Earticle

감독, 구로사와 아키라黒澤明 영화, 『꿈』은 총 8개의 에피소드로 이루어진 옴니버스 스타일의 영 화이다. 에피소드 5, 『꿈』-<까마귀>가 이 연구의 주된 분석 대상이다. 영화는 “이런 꿈을 꾸었다” 로 시작되며, 전체 상영 시간 약 2시간 가운데, 약 10여 분의 길이로 제작되었다. <까마귀>는 빈센트 반 고흐의 명작, <까마귀 나는 밀밭>과 연결되며, 영화의 이야기 전개는 빈센트 반 고흐(Vincent van Gogh)의 회화로 구성되어 있다. 마틴 스콜세지가 고흐의 역을 연기했다. 내용은 구로사와 아키라 감독 이, 1880년으로 시간여행 하여, 고흐를 만난 뒤, 고흐의 작품들을 유람하듯 관람하고 현실로 되돌아와, 거장의 명작 앞에서 경의를 표한다는 이야기다. 이 영화는 회화예술이 영화 예술의 서술 목적으로 구성 되는데, 이미지 구현 방식에서 매체 간의 간섭과 충돌로 인해 나타나는 상호매체성을 통해 새로움을 더 했다고 할 수 있다. 예슨 쉬렌더 Schröter Jens의 2번째 유형에 해당하는 트랜스 미디어 상호매체성 예술로 판단되는 <까마귀>에서 나타나는 주제 의식은 첫째 죽음, 둘째 지향적 삶의 태도, 셋째 인생에 서의 절정이다. 구로사와 아키라 감독은 이러한 주제를 통해서‘죽음과 삶의 절정’이라는 보편적인 주제 의식을 담은, 휴머니즘을 고흐의 그림을 시나리오 텍스트로 표현하였다.

The movie 『Dream』 is an Omnibus-Style Film made by Akira Kurosawa. The movie, Dream has 8 episodes and it was the main analysis target of this study of episode5, <Crow>. The movie begins with “I had these kinds of dreams” and it is run time about 10 minutes out of about totally of 2 hours of the time. Episode5, <Crow> is made of Vincent van Gogh's masterpiece, <Wheat field with Crows>. The narrative of the movie consists of paintings by Vincent van Gogh. The Hollywood movie director, Martin Scorsese has played Gogh. The story is about Akira Kurosawa going back to 1880, meeting Gogh, watching Gogh's works as if touring, returning to reality, and paying respects to the master's masterpiece <Wheat field with Crows>. It has come up with a new style in the manner of the unique movies. This movie's narrative consisted of Gogh's works in a story. In the image implementation's method, it can be sure that novelty is added through interference with the theory of Intermediality. For the remediation of the movie, the painting artwork gives ideas. Then the movie has been accepted ideas and recreated them as innovative artworks. That is the theory of Intermediality: Formal (Transmedial) Intermediality. Schröter Jens has classified the type of 4, in the theory of Intermediality. The Formal (Transmedial) Intermediality is Type2. The movie of episode5, <Crow> is The Formal (Transmedial) Intermediality. Episode5, <Crow>’s thems are the first Death, second, the Future, and third, Climax in a life. Akira Kurosawa expresses through Gogh's painting as a scenario text for the movie and he contains humanism, which is a universal theme consciousness of death and life on Gogh’s arts.

본 연구는 현재 영화 산업에서 마케팅 커뮤니케이션 도구로 주목하고 있는 SNS 구전효과(WOM: word of mouth)에 대한 연구이다. SNS 매체 중 확산력이 높다고 알려진 트위터(Twitter)에서 구전 메시지의 전달자, 메시지 방향성, 그리고 소비자의 영화 관람시기가 소비자의구전 효과에 어떠한 영향을 미치는지 살펴보았다. 이를 위해 3(전달자 속성 : 매력성(유명인), 전문성(평론가), 유사성(일반인)) X 2 (메시지 방향성 : 긍정, 부정) X 3 (영화소비자 관람시기 : 초기, 중기, 후기)의 실험연구를 실시하였다. 연구 결과를 살펴보면, 소비자는 유명인이나 평론가의 메시지보다 일반인의 메시지에 대해더 높은 영화호감, 영화구매의도, 재구전의도를 보여주었다. 이 결과에 따르면 소비자는 본인과유사하다고 믿어지는 전달자의 메시지에 더 많은 영향을 받았다. 메시지 유형에 있어서는 부정메시지보다 긍정메시지에 영화호감과 영화 구매의도가 높았으나 재구전의도만은 부정메시지가긍정메시지보다 더 높았다. 이는 부정 메시지의 확산력이 긍정 메시지보다 높다는 점을 나타낸다. 영화의 후기 관람자보다 초기 관람자가 트위터에 대한 호감과 재구전의도가 높았고 영화호감은 중기 관람자가 가장 높았다. 이런 결과는 영화 초기 관람자가 후기 관람자보다 정보 전달력이 높다는 점과 중기 관람자가 구전에 대한 영향을 가장 많이 받는다는 점을 시사하고 있다. 마지막으로 각 변인간의 상호작용 효과를 연구하였다. 구전 전달자 유형과 메시지 방향성, 메시지방향성과 관람시기 간의 상호작용 효과가 소비자 영화 트윗에 대한 반응에 각각 유의미한 영향을 미쳤으며, 3가지 변인의 상호작용 효과도 소비자의 영화 호감 반응에 유의미한 영향을 보여주었다. 본 연구 결과는 기존의 구전효과 연구를 확장시켜 영화와 SNS 매체 중 트위터에서 적용 가능한지 살펴보았다는데 의의가 있다. 이 연구결과는 영화 마케터들에게 SNS 커뮤니케이션 전략을 사용하는데 있어 실무적 지침을 제공할 것으로 기대된다.

This Study investigated the effects of SNS WOM (Word of Mouth) for Movie. Also we focused on type of message source, type of message and time of movie adoption to examine the audience response (the movie favorability, the movie purchase intention, and the re-tweet intention). The research was structured as a 3 (type of message source: Celebrity, Critic, Non-celebrity) X 2 (type of message : Positive, Negative) X 3 (time of movie adoption: Early, Middle, Late). The result of this study showed that the participants favored the twitter message of non-celebrity more than the message of celebrity and critic. It can be said that in twitter communication the similarity with movie audience is more effective than the messenger's expertise and attractiveness. Though the positive message was more effective than the negative message on the movie favorability and the movie purchase intention, the negative message was more effective than the positive on the re-tweet intention. It can be interpreted the negative message enhances more diffusion intention. Also, the movie early adopter had more impact on twitter WOM than the late adopter. The middle adopter was more influenced by WOM. This results suggest that we should the WOM influence of the movie early adopter. Lastly, there were the 2 way interaction effects between type of message source and type of message, between type of message and time of movie adoption. Also, we found the 3 way interaction effect of the type of message source, the type of message, and the time of movie adoption. This study suggested the theoretical and the practical implications. It contributed the SNS marketing, movie communication, WOM studies. Also, this study suggested practical implications for the movie marketers.

이 글의 목적은 서양에서 희곡의 영화화 과정의 초기에 해당되는 테네시 윌리엄스의 연극 <욕망이라는 이름의 전차>의 영화화의 특 성을 연극과 영화의 매체 비교의 관점에서 고찰하고자 하는 것이다. 연극과 비교 대상은 엘리아 카잔 감독의 동명의 영화이다. 카잔은 윌 리엄스의 <욕망이라는 이름의 전차>를 연출한 인연으로 연극을 스 크린에서 되살렸다. 그는 원작의 희곡에 충실하게 영화화했으나 중요 한 몇 장면에서 영화 매체의 특성을 살려 변형을 가했다. 그것은 작품 의 도입부, 신문 구독료 수금 소년의 등장, 멕시코인 노파의 등장, 스 탠리의 블랑쉬 강간 장면과 결말부 등이다. 연극을 영화화했을 때 매 체 특성상 생략 또는 시각적 이미지로의 변형, 시각적 효과의 극대화 가 필요한 부분이 존재함을 확인할 수 있었다.

The purpose of this study is to consider the characteristics of a playwriter, Tennessee Williams’ play, <A Streetcar Named Desire>, becoming a movie in terms of differences between a play and movie as media. In fact, it is one of the earliest plays becoming a movie in the West. What is compared with the play here is the movie with the same title directed by Elia Kazan. He was also a producer of the play, <A Streetcar Named Desire>. Although he was trying to make it into a movie faithfully to the original, he changed some of the crucial scenes according to the characteristics of movies as media. The scenes include the lead-in, where the boy collecting newspaper subscriptions appears, where the Mexican old lady appears, where Stanley rapes Blanche, and the ending. Because of the characteristics of media, when a play is turned into a movie, there are some parts needing modifications, for instance, omissions, transformations into visual images, or maximized visual effects.

영화 『신과 함께』는 웹툰 『신과 함께』를 원작으로 한 작품이다. 그러나 웹툰을 영화로 각색하며 필연적으로 원작의 변형이 있었고 그 과정에서 각 작품이 지향하는 바가 달라졌 음을 알 수 있다. 웹툰 『신과 함께』의 첫 번째 시리즈인 『저승편』은 김자홍과 유성연이라는 개인의 삶에 초점을 맞추고, 『이승편』은 개인과 사회의 갈등에 대한 고민을, 『신화편』에서 는 인간은 어떤 가치관을 추구하며 살 것인가의 문제를 제시한다. 그리고 『저승편』은 두 이야기의 교차 전개, 『이승편』은 단일한 이야기로 구성, 『신화편』은 여러 에피소드의 옴니 버스 구성 등 각 주제에 맞는 서사구조를 취하고 있다. 영화 『신과 함께』의 1부인 『죄와 벌』은 김자홍 개인보다는 가족 안에서의 김자홍에 더 초점을 맞춘다. 또한 원작의 유성연 을 김자홍의 동생으로 설정하고 김자홍이 가족에게 저지른 죄를 김수홍을 통해 어머니가 용서한다는 내용으로 각색하여 ‘가족’을 강조한다. 『인과 연』에서는 전생에서 죄를 저지른 강림과 그에게 죽임 당한 해원맥이 피가 섞이지 않은 형제로 설정된다. 이들의 갈등은 강림의 사죄와 해원맥의 용서, 그리고 이 모든 것이 아버지이자 염라대왕인 강문직의 이해 로 이루어진다는 점에서 1편과 유사한 구조와 주제를 가진다. 영화 『신과 함께』는 원작을 각색하면서 1, 2편 모두 가족의 이해와 사랑, 용서라는 주제로 스토리를 집약시켰는데 이것은 원작의 매체인 웹툰보다 더 많은 대중성을 요구하는 영화라는 매체의 특성상 보편 적 공감대를 얻을 주제가 필요했기 때문인 것으로 여겨진다. 한국 대중문화에서 ‘가족의 이야기’는 조선시대 고전소설부터 지금까지 보편성과 대중성을 확보한 소재이자 주제이며 원작보다 가족의 이야기를 강조한 영화 『신과 함께』는 여전히 이것이 유효함을 보여주는 예이다.

The movie 『Along With the Gods』 is an adaptation of the webtoon 『Along With the Gods』. In the process, the content changes, and the subject of each work changes. Webtoon 『Along with the Gods』 expands the perspective by presenting problems of individual life, social problems, and problems of values in each series. In addition, each series has a different narrative structure with a cross-development, a single story unfolding, and an omnibus configuration according to the subject. 『Along With the Gods: The Two Worlds』 and 『Along with the Gods: The Last 49 Day』 While adapting the original work, the first and second episodes are all focused on the theme of family understanding, love, and forgiveness. This is because a theme to gain a greater universal consensus was needed due to the nature of the film, which requires more popularity than the original webtoon. In Korean popular culture, “the story of the family” is a subject and theme that has secured universality and popularity from classical novels of the Joseon Dynasty to the present. The movie 『Along With the Gods』, which emphasized the story of the family rather than the original, is still an example of this validity.

이 연구의 목적은 DEA를 이용하여 미국 할리우드 영화 (2009-2012년 개봉, 수익 $100,000,000 이상)의 효율성 등급(제작비-수익)과 영화의 평점 정보를 고려한 정량적인 분류를 진행하는 것이다. 이 는 영화 산업의 구조가 기존의 영화관 수입(Box Office)에서 디지털 홈 비디오(Electronic Home Video) 로 주 수익구조가 변경되는 환경에서 영화 흥행성 요인에 관한 기존의 연구 결과와의 차별 점이 존재 한다는 것을 제시하였다. 또한 실험을 통해서 효율성 등급에 따른 4가지 영화 분류에 속하는 영화의 특 징은 각각의 고유 속성 및 성질을 가지고 있으며 영화 추천 시스템에 적용 가능성 및 기존의 제작비와 개봉스크린 규모의 영향력을 받는다는 영화 흥행성 결정 요인에 관한 새로운 시각을 제안하였다.

The goal of this research uses DEA and with effectiveness grade (production cost - benefit) of Hollywood movie (2009-2012 above of release and benefit $100,000,000) to process the classification which is fixed quantity considered evaluation marks information of movie. This structure of film industry about movie performance factor discrimination point with existing research result presented the thing from the environment where from existing movie theater income (box office) with the digital home video (electronic home video) the week profit structure is changed. Also experiment led and following effectiveness grade the feature of the movie which belongs to 4 kind movie classifications to have a respectively characteristic attribute and a nature, gets the influence of application possibility and existing production cost and release screen size about movie performance determining factor proposed the new view to movie recommendation system.

본 논문은 성품교육에 있어서 영화의 모델을 통해 교육적 소통을 증진시키고자 하는데 있다. 교육과 영화는 서로 인간의 본성에 대한 각각의 통찰의 시각을 갖고 있다. 특히 성품 교육의 소통에 있어서 어떤 영화들은 인간본 성의 중요 주제들을 다룬다. 인간은 자신의 행복을 추구함에 있어서 두 가지 태도가 있다. 첫째는 성취중심적인 태 도이다. 가정과 부모를 떠나 성취 중심적으로 자기의 지혜와 자기 자원으로 자기 행복을 추구하는 방법이다. 이런 태도에서 사람은 자기추구적이 되고 자기만족적인 삶을 살게 된다. 그의 행복은 절대적인 것이 아니라 상대적이며 비교적인 것으로 전락되어 버리고 만다. 인간의 고난은 성취중심적인 인간의 자기추구적인 행동에서 초래되는 것이 다. 둘째는 관계중심적인 태도이다. 진정한 행복은 성취중심적인 인간의 태도에서 오는 것이 아니라 신뢰의 관계에서 비롯되는 것이다. 영화 찰리와 초콜릿 공장은 바로 이런 구조를 극명하게 보여주고 있다. 영화 찰리와 초콜릿 공장 은 성취중심적인 인간의 모습과 관계중심적인 인간의 모습을 아주 극적으로 대조시키고 있다. 초콜릿 공장을 위해 가정을 버린 인물과 가정을 위해 초콜릿 공장을 포기하는 인물의 대립을 통해 진정으로 우리가 바라보아야 할 교육 학적 소통의 모델이 누구인지를 역동적으로 제시하고 있다. 본 논문은 인간 본성과 그 행복 추구에 있어서 성품인간 이 지향해야 할 교육학적 소통의 태도가 영화를 통해 인지되어지고 증진되도록 하는데 있다.

This paper studies the hermeneutical meaning and educational application of the teaching in "following the model" in the epistles. The film "Charlie and the Chocolate Factory" is also used analogically to supplement the educational communication. It has to be said that following the example involves not just talking about it but also living out the stories of self-renunciation, tolerance and forgiveness.

넷플릭스 오리지널 영화는 극장 개봉을 통한 영화 유통 및 소비 질서, 영화의 정의 등에 균열을 야기하고 있다. 극장 개봉은 영화 고유의 매체 적 특징으로 인식되어 왔으나 코로나19 팬데믹은 극장을 대표적인 기피 공간으로 부상시키고 있다. 이러한 상황에서 넷플릭스를 통해 영화를 공 개하려는 사례도 늘고 있다. 이 연구는 넷플릭스 오리지널 영화가 영화의 의미에 대한 고전적 질문을 새롭게 제기하고 있다는 점에 주목하여, 넷플 릭스 오리지널 영화가 구독 기반 서비스를 지속하게 하는 ‘퀄리티’ 콘텐츠 로 기능하고 있음을 주장하였다. 세계적 거장 감독들의 예술 작품으로서 넷플릭스 오리지널 영화는 세계 영화제 수상을 통해 예술성과 화제성을 인정받으며 넷플릭스를 콘텐츠 기업으로 부각시키는 동시에 언택트 시대 영화 소비 문화를 가정, 개인 중심으로 변화시키고 있다. 이 연구는 넷플 릭스 오리지널 영화에 대한 논의를 통해 팬데믹 시대 급속도로 변화하는 극장 중심의 영화 문화를 현재의 미디어 전경 변화와 TV와의 관계 속에 서, 가정의 맥락 속에서 탐색하고자 했다.

The global pandemic of COVID-19 has transformed activities from face-to-face to “untact,” or contact-free, through digital media. This trend is especially prominent in movie-watching habits, namely, the rapid increase in OTT platforms like Netflix, and the growing global culture of watching movies through “subscription-based” platform services. The traditional definition of “cinema” has deteriorated with the decline in theater-centered collective movie-watching culture. Netflix Original is leading changes in various aspects such as Netflix has gained recognition as a “content” company that offers movies by famous directors. The decline of theater culture in the untact era has allowed Netflix to serve as a new channel for movie releases, establishing itself as an alternative to theater-oriented culture. In the post TV regime, Netflix Original movie continues the genealogy of quality TV, and at the same time functions as higher artistic quality content.

본 논문에서는 『경성일보』 연재소설을 원작으로 1929년 제작된 영화 <요귀유혈록(妖鬼流血錄)>의 제작배경 및 제작과정을 『경성일보』의 기사를 중심으로 상세히 밝혀냄으로써, 총독부 선전미디어로서 『경성일보』가 ‘신문 연재소설의 영화화’라는 미디어 이벤트를 통해 대중성을 획득하여 그 영향력을 더욱 키워가는 미디어믹스 전략을 구사했음을 확인해보았다. 지금까지 전혀 주목받지 못했던 이 영화의 제작과정은, 식민지 조선에서 연재된 소설이 일본 내지의 영화제작회사에 의해 영화화된 후, 식민지 조선뿐만 아니라 내지와 만주로까지 확산되어간 대형 미디어 이벤트의 한 사례로서 주목된다. 1920년대 후반, 새로운 영화기술의 발명으로 그때까지 영화계를 지배하던 무성영화 제작시스템이 유성영화로 옮겨가던 무렵, 이러한 미디어믹스 전략을 통해 시대소설의 인기와 영화라는 매체의 인기는 상호 상승작용을 일으키며 『경성일보』가 대중성을 얻는 데 일조했다. 그 과정에서 『경성일보』는 영화의 제작･배급･흥행에 이르기까지 모든 단계에 관여함으로써, 대중문화상품의 ‘기획자’로서의 역할을 담당했다고 할 수 있다.

This paper presents a detailed study of the production background and process of the 1929 film “Youkiryuketsroku,” which was adapted from the serial novel under the same name as the daily newspaper Keijo Nippo. The articles show that the media event of “film adaptation of newspaper serial novel,” as a propaganda media of the Government-General, has strengthened the influence and gained popularity among the public and functioned as a media mix strategy. The production process of this film, based on the serial novel published in colonial Joseon and cinematized by a Japanese film company, has never been in the spotlight and is seen as an example of a large media event that has spread from colonial Joseon to mainland Japan and even Manchuria. When the silent film production system shifted to talkies in the late 1920s, this media mix strategy helped both the popularity of the period novel and that of the film to create an interaction, resulting in the newspaper gaining popularity. In the process, Keijo Nippo was involved in all phases of the movie industry, ranging from production to distribution to the box office, and served as a planner for popular cultural products.

본고는 마에다 데쓰(前田哲) 감독의 영화인 <노후자금이 없습니다!>(2021)의 스토리텔링 전 환 방식을 살펴보고자 한다. 영화는 원천콘텐츠인 소설의 매체 전환의 과정에서 스토리텔링의 변주를 통해 문화콘텐츠의 생산과 향유를 활성화하였다. 초고령사회로 진입하면서 경제적 안정과 노후준비의 중요성이 더욱 높아졌다. 영화는 장기불 황 속에 저출산 고령화가 가속화되고 있는 일본사회의 고민을 그대로 보여주지만, 서사의 전개 는 유쾌하고 코믹하다. 원작이 함유한 문제의 심각성을 관조하지 않고, 영화는 이를 희화화하여 변모를 시도한 것이다. 감독은 현상의 희화화라는 스토리텔링 전환을 통해 원작의 정체성과 연 계를 강화하여 정서적 여운을 강화하고 있다. ‘집’이라는 공간에서 삶을 꾸려가던 가족이 각자의 공간으로 이동하는 결말은 ‘이산(離散)의 역설성’을 드러내주고 있다. 이는 사회적 변화, 즉 전통과 유산을 이어가는 전통사회의 붕괴와 가치관의 변화가 요구되는 시대적 환경을 일깨우며 현실을 직시하도록 이끈다. 그러면서도 영 화의 스토리텔링은 삶의 시련과 절망 속에서도 삶을 전진하려는 긍정의 정서를 향유층에게 전 달하고자 한다.

This paper examines the storytelling adaptation of the 2021 film What Happened to Our Nest Egg!?, directed by Maeda Tetsu. In the process of adapting the original novel into a film, variations in storytelling revitalized both the production and consumption of its cultural content. As Japanese society enters an elderly “super–aged era”, the importance of financial stability and retirement preparedness has grown significantly. While the film reflects the greater concerns of Japanese society, which faces accelerating low birthrates and increased aging, amid a prolonged economic downturn, its narrative unfolds in a cheerful and comedic tone. Instead of contemplating the seriousness of the issues embedded in the original work, the film attempts to transform them by presenting them in a humorous and exaggerated way. Through the storytelling shift of rendering social realities in a humorous light, the director reinforces the connection to the original work’s identity while deepening its emotional resonance. The ending, in which the family that once built their lives within the shared space of a ‘home’ moves into individual spaces, reveals the paradox of separation. This highlights social changes, namely the collapse of traditional society that once upheld inherited values and customs, and prompts viewers to confront the realities of an era that demands a shift in values. At the same time, the film’s storytelling seeks to convey a sense of optimism to its audience, affirming the will to move forward even in the face of hardship and despair.

본 연구는 글로벌 사회, 다문화사회를 살아가는 현대 사회에서 필수적으로 요구되는 문화 다양성 교육에 관 한 것으로 영화를 활용하여 문화학습을 시행하고 그에 따른 학습자의 반응을 살피고자 하였다. 본 연구의 참여 자는 2024년 2학기 부산시에 소재하는 4년제 대학에서 영화 활용 수업인 미디어 영어 과목을 수강한 48명의 학생으로 구성되었다. 영화‘인턴’ 속에 나타나는 다양한 문화 요소들을 학습하는 수업 운영 방식을 소개하 고, 더 적극적인 연구 참여자들의 문화학습을 위해 조별 활동이 진행되었다. 영화 속 인물들의 대사와 장면, 배 경, 물건 등에 나타나는 문화 요소를 학습함과 동시에 사회 전반에 걸쳐 있는 주제화된 문화 즉, 사회에 뿌리 내리고 있거나 시대의 변화로 나타나는 사회적 이슈에 대한 깊은 토론을 통해 문화 다양성에 관한 교육을 학 습 현장에서 적용하고자 하였다. 6주간에 걸친 영화 활용 문화 수업을 시행하고 설문지와 개방형 질문을 통해 학습자의 반응을 알아보았으며 그 결과에 따른 교육적 시사점을 제시하고자 하였다.

This study is about cultural diversity education which is essential in a global society. The researcher tried to conduct cultural learning using movies and examine learners' awareness accordingly. The participants consisted of 48 students who attended Media English course at a university located in Busan in the second semester of 2024. The procedures of cultural learning course were introduced, and ‘The Intern(2015)’ was used for providing many types of cultural elements. The participants were asked to do many various group activities to investigate cultural components through script, songs, items, scenes and background. At the same time, the researcher focused to an in-depth discussion on social issues which are based on different culture. In the end, questionnaires and open-ended questions were given to participants to figure out learner’s awareness, and educational implications were discussed according to the results.

본 연구의 목적은 영화 및 드라마 촬영지가 관광 활성화에 기여한 사례를 특히 경상북도의 사례를 중심으로 분석해, 지자체가 촬영지 활용 지역관광 활 성화 방안을 모색하는데 도움을 주는 것이다. 이에 경상북도에서 촬영된 영화 <리틀 포레스트>, 드라마 <동백꽃 필 무렵>, <미스터 션샤인>, <갯마을 차차차> 의 촬영지가 지역관광에 미치는 영향력과 의미를 알아보았다. 먼저 촬영지 활 용 지역관광 활성화의 기본 요건은 첫째, 해당 영화와 드라마의 흥행이다. 둘 째, 심미적 감동을 위한 상징과 이미지가 표현되는 촬영지가 중요하다. 셋째, 스토리두잉(story-doing)을 활용할 수 있어야 한다. 넷째, SNS를 통한 공유와 확 산에 적합한 콘텐츠가 포함되어야 한다. 다음으로 촬영지 활용 지역관광 활성 화 방안은 첫째, 지자체의 철저한 사전 계획과 체계적이고 전략적인 마케팅이 필요하다. 둘째, 촬영지를 새로운 관광콘텐츠나 관광자원으로 인식하고 중장기 적인 활용계획을 세워야 한다. 셋째, 투자 사업자와 지자체, 주민단체가 공통의 가치를 인식하고 긴밀하게 협력하고, 민관 협력으로 새로운 콘텐츠를 지속적으 로 발굴해야 한다. 본 연구의 의의는 영화 드라마 촬영지 활용 지역관광 활성 화를 위해 지자체가 어떤 노력을 해야 하는지에 초점을 두었다는 것이다. 본 연구가 실제 지역관광 활성화를 추진하고 있는 지방자치단체나 지방공기업, 관 광사업체 등에 참조자료로 활용될 수 있기를 기대한다.

This study explored successful cases in Gyeongsangbuk-do to find out ways to revitalize local tourism by utilizing film and drama filming locations. First, the film Rocky, which contributed to revitalizing local tourism, and the Korean TV dramas Sandglass and Winter Sonata were examined. In addition, as cases in Gyeongsangbuk-do, the film Little Forest, the dramas When the Camellia Blooms, Mr. Sunshine, and The Sea Village Cha Cha Cha were examined to find out the influence and meaning of filming locations on local tourism. The research results showed that the basic requirement for revitalizing local tourism by utilizing filming locations is that filming locations that express symbols and images for the box office success and aesthetic impression of the relevant movie or drama are important. The implications of this study for local governments are as follows. First, they should have a continuous interest in the latest trends and developments in video content such as movies and broadcasts and have insight and vision to find out which works will be successful. Second, they should actively respond to production companies’ requests for filming location information or recommendations in order to discover and re-create hidden locations in the region. Third, places that have become popular as filming locations need to make efforts to maximize the effects of revitalizing local tourism by utilizing filming locations through continuous aftercare and active cooperation of related parties. Lastly, it was suggested that local governments should make active marketing and negotiation efforts before the production of works and plans to utilize filming locations as tourism content are important.

영화는 어떤 예술보다 시간에 의존하는 매체이다. 영화의 사건들은 계기적으로 연결되기도 하고(여기서 가시적인 시간이 만들어진다) 계열 적으로 연결되기도 한다. 이 사건들의 총체가 누적되어 하나의 서사체를 만든다. 이것이 플롯이다. 대개의 플롯은 내부 이야기와 외부 이야기의 조합으로 이루어진다. 예 를 들어 내부 이야기의 전모(주인공이 누구인지, 범인이 누구인지)가 빨리 밝혀지면 영화는 1) 액션이나 기행, 어드벤처 류의 플롯으로 짜여진다. 반면 내부 이야기 사건(주인공 또는 악한의 정체) 등의 파악이 늦어지면 스릴러물이나 추리 플롯으로 전개될 것이다. 1)과 2)를 조합하는 정도에 따라 다양한 3)의 플롯 전개도 가능하다. 결론적으로 영화에서 내부 이야 기의 전모가 드러나는 시간(사건, 주인공)에 대한 정보와 영화의 플롯은 긴밀한 연관을 맺고 있다. 본고에서는 이를 세 유형으로 나누어 살펴 보았 다. 예시로 사용한 영화는 ｢테이큰｣, ｢원초적 본능｣, ｢보디가드｣이다. ｢테이큰｣의 내부 이야기(딸의 납치 사건)는 사건 발생 5분 안에 완전히 해결된다. 딸을 납치한 범죄자들의 신상과 조직, 수법 등이 러닝-타임 5분 안에 다 밝혀지는 것이다. 외부 이야기는 주인공 ‘리암 리슨’이 앞에 나타나는 납치범들을 고민 없이 잔혹하게 처단하는 줄거리이다. 반면 ｢원초적 본능｣에서는 내부 이야기 사건이 해결되지 못한다. 연쇄 살인 사건이 발생하는데 누가 범인인지 특정을 하지 못하기 때문이다. 범인이 누구인지 알 수 없기 때문에 혼란스러운 스토리가 전개된다. ｢보디가드｣ 는 1)과 2)의 결합이다. ｢보디가드｣에서도 범인은 ｢원초적 본능｣처럼 쉽 게 특정되지 않는다. 그러나 영화의 끝에 가면 ｢테이큰｣처럼 누가 범인인 지가 밝혀진다. 사건에 대한 지연된 정보가 결말의 타격감 있는 액션을 완성한다. 완벽한 1)과 2)의 결합이라 할 수 있다. 내부 이야기와 외부 이야기 시간이 만들어 낸 플롯의 세계들이다.

Film is a medium that relies on time more than any other art form. The events in the film are sometimes connected causally(this is when visible time is created) and sometimes connected serially. The totality of these events accumulates to create a single narrative. This is the plot. The plot is mostly a combination of internal and external stories. For example, if the entire picture of the internal story, such as who the main character is or who the culprit is, is revealed quickly, the film is structured as 1) an action, travel, or adventure type plot. On the other hand, if the identity of the protagonist or villain of the internal story is discovered late, the plot will develop into 2) a thriller or mystery. Also, various types of 3) plot developments are possible, depending on how 1) and 2) are combined. In conclusion, the moment in which the entire picture of the internal story is revealed in the film and the film’s plot are closely related. The internal story (the kidnapping of the daughter) of “Taken” is completely resolved within 5 minutes of the incident. The identity, organization, and methods of the criminals who kidnapped the daughter are all revealed within the 5-minute running time. On the other hand, the internal story incident in “Basic Instinct” is not resolved. This is because a serial murder case occurs, but the culprit cannot be identified. The story is very confusing because we don't know who the culprit is. “Bodyguard” is a combination of 1) and 2). In “Bodyguard”, the culprit is not easily identified like in “Basic Instinct”. However, at the end of the movie, just like in “Taken”, the culprit is revealed. It can be said to be a perfect combination of 1) and 2). These are the worlds of plot created by the internal story and the external story time.

본 논문은 2010년 대런 애러노프스키 감독의 <블랙스완> 영화에서 나타난 주인공 니나의 심리를 바탕으 로 음악과의 관계를 살펴보았다. 새롭게 각색된 발레 극《백조의 호수》의 주인공이 된 니나는 순수한 백조와 야 심 많은 흑조가 서로 대립하는 1인 2역 두 역할을 맡았다. 니나는 순수한 백조의 역할에서는 완벽했으나 왕자를 유혹하고 백조에게서 빼앗는 상반된 흑조의 역할에는 자신이 없었다. 니나는 욕망 가득한 흑조로 다가갈수록 자아 를 잃어갔으며, 결국 니나는 자신이 보는 주관적인 자아와 자신을 보는 거울 속의 자아로 분열된다. 본 논문은 니 나의 자아가 변해가는 심리상태를 프로이트가 제시한 원초아, 자아, 초자아의 삼원 구조 이론을 바탕으로 설명하 고, 거울로 분리된 니나 자아의 이중성에 대해 영상과 음악적 요소에서 나타난 상징적 의미를 분석하였다.

This study deals with the psychology of Nina, the main character in the 2010 film Black Swan directed by Darren Aranovsky, in connection with music. Nina, who became the main character of the newly adapted ballet "Swan Lake," played two roles, one person and two roles, where pure swans and ambitious black swans confront each other. Nina was perfect in the role of a pure swan, but she was not confident in the role of a black swan that seduced the prince and took it away from the swan. As Nina approaches the desire-filled black swan, she loses herself, and eventually Nina divides into the subjective self she sees and the self in the mirror that sees herself. This study explained the psychological state of Nina's ego changing based on Freud's theory of the tripartite theory of personality of the id, ego, and superego and the symbolic meaning of the double of the Nina ego separated by a mirror was analyzed in the scene and musical elements.

This study was conducted with the recognition of the problem that English speaking research is relatively insufficient despite the active use of movies in the field of foreign language education. The purpose of this study is to examine the effects of movie use on self-efficacy in speaking English for learners of Korea Polytechnic College. It is expected that meaningful research results will be derived when considering the correlation between movie use and English speaking, and English speaking and self-efficacy. The subjects of this study were English learners majoring in Power Plant and Diving, which are degree courses at Korea Polytechnic College, and a total of 33 students participated. As a research tool, an English speaking self-efficacy questionnaire was used, and for the analysis of the results, a case study method was adopted and quantitative analysis was performed using Jamovi, a statistical program. The results are as follows: First, learners showed high self-efficacy in speaking English through the use of movies. Second, the self-efficacy of speaking English was higher in the case of having previously experienced film use classes. Third, the movie use class showed statistically significant English speaking self-efficacy regardless of learners’ English level, but it was particularly effective for upper-level learners.

이 연구는 뮤지컬과 영화라는 서로 다른 두 매체에 중심에 있는 배우의 연기의 표현방식에 대하여 알 아보고자 한 것이다. 1866년 시작된 뮤지컬과 1895년 시작된 영화의 경우 연극에 비해 짧은 역사를 지니 고 있지만 다양한 기술들이 발전되고 있는 4차 산업혁명과 더불어 비약적인 발전을 이루고 있으며 더불 어 뮤지컬의 경우 연극과 같이 무대 연기의 주체로 자리매김을 하는 시점이다. 게다가 근래 발병한 코로 나 19사태로 인해 집합금지 명령이 내려지며 자연스레 공연을 즐기던 대중들이 언제든 즐길 수 있는 미 디어 매체로의 플랫폼으로 많이 돌아서게 되었고, 또한 대중들의 눈이 평론가에 비등할 정도는 아니더라 도 많은 수준 연기를 분석하고 평을 할 수 있는 시대가 되었으므로 무대 연기가 카메라를 통해 매체로 넘어가고 있는 현시점에서 각 장르를 대표하는 영화와 뮤지컬 배우의 매체에 따른 표현방식을 비교 연구 하고 분석하여 각 연기법을 한눈에 볼 수 있게 하여 무대 연기의 자연스러운 매체 표현방식 융합법을 알 아보고 뮤지컬 장르적 특성과 표현법을 자세히 비교하여 나타내고 서술하여 무엇이 뮤지컬연기를 하고 있는 배우들이 연기함에 있어 무대가 아닌 매체를 통해 볼 때 자연스러울 수 있는지 알아볼 수 있는 긍 정적인 효과를 기대할 수 있을 것이다. 또한 이 둘을 한곳에 모아놓은 장르로 뮤지컬 영화 장르를 제시 할 수 있는데 기존 각 매체인 무대 그리고 영화를 합해서 만든 장르로 무대와 매체의 연기 표현방식을 지니고 있지만 아직까지 기존 뮤지컬 배우들의 영화 출연이 성사되고 있지 않은 상황이고, 불가피하게 코로나 19로 인해 기존 뮤지컬 배우들이 공연실황을 통해 매체에 노출될 수밖에 없는 상황에 무대연기 를 중점으로 하던 배우들이 고민하고 있을 매체 연기 융합의 조그마한 길을 제시할 수 있을 것이라고 생 각하고 매체 연기를 주로 하는 배우 또한 뮤지컬 장르의 표현법을 알아보고 이해 할 수 있을 것이라고 생각한다. 본 연구자는 영화와 뮤지컬을 중심으로 두 매체 간 배우의 표현방식을 비교 연구하여 뮤지컬 연기과 영화 연기의 특수성을 논하고 분석하고 이해하여 앞으로 두 매체 간 배우의 더 나은 표현방식의 제시, 그리고 나은 연기법으로써의 제시를 목적으로 한다.

The study was to analyze how actors express their acting in two mediums: musicals and movies. Unlike plays with thousands of years of history, movies and musicals are only 200 years old with the 4th Industrial Revolution. However, recent technological revolutions helped them making great strides and developing differently from the plays. Musical stage performances, like the play, gained much attention in the past decades. But, the present coronavirus outbreak has led to a ban on musical performances in public. As a result, the masses that enjoyed the stage performances earlier are naturally turning to a media platform that one can entertain at any time. Consequently, stage performance is changing from camera to the movies where the musical actors represent each genre. Musical movies are created by combining the existing media stage and the film. They include each musical genre characteristics and expressions by detailing, comparing, representing, and describing the musical performance of the actors in the acting. In this medium, viewers with prior stage performance experiences can compare, study, and analyze each acting method, especially the way of expression at a glance. The existing musical actors are not yet starring in the films. Certainly, COVID-19 will cause existing musical actors to engage in the popular media through performance. As a result, actors who are mainly on media performances will learn and understand how musical performances are represented by the original musical performers. Therefore, the mainstream actors will provide a small path to this media-based fusion between the two media in the future to present better expression of actors and the purpose of better acting. Therefore, it is essential to analyze and review the actor's performances in the public eyes, and the present study discusses and analyzes the characteristics of each medium by comparing the expressions of actors in the movie and musical "Moulin Rouge”.

This study was conducted to investigate the technique of labor makeup among the special makeups shown in the movie "Astronomy: Burying in the Sky." The astronomical astronomical story is the story of King Sejong the Great and Young-Sil Jang together in their dreams for 20 years to create the time and sky of the Joseon Dynasty. Classification of labor in movies is required as an important factor in the film industry as it enhances the completeness of the work by effectively and realistically expressing the roles in the play. In the current previous studies, digital make-up and Ani-Metronix make-up are dominated, so by studying the labor make-up in'Astronomy: Asking in the Sky', which deals with the labor make-up technique in a movie that melts the life of the protagonist in a period drama or play, The research is meaningful in seeking a more developmental direction for the completeness of character direction.

This study was conducted to find out the special makeup techniques shown in the movie parasites. Parasite is a black comedy suspense film that shows social polarization in the form of decalcomanie. The special makeup in the movie enhanced communication between the audience and each other, winning four major awards including the Best Picture award at the Academy Awards. Special makeup such as bruises, wounds, rashes, abrasions, and cuts appear in the movie's stabbing scene. Currently, the study of digital makeup and Annie Metronics makeup is mainly focused on prior research, which is meaningful in that it melts the chronic structural contradictions of Korean society into special makeup and researches the special makeup shown in the black comedy film parasites that visually express poverty and crime, thereby simultaneously developing the Korean film industry in the future and seeking a more developmental direction for those who are engaged in and studying special makeup.

본 연구는 국내 영화 콘텐츠 큐레이션 연구에 나타난 메타데이터 연구들을 찾아서 연도별로 내용과 변화를 예술 경영의 관점에서 분석하는 것이다. 큐레이션과 추천시스템은 모두 그 바탕에 메타데이터의 기능이 작동하고 있다. 연구 의 목적은 디지털 콘텐츠에서 큐레이션과 추천시스템이 어떻게 다른가를 확인하는 것이다. 연구절차와 방법은 ‘영화’와 ‘메타데이터’를 키워드로 논문을 검색하고, 이를 연도별 연구경향, 연구내용의 목적, 용도별 분석, 추천 방식의 유형에 따른 변화의 4단계로 분석하는 과정을 거쳤다. 연구 결과는 영화 메타데이터 연구는 이용자 측면의 연구에 관심이 높고, 도입단계, 추천방식 진화단계, 공유와 참여 단계로 발전하고 있으며, 영화 큐레이션은 검색지원, 콘텐츠 기반, 협력필터 링, 하이브리드, 인공지능, 큐레이션의 6단계로 진화하였다는 결론을 얻은 것이다. 이 연구는 장르별 예술경영을 위한 메타데이터 개발에 기여할 것으로 기대한다.

This study analyzed the contents and changes by year of metadata research that appeared in the study of domestic movie curation from the viewpoint of art management. The research method used thesis search site to search 'movie' and 'metadata' as keywords, and analyzed them in 4 stages of change according to the research trend by year, purpose of research content, analysis by use, and type of recommendation method. As for research results, movie metadata research is highly interested in user-side research, and is developing from an introduction stage to an evolutionary stage of recommendation to a sharing and participation stage. It was concluded that movie curation evolved into 6 stages: search support, content-based, collaborative filtering, hybrid, artificial intelligence, and curation.