 줄이기 위한 회원국들의 노력이 불완전할 수밖에 없는 원인과 유럽연합이 국가간 협력을 통하여 현재의“불완전하지만 고유한”안전규제 제도를 만들게 된 과정을 설명하고자 하였다. 사후적 조치로서“엄격책임”과“제한책임”제도는 원자력 사고에 따른 제3자 배상 제도에서는 규범적으로 적용되고 있었으며, 사전적 규제로서 각국은 유럽연합 차원의 통일된 제도를 갖추기 위하여“느슨하지만 법적구속력이 있는”안전협력 제도를 만들어 왔음을 알 수 있다.

To see the EU’s cooperation or harmonization to curb the nuclear danger in the region, we constructed a simple tort model to explain the transboundary nuclear damage. Using the bench mark model, we tried to explain some nuclear safety regime at the EU level. Among complex features of nuclear energy safety, we focused upon two key instruments: the ex ante regulatory safety standard and the ex post nuclear liability rule. Using a Coase framework, we attempted to explain why the EU region’s nuclear safety negotiation is incomplete in correcting transboundary harms and how EU countries have developed incomplete but unique safety cooperation. Strict and limited liability rule has been the norm in the third party liability of nuclear accidents. Also in case of safety standard regulation, the countries have committed to a loose but legally binding regional agreement to harmonize regulatory regime at the EU level.

이 연구는 아일랜드의 대표적인 극작가 브라이언 프리엘의 흥미로운 작품『몰리 스위니』에 나타난 아일랜드의 포스트콜로니얼적인 요소들을 수발턴의 개념 을 적용하여 여성과 남성, 영국과 아일랜드, 제국주의와 식민지, 지배자와 피지배자 등 의 권력구조 속에서 파악하려는 시도이다.

The paper surveys Ireland’s colonial structure as projected in Molly, an Irish subaltern, in Molly Sweeney and attempts to expose the postcolonial legacy of discrimination and class conflict. From a postcolonial point of view, Friel’s characters embody power struggles of class and gender in Irish reality, Molly being an example of a subaltern. Her voice is heard through Friel, which promotes a sort of progressive impetus to the decolonizing process. The play’s message is a rational one, which seeks to indicate the future of Ireland’s identity.

This essay seeks to examine the artistic relationship between Nietzsche, Lawrence and Artaud. Their common ground is that they are all Dionysian artists. Despite their marked differences, for them the Dionysian vision of the cosmic cruelty are the ultimate ‘reality’ of life. Nietzsche, Lawrence and Artaud are closely connected in terms of the Dionysian vision of life. Nietzsche’s The Birth of Tragedy, Artaud’s ‘Theatre of Cruelty’ and Lawrence’s Mexican (Aztec) Myth in The Plumed Serpent are designed to promote their life-affirming vision by revealing the fundamental ‘reality’ of life. Their Dionysian vision of life is associated with the cosmic cruelty of the mysterious pagan world. The ancient religious rites and rituals (in ancient Greece, North American Indian rituals and Aztec myth) were created as the artistic sublimation of natural cruelty. This version of the Dionysian vision guides us to look into the terrible destructiveness of ‘real’ history, as well as the inhuman cruelty of nature. The revelation of cosmic cruelty exposes an absolute determination to unravel all the false images which surround us. Thus, the presence of the cosmic cruelty artistically drives us to ‘see’ the hidden truth of life. This cruel vision dynamically reveals the uncanny ‘reality’ that we resist seeing while we are trapped in our accustomed life. Influenced by Nietzsche, both of Lawrence and Artaud create their own ‘Dionysian vision of the cosmic cruelty’ through their innovative art-works. According to them, the total destruction of Dionysian ‘reality’ is a necessary precondition for achieving new vitality and spirituality for mankind.

Modern Tragedy: With Regard to Miller’s Social Tragedy Sungchul Kim (Daebul University) The purpose of this thesis is to investigate how modern tragedies could be established and the concept and meaning of Miller's social tragedy. Traditional views of tragedy assume a hero who is either upper-class or a very intelligent aristocrat, and who violates, because of some personal weakness in his nature, called tragic flaw, the moral values and social regulations. For daring such a challenge, the hero suffers, to prove to audiences that their society and its values are inviolable. Miller, however, refused to adhere to the traditional tragic theory. He wants to write plays in which the average man in the street becomes the tragic protagonist. For Miller a character is tragic when he is ready to sacrifice his life to secure his sense of personal dignity and he believes that the common person knows the feeling of displacement and alienation best. He argues that tragic heroes are defined by their willingness to sacrifice everything in order to maintain their personal dignity-whatever their status in society. A great variety of plots and characters appear in Miller's social tragedies, yet there are certain thematic concerns which tend to reappear frequently. Examples of some of his more specific concerns would be the importance of the past, issues regarding responsibility and connection, the nature of families, the damage caused by capitalism and materialism, and the law. Miller also tried to use various experimental forms like a memory drama and expression by overcoming or expanding conventional realism. The memory play is his important vehicle for articulating his social visions. He thinks that realism by itself cannot bridge the gap between private and social life because the language of prose, he argues, is the language of our private life, and verse or nonrealistic drama is the medium for dramatizing social forces. The memory plays include Death of a Salesman, After the Fall, A View from the Bridge, A Memory of Two Mondays, and Playing for Time. Here, expressionism has been useful to him for grappling with moral, ethical, and social concerns, as well as breaking down the walls of realism. Miller never sees milieu as destiny, though, like the early realists he is interested in the idea of the stage as an environment, rather than as simply a platform for acting, because he is always concerned with the way the outside world shapes the individual. Important, for Miller, is a life which takes on both individual and social responsibility, trying to make the world a better place. His tragedies, on a general level, create a better society by exploring the demands of morality, and uncovering individual and social needs. He lays emphasis on the harmonious relationship between the individual and society. So he tries to teach his audience certain truth about their own lives. Raising social and moral problems, he writes about sucess and failure, guilt and betrayal, and love and responsibility. We can read his plays as lessons suggesting ways by which we can improve our lives. Miller makes his protagonists accept unpleasant truth about their own lives and overcome them to lead a better life. Meaningful, for his socal tragedy, means a life which takes on both individual and socal responsibilities, and actively participate in trying to make the world a better place.

This paper aims to illuminate the influence of trauma on the life of Joe Christmas, the main protagonist of William Faulkner’s Light in August. The childhood trauma of Christmas is presented as flashbacks, and the writer tries to represent Christmas as a trauma victim who is in a continuous search for identity. His early traumatic event occurs in the orphanage when he accidentally witnesses the dietitian’s intimate relationship, and she calls him “nigger bastard” in a rage. These words leads Christmas, who looks white, to experience an identity crisis. He tries to be white or black, but he fails to belong to either side. In the end, he repudiates the harsh dichotomy of Southern society and leads an alienated life. His tragic life, however, turns to catastrophe when he becomes a lover of Joanna Burden, a white spinster in her early forties, who is also a childhood trauma victim. When she forces him to act as a black man and to pray with her, Christmas kills her because her demand not only denies his 30 years of conflict but also triggers his racial and religious trauma and makes him outraged. He is also killed as a black man in the end.